Lew Nikolajewitsch Wlassenko |

Lew Wlassenko

Es gibt Städte mit besonderen Verdiensten vor der Musikwelt, zum Beispiel Odessa. Wie viele glänzende Namen stifteten in den Vorkriegsjahren die Konzertbühne. Tiflis, der Geburtsort von Rudolf Kerer, Dmitry Bashkirov, Eliso Virsalazze, Liana Isakadze und einer Reihe anderer prominenter Musiker, kann stolz sein. Auch Lev Nikolaevich Vlasenko begann seinen künstlerischen Weg in der Hauptstadt Georgiens – einer Stadt mit langen und reichen künstlerischen Traditionen.

Wie es bei angehenden Musikern oft der Fall ist, war sein erster Lehrer seine Mutter, die einst selbst an der Klavierabteilung des Konservatoriums von Tiflis unterrichtete. Nach einiger Zeit geht Vlasenko zu der berühmten georgischen Lehrerin Anastasia Davidovna Virsaladze, die ihren Abschluss macht und in ihrer Klasse eine zehnjährige Musikschule studiert, dann das erste Jahr des Konservatoriums. Und auf dem Weg vieler Talente zieht er nach Moskau. Seit 1948 gehört er zu den Schülern von Yakov Vladimirovich Flier.

Diese Jahre sind nicht einfach für ihn. Er ist gleichzeitig Student an zwei Hochschulen: Neben dem Konservatorium studiert Vlasenko am Institut für Fremdsprachen (und schließt sein Studium rechtzeitig ab); Der Pianist spricht fließend Englisch, Französisch, Italienisch. Und doch hat der junge Mann genug Energie und Kraft für alles. Am Konservatorium tritt er vermehrt auf Studentenfesten auf, sein Name wird in Musikkreisen bekannt. Von ihm wird jedoch mehr erwartet. Tatsächlich gewann Vlasenko 1956 den ersten Preis beim Liszt-Wettbewerb in Budapest.

Zwei Jahre später nimmt er erneut am Wettbewerb der darstellenden Musiker teil. Diesmal gewann der Pianist in seinem Haus in Moskau beim Ersten Internationalen Tschaikowsky-Wettbewerb den zweiten Preis und ließ nur Van Cliburn hinter sich, der damals in der Blüte seines enormen Talents stand.

Vlasenko sagt: „Kurz nach meinem Abschluss am Konservatorium wurde ich in die Reihen der Sowjetarmee eingezogen. Etwa ein Jahr habe ich das Instrument nicht angerührt – ich lebte mit ganz anderen Gedanken, Taten, Sorgen. Und natürlich ziemlich nostalgisch für die Musik. Als ich demobilisiert wurde, machte ich mich mit dreifacher Energie an die Arbeit. Anscheinend gab es in meiner Schauspielerei damals eine Art emotionale Frische, unverbrauchte künstlerische Kraft, einen Durst nach Bühnenkreativität. Auf der Bühne hilft es immer, mir hat es damals auch geholfen.

Früher sei ihm die Frage gestellt worden, sagt der Pianist: Bei welcher der Prüfungen – in Budapest oder Moskau – habe er es schwerer gehabt? „Natürlich, in Moskau“, antwortete er in solchen Fällen, „wurde der Tschaikowsky-Wettbewerb, bei dem ich aufgetreten bin, zum ersten Mal in unserem Land abgehalten. Erstmals - das sagt alles. Er erregte großes Interesse – er versammelte die prominentesten sowjetischen und ausländischen Musiker in der Jury, zog das breiteste Publikum an, geriet ins Zentrum der Aufmerksamkeit von Radio, Fernsehen und Presse. Es war extrem schwierig und verantwortungsvoll, bei diesem Wettbewerb mitzuspielen – jeder Einsatz am Klavier war eine Menge nervöser Anspannung wert …“

Siege bei namhaften Musikwettbewerben – und das „Gold“ von Vlasenko in Budapest und sein „Silber“ in Moskau galten als große Siege – öffneten ihm die Türen zur großen Bühne. Er wird professioneller Konzertkünstler. Seine Auftritte im In- und Ausland ziehen zahlreiche Zuhörer an. Doch nicht nur als Musiker, Träger wertvoller Lorbeerornaten, wird ihm Aufmerksamkeit geschenkt. Die Einstellung zu ihm ist von Anfang an unterschiedlich bestimmt.

Es gibt auf der Bühne wie im Leben Naturen, die sich allseitiger Sympathie erfreuen – direkt, offen, aufrichtig. Vlasenko als Künstler unter ihnen. Man glaubt ihm immer: Wenn er leidenschaftlich daran interessiert ist, ein Werk zu interpretieren, ist er so wirklich leidenschaftlich, aufgeregt – so aufgeregt; wenn nicht, kann er es nicht verbergen. Die sogenannte Performance-Kunst ist nicht seine Domäne. Er handelt nicht und verstellt sich nicht; sein Motto könnte lauten: „Ich sage, was ich denke, ich drücke aus, was ich fühle.“ Hemingway hat wunderbare Worte, mit denen er einen seiner Helden charakterisiert: „Er war wirklich von innen heraus menschlich schön: Sein Lächeln kam aus dem Herzen oder aus der sogenannten Seele eines Menschen und kam dann fröhlich und offen zum Ausdruck Oberfläche , dh das Gesicht beleuchtet “ (Hemingway E. Jenseits des Flusses, im Schatten der Bäume. – M., 1961. S. 47.). Wenn Sie Vlasenko in seinen besten Momenten zuhören, erinnern Sie sich zufällig an diese Worte.

Und noch etwas beeindruckt das Publikum beim Treffen mit einem Pianisten – seine Bühne Geselligkeit. Gibt es wenige von denen, die sich auf der Bühne verschließen, sich vor Aufregung in sich zurückziehen? Andere sind von Natur aus kühl, zurückhaltend, das macht sich in ihrer Kunst bemerkbar: Sie sind, so ein gängiger Ausdruck, nicht sehr „gesellig“, sie halten den Zuhörer wie auf Distanz zu sich selbst. Bei Vlasenko fällt es aufgrund der Besonderheiten seines Talents (sei es künstlerisch oder menschlich) leicht, wie von selbst, den Kontakt zum Publikum herzustellen. Wer ihn zum ersten Mal hört, ist manchmal erstaunt – man hat den Eindruck, ihn als Künstler schon lange und gut zu kennen.

Diejenigen, die Vlasenkos Lehrer, Professor Yakov Vladimirovich Flier, näher kannten, argumentieren, dass sie viel gemeinsam hatten – ein strahlendes Pop-Temperament, Großzügigkeit emotionaler Ergüsse, eine kühne, mitreißende Art zu spielen. Es war wirklich. Es ist kein Zufall, dass Vlasenko nach seiner Ankunft in Moskau ein Schüler von Flier und einer der engsten Schüler wurde; später entwickelte sich ihre Beziehung zu einer Freundschaft. Die Verwandtschaft der kreativen Natur der beiden Musiker zeigte sich jedoch auch in ihrem Repertoire.

Oldtimer von Konzertsälen erinnern sich gut, wie Flier einst in Liszts Programmen glänzte; es gibt ein Muster darin, dass Vlasenko auch mit Werken von Liszt debütierte (Wettbewerb 1956 in Budapest).

„Ich liebe diesen Autor“, sagt Lev Nikolaevich, „seine stolze künstlerische Pose, sein edles Pathos, seine spektakuläre Toga der Romantik, sein oratorischer Ausdrucksstil. So kam es, dass ich mich in der Musik von Liszt immer wieder leicht wiederfand … Ich erinnere mich, dass ich sie schon in jungen Jahren mit besonderem Vergnügen gespielt habe.

Vlasenko jedoch nicht nur begonnen von Liszt auf die große Konzertbühne. Und heute, viele Jahre später, stehen die Werke dieses Komponisten im Mittelpunkt seiner Programme – von Etüden, Rhapsodien, Transkriptionen, Stücken aus dem Zyklus „Wanderjahre“ bis hin zu Sonaten und anderen Werken großer Form. Ein bemerkenswertes Ereignis im philharmonischen Leben Moskaus in der Saison 1986/1987 war also Vlasenkos Aufführung der beiden Klavierkonzerte „Totentanz“ und „Fantasie über ungarische Themen“ von Liszt; begleitet von einem Orchester unter der Leitung von M. Pletnev. (Dieser Abend war dem 175. Geburtstag des Komponisten gewidmet.) Der Publikumserfolg war wirklich groß. Und kein Wunder. Funkelnde Klavierbravour, allgemeines Hochgefühl im Ton, laute Bühnensprache, Fresko, kraftvoller Spielstil – all das ist Vlasenkos wahres Element. Hier zeigt sich der Pianist von der für ihn vorteilhaftesten Seite.

Es gibt einen anderen Autor, der Vlasenko nicht weniger nahe steht, so wie derselbe Autor seinem Lehrer Rachmaninov nahe stand. Auf den Plakaten von Vlasenko sind Klavierkonzerte, Präludien und andere Rachmaninoff-Stücke zu sehen. Wenn ein Pianist „on the beat“ ist, beherrscht er dieses Repertoire wirklich gut: Er überschwemmt das Publikum mit einer großen Flut von Gefühlen, „überwältigt“, wie einer der Kritiker es ausdrückte, mit scharfen und starken Leidenschaften. Meisterhaft besitzt Vlasenko und dicke „Cello“-Timbres, die in Rachmaninovs Klaviermusik eine so große Rolle spielen. Er hat schwere und weiche Hände: Klangmalerei mit „Öl“ liegt ihm näher als trockene Klang-„Grafik“; – könnte man in Anlehnung an die mit der Malerei begonnene Analogie sagen, dass ihm ein breiter Pinsel bequemer ist als ein spitzer Bleistift. Aber wahrscheinlich ist die Hauptsache in Vlasenko, da wir über seine Interpretationen von Rachmaninovs Stücken sprechen, dass er in der Lage, die musikalische Form als Ganzes zu erfassen. Umarmen Sie frei und natürlich, ohne sich vielleicht durch Kleinigkeiten ablenken zu lassen; Genau so spielten übrigens Rachmaninow und Flier.

Schließlich gibt es noch den Komponisten, der ihm laut Vlasenko im Laufe der Jahre fast am nächsten gekommen ist. Das ist Beethoven. Tatsächlich bildeten Beethovens Sonaten, vor allem Pathetique, Lunar, Second, Seventeenth, Appassionata, Bagatellen, Variationszyklen, Fantasia (op. 77), die Grundlage von Vlasenkos Repertoire der siebziger und achtziger Jahre. Ein interessantes Detail: Sich in langen Gesprächen über Musik nicht als Spezialist zu bezeichnen – für diejenigen, die wissen, wie und lieben es, sie in Worte zu fassen, sprach Vlasenko dennoch mehrmals mit Geschichten über Beethoven im Zentralfernsehen.

„Mit zunehmendem Alter finde ich diesen Komponisten immer attraktiver für mich“, sagt der Pianist. „Lange Zeit hatte ich einen Traum – einen Zyklus von fünf seiner Klavierkonzerte zu spielen.“ Lev Nikolaevich hat sich diesen Traum in einer der letzten Spielzeiten hervorragend erfüllt.

Natürlich wendet sich Vlasenko, wie es sich für einen professionellen Gastdarsteller gehört, einer breiten Palette von Musik zu. Sein Aufführungsarsenal umfasst Scarlatti, Mozart, Schubert, Brahms, Debussy, Tschaikowsky, Skrjabin, Prokofjew, Schostakowitsch … Sein Erfolg in diesem Repertoire, wo ihm etwas näher und etwas weiter entfernt ist, ist jedoch nicht dasselbe, nicht immer stabil und selbst. Allerdings sollte man sich nicht wundern: Vlasenko hat einen ganz bestimmten Spielstil, dessen Grundlage eine große, mitreißende Virtuosität ist; Er spielt wirklich wie ein Mann – stark, klar und einfach. Irgendwo überzeugt es, und zwar vollständig, irgendwo nicht ganz. Es ist kein Zufall, dass, wenn Sie sich Vlasenkos Programme genauer ansehen, Sie feststellen werden, dass er Chopin mit Vorsicht begegnet …

Aproposо Aufgeführt vom Künstler, ist es unmöglich, die erfolgreichsten in seinen Programmen der letzten Jahre nicht zu erwähnen. Hier ist Liszts h-Moll-Sonate und Rachmaninows Etüden-Gemälde, Skrjabins Dritte Sonate und Ginasteras Sonate, Debussys Bilder und seine Insel der Freude, Hummels Rondo in Es-Dur und Albenizs Cordova… Seit 1988 ist die Zweite Sonate von Vlasenko auf den Plakaten zu sehen BA Arapov, kürzlich von ihm gelernt, sowie Bagatellen, Op. 126 Beethoven, Präludien, Op. 11 und 12 Skrjabin (auch neue Werke). In den Interpretationen dieser und anderer Werke sind vielleicht die Merkmale von Vlasenkos modernem Stil besonders deutlich sichtbar: die Reife und Tiefe des künstlerischen Denkens, kombiniert mit einem lebendigen und starken musikalischen Gefühl, das mit der Zeit nicht verblasst ist.

Seit 1952 unterrichtet Lev Nikolaevich. Zunächst an der Moskauer Chorschule, später an der Gnessin-Schule. Seit 1957 gehört er zu den Lehrern des Moskauer Konservatoriums; In seiner Klasse erhielten N. Suk, K. Oganyan, B. Petrov, T. Bikis, N. Vlasenko und andere Pianisten eine Eintrittskarte für das Bühnenleben. M. Pletnev studierte mehrere Jahre bei Vlasenko – in seinem letzten Jahr am Konservatorium und als Assistenzpraktikant. Vielleicht waren dies die hellsten und aufregendsten Seiten der pädagogischen Biographie von Lev Nikolaevich …

Lehren bedeutet, ständig einige Fragen zu beantworten, zahlreiche und unerwartete Probleme zu lösen, die das Leben, die pädagogische Praxis und die studentische Jugend aufwerfen. Was ist beispielsweise bei der Auswahl eines pädagogischen und pädagogischen Repertoires zu beachten? Wie bauen Sie Beziehungen zu Schülern auf? Wie führe ich einen Unterricht so durch, dass er so effektiv wie möglich ist? Aber die vielleicht größte Sorge entsteht für jeden Lehrer des Konservatoriums im Zusammenhang mit den öffentlichen Auftritten seiner Schüler. Und die jungen Musiker selbst suchen beharrlich nach einer Antwort der Professoren: Was braucht es für den Bühnenerfolg? ist es möglich, es irgendwie vorzubereiten, „bereitzustellen“? Gleichzeitig können nur wenige Menschen mit offensichtlichen Wahrheiten zufrieden sein – wie die Tatsache, dass das Programm ausreichend gelernt, technisch „fertig“ und „alles klappen und herauskommen“ muss. Vlasenko weiß, dass man in solchen Fällen nur aufgrund eigener Erfahrung etwas wirklich Nützliches und Notwendiges sagen kann. Nur wenn Sie von dem Erfahrenen und Erfahrenen von Ihm ausgehen. Eigentlich ist es genau das, was diejenigen, die er unterrichtet, von ihm erwarten. „Kunst ist die Erfahrung des persönlichen Lebens, erzählt in Bildern, in Empfindungen“, schrieb AN Tolstoi, „ persönliche Erfahrung, die den Anspruch erhebt, eine Verallgemeinerung zu sein» (Tolstych VI Kunst und Moral. – M., 1973. S. 265, 266.). Umso mehr die Kunst des Lehrens. Daher bezieht sich Lev Nikolaevich gerne auf seine eigene Aufführungspraxis – sowohl im Klassenzimmer, unter Studenten als auch in öffentlichen Gesprächen und Interviews:

„Auf der Bühne passieren ständig einige unvorhersehbare, unerklärliche Dinge. So komme ich zum Beispiel ausgeruht, auf die Aufführung vorbereitet, selbstbewusst in den Konzertsaal – und der Clavierabend geht ohne große Begeisterung vorbei. Und umgekehrt. Ich kann in einem solchen Zustand auf die Bühne gehen, dass es scheint, als könnte ich dem Instrument keinen einzigen Ton entlocken – und das Spiel wird plötzlich „gehen“. Und alles wird leicht, angenehm … Was ist hier los? Weiß nicht. Und niemand weiß es wahrscheinlich.

Auch wenn es einiges vorzusehen gibt, um die ersten Minuten des Bühnenaufenthalts zu erleichtern – und das sind die schwierigsten, unruhigsten, unzuverlässigsten … – halte ich es dennoch für möglich. Was zum Beispiel zählt, ist der eigentliche Aufbau des Programms, sein Layout. Jeder Performer weiß, wie wichtig das ist – und zwar gerade im Zusammenhang mit der Problematik des Pop-Wohlbefindens. Grundsätzlich tendiere ich dazu, ein Konzert mit einem Stück zu beginnen, in dem ich mich möglichst ruhig und sicher fühle. Beim Spielen versuche ich, so genau wie möglich auf den Klang des Klaviers zu hören; an die Raumakustik anpassen. Kurz gesagt, ich bemühe mich, mich voll und ganz in den Aufführungsprozess einzutauchen, mich für das zu interessieren, was ich tue. Das ist das Wichtigste – Interesse wecken, sich mitreißen lassen, sich voll und ganz auf das Spiel konzentrieren. Dann lässt die Aufregung allmählich nach. Oder vielleicht hörst du einfach auf, es zu bemerken. Von hier aus ist es bereits ein Schritt zum kreativen Zustand, der erforderlich ist.

Vlasenko legt großen Wert auf alles, was einer öffentlichen Rede auf die eine oder andere Weise vorausgeht. „Ich erinnere mich, dass ich einmal mit der wunderbaren ungarischen Pianistin Annie Fischer über dieses Thema gesprochen habe. Am Tag des Konzerts hat sie eine besondere Routine. Sie isst fast nichts. Ein gekochtes Ei ohne Salz, und das war's. Das hilft ihr, auf der Bühne den nötigen psychophysiologischen Zustand zu finden – nervös optimistisch, freudig aufgeregt, vielleicht sogar ein wenig exaltiert. Es kommt jene besondere Subtilität und Schärfe der Gefühle zum Vorschein, die für einen Konzertsänger absolut notwendig ist.

Das alles ist übrigens leicht erklärt. Wenn eine Person satt ist, neigt sie normalerweise dazu, in einen wohlgefällig entspannten Zustand zu verfallen, nicht wahr? An sich mag es angenehm und „bequem“ sein, aber es ist nicht sehr geeignet, um vor Publikum aufzutreten. Denn nur wer innerlich elektrisiert ist, der all seine seelischen Saiten gespannt vibrieren lässt, kann beim Publikum eine Reaktion hervorrufen, es zur Empathie treiben …

Daher passiert manchmal das Gleiche, wie ich oben bereits erwähnt habe. Es scheint, dass alles für einen erfolgreichen Auftritt förderlich ist: Der Künstler fühlt sich wohl, er ist innerlich ruhig, ausgeglichen, fast zuversichtlich in seine eigenen Fähigkeiten. Und das Konzert ist farblos. Es gibt keinen emotionalen Strom. Und natürlich auch das Hörer-Feedback …

Kurz gesagt, es ist notwendig zu debuggen, den Tagesablauf am Vorabend des Auftritts zu überdenken – insbesondere die Ernährung – es ist notwendig.

Aber das ist natürlich nur eine Seite der Sache. Eher äußerlich. Im Großen und Ganzen sollte das ganze Leben eines Künstlers – im Idealfall – so sein, dass er immer und in jedem Moment bereit ist, mit seiner Seele auf das Erhabene, Vergeistigte, poetisch Schöne zu antworten. Wahrscheinlich braucht man nicht zu beweisen, dass ein kunstinteressierter Mensch, der Literatur, Poesie, Malerei, Theater liebt, viel mehr zu hohen Gefühlen neigt als ein Durchschnittsmensch, dessen Interessen alle auf die Sphäre konzentriert sind des Gewöhnlichen, Materiellen, Alltäglichen.

Oft hören junge Künstler vor ihren Auftritten: „Denkt nicht an das Publikum! Es stört! Denken Sie auf der Bühne nur daran, was Sie selbst tun …“. Vlasenko sagt dazu: „Es ist leicht zu beraten …“. Er ist sich der Komplexität, Mehrdeutigkeit und Dualität dieser Situation bewusst:

„Gibt es während einer Aufführung Publikum für mich persönlich? Bemerke ich sie? Ja und nein. Einerseits ist es so, als würde man nicht an das Publikum denken, wenn man sich ganz auf den Aufführungsprozess einlässt. Du vergisst alles komplett, außer was du an der Tastatur machst. Und doch… Jeder Konzertmusiker hat einen gewissen sechsten Sinn – „einen Sinn für das Publikum“, würde ich sagen. Und deshalb spüren Sie ständig die Reaktion derer, die sich in der Halle befinden, die Einstellung der Menschen zu Ihnen und Ihrem Spiel.

Wissen Sie, was mir bei einem Konzert am wichtigsten ist? Und das aufschlussreichste? Schweigen. Denn alles kann organisiert werden – sowohl Werbung als auch die Belegung der Räumlichkeiten, Applaus, Blumen, Glückwünsche und so weiter und so weiter, alles außer Schweigen. Wenn der Saal erstarrte, den Atem anhielt, bedeutet das, dass auf der Bühne wirklich etwas passiert – etwas Bedeutendes, Aufregendes …

Wenn ich während des Spiels spüre, dass ich die Aufmerksamkeit des Publikums auf mich gezogen habe, gibt mir das einen riesigen Energieschub. Dient als eine Art Dope. Solche Momente sind ein großes Glück für den Darsteller, der ultimative seiner Träume. Wie jede große Freude passiert dies jedoch selten.

Es kommt vor, dass Lev Nikolayevich gefragt wird: Glaubt er an Bühneninspiration – er, ein professioneller Künstler, für den das Auftreten vor Publikum im Wesentlichen eine Arbeit ist, die seit vielen Jahren regelmäßig und in großem Umfang ausgeübt wird … „Von natürlich das Wort „Inspiration“ selbst » völlig abgenutzt, geprägt, abgenutzt vom häufigen Gebrauch. Bei all dem, glauben Sie mir, ist jeder Künstler bereit, fast um Inspiration zu beten. Das Gefühl hier ist einzigartig: als ob Sie der Autor der Musik sind, die aufgeführt wird; als wäre alles darin von dir selbst erschaffen worden. Und wie viele neue, unerwartete, wirklich erfolgreiche Dinge werden in solchen Momenten auf der Bühne geboren! Und zwar buchstäblich in allem – in der Klangfärbung, Phrasierung, in rhythmischen Nuancen etc.

Ich will sagen: Es ist durchaus möglich, auch ohne Inspiration ein gutes, professionell solides Konzert zu geben. Es gibt unzählige solcher Fälle. Aber wenn Inspiration zum Künstler kommt, kann das Konzert unvergesslich werden … “

Wie Sie wissen, gibt es keine zuverlässigen Methoden, um auf der Bühne Inspiration hervorzurufen. Aber es ist möglich, Bedingungen zu schaffen, die auf jeden Fall für ihn günstig wären, würden den geeigneten Boden bereiten, glaubt Lew Nikolajewitsch.

„Zunächst ist hier eine psychologische Nuance wichtig. Du musst wissen und glauben: Was du auf der Bühne kannst, kann kein anderer. Das soll nicht überall so sein, sondern nur in einem bestimmten Repertoire, in den Werken von ein oder zwei oder drei Autoren – egal, darum geht es nicht. Die Hauptsache, ich wiederhole es, ist das Gefühl selbst: So wie du spielst, spielt der andere nicht. Er, dieser imaginäre „Andere“, mag eine stärkere Technik, ein reichhaltigeres Repertoire, umfangreichere Erfahrung – alles mögliche haben. Aber er wird die Phrase nicht so singen wie du, er wird keinen so interessanten und subtilen Klangton finden …

Das Gefühl, von dem ich jetzt spreche, muss einem Konzertmusiker bekannt vorkommen. Es inspiriert, baut auf, hilft in schwierigen Momenten auf der Bühne.

Ich denke oft an meinen Lehrer Yakov Vladimirovich Flier. Er hat immer versucht, die Schüler aufzumuntern – sie an sich glauben zu lassen. In Momenten des Zweifels, wenn bei uns nicht alles geklappt hat, hat er irgendwie gute Laune, Optimismus und gute kreative Laune geweckt. Und das hat uns, den Schülern seiner Klasse, einen unzweifelhaften Vorteil gebracht.

Ich denke, dass fast jeder Künstler, der auf einer großen Konzertbühne auftritt, im Grunde seiner Seele davon überzeugt ist, dass er ein bisschen besser spielt als andere. Oder auf jeden Fall kann er besser spielen … Und das muss niemandem vorgeworfen werden – es gibt einen Grund für diese Selbstanpassung.

… 1988 fand in Santander (Spanien) ein großes internationales Musikfestival statt. Es erregte besondere Aufmerksamkeit des Publikums – unter den Teilnehmern waren I. Stern, M. Caballe, V. Ashkenazy und andere prominente europäische und ausländische Künstler. Die Konzerte von Lev Nikolaevich Vlasenko wurden im Rahmen dieses Musikfestivals mit echtem Erfolg abgehalten. Kritiker lobten sein Talent, sein Geschick, seine glückliche Fähigkeit, sich „hinreißen zu lassen und zu fesseln …“. Auftritte in Spanien, wie auch andere Tourneen Vlasenkos in der zweiten Hälfte der achtziger Jahre, bestätigten überzeugend, dass das Interesse an seiner Kunst nicht nachgelassen hatte. Er nimmt immer noch einen herausragenden Platz im modernen Konzertleben ein, sowohl in der Sowjetunion als auch im Ausland. Aber diesen Platz zu halten ist viel schwieriger, als ihn zu gewinnen.

G. Zypin, 1990