Lektion 4

Eines der komplexesten Konzepte in der Musiktheorie ist die musikalische Polyphonie. Dies ist jedoch auch eine der wichtigsten Kategorien, ohne die es unmöglich ist, Orchestermusik zu verstehen oder ein schönes Duett einer komplexen Melodie mit vollwertiger musikalischer Begleitung zu singen oder sogar einen einfachen Track aufzunehmen und zu mischen, wo , zusätzlich zu Stimme, Gitarre, Bass und Schlagzeug klingen.

Also lasst uns anfangen.

Der Aktionsplan ist klar, also machen wir uns an die Arbeit!

Das Konzept der Polyphonie

Der Begriff „Polyphonie“ abgeleitet vom lateinischen polyphonia, wobei poly „viele“ bedeutet und phonia „Klang“ bedeutet. Polyphonie bedeutet das Prinzip der Addition von Klängen (Stimmen und Melodien) auf Basis funktionaler Gleichheit.

Dies ist die sogenannte Polyphonie, dh das gleichzeitige Erklingen zweier oder mehrerer Melodien und/oder Stimmen. Polyphonie impliziert die harmonische Verschmelzung mehrerer unabhängiger Stimmen und / oder Melodien zu einem einzigen Musikstück.

Darüber hinaus wird das gleichnamige Fach „Polyphonie“ in musikalischen Bildungseinrichtungen an den Fakultäten und Instituten für Komponistenkunst und Musikwissenschaft gelehrt.

Der ausländische Begriff Polyphonie im Russischen hat keine wesentlichen Veränderungen erfahren, außer dass er in kyrillischer statt in lateinischer Sprache geschrieben wurde. Und, so scheint es, gehorcht der Regel „wie man hört, so steht es geschrieben“. Die Nuance ist, dass dieser Begriff von jedem anders gehört wird und auch die Betonungen anders gesetzt werden.

So wird im „Wörterbuch der kirchenslawischen und russischen Sprache“, das 1847 von der Kaiserlichen Akademie der Wissenschaften herausgegeben wurde, vorgeschrieben, das zweite „o“ im Wort „Polyphonie“ und das zweite „und“ im Wort zu betonen „polyphon“ [Wörterbuch, V.3, 1847]. So sieht es aus Seite in dieser Ausgabe:

Seit Mitte des 20. Jahrhunderts und bis heute existieren in der russischen Sprache zwei Stressvarianten friedlich nebeneinander: auf dem letzten „o“ und auf dem zweiten Buchstaben „i“. In der „Großen Sowjetischen Enzyklopädie“ wird daher vorgeschlagen, das letzte „o“ zu betonen [V. Fraenov, 2004]. Hier Screenshot der TSB-Seite:

Im Explanatory Dictionary, herausgegeben vom Linguisten Sergei Kuznetsov, wird im Wort „Polyphonie“ der zweite Buchstabe „i“ unterstrichen [S. Kuznetsov, 2000]. Im Wort „polyphon“ liegt die Betonung auf dem Buchstaben „und“, wie in früheren Ausgaben:

Beachten Sie, dass Google Translate die letztere Option unterstützt, und wenn Sie das Wort „Polyphonie“ in die Übersetzungsspalte eingeben und auf das Lautsprechersymbol klicken, hören Sie deutlich den Akzent auf dem letzten Buchstaben „und“. Lautsprechersymbol im Bild rot eingekreist:

Nachdem wir im Allgemeinen verstanden haben, was Polyphonie ist und wie man dieses Wort richtig ausspricht, können wir uns mit dem Thema befassen.

Entstehung und Entwicklung der Polyphonie

Polyphonie ist ein ziemlich komplexes Phänomen in der Musik und hat in verschiedenen Kulturen seine eigenen Merkmale. So hatte die Polyphonie in den Ländern des Ostens zunächst eine überwiegend instrumentale Grundlage. Mit anderen Worten, mehrsaitige Musikinstrumente, Streicherensembles, Gesangsbegleitung durch Streicher waren dort weit verbreitet. In westlichen Ländern war Polyphonie häufiger vokal. Es war Chorgesang inklusive Acapella (ohne musikalische Begleitung).

Die Entwicklung der Polyphonie im Anfangsstadium wird üblicherweise als „Heterophonie“, also Dissonanz, bezeichnet. So wurde bereits im 7. Jahrhundert die Praxis übernommen, dem Klang des Chorals eine, zwei oder mehr Stimmen hinzuzufügen, dh liturgisches Singen.

In der Zeit des Mittelalters und der Renaissance verbreitete sich die Motette – vielstimmiger Gesang. Es war kein Choral plus Stimmenüberbau in seiner reinsten Form. Dies war bereits ein komplexeres Vokalwerk, obwohl die Elemente des Chorals darin sehr deutlich sind. Generell ist die Motette zu einer hybriden Musikform geworden, die die Traditionen von kirchlichem und weltlichem Gesang aufnimmt.

Auch technisch machte der Kirchengesang Fortschritte. So verbreitete sich im Mittelalter die sogenannte katholische Messe. Es basierte auf dem Wechsel von Solo- und Chorstimmen. Im Allgemeinen nutzten die Messen und Motetten des 15. und 16. Jahrhunderts das gesamte Arsenal der Polyphonie ziemlich aktiv. Die Stimmung entstand durch die Erhöhung und Verringerung der Klangdichte, unterschiedliche Kombinationen von hohen und tiefen Stimmen, die schrittweise Einbeziehung einzelner Stimmen oder Stimmengruppen.

Es entwickelte sich auch eine ausschließlich weltliche Gesangstradition. So gewinnt im 16. Jahrhundert ein solches Liedformat wie ein Mandrigal an Popularität. Dies ist in der Regel ein zwei- oder dreistimmiges Werk von liebeslyrischem Inhalt. Die Anfänge dieser Gesangskultur tauchten bereits im 14. Jahrhundert auf, erfuhren damals aber noch keine große Entwicklung. Madrigale des 16.-17. Jahrhunderts zeichnen sich durch eine Vielzahl von Rhythmen, freie Stimmführung, die Verwendung von Modulationen (Übergang zu einer anderen Tonart am Ende des Werks) aus.

Der Begriff „richecar“ kommt vom französischen rechercher, was „suchen“ bedeutet (erinnern Sie sich an das berühmte Cherchez la femme?) und kann in Bezug auf Musik unterschiedlich interpretiert werden. Anfangs bedeutete der Begriff die Suche nach Intonation, später – die Suche und Entwicklung von Motiven. Die bekanntesten Formen von Richecar sind ein Stück für Clavier, ein Stück für ein Instrumental- oder Vokal-Instrumental-Ensemble.

Der älteste Richecar wurde in einer 1540 in Venedig veröffentlichten Theaterstücksammlung gefunden. Weitere 4 Stücke für das Clavier wurden in der 1543 veröffentlichten Werksammlung des Komponisten Girolamo Cavazzoni gefunden. Das bekannteste ist das 6-stimmige Richecar aus Bachs Musikalischem Opfer, das das große Genie bereits im 18. Jahrhundert geschrieben hat.

Es sei darauf hingewiesen, dass die Stile und Melodien der Vokalpolyphonie bereits in diesen Jahren eng mit dem Text verbunden waren. Für lyrische Texte sind also Gesänge charakteristisch und für kurze Sätze – Rezitation. Grundsätzlich lässt sich die Entwicklung polyphoner Traditionen auf zwei polyphone Strömungen zurückführen.

Polyphone Strömungen des Mittelalters:

Sie haben in der vorherigen Lektion etwas über Bünde gelernt, also verstehen Sie jetzt, worum es geht. Dies sind die allgemeinsten Informationen über die Entwicklung der Traditionen der Polyphonie. Näheres zur Entstehungsgeschichte der Polyphonie in verschiedenen Kulturen und zu polyphonen Strömungen finden Sie in der sonderpädagogischen Literatur zum Kurs „Polyphonie“ [T. Müller, 1989]. Dort finden Sie auch Noten zu mittelalterlichen Musikstücken und lernen bei Interesse ein paar Vokal- und Instrumentalparts kennen. Übrigens, wenn Sie noch nicht singen können, es aber lernen möchten, können Sie mit unserem Kurs „Stimm- und Sprachentwicklung“ die ersten Schritte zur Stimmbeherrschung machen.

Jetzt ist es an der Zeit, zu den Techniken der Polyphonie überzugehen, um klarer zu verstehen, wie Polyphonie zu einer einzigen Melodie geformt wird.

Polyphone Techniken

In jedem Polyphonie-Trainingskurs finden Sie einen solchen Begriff wie Kontrapunkt. Es kommt vom lateinischen Ausdruck punctum contra punctum, was „Punkt gegen Punkt“ bedeutet. Oder in Bezug auf Musik „Ton gegen Ton“, „Melodie gegen Melodie“.

Das ändert nichts daran, dass der Begriff „Kontrapunkt“ mehrere unterschiedliche Bedeutungen hat. Sehen wir uns nun einige grundlegende Techniken der Polyphonie an.

Nachahmung

Imitation liegt vor, wenn sich nach einiger Zeit eine zweite (imitierende) Stimme zum monophonen Anfangston hinzugesellt, die die zuvor erklingende Passage auf der gleichen oder einer anderen Note wiederholt. Schematisch sieht es so aus auf die folgende Weise:

Lassen Sie uns klarstellen, dass der im Diagramm verwendete Begriff „Gegenteil“ eine Stimme ist, die eine andere Stimme in einer polyphonen Melodie begleitet. Harmonische Konsonanz wird durch verschiedene Techniken erreicht: zusätzlicher Rhythmus, Änderung des melodischen Musters usw.

Kanonische Nachahmung

Kanonisch ist es auch kontinuierliche Imitation – eine komplexere Technik, bei der nicht nur die zuvor erklingende Passage wiederholt wird, sondern auch die Gegenaddition. So ist es sieht aus wie ein Schema:

Der Begriff „Links“, den Sie auf dem Diagramm sehen, bezieht sich nur auf die sich wiederholenden Teile der kanonischen Imitation. In der Abbildung oben sehen wir 3 Elemente der Anfangsstimme, die von der imitierenden Stimme wiederholt werden. Also 3 Verbindungen.

Letzter und unendlicher Kanon

Der endliche Kanon und der unendliche Kanon sind Spielarten der kanonischen Nachahmung. Der unendliche Kanon beinhaltet die Rückkehr des ursprünglichen Materials zu einem bestimmten Zeitpunkt. Der letzte Kanon sieht solche Rückgaben nicht vor. Die obige Abbildung zeigt eine Variante des finalen Kanons. Und jetzt mal sehen Wie sieht ein unendlicher Kanon aus?, und verstehen Sie den Unterschied:

Lassen Sie uns klarstellen, dass der unendliche Kanon der 1. Kategorie eine Imitation mit 2 Gliedern bedeutet, und der unendliche Kanon der 2. Kategorie eine Imitation mit einer Anzahl von Gliedern von 3 oder mehr.

Einfacher Ablauf

Eine einfache Sequenz ist die Bewegung eines polyphonen Elements zu einer anderen Tonhöhe, während das Verhältnis (Intervall) zwischen den Bestandteilen des Elements ändert sich nicht:

So bezeichnet im Diagramm der Buchstabe „A“ herkömmlicherweise die Anfangsstimme, der Buchstabe „B“ die Nachahmungsstimme und die Zahlen 1 und 2 die erste und zweite Verschiebung des polyphonen Elements.

Komplexer Kontrapunkt

Komplexer Kontrapunkt ist eine polyphone Technik, die viele polyphone Techniken kombiniert, mit denen Sie neue Melodien aus der ursprünglichen Polyphonie erzeugen können, indem Sie entweder das Verhältnis der Stimmen ändern oder Änderungen an den Melodien vornehmen, aus denen die ursprüngliche Polyphonie besteht.

Sorten des komplexen Kontrapunkts:

Je nach Permutationsrichtung melodischer Stimmen werden vertikal, horizontal und doppelt (gleichzeitig vertikal und horizontal) bewegliche Kontrapunkte unterschieden.

Tatsächlich wird ein schwieriger Kontrapunkt nur als „komplex“ bezeichnet. Wenn Sie den Stoff der nächsten Gehörbildungsstunde gut durcharbeiten, werden Sie diese polyphone Technik leicht nach Gehör erkennen.

Dies sind nur einige der einfachsten polyphonen Techniken, die ein Anfänger verstehen kann. Sie können mehr über diese und andere polyphone Techniken aus dem Lehrbuch der Musikwissenschaftlerin, Mitglied der Union der Komponisten Russlands, korrespondierendes Mitglied der Petrowski-Akademie der Wissenschaften und Künste Valentina Osipova „Polyphony. Polyphone Techniken“ [V. Osipova, 2006].

Nachdem wir einige Techniken der Polyphonie studiert haben, wird es uns leichter fallen, die Klassifikation der Polyphoniearten zu verstehen.

Arten der Polyphonie

Es gibt 4 Haupttypen von Polyphonie. Jeder der Typen basiert hauptsächlich auf einer bestimmten Art polyphoner Techniken. Die Namen der Polyphoniearten sprechen in den meisten Fällen für sich.

Welche Arten von Polyphonie gibt es?

Mehr über jede Art von Polyphonie können Sie im Buch „Polyphonie. Polyphone Techniken“ [V. Osipova, 2006], also überlassen wir es Ihrem Ermessen. Wir sind einem so wichtigen Thema für jeden Musiker und Komponisten wie dem Mischen von Musik nahe gekommen.

Grundlagen zum Musikmixen

Das Konzept der „Polyphonie“ steht in direktem Zusammenhang mit dem Mischen von Musik und dem Erhalten einer fertigen Audiospur. Wir haben weiter oben gelernt, dass Polyphonie das Prinzip des Hinzufügens von Klängen (Stimmen und Melodien) auf der Grundlage funktionaler Gleichheit bedeutet. Dies ist die sogenannte Polyphonie, dh das gleichzeitige Erklingen zweier oder mehrerer Melodien und/oder Stimmen. Polyphonie impliziert die harmonische Verschmelzung mehrerer unabhängiger Stimmen und / oder Melodien zu einem einzigen Musikstück.

Genau genommen ist das Mischen von Musik dieselbe Polyphonie, nur auf einem Computer und nicht auf einem Notensystem. Beim Mischen geht es auch um das Zusammenspiel von mindestens zwei musikalischen Linien – Gesang und „Backing Track“ oder Begleitung eines Musikinstruments. Wenn es viele Instrumente gibt, verwandelt sich das Mischen in eine Organisation des Zusammenspiels vieler melodischer Linien, von denen jede entweder das gesamte Werk durchziehen oder periodisch erscheinen und verschwinden kann.

Wenn Sie ein wenig zurückgehen und sich die schematische Darstellung polyphoner Techniken noch einmal ansehen, werden Sie viele Gemeinsamkeiten mit der Benutzeroberfläche der meisten Computerprogramme feststellen, die für die Arbeit mit Ton ausgelegt sind. So wie die meisten polyphonen Techniken nach dem Schema „eine Stimme – eine Spur“ dargestellt werden, haben Klangbearbeitungsprogramme für jede Melodielinie eine eigene Spur. So könnte die einfachste Version des Mischens zweier Spuren aussehen bei SoundForge:

Wenn Sie also beispielsweise Stimme, E-Gitarre, Bassgitarre, Synthesizer und Schlagzeug mischen müssen, stehen Ihnen 5 Spuren zur Verfügung. Und wenn Sie eine Orchesteraufnahme im Studio machen müssen, gibt es bereits mehrere Dutzend Spuren, eine für jedes Instrument.

Das Mischen von Musik besteht nicht nur darin, der Notenschrift und der genauen Position des Anfangs und des Endes von Musiklinien relativ zueinander zu folgen. Dies ist zwar nicht einfach, wenn in der Aufnahme viele Sechzehntel-, Zweiunddreißig- und Vierundsechzigtelnoten enthalten sind, die schwieriger zu treffen sind als ganze Zahlen.

Natürlich muss der Tonproduzent die Einschlüsse von Fremdgeräuschen hören und neutralisieren, die auch bei Aufnahmen in einem guten Studio auftreten können, ganz zu schweigen von Aufnahmen, die zu Hause oder umgekehrt während Konzerten gemacht werden. Allerdings kann eine Live-Aufnahme auch von sehr hoher Qualität sein.

Ein Beispiel ist das Live-Album HAARP der britischen Rockband Muse. Die Aufnahme wurde im Wembley-Stadion gemacht. Dann fanden mit einem Unterschied von 1 Tag 2 Konzerte der Gruppe statt: am 16. und 17. Juni. Interessanterweise nahmen sie für die Audioversion auf CD die Aufnahme vom 16. Juni und für die Videoversion auf DVD verwendeten sie Konzertmitschnitt, abgehalten am 17. Juni 2007:

In jedem Fall muss ein Toningenieur oder Tonproduzent hart arbeiten, um selbst aus einer gut aufgenommenen komplexen Polyphonie ein vollwertiges fertiges Werk zu machen. Das ist wirklich ein kreativer Prozess, bei dem man viele Nuancen berücksichtigen muss. Aber wie wir immer wieder gesehen haben, wird Musik durch ganz bestimmte zählbare Kategorien beschrieben – Hertz, Dezibel usw. Und es gibt auch Kriterien für die hochwertige Mischung eines Tracks, und da werden sowohl objektive technische als auch subjektive künstlerische Konzepte verwendet.

Kriterien für die Qualität der Audioaufzeichnung

Diese Kriterien wurden von der International Organization for Television and Radio Broadcasting (OIRT) entwickelt, die in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts existierte, und sie sind als OIRT-Protokoll bekannt, und die Bestimmungen des Protokolls basieren immer noch auf vielen Strukturen zur Beurteilung der Qualität von Audioaufnahmen. Lassen Sie uns kurz überlegen, welche Kriterien eine qualitativ hochwertige Aufnahme nach diesem Protokoll erfüllen sollte.

Überblick über die Bestimmungen des OIRT-Protokolls:

Die Einhaltung der Kriterien des Protokolls wird auf einer 5-Punkte-Skala bewertet. Das OIRT-Protokoll wird am genauesten bei der Bewertung von klassischer, Volks- und Jazzmusik befolgt. Für elektronische Musik, Pop- und Rockmusik gibt es kein einheitliches Protokoll zur Bewertung der Klangqualität, und die Bestimmungen des OIRT-Protokolls haben eher beratenden Charakter. Um eine qualitativ hochwertige Aufnahme zu machen, sind auf die eine oder andere Weise bestimmte technische Voraussetzungen erforderlich. Lassen Sie uns ausführlicher darüber sprechen.

Technischer Kundendienst

Oben haben wir bereits darüber gesprochen, dass für ein hochwertiges Endergebnis hochwertiges Ausgangsmaterial wichtig ist. Für hochwertige Aufnahmen von Jazz-, Klassik- und Volksmusik wird daher häufig die Aufnahme mit einem Stereomikrofonpaar verwendet, das anschließend nicht gemischt werden muss. Eigentlich werden zum Mischen analoge, digitale oder virtuelle Mischpulte (das sind auch Mixer) verwendet. Sequenzer werden zum virtuellen Mischen von Tracks verwendet.

Technische Anforderungen an einen Computer werden in der Regel von den Herstellern von Computerprogrammen für die Arbeit mit Ton vorgegeben. Daher können Sie bei der Entscheidung für die Softwareauswahl Ihr Gerät auf die Einhaltung der Anforderungen prüfen. Bis heute gibt es mehrere beliebte Programme zur Audiobearbeitung und Tonmischung.

Sound Forge

Erstens wurde es bereits oben erwähnt Sound Forge. Es ist praktisch, weil es über eine Reihe grundlegender Klangverarbeitungsfunktionen verfügt und Sie eine kostenlose russischsprachige Version finden können [MoiProgrammy.net, 2020]:

Wenn Sie die englische Version verstehen müssen, gibt es eine ausführliche Beschreibung [B. Kairow, 2018].

Audacity

Zweitens ein weiteres praktisches und unkompliziertes russischsprachiges Programm Audacity [Kühnheit, 2020]:

Neben der kostenlosen Version findet man dazu eine sehr sinnvolle Anleitung [Audacity 2.2.2, 2018].

Entmenschlichung 2

Drittens wird es von den Entwicklern von Computerspielen und extremen Vocals geliebt. Entmenschlichung 2. Die Benutzeroberfläche ist auf Englisch und merklich komplizierter, aber Sie können es herausfinden:

Und es wird nicht nur das Mischen sein, sondern auch Möglichkeiten für das Sounddesign [Krotos, 2020].

Cubase-Elemente

Viertens lohnt es sich, auf das Programm zu achten Cubase-Elemente [Cubase Elements, 2020]. Dort gibt es zusätzlich zu den Standardfunktionen auch ein Akkordfeld, mit dem Sie einen Track „von Grund auf neu“ erstellen oder sich an eine zuvor gemachte Aufnahme „erinnern“ können, indem Sie zuvor erlernte polyphone Techniken in der Praxis anwenden:

Bevor Sie beginnen, studieren Sie die Übersicht über die Funktionen des Programms [A. Olenchikov, 2017].

Effektrix

Und schließlich ist dies der Effektsequenzer Effektrix. Um damit zu arbeiten, braucht man etwas Erfahrung, aber es lohnt sich, dieses Programm jetzt zur Kenntnis zu nehmen, denn bei regelmäßiger Übung kommt die Erfahrung sehr bald [Sugar Bytes, 2020]:

Mehr erfahren Sie im Artikel „Programme zum Mischen von Musik und Stimme“, wo ein Dutzend Programme betrachtet werden, darunter auch solche für professionelle Musiker und DJs [V. Kairow, 2020]. Und jetzt reden wir über die Vorbereitung für das Mischen des Tracks.

Mischvorbereitung und Mischvorgang

Je besser Sie vorbereitet sind, desto schneller und besser wird der Mix. Es geht nicht nur um technischen Support, einen komfortablen Arbeitsplatz und hochwertige Beleuchtung. Es ist wichtig, mehrere organisatorische Aspekte sowie die Merkmale der Arbeit der Gehirnhälften zu berücksichtigen. Beachten Sie im Allgemeinen …

So bereiten Sie sich auf den Mischvorgang vor:

Beginnen Sie den Mischvorgang mit Trommeln, da sie einen erheblichen Teil des Frequenzbereichs von tiefen (Bassdrum) bis zu hohen Frequenzen (Becken) einnehmen. Erst danach geht es weiter mit anderen Instrumenten und Vocals. Fügen Sie nach dem Mischen der Hauptinstrumente, falls geplant, Spezialeffekte (Echo, Verzerrung, Modulation, Kompression usw.) hinzu.

Als nächstes müssen Sie ein Stereobild bilden, dh alle Klänge im Stereofeld anordnen. Passen Sie danach ggf. das Arrangement an und beginnen Sie, an der Tiefe des Klangs zu arbeiten. Fügen Sie dazu den Sounds Delays und Reverb hinzu, aber nicht zu viel, sonst „drückt“ es auf die Ohren der Zuhörer.

Wenn Sie fertig sind, überprüfen Sie die Einstellungen für Lautstärke, EQ und Effekte erneut und passen Sie sie gegebenenfalls an. Testen Sie den fertigen Track im Studio und dann auf verschiedenen Geräten: Führen Sie die Audiodatei auf Ihrem Smartphone, Tablet aus, hören Sie sie in Ihrem Auto an. Wenn der Ton überall normal wahrgenommen wird, ist alles richtig gemacht!

Wenn Sie auf viele unbekannte Wörter stoßen, lesen Sie das Buch „Computer Sound Processing“ [A. Zagumennov, 2011]. Schämen Sie sich nicht, dass vieles am Beispiel alter Versionen von Computerprogrammen betrachtet wird. Die Gesetze der Physik haben sich seitdem nicht geändert. Wer sich bereits im Umgang mit Tonmischprogrammen versucht hat, dem sei die Lektüre „Fehler beim Musikmischen“ empfohlen, die gleichzeitig Empfehlungen zu deren Vermeidung gibt [I. Evsyukov, 2018].

Wenn es Ihnen leichter fällt, eine Live-Erklärung wahrzunehmen, können Sie sehen Trainingsvideo Zu diesem Thema:

Während des Mischvorgangs empfiehlt es sich, alle 45 Minuten kurze Pausen einzulegen. Dies dient nicht nur Ihrer Gesundheit, sondern auch der Wiederherstellung der Objektivität der auditiven Wahrnehmung. Musikalisches Gehör ist sehr wichtig für hochwertiges Mischen. Unsere gesamte nächste Lektion ist der Entwicklung des Gehörs für Musik gewidmet, aber jetzt bieten wir Ihnen an, einen Test zu bestehen, um das Material dieser Lektion zu beherrschen.

Unterrichtsverständnistest

Wenn Sie Ihr Wissen zum Thema dieser Lektion testen möchten, können Sie einen kurzen Test machen, der aus mehreren Fragen besteht. Bei jeder Frage kann nur 1 Antwort richtig sein. Nachdem Sie eine der Optionen ausgewählt haben, geht das System automatisch zur nächsten Frage über. Die Punkte, die Sie erhalten, werden durch die Richtigkeit Ihrer Antworten und die zum Bestehen aufgewendete Zeit beeinflusst. Bitte beachten Sie, dass die Fragen jedes Mal anders sind und die Optionen gemischt werden.

Und jetzt wenden wir uns der Entwicklung des musikalischen Gehörs zu.