Evgeny Gedeonovich Mogilevsky |

Jewgeni Mogilewski

Evgeny Gedeonovich Mogilevsky stammt aus einer musikalischen Familie. Seine Eltern waren Lehrer am Konservatorium von Odessa. Mutter, Serafima Leonidovna, die einst bei GG Neuhaus studierte, kümmerte sich von Anfang an voll und ganz um die musikalische Ausbildung ihres Sohnes. Unter ihrer Aufsicht setzte er sich zum ersten Mal ans Klavier (das war 1952, der Unterricht fand in den Mauern der berühmten Stolyarsky-Schule statt) und sie absolvierte diese Schule im Alter von 18 Jahren. „Es wird angenommen, dass es für Eltern, die Musiker sind, nicht einfach ist, ihre Kinder zu unterrichten, und für Kinder, unter der Aufsicht ihrer Verwandten zu lernen“, sagt Mogilevsky. „Vielleicht ist das so. Nur ich habe es nicht gespürt. Wenn ich in die Klasse meiner Mutter kam oder wenn wir zu Hause arbeiteten, waren da ein Lehrer und ein Schüler nebeneinander – mehr nicht. Mama war ständig auf der Suche nach etwas Neuem – Techniken, Lehrmethoden. Ich habe mich immer für sie interessiert…“

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Seit 1963 Mogilevsky in Moskau. Eine leider kurze Zeit studierte er bei GG Neuhaus; nach seinem Tod bei der SG Neuhaus und schließlich bei YI Zak. „Von Yakov Izrailevich habe ich viel von dem gelernt, was mir damals gefehlt hat. In der allgemeinsten Form gesprochen, disziplinierte er meine schauspielerische Natur. Dementsprechend mein Spiel. Die Kommunikation mit ihm, auch wenn es mir in manchen Momenten nicht leicht fiel, war von großem Nutzen. Ich habe auch nach meinem Abschluss nicht aufgehört, bei Yakov Izrailevich zu studieren, und bin als Assistent in seiner Klasse geblieben.

Seit seiner Kindheit hat sich Mogilevsky an die Bühne gewöhnt – mit neun Jahren spielte er zum ersten Mal vor Publikum, mit elf trat er mit Orchester auf. Der Beginn seiner künstlerischen Laufbahn erinnerte an ähnliche Biografien von Wunderkindern, glücklicherweise nur der Anfang. Geeks sind in der Regel für kurze Zeit „genug“, für mehrere Jahre; Mogilevsky hingegen machte von Jahr zu Jahr mehr und mehr Fortschritte. Und als er neunzehn war, wurde sein Ruhm in Musikkreisen universell. Dies geschah 1964 in Brüssel beim Queen Elizabeth Competition.

Er erhielt den ersten Preis in Brüssel. Der Sieg wurde in einem Wettbewerb errungen, der lange als einer der schwierigsten galt: In der Hauptstadt Belgiens kann man aus einem zufälligen Grund Nimm nicht Preisplatz; Sie können es nicht aus Versehen nehmen. Unter Mogilevskys Konkurrenten befanden sich einige hervorragend ausgebildete Pianisten, darunter mehrere außergewöhnlich hochkarätige Meister. Es ist unwahrscheinlich, dass er der Erste geworden wäre, wenn Wettkämpfe nach der Formel „Wessen Technik ist besser“ ausgetragen würden. Alles diesmal anders entschieden – der Charme seines Talents.

Ja. I. Zak sagte einmal über Mogilevsky, dass in seinem Spiel „viel persönlicher Charme“ steckt (Zak Ya. In Brüssel // Sov. Music. 1964. Nr. 9. S. 72.). GG Neuhaus, der den jungen Mann auch nur kurz traf, konnte feststellen, dass er „äußerst gutaussehend war, großen menschlichen Charme hat, im Einklang mit seiner natürlichen Kunstfertigkeit“ (Neigauz GG Reflexionen eines Jurymitglieds // Neugauz GG Reflexionen, Memoiren, Tagebücher. Ausgewählte Artikel. Elternbriefe. S. 115.). Sowohl Zach als auch Neuhaus sprachen im Wesentlichen über dasselbe, wenn auch mit unterschiedlichen Worten. Beides bedeutete: Wenn Charme auch in der einfachen, „alltäglichen“ Kommunikation zwischen Menschen eine wertvolle Eigenschaft ist, wie wichtig ist er dann für einen Künstler – jemand, der auf die Bühne geht, mit Hunderten, Tausenden von Menschen kommuniziert? Beide sahen, dass Mogilevsky von Geburt an mit dieser glücklichen (und seltenen!) Gabe ausgestattet war. Dieser „persönliche Charme“, wie Zach es ausdrückte, brachte Mogilevsky Erfolg bei seinen Auftritten in der frühen Kindheit; entschied später in Brüssel über sein künstlerisches Schicksal. Bis heute zieht es die Menschen zu seinen Konzerten.

(Früher wurde mehr als einmal über das Allgemeine gesprochen, das Konzert- und Theaterszenen zusammenbringt. „Kennen Sie solche Schauspieler, die nur auf der Bühne erscheinen müssen und das Publikum sie bereits liebt?“ schrieb KS Stanislavsky. „ Wofür? Für diese schwer fassbare Eigenschaft, die wir Charme nennen. Das ist die unerklärliche Anziehungskraft des ganzen Wesens eines Schauspielers, in der sogar Fehler zu Tugenden werden … “ (Stanislavsky KS Arbeit an sich selbst im kreativen Prozess der Inkarnation // Gesammelte Werke – M., 1955. T. 3. S. 234.))

Der Charme Mogilevskys als Konzertsänger, wenn wir das „Schwere“ und „Unerklärliche“ beiseite lassen, liegt schon in der Art seiner Intonation: sanft, liebevoll anspielend; die Intonationen-Beschwerden, Intonationen-Seufzer, „Noten“ zärtlicher Bitten, Gebete des Pianisten sind besonders ausdrucksstark. Beispiele hierfür sind Mogilevskys Aufführung des Anfangs von Chopins Vierter Ballade, ein lyrisches Thema aus dem dritten Satz von Schumanns Fantasie in C-Dur, das ebenfalls zu seinen Erfolgen gehört; man kann sich an vieles erinnern in der Zweiten Sonate und im Dritten Konzert von Rachmaninow, in den Werken von Tschaikowsky, Skrjabin und anderen Autoren. Auch seine Klavierstimme ist charmant – süß klingend, manchmal charmant träge, wie die eines lyrischen Tenors in einer Oper – eine Stimme, die mit Glückseligkeit, Wärme und duftenden Klangfarben zu umhüllen scheint. (Manchmal scheint in Mogilevskys Klangskizzen etwas emotional Schwüles, Duftendes, Dickwürziges in der Farbe zu sein, ist das nicht ihr besonderer Charme?)

Attraktiv ist schließlich auch der Auftrittsstil des Künstlers, wie er sich vor Menschen verhält: seine Auftritte auf der Bühne, Posen während des Spiels, Gesten. In ihm, in all seinem Auftreten hinter dem Instrument, gibt es sowohl eine innere Zartheit als auch eine gute Erziehung, die eine unwillkürliche Neigung zu ihm hervorruft. Mogilevsky auf seinen Clavirabenden ist nicht nur angenehm zu hören, es ist auch angenehm, ihn anzusehen.

Der Künstler ist besonders gut im romantischen Repertoire. Längst hat er sich mit Werken wie Schumanns Kreisleriana und Fis-Moll-Novelle, Liszts h-Moll-Sonate, Etüden und Petrarcas Sonette, Fantasie und Fuge über Themen aus Liszts Oper Der Prophet – Busoni, Impromptu und Schuberts „Musikalische Momente“ einen Namen gemacht “, Sonaten und Chopins Zweites Klavierkonzert. In dieser Musik ist seine Wirkung auf das Publikum am deutlichsten, sein Bühnenmagnetismus, sein großartiges Talent infizieren ihre Erfahrungen mit anderen. Es kommt vor, dass nach dem nächsten Treffen mit einem Pianisten einige Zeit vergeht und man beginnt zu denken: War in seinen Bühnenaussagen nicht mehr Helligkeit als Tiefe? Mehr sinnlicher Reiz als das, was in der Musik als Philosophie, spirituelle Introspektion, Eintauchen in sich selbst verstanden wird? .. Es ist nur merkwürdig, dass all diese Überlegungen in den Sinn kommen späterwenn Mogilevsky Muschel spielen.

Bei den Klassikern hat er es schwerer. Mogilevsky antwortete, sobald sie ihn zuvor auf dieses Thema ansprachen, normalerweise, dass Bach, Scarlatti, Hynd, Mozart nicht „seine“ Autoren seien. (In den letzten Jahren hat sich die Situation allerdings etwas geändert – aber dazu später mehr.) Das sind offensichtlich die Eigenheiten der kreativen „Psychologie“ des Pianisten: Er hat es leichter aufmachen in der Post-Beethoven-Musik. Es kommt aber auch auf etwas anderes an – die individuellen Eigenschaften seiner Spieltechnik.

Das Fazit ist, dass es sich in Mogilevsky immer von der vorteilhaftesten Seite gerade im romantischen Repertoire manifestierte. Für bildnerische Zierlichkeit dominiert darin „Farbe“ über der Zeichnung, ein farbiger Fleck – über einem grafisch akkuraten Umriss, einem dicken Tonstrich – über einem trockenen, pedallosen Strich. Das Große hat Vorrang vor dem Kleinen, das poetische „Allgemeine“ – vor dem Besonderen, dem Detail, dem schmuckgefertigten Detail.

Es kommt vor, dass man in Mogilevskys Spiel eine gewisse Skizze spürt, zum Beispiel in seiner Interpretation von Chopins Präludien, Etüden etc. Die Klangkonturen des Pianisten scheinen stellenweise leicht verwischt (Ravels „Night Gaspar“, Skrjabins Miniaturen, Debussys „Images “, „Bilder einer Ausstellung, „Mussorgsky usw.“) – so wie es in den Skizzen impressionistischer Künstler zu sehen ist. Zweifellos ist diese Technik in einer bestimmten Art von Musik – die in erster Linie aus einem spontanen romantischen Impuls geboren wurde – auf ihre Weise sowohl attraktiv als auch effektiv. Aber nicht in den Klassikern, nicht in den klaren und transparenten Klangkonstruktionen des XNUMX. Jahrhunderts.

Mogilevsky hört heute nicht auf, an der „Vervollständigung“ seiner Fähigkeiten zu arbeiten. Dies ist auch zu spüren zur Verbesserung der Gesundheitsgerechtigkeit er spielt – auf welche Autoren und Werke er sich bezieht – und deshalb as er schaut jetzt auf die Konzertbühne. Es ist symptomatisch, dass Mitte und Ende der achtziger Jahre mehrere von Haydns Sonaten und Mozarts Klavierkonzerten neu einstudiert in seinen Programmen auftauchten; traten in diese Programme ein und etablierten darin Stücke wie „Elegy“ und „Tambourine“ von Rameau-Godowsky, „Giga“ von Lully-Godowsky. Und weiter. Beethovens Kompositionen erklangen immer häufiger an seinen Abenden – Klavierkonzerte (alle fünf), 33 Variationen über den Walzer von Diabelli, Neunundzwanzigste, Zweiunddreißigste und einige andere Sonaten, Fantasie für Klavier, Chor und Orchester usw. Natürlich gibt es jedem ernsthaften Musiker die Anziehungskraft zu den Klassikern, die mit den Jahren entsteht. Aber nicht nur. Evgeny Gedeonovichs ständiger Wunsch, die „Technologie“ seines Spiels zu verbessern, wirkt sich auch aus. Und die Klassiker sind in diesem Fall unverzichtbar …

„Heute stehe ich vor Problemen, denen ich in meiner Jugend nicht genug Aufmerksamkeit geschenkt habe“, sagt Mogilevsky. Wenn man die kreative Biografie des Pianisten allgemein kennt, ist es nicht schwer zu erraten, was sich hinter diesen Worten verbirgt. Tatsache ist, dass er, ein hochbegabter Mensch, das Instrument von Kindesbeinen an ohne große Anstrengung spielte; es hatte seine positiven und negativen Seiten. Negativ – weil es Leistungen in der Kunst gibt, die erst durch die hartnäckige Überwindung des „Widerstands des Materials“ durch den Künstler an Wert gewinnen. Tschaikowsky sagte, dass kreatives Glück oft „erarbeitet“ werden muss. Dasselbe gilt natürlich auch für den Beruf des darstellenden Musikers.

Mogilevsky muss seine Spieltechnik verbessern, eine größere Subtilität der äußeren Dekoration erreichen, Verfeinerung in der Entwicklung von Details erreichen, nicht nur um Zugang zu einigen Meisterwerken der Klassiker – Scarlatti, Haydn oder Mozart – zu erhalten. Dies erfordert auch die Musik, die er normalerweise aufführt. Auch wenn er zugegebenermaßen sehr erfolgreich auftritt, wie zum Beispiel Medtners e-Moll-Sonate oder Bartoks Sonate (1926), Liszts Erstes Konzert oder Prokofjews Zweites. Der Pianist weiß – und heute besser denn je –: Wer sich über das Niveau des „guten“ oder gar „sehr guten“ Spiels erheben will, braucht heutzutage eine tadellose, filigrane Spielkunst. Genau das kann nur „herausgefoltert“ werden.

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1987 fand ein interessantes Ereignis im Leben von Mogilevsky statt. Er wurde als Jurymitglied zum Queen Elizabeth Competition in Brüssel eingeladen – dem gleichen Wettbewerb, bei dem er vor 27 Jahren einmal die Goldmedaille gewann. Er erinnerte sich an vieles, dachte über vieles nach, wenn er am Tisch eines Jurymitglieds saß – und über den Weg, den er seit 1964 gegangen war, über das, was in dieser Zeit getan, erreicht und was noch nicht getan worden war, wurden nicht in dem von Ihnen gewünschten Umfang umgesetzt. Solche Gedanken, die manchmal schwer zu formulieren und zu verallgemeinern sind, sind für Menschen der kreativen Arbeit immer wichtig: Sie bringen Unruhe und Angst in die Seele und sind wie Impulse, die sie ermutigen, vorwärts zu gehen.

In Brüssel hörte Mogilevsky viele junge Pianisten aus aller Welt. So erhielt er, wie er sagt, eine Vorstellung von einigen der charakteristischen Tendenzen im modernen Klavierspiel. Insbesondere schien ihm die antiromantische Linie jetzt immer deutlicher zu dominieren.

Am Ende der XNUMXer Jahre gab es weitere interessante künstlerische Veranstaltungen und Treffen für Mogilev; es gab viele helle musikalische Eindrücke, die ihn irgendwie beeinflussten, ihn begeisterten, Spuren in seiner Erinnerung hinterließen. Zum Beispiel wird er nicht müde, begeisterte Gedanken zu teilen, die von den Konzerten von Evgeny Kissin inspiriert wurden. Und es kann verstanden werden: In der Kunst kann ein Erwachsener manchmal zeichnen, von einem Kind lernen, nicht weniger als ein Kind von einem Erwachsenen. Kissin beeindruckt im Allgemeinen Mogilevsky. Vielleicht fühlt er in ihm so etwas wie sich selbst – auf jeden Fall, wenn wir uns die Zeit vor Augen halten, als er selbst seine Bühnenkarriere begann. Yevgeny Gedeonovich gefällt das Spiel des jungen Pianisten auch deshalb, weil es dem „antiromantischen Trend“ zuwiderläuft, den er in Brüssel bemerkt.

…Mogilevsky ist ein aktiver Konzertkünstler. Seit seinen ersten Schritten auf der Bühne wurde er vom Publikum immer geliebt. Wir lieben ihn für sein Talent, das trotz aller Trends, Stile, Geschmäcker und Moden der „Nummer Eins“-Wert in der Kunst war und bleiben wird. Alles kann erreicht, erreicht, „erpresst“ werden, außer dem Recht, Talent genannt zu werden. („Man kann Metren lehren, aber Metaphern kann man nicht lernen“, hat Aristoteles einmal gesagt.) Mogilevsky zweifelt jedoch nicht an diesem Recht.

G. Zypin