Dmitri Baschkirow (Dmitri Baschkirow) |

Dmitri Baschkirow

Viele der jungen Musiker, die sich in den frühen fünfziger Jahren am Moskauer Konservatorium kennengelernt haben, erinnern sich wahrscheinlich an den ersten Auftritt eines dunkelhäutigen, dünnen jungen Mannes mit ungestümen Bewegungen und lebhaften Gesichtsausdrücken auf einem beweglichen, ausdrucksstarken Gesicht in den Fluren der Klassenzimmer. Sein Name war Dmitry Bashkirov, seine Kameraden nannten ihn bald einfach Delik. Über ihn war wenig bekannt. Es wurde gesagt, dass er die zehnjährige Musikschule von Tiflis unter Anastasia Davidovna Virsaladze absolvierte. Einmal, bei einer der Prüfungen, hörte ihn Alexander Borisovich Goldenweiser – er hörte, freute sich und riet ihm, seine Ausbildung in der Hauptstadt abzuschließen.

Goldenweisers neuer Schüler war sehr talentiert; wenn man ihn ansah – einen direkten, seltenen emotionalen mensch –, war es nicht schwer zu bemerken: so leidenschaftlich und selbstlos, mit solch großzügiger hingabe, können nur wirklich begabte naturen wie er auf die umwelt reagieren …

Dmitry Aleksandrovich Bashkirov wurde im Laufe der Jahre als Konzertkünstler weithin bekannt. Bereits 1955 erhielt er den Grand Prix beim Wettbewerb M. Long – J. Thibault in Paris; Dies startete seine Bühnenkarriere. Mittlerweile hat er Hunderte von Auftritten hinter sich, er wurde beklatscht in Novosibirsk und Las Palmas, Chisinau und Philadelphia, in kleinen Wolga-Städten und großen, weltberühmten Konzertsälen. Die Zeit hat sich in seinem Leben stark verändert. Viel weniger in seinem Charakter. Er ist nach wie vor impulsiv, als wäre Quecksilber wandelbar und schnell, jede Minute ist er bereit, sich von etwas mitreißen zu lassen, Feuer zu fangen …

Die erwähnten Eigenschaften der baschkirischen Natur sind in seiner Kunst deutlich sichtbar. Die Farben dieser Kunst sind im Laufe der Jahre nicht verblasst und verblasst, haben ihren Reichtum, ihre Intensität und ihr Schillern nicht verloren. Der Pianist spielt, wie zuvor, aufgeregt; Wie könnte sie sich sonst Sorgen machen? Vielleicht gab es keinen Grund für irgendjemanden, Bashkirov dem Künstler Gleichgültigkeit, geistige Apathie und Überdruß an kreativer Suche vorzuwerfen. Dafür ist er als Mensch und Künstler zu ruhelos, ständig brennt ein unlöschbares inneres Feuer. Dies mag der Grund für einige seiner Bühnenausfälle sein. Zweifellos aber stammt er gerade von hier, von der schöpferischen Unruhe und den meisten seiner Errungenschaften.

Auf den Seiten der musikkritischen Presse wird Bashkirov oft als romantischer Pianist bezeichnet. Tatsächlich vertritt er eindeutig modern Romantik. (VV Sofronitsky, im Gespräch mit V. Yu. Delson, ließ fallen: „Schließlich gibt es auch moderne Romantik und nicht nur Romantik des XNUMX. Jahrhunderts, stimmen Sie zu?“ (Erinnerungen an Sofronitsky. S. 199.)). Welchen Komponisten Bashkirov auch immer interpretiert – Bach oder Schumann, Haydn oder Brahms – er fühlt die Musik, als wäre sie heute entstanden. Für Konzertbesucher seiner Art ist der Autor immer ein Zeitgenosse: Seine Gefühle werden als seine eigenen erlebt, seine Gedanken werden zu seinen eigenen. Nichts ist diesen Konzertbesuchern fremder als Stilisierung, „Repräsentation“, Fake für Archaik, Demonstration eines musealen Relikts. Das ist das eine: die musikalische Sensation des Künstlers UNSERE Epoche, наших Tage. Es gibt noch etwas, was uns auch erlaubt, von Bashkirov als einem typischen Vertreter der zeitgenössischen darstellenden Kunst zu sprechen.

Er hat einen präzisen, meisterlich ausgearbeiteten Pianismus. Früher glaubte man, romantisches Musizieren seien ungezügelte Impulse, spontane Gefühlsausbrüche, ein Spektakel aus knallbunten, wenn auch etwas formlosen Klangflecken. Kenner schrieben, dass romantische Künstler zu „vage, schillernd, unleserlich und neblig“ hingezogen seien, dass sie „weit entfernt von der Schmuckzeichnung von Kleinigkeiten“ seien. (Martins KA Individuelle Klaviertechnik. – M., 1966. S. 105, 108.). Jetzt haben sich die Zeiten geändert. Kriterien, Urteile, Geschmäcker wurden geändert. Im Zeitalter der unerbittlich strengen Grammophonaufnahmen, Radio- und Fernsehübertragungen werden Klang-„Nebel“ und „Unschärfen“ von niemandem, niemandem und unter keinen Umständen vergeben. Bashkirov, ein Romantiker unserer Tage, ist modern unter anderem durch das sorgfältige „Machen“ seines Aufführungsapparates, das gekonnte Debuggen aller seiner Details und Verknüpfungen.

Deshalb ist seine Musik gut, die unbedingte Vollständigkeit der äußeren Dekoration erfordert, „Schmuckzeichnung von Kleinigkeiten“. Die Liste seiner Auftrittserfolge wird eröffnet von Debussys Präludien, Chopins Mazurken, „Flüchtige“ und Prokofjews Vierte Sonate, Schumanns „Bunte Blätter“, Fantasie und Fis-Moll-Roman, vieles von Schubert, Liszt, Skrjabin, Ravel . In seinem klassischen Repertoire gibt es viele interessante Dinge, die Zuhörer anziehen – Bach (F-Moll-Konzert), Haydn (Es-Dur-Sonate), Mozart (Konzerte: Neunte, Vierzehnte, Siebzehnte, Vierundzwanzigste), Beethoven (Sonaten: „ Lunar“, „Pastoral“, Achtzehnte, Konzerte: Erste, Dritte, Fünfte). Mit einem Wort, alles, was in Bashkirovs Bühnenübertragung gewinnt, ist, wo im Vordergrund ein elegantes und klares Klangbild steht, ein elegantes Jagen der instrumentalen Textur.

(Früher wurde gesagt, dass diejenigen, die Klavier spielen, wie Maler, verschiedene Techniken des „Schreibens“ anwenden: einige mögen einen angespitzten Tonstift, andere wie Gouache oder Aquarell und wieder andere mögen schwere Ölfarben. Baschkirow wird oft damit in Verbindung gebracht mit einem Pianisten-Stecher: dünnes Klangbild auf hellem emotionalem Hintergrund…)

Wie viele wirklich begabte Menschen wird auch Bashkirov durch kreatives Glück verändert. Er weiß, wie man selbstkritisch ist: „Ich glaube, dieses Stück ist mir gelungen“, hört man nach dem Konzert von ihm, „aber dieses hier nicht. Die Aufregung kam dazwischen … Etwas „verlagerte sich“, entpuppte sich als „unscharf“ – nicht so, wie es beabsichtigt war. Es ist bekannt, dass Aufregung jeden stört – Debütanten und Meister, Musiker, Schauspieler und sogar Schriftsteller. „Die Minute, in der ich selbst am aufgeregtesten bin, ist nicht die, in der ich Dinge schreiben kann, die den Betrachter berühren“, gab Stendhal zu; er wird darin von vielen Stimmen wiederholt. Und doch ist Aufregung für einige mit großen Hindernissen und Problemen behaftet, für andere mit weniger. Leicht erregbare, nervöse, expansive Naturen haben es schwerer.

In Momenten großer Aufregung auf der Bühne beschleunigt Bashkirov trotz seines Willens die Aufführung und gerät in Aufregung. Dies geschieht normalerweise zu Beginn seiner Auftritte. Allmählich aber normalisiert sich sein Spiel, Klangformen gewinnen an Klarheit, Linien – Sicherheit und Genauigkeit; mit einem geübten ohr kann man immer mitbekommen, wenn es einem Pianisten gelingt, eine Welle exzessiver Bühnenangst niederzuschlagen. Ein interessantes Experiment wurde zufällig an einem Abend von Bashkirov inszeniert. Zweimal hintereinander spielte er dieselbe Musik – das Finale von Mozarts XNUMX. Klavierkonzert. Das erste Mal – etwas hastig und aufgeregt, das zweite Mal (für eine Zugabe) – zurückhaltender im Tempo, mit mehr Ruhe und Selbstbeherrschung. Es war interessant zu beobachten, wie die Situationminus Aufregung„veränderte das Spiel, gab ein anderes, höheres künstlerisches Ergebnis.

Bashkirovs Interpretationen haben wenig gemein mit den üblichen Schablonen, vertrauten Aufführungsproben; das ist ihr offensichtlicher Vorteil. Sie können (und sind) kontrovers sein, aber nicht farblos, zu subjektiv, aber nicht fade. Bei den Konzerten des Künstlers ist es fast unmöglich, gleichgültige Menschen zu treffen, er wird nicht mit jenen höflichen und unbedeutenden Lobpreisungen angesprochen, die normalerweise dem Mittelmaß zuteil werden. Bashkirovs Kunst wird entweder warm und enthusiastisch angenommen, oder sie diskutieren mit nicht weniger Inbrunst und Interesse mit dem Pianisten, widersprechen ihm in gewisser Weise und widersprechen ihm. Als Künstler kennt er den kreativen „Gegensatz“; grundsätzlich kann und soll dies angerechnet werden.

Manche sagen: In Bashkirovs Spiel, sagen sie, gibt es viel Äußeres; er ist manchmal theatralisch, prätentiös … Wahrscheinlich gibt es in solchen Aussagen, abgesehen von ganz natürlichen Geschmacksunterschieden, ein Missverständnis über die Natur seiner Leistung. Ist es möglich, die individuellen typologischen Merkmale dieses oder jenes künstlerischen | Persönlichkeit? Bashkirov der Konzertant – das ist seine Natur – hat immer effektiv von außen „gesehen“; zeigte sich hell und hell im Äußeren; was für einen anderen eine Bühnenshow oder ein Klimpern wäre, er hat nur einen organischen und natürlichen Ausdruck seines kreativen „Ich“. (Das Welttheater erinnert sich an Sarah Bernhardt mit ihren fast exzentrischen Bühnenmanieren, erinnert sich an die bescheidene, manchmal nach außen hin unauffällige Olga Osipovna Sadovskaya – in beiden Fällen war es echte, große Kunst.) führen in einen fernen, kaum zu unterscheidenden Subtext. Wenn wir die Position eines Kritikers einnehmen sollen, dann eher bei einer anderen Gelegenheit.

Ja, die Kunst des Pianisten vermittelt dem Publikum offene und starke Emotionen. Großartige Qualität! Auf der Konzertbühne trifft man oft eher auf einen Mangel als auf ein Übermaß. (Normalerweise „hinken“ sie an der Manifestation von Gefühlen und nicht umgekehrt.) In seinen psychischen Zuständen – ekstatische Erregung, Impulsivität usw. – war Bashkirov jedoch manchmal, zumindest früher, etwas einheitlich. Als Illustration kann man seine Interpretation von Glasunows b-Moll-Sonate anführen: ihr fehlte es zufällig an Epik, Weite. Oder das Zweite Konzert von Brahms – hinter dem blendend hellen Feuerwerk der Leidenschaften war in den vergangenen Jahren nicht immer die in sich gekehrte Reflexion des Künstlers zu spüren. Aus Bashkirovs Interpretationen ging ein glühender Ausdruck hervor, ein Strom hoher nervöser Anspannung. Und manchmal verspürte der Zuhörer ein Verlangen nach Modulationen in andere, entferntere emotionale Tonalitäten, in andere, kontrastreichere Gefühlssphären.

Allerdings reden jetzt über früher das Vorherige. Menschen, die mit der darstellenden Kunst von Baschkirow gut vertraut sind, finden ständig Veränderungen, Verschiebungen und interessante künstlerische Transformationen bei ihm. Entweder kann man die Auswahl des Repertoires des Künstlers genauer erkennen, oder es offenbaren sich bisher ungewohnte Ausdrucksmöglichkeiten (in den letzten Jahren klingen zum Beispiel die langsamen Teile klassischer Sonatenzyklen irgendwie besonders sauber und gefühlvoll). Zweifellos ist seine Kunst mit neuen Entdeckungen, komplexeren und vielfältigen emotionalen Nuancen bereichert. Dies zeigte sich insbesondere in Bashkirovs Aufführung der Konzerte von KFE, Fantasie und Sonate in c-Moll von Mozart, Klavierversion des Violinkonzerts, Op. 1987 von Beethoven usw.)

Bashkirov ist ein großartiger Gesprächspartner. Er ist von Natur aus neugierig und neugierig; er interessiert sich für viele Dinge; heute, wie in seiner jugend, betrachtet er alles, was mit der kunst, mit dem leben zu tun hat. Darüber hinaus versteht es Bashkirov, seine Gedanken klar und deutlich zu formulieren – nicht umsonst hat er mehrere Artikel zu Problemen der musikalischen Darbietung veröffentlicht.

„Ich habe immer gesagt“, bemerkte Dmitri Alexandrowitsch einmal in einem Gespräch, „dass in der Bühnenkreativität das Wichtigste und Wichtigste vom eigentlichen Talentspeicher des Künstlers bestimmt wird – seinem individuelle persönliche Merkmale und Eigenschaften. Damit verbunden ist die Herangehensweise des Interpreten an bestimmte künstlerische Phänomene, die Interpretation einzelner Werke. Kritiker und ein Teil der Öffentlichkeit berücksichtigen diesen Umstand manchmal nicht – sie beurteilen das Spiel des Künstlers abstrakt, basierend darauf, wie sie es tun von dem Ich würde gerne hören, wie Musik gespielt wird. Das ist völlig falsch.

Im Laufe der Jahre glaube ich im Allgemeinen immer weniger an die Existenz einiger eingefrorener und eindeutiger Formeln. Zum Beispiel – wie es notwendig (oder im Gegenteil nicht notwendig) ist, diesen und jenen Autor, diesen und jenen Aufsatz zu interpretieren. Die Praxis zeigt, dass Leistungsentscheidungen sehr unterschiedlich und gleichermaßen überzeugend ausfallen können. Wobei das natürlich nicht heißt, dass der Künstler das Recht auf Eigenwillen oder stilistische Beliebigkeit hat.

Eine andere Frage. Ist es zum Zeitpunkt der Reife, wenn man 20-30 Jahre Berufserfahrung hinter sich hat, notwendig, Klavier zu spielen? mehrals in der Jugend? Oder umgekehrt – ist es sinnvoller, die Belastungsintensität mit zunehmendem Alter zu reduzieren? Dazu gibt es unterschiedliche Ansichten und Standpunkte. „Mir scheint, dass die Antwort hier nur rein individuell sein kann“, glaubt Bashkirov. „Es gibt Interpreten, die wir geborene Virtuosen nennen; Sie müssen sich sicherlich weniger anstrengen, um sich in guter Leistungsform zu halten. Und es gibt andere. Diejenigen, denen so etwas noch nie gegeben wurde, natürlich ohne Anstrengung. Natürlich müssen sie ihr ganzes Leben lang unermüdlich arbeiten. Und in späteren Jahren noch mehr als in der Jugend.

Eigentlich muss ich sagen, dass ich unter den großen Musikern fast nie solche getroffen habe, die im Laufe der Jahre mit zunehmendem Alter ihre Ansprüche an sich selbst schwächen würden. Meistens passiert das Gegenteil.“

Seit 1957 unterrichtet Bashkirov am Moskauer Konservatorium. Zudem nimmt die Rolle und Bedeutung der Pädagogik für ihn im Laufe der Zeit immer mehr zu. „In meiner Jugend habe ich oft damit prahlt, dass ich für alles Zeit hatte – sowohl für den Unterricht als auch für die Vorbereitung auf Konzertauftritte. Und dass das eine dem anderen nicht nur nicht im Wege steht, sondern vielleicht sogar umgekehrt: Das eine unterstützt, verstärkt das andere. Heute würde ich das nicht bestreiten … Die Zeit und das Alter machen immer noch ihre eigenen Anpassungen – man kann etwas nicht anders bewerten. Heutzutage denke ich eher, dass das Unterrichten gewisse Schwierigkeiten für die Konzerttätigkeit schafft, sie einschränkt. Hier ist ein Konflikt, den Sie ständig zu lösen versuchen und leider nicht immer erfolgreich.

Das oben Gesagte bedeutet natürlich nicht, dass ich die Notwendigkeit oder Zweckmäßigkeit pädagogischer Arbeit für mich in Frage stelle. Auf keinen Fall! Es ist zu einem so wichtigen, integralen Bestandteil meiner Existenz geworden, dass es keine Probleme damit gibt. Ich gebe nur die Fakten so wieder, wie sie sind.“

Derzeit gibt Bashkirov etwa 55 Konzerte pro Saison. Diese Zahl ist für ihn recht stabil und hat sich seit einigen Jahren praktisch nicht verändert. „Ich weiß, dass es Leute gibt, die viel mehr leisten. Darin sehe ich nichts Überraschendes: Jeder hat andere Reserven an Energie, Ausdauer, körperlicher und mentaler Stärke. Die Hauptsache, denke ich, ist nicht, wie viel man spielt, sondern wie. Das heißt, der künstlerische Wert von Aufführungen ist zuallererst wichtig. Denn das Verantwortungsgefühl für das, was man auf der Bühne tut, wächst stetig.

Heute, fährt Dmitry Aleksandrovich fort, ist es sehr schwierig, einen würdigen Platz in der internationalen Musik- und Bühnenszene einzunehmen. Muss oft genug gespielt werden; in verschiedenen Städten und Ländern spielen; verschiedene Programme ausführen. Und natürlich alles geben. auf recht hohem fachlichem Niveau. Nur unter solchen Bedingungen wird der Künstler, wie sie sagen, in Sicht sein. Für jemanden, der sich mit Pädagogik beschäftigt, ist das natürlich schwieriger als für einen Nicht-Lehrer. Daher ignorieren viele junge Konzertbesucher den Unterricht im Wesentlichen. Und irgendwo kann man sie verstehen – angesichts der immer größer werdenden Konkurrenz in der Kunstwelt …“

Auf das Gespräch über seine eigene pädagogische Arbeit zurückkommend, sagt Bashkirov, dass er sich im Allgemeinen vollkommen wohl darin fühle. Glücklich, weil er Schüler hat, mit denen er kreativ kommuniziert, was ihm große Freude bereitet – und immer noch bringt. „Wenn Sie sich die besten von ihnen ansehen, müssen Sie zugeben, dass der Weg zum Ruhm für niemanden mit Rosen übersät war. Wenn sie etwas erreicht haben, dann meist aus eigener Kraft. Und die Fähigkeit dazu kreative Selbstentfaltung (was ich als das wichtigste für einen Musiker betrachte). Mein künstlerische Lebensfähigkeit das bewiesen sie nicht durch die Seriennummer bei diesem oder jenem Wettbewerb, sondern dadurch, dass sie heute auf den Bühnen vieler Länder der Welt spielen.

Ich möchte ein besonderes Wort über einige meiner Schüler verlieren. Ganz kurz. Buchstäblich in wenigen Worten.

Dmitri Alexejew. Ich mag es darin interner Konfliktdie ich als sein Lehrer gut kenne. Konflikt im besten Sinne des Wortes. Es mag auf den ersten Blick nicht sehr sichtbar sein – eher versteckt als auffällig, aber es existiert, existiert, und das ist sehr wichtig. Alekseev ist sich seiner Stärken und Schwächen klar bewusst, er versteht, dass der Kampf zwischen ihnen und bedeutet, in unserem Beruf voranzukommen. Diese Bewegung kann bei ihm, wie bei anderen, fließend und gleichmäßig fließen, oder sie kann die Form von Krisen und unerwarteten Durchbrüchen in neue kreative Sphären annehmen. Es spielt keine Rolle wie. Wichtig ist, dass der Musiker vorwärts geht. Über Dmitry Alekseev scheint mir dies ohne Angst vor Übertreibung gesagt werden zu können. Sein hohes internationales Ansehen ist kein Zufall.

Nikolai Demidenko. Es gab eine Zeitlang eine etwas herablassende Haltung ihm gegenüber. Manche glaubten nicht an seine künstlerische Zukunft. Was kann ich dazu sagen? Es ist bekannt, dass manche Performer früher, schneller reifen (manchmal reifen sie sogar zu schnell, wie einige der Geeks, die vorerst ausbrennen), bei anderen verläuft dieser Prozess langsamer, ruhiger. Sie brauchen Jahre, um sich vollständig zu entwickeln, zu reifen, auf eigenen Füßen zu stehen, das Beste aus sich herauszuholen… Heute hat Nikolay Demidenko eine reiche Praxis, er spielt viel in verschiedenen Städten unseres Landes und im Ausland. Ich höre ihn nicht oft, aber wenn ich zu seinen Auftritten gehe, sehe ich, dass vieles, was er jetzt macht, nicht mehr ganz so ist wie früher. Manchmal erkenne ich in seiner Interpretation jener Werke, die wir in der Klasse bestanden haben, fast nicht wieder. Und für mich als Lehrerin ist das die größte Belohnung …

Sergej Erochin. Beim VIII. Tschaikowsky-Wettbewerb gehörte er zu den Preisträgern, aber die Situation bei diesem Wettbewerb war für ihn sehr schwierig: Er hatte sich gerade aus den Reihen der Sowjetarmee demobilisiert und war natürlich noch lange nicht in seiner besten Form. In der Zeit, die seit dem Wettbewerb vergangen ist, hat Sergei, wie mir scheint, sehr große Erfolge erzielt. Lassen Sie mich zumindest an seinen zweiten Preis bei einem Wettbewerb in Santander (Spanien) erinnern, über den eine der einflussreichen Madrider Zeitungen schrieb: „Die Leistungen von Sergey Erokhin waren nicht nur den ersten Preis wert, sondern den gesamten Wettbewerb.“ Kurz gesagt, ich habe keinen Zweifel daran, dass Sergei eine glänzende künstlerische Zukunft hat. Außerdem ist er meiner Meinung nach nicht für Wettbewerbe, sondern für die Konzertbühne geboren.

Alexander Bondurjanski. Er widmete sich ganz der Kammermusik. Seit einigen Jahren tritt Alexander als Teil des Moskauer Trios auf und zementiert es mit seinem Willen, Enthusiasmus, Hingabe, Hingabe und hoher Professionalität. Ich verfolge seine Aktivitäten mit Interesse, bin immer wieder davon überzeugt, wie wichtig es für einen Musiker ist, seinen eigenen Weg zu finden. Ich möchte meinen, dass der Ausgangspunkt von Bonduryanskys Interesse am Kammermusikschaffen seine Beobachtung meiner gemeinsamen kreativen Arbeit im Trio mit I. Bezrodny und M. Khomitser war.

Eiro Heinonen. Zu Hause in Finnland ist er einer der berühmtesten Pianisten und Lehrer (jetzt ist er Professor an der Sibelius-Akademie in Helsinki). Ich erinnere mich gerne an meine Begegnungen mit ihm.

Verdammter Thai Sean. Ich habe bei ihm studiert, als er Doktorand am Moskauer Konservatorium war; traf sich später mit ihm. Ich hatte äußerst angenehme Eindrücke von Kontakten mit Sean – einer Person und einem Künstler. Er ist klug, intelligent, charmant und unglaublich talentiert. Es gab eine Zeit, in der er so etwas wie eine Krise erlebte: Er befand sich in einem geschlossenen Raum eines einzigen Stils, und selbst dort sah er manchmal nicht sehr vielfältig und facettenreich aus … Sean hat diese Krisenzeit weitgehend überwunden; die Tiefe des performativen Denkens, die Skala der Gefühle, die Dramatik, die in seinem Spiel zum Vorschein kam … Er hat eine großartige pianistische Gegenwart und zweifellos eine nicht weniger beneidenswerte Zukunft.

Es gibt heute andere interessante, vielversprechende junge Musiker in meiner Klasse. Aber sie wachsen noch. Daher werde ich darauf verzichten, darüber zu sprechen.

Wie jeder talentierte Lehrer hat Bashkirov seinen eigenen Stil, mit Schülern zu arbeiten. Er wendet sich im Unterricht nicht gerne abstrakten Kategorien und Konzepten zu, er entfernt sich nicht gerne weit von der zu studierenden Arbeit. Verwendet nach eigenen Worten selten Parallelen zu anderen Künsten, wie es einige seiner Kollegen tun. Er geht davon aus, dass die Musik, die universellste aller Kunstformen, ihre eigenen Gesetze, ihre eigenen „Regeln“, ihre eigene künstlerische Besonderheit hat; daher Versuche, den Schüler durch die Sphäre zu einer rein musikalischen Lösung zu führen nicht musikalisch sind etwas künstlich. Analogien zu Literatur, Malerei usw. können nur einen Anstoß zum Verständnis des musikalischen Bildes geben, es aber nicht durch etwas anderes ersetzen. Es kommt vor, dass diese Analogien und Parallelen der Musik sogar schaden – sie vereinfachen sie … „Ich denke, es ist besser, dem Schüler mit Hilfe von Mimik, Dirigentengeste und natürlich einer Live-Anzeige zu erklären, was man will die Tastatur.

Sie können jedoch so und so lehren … Auch in diesem Fall kann es keine einzige und universelle Formel geben.“

Immer und immer wieder kehrt er zu diesem Gedanken zurück: Es gibt nichts Schlimmeres als Voreingenommenheit, Dogmatismus, Eindimensionalität im Umgang mit Kunst. „Die Welt der Musik, insbesondere der Darbietung und Pädagogik, ist unendlich vielfältig. Hier können und müssen die unterschiedlichsten Wertvorstellungen, künstlerischen Wahrheiten und konkreten gestalterischen Lösungen vollumfänglich koexistieren. Es kommt vor, dass einige Leute so argumentieren: Ich mag es – es bedeutet, dass es gut ist; Wenn es dir nicht gefällt, dann ist es definitiv schlecht. Solche Logik ist mir sozusagen zutiefst fremd. Ich versuche, es auch meinen Schülern fremd zu machen.“

… Oben sprach Bashkirov über den internen Konflikt seines Schülers Dmitri Alekseev – Konflikt „im besten Sinne des Wortes“, der „bedeutet, in unserem Beruf voranzukommen“. Diejenigen, die Dmitri Alexandrowitsch genau kennen, werden zustimmen, dass ein solcher Konflikt zuallererst in ihm selbst spürbar ist. Sie war es, die, verbunden mit einer heimtückischen Strenge gegenüber sich selbst (Vor 7-8 Jahren sagte Bashkirov, dass er sich selbst so etwas wie Noten für Leistungen gab: „Die Punkte sind, um die Wahrheit zu sagen, normalerweise niedrig … In einem Jahr Sie Dutzende von Konzerten geben muss, mit wenigen bin ich bestenfalls wirklich zufrieden …“ In diesem Zusammenhang fällt mir unwillkürlich eine Episode ein, an die sich GG Neuhaus gerne erinnerte: „Leopold Godovsky, mein ruhmreicher Lehrer, sagte mir einmal: „Ich gab in dieser Saison 83 Konzerte, und wissen Sie, mit wie vielen ich mich gefreut habe – drei! (Neigauz GG Reflexionen, Erinnerungen, Tagebücher // Ausgewählte Artikel. Elternbriefe. S. 107).) – und verhalf ihm zu einer der prominentesten Persönlichkeiten des Pianismus seiner Generation; Sie ist es, die dem Künstler zweifellos noch viele weitere kreative Entdeckungen bringen wird.

G. Zypin, 1990