Alexander Nikolajewitsch Skrjabin (Alexander Skrjabin).

Alexander Skrjabin

Skrjabins Musik ist ein unaufhaltsamer, zutiefst menschlicher Wunsch nach Freiheit, nach Freude, nach Lebensfreude. … Sie existiert weiterhin als lebende Zeugin der besten Bestrebungen ihrer Zeit, in der sie ein „explosives“, aufregendes und rastloses Element der Kultur war. B. Asafjew

A. Scriabin trat Ende der 1890er Jahre in die russische Musik ein. und bezeichnete sich sofort als außergewöhnlichen, hochbegabten Menschen. Ein mutiger Erneuerer, „ein brillanter Sucher neuer Wege“, so N. Myaskovsky, „mit Hilfe einer völlig neuen, beispiellosen Sprache eröffnet er uns so außergewöhnliche … emotionale Perspektiven, solche Höhen der spirituellen Erleuchtung, die hereinwächst unsere Augen auf ein Phänomen von weltweiter Bedeutung.“ Skrjabins Innovation manifestierte sich sowohl im Bereich der Melodie, Harmonie, Textur, Orchestrierung und in der spezifischen Interpretation des Zyklus als auch in der Originalität der Entwürfe und Ideen, die weitgehend mit der romantischen Ästhetik und Poetik der russischen Symbolik verbunden waren. Trotz des kurzen Schaffensweges schuf der Komponist viele Werke in den Gattungen Sinfonik und Klaviermusik. Er schrieb 3 Sinfonien, „Das Gedicht der Ekstase“, das Gedicht „Prometheus“ für Orchester, Konzert für Klavier und Orchester; 10 Sonaten, Gedichte, Präludien, Etüden und andere Kompositionen für Pianoforte. Kreativität Scriabin erwies sich als im Einklang mit der komplexen und turbulenten Ära der Wende der zwei Jahrhunderte und des Beginns des neuen XX Jahrhunderts. Spannung und feuriger Ton, titanisches Streben nach Freiheit des Geistes, nach den Idealen von Güte und Licht, nach der universellen Brüderlichkeit der Menschen durchdringen die Kunst dieses Musikerphilosophen und bringen ihn den besten Vertretern der russischen Kultur näher.

Skrjabin wurde in eine intelligente patriarchalische Familie hineingeboren. Die früh verstorbene Mutter (übrigens eine begabte Pianistin) wurde durch ihre Tante Lyubov Alexandrovna Skryabina ersetzt, die auch seine erste Musiklehrerin wurde. Mein Vater diente im diplomatischen Sektor. Die Liebe zur Musik manifestierte sich in der Kleinen. Sasha von klein auf. Nach Familientradition wurde er jedoch im Alter von 10 Jahren zum Kadettenkorps geschickt. Aus gesundheitlichen Gründen wurde Scriabin aus dem schmerzhaften Militärdienst entlassen, was es ermöglichte, sich mehr der Musik zu widmen. Seit Sommer 1882 begann regelmäßiger Klavierunterricht (bei G. Konyus, einem bekannten Theoretiker, Komponisten, Pianisten; später – bei einem Professor am Konservatorium N. Zverev) und Komposition (bei S. Taneyev). Im Januar 1888 trat der junge Skrjabin in die Klasse von V. Safonov (Klavier) und S. Taneyev (Kontrapunkt) in das Moskauer Konservatorium ein. Nach Abschluss eines Kontrapunktkurses bei Taneyev wechselte Skrjabin in die Klasse für freie Komposition von A. Arensky, aber ihre Beziehung funktionierte nicht. Scriabin absolvierte das Konservatorium mit Bravour als Pianist.

Ein Jahrzehnt lang (1882-92) komponierte der Komponist viele Musikstücke, vor allem für Klavier. Darunter sind Walzer und Mazurkas, Präludien und Etüden, Nocturnes und Sonaten, in denen bereits eine eigene „Skrjabin-Note“ zu hören ist (obwohl man manchmal den Einfluss von F. Chopin spürt, den der junge Skrjabin so sehr liebte und laut dessen die Memoiren seiner Zeitgenossen, perfekt vorgetragen). Alle Auftritte Skrjabins als Pianist, sei es bei einem Studentenabend oder in geselliger Runde und später auf den größten Bühnen der Welt, verliefen mit konstantem Erfolg, er konnte die Aufmerksamkeit der Zuhörer von den ersten Tönen an souverän fesseln das Klavier. Nach dem Abschluss des Konservatoriums begann eine neue Periode im Leben und Werk von Skrjabin (1892-1902). Er schlägt einen unabhängigen Weg als Komponist-Pianist ein. Seine Zeit ist ausgefüllt mit Konzertreisen im In- und Ausland, Musik komponieren; seine Werke wurden im Verlag von M. Belyaev (einem wohlhabenden Holzhändler und Philanthropen) veröffentlicht, der das Genie des jungen Komponisten schätzte; die Beziehungen zu anderen Musikern erweitern sich, zum Beispiel mit dem Belyaevsky Circle in St. Petersburg, zu dem N. Rimsky-Korsakov, A. Glazunov, A. Lyadov und andere gehörten; Anerkennung wächst sowohl in Russland als auch im Ausland. Die mit der Krankheit der „überspielten“ rechten Hand verbundenen Studien bleiben zurück. Skrjabin hat das Recht zu sagen: „Stark und mächtig ist, wer die Verzweiflung erlebt und sie überwunden hat.“ In der ausländischen Presse wurde er „eine außergewöhnliche Persönlichkeit, ein ausgezeichneter Komponist und Pianist, eine große Persönlichkeit und Philosoph; er ist ganz Impuls und heilige Flamme.“ In diesen Jahren entstanden 12 Etüden und 47 Präludien; 2 Stücke für die linke Hand, 3 Sonaten; Konzert für Klavier und Orchester (1897), Orchestergedicht „Dreams“, 2 monumentale Sinfonien mit klar formuliertem philosophischen und ethischen Konzept etc.

Die Jahre des kreativen Aufblühens (1903-08) fielen mit einem hohen sozialen Aufschwung in Russland am Vorabend und der Durchführung der ersten russischen Revolution zusammen. Die meisten dieser Jahre lebte Skrjabin in der Schweiz, aber er interessierte sich sehr für die revolutionären Ereignisse in seiner Heimat und sympathisierte mit den Revolutionären. Er zeigte zunehmendes Interesse an Philosophie – er wandte sich erneut den Ideen des berühmten Philosophen S. Trubetskoy zu, traf G. Plechanow in der Schweiz (1906), studierte die Werke von K. Marx, F. Engels, VI Lenin, Plechanow. Obwohl die Weltanschauungen von Skrjabin und Plechanow an unterschiedlichen Polen standen, schätzte letzterer die Persönlichkeit des Komponisten sehr. Skrjabin verließ Russland für mehrere Jahre und versuchte, mehr Zeit für Kreativität zu gewinnen, um der Moskauer Situation zu entkommen (unter anderem unterrichtete er 1898-1903 am Moskauer Konservatorium). Die emotionalen Erfahrungen dieser Jahre waren auch mit Veränderungen in seinem persönlichen Leben verbunden (Verlassen seiner Frau V. Isakovich, einer hervorragenden Pianistin und Förderin seiner Musik, und Annäherung an T. Schlozer, der in Skrjabins Leben eine alles andere als eindeutige Rolle spielte). . Hauptsächlich in der Schweiz lebend, reiste Skrjabin immer wieder mit Konzerten nach Paris, Amsterdam, Brüssel, Lüttich und Amerika. Die Aufführungen waren ein großer Erfolg.

Die angespannte gesellschaftliche Atmosphäre in Russland konnte den sensiblen Künstler nicht überfordern. Die Dritte Symphonie („Das Göttliche Gedicht“, 1904), „Das Gedicht der Ekstase“ (1907), die Vierte und Fünfte Sonate wurden zu wahren kreativen Höhen; er komponierte auch Etüden, 5 Gedichte für Pianoforte (darunter „Tragic“ und „Satanic“) usw. Viele dieser Kompositionen stehen in Bezug auf die figurative Struktur dem „Gottesgedicht“ nahe. Die 3 Teile der Sinfonie („Struggle“, „Pleasures“, „God's Game“) werden durch das Leitthema der Selbstbestätigung aus der Einleitung zusammengelötet. Entsprechend dem Programm erzählt die Symphonie von der „Entwicklung des menschlichen Geistes“, der durch Zweifel und Kampf, Überwindung der „Freuden der sinnlichen Welt“ und des „Pantheismus“ zu „irgendeiner freien Tätigkeit – a göttliches Spiel“. Das kontinuierliche Folgen der Stimmen, die Anwendung der Prinzipien der Leitmotivität und Monothematik, die improvisatorisch-flüssige Präsentation heben gleichsam die Grenzen des symphonischen Zyklus auf und nähern ihn einem grandiosen einstimmigen Gedicht. Die harmonische Sprache wird durch die Einführung scharfer und scharf klingender Harmonien merklich komplizierter. Die Zusammensetzung des Orchesters wird durch die Verstärkung der Gruppen von Blas- und Schlaginstrumenten deutlich erhöht. Daneben stechen einzelne Soloinstrumente hervor, die mit einem bestimmten musikalischen Bild verbunden sind. Sich hauptsächlich auf die Traditionen des spätromantischen Symphonismus (F. Liszt, R. Wagner) sowie P. Tschaikowsky stützend, schuf Skrjabin gleichzeitig ein Werk, das ihn in der russischen und weltweiten Symphoniekultur als innovativen Komponisten etablierte.

Das „Gedicht der Ekstase“ ist ein Werk von beispielloser Kühnheit im Design. Es hat ein literarisches Programm, das in Versen ausgedrückt wird und in seiner Idee der Idee der Dritten Symphonie ähnelt. Als Hymne auf den alles überwindenden Willen des Menschen erklingen die Schlussworte des Textes:

Und das Universum ertönte Freudenschrei Ich bin!

Die Fülle innerhalb des einsätzigen Gedichts von Themensymbolen – lakonische Ausdrucksmotive, ihre vielfältige Entwicklung (ein wichtiger Platz gehört hier den polyphonen Mitteln) und schließlich die farbenfrohe Orchestrierung mit blendend hellen und festlichen Höhepunkten vermitteln jene Geisteshaltung, die Skrjabin ausmacht ruft Ekstase. Eine wichtige Ausdrucksrolle spielt eine reiche und farbenfrohe harmonische Sprache, in der bereits komplizierte und scharf instabile Harmonien vorherrschen.

Mit der Rückkehr Skrjabins in seine Heimat im Januar 1909 beginnt die letzte Zeit seines Lebens und Wirkens. Der Komponist konzentrierte seine Hauptaufmerksamkeit auf ein Ziel – die Schaffung eines grandiosen Werks, das die Welt verändern und die Menschheit verändern sollte. So erscheint ein synthetisches Werk – das Gedicht „Prometheus“ mit der Beteiligung eines riesigen Orchesters, eines Chors, einer Solostimme des Klaviers, einer Orgel sowie Lichteffekten (die Lichtpartie ist in der Partitur ausgeschrieben ). In St. Petersburg wurde „Prometheus“ am 9. März 1911 unter der Leitung von S. Koussevitzky unter Mitwirkung von Skrjabin selbst als Pianist uraufgeführt. Prometheus (oder das Gedicht des Feuers, wie sein Autor es nannte) basiert auf dem antiken griechischen Mythos des Titanen Prometheus. Das Thema des Kampfes und des Sieges des Menschen über die Mächte des Bösen und der Dunkelheit, der sich vor dem Glanz des Feuers zurückzieht, inspirierte Skrjabin. Hier erneuert er völlig seine harmonische Sprache, die vom traditionellen Tonsystem abweicht. Viele Themen sind in die intensive symphonische Entwicklung eingebunden. „Prometheus ist die aktive Energie des Universums, das schöpferische Prinzip, es ist Feuer, Licht, Leben, Kampf, Anstrengung, Gedanke“, sagte Skrjabin über sein Feuergedicht. Gleichzeitig mit dem Nachdenken und Komponieren von Prometheus entstanden die sechste bis zehnte Sonaten, das Gedicht „An die Flamme“ usw. für Klavier. Die in allen Jahren intensive Komponistenarbeit, ständige Konzertauftritte und damit verbundene Reisen (oft zum Zwecke der Versorgung der Familie) untergruben nach und nach seine ohnehin angeschlagene Gesundheit.

Skrjabin starb plötzlich an einer allgemeinen Blutvergiftung. Die Nachricht von seinem frühen Tod in der Blüte seines Lebens schockierte alle. Das ganze künstlerische Moskau verabschiedete ihn auf seine letzte Reise, viele junge Studenten waren anwesend. „Alexander Nikolajewitsch Skrjabin“, schrieb Plechanow, „war ein Sohn seiner Zeit. … Skrjabins Werk war seine Zeit, ausgedrückt in Klängen. Aber wenn das Temporäre, das Vergängliche im Werk eines großen Künstlers seinen Ausdruck findet, gewinnt es dauerhaft Bedeutung und fertig intransitiv".

T. Ershova

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Die Hauptwerke Skrjabins

Symphonisch

Klavierkonzert in fis-Moll, Op. 20 (1896-1897). „Träume“, e-Moll, Op. 24 (1898). Erste Sinfonie, E-Dur, Op. 26 (1899-1900). Zweite Sinfonie c-Moll op. 29 (1901). Dritte Sinfonie (Göttliches Gedicht) in c-Moll, Op. 43 (1902-1904). Gedicht der Ekstase, C-Dur, Op. 54 (1904-1907). Prometheus (Gedicht des Feuers), Op. 60 (1909-1910).

Klavier

10 Sonaten: Nr. 1 in f-Moll, Op. 6 (1893); Nr. 2 (Sonate-Fantasie), in gis-Moll, Op. 19 (1892-1897); Nr. 3 in fis-Moll, Op. 23 (1897-1898); Nr. 4, Fis-Dur, Op. 30 (1903); Nr. 5, Op. 53 (1907); Nr. 6, Op. 62 (1911-1912); Nr. 7, Op. 64 (1911-1912); Nr. 8, Op. 66 (1912-1913); Nr. 9, Op. 68 (1911-1913): Nr. 10, Op. 70 (1913).

91 Vorspiel: op. 2 Nr. 2 (1889), Op. 9 Nr. 1 (für die linke Hand, 1894), 24 Präludien, Op. 11 (1888-1896), 6 Präludien, Op. 13 (1895), 5 Präludien, Op. 15 (1895-1896), 5 Präludien, Op. 16 (1894-1895), 7 Präludien, Op. 17 (1895-1896), Präludium in Fis-Dur (1896), 4 Präludien, Op. 22 (1897-1898), 2 Präludien, Op. 27 (1900), 4 Präludien, Op. 31 (1903), 4 Präludien, Op. 33 (1903), 3 Präludien, Op. 35 (1903), 4 Präludien, Op. 37 (1903), 4 Präludien, Op. 39 (1903), Präludium, Op. 45 Nr. 3 (1905), 4 Präludien, Op. 48 (1905), Präludium, Op. 49 Nr. 2 (1905), Präludium, Op. 51 Nr. 2 (1906), Präludium, Op. 56 Nr. 1 (1908), Präludium, Op. 59′ Nr. 2 (1910), 2 Präludien, Op. 67 (1912-1913), 5 Präludien, Op. 74 (1914).

26 Umfragen: Studie, op. 2 Nr. 1 (1887), 12 Etüden, Op. 8 (1894-1895), 8 Etüden, Op. 42 (1903), Studie, Op. 49 Nr. 1 (1905), Studie, Op. 56 Nr. 4 (1908), 3 Etüden, Op. 65 (1912).

21 Mazurken: 10 Mazurkas, Op. 3 (1888-1890), 9 Mazurken, Op. 25 (1899), 2 Mazurkas, Op. 40 (1903).

20 Gedichte: 2 Gedichte, Op. 32 (1903), Tragisches Gedicht, Op. 34 (1903), Das satanische Gedicht, Op. 36 (1903), Gedicht, Op. 41 (1903), 2 Gedichte, Op. 44 (1904-1905), Fantasievolles Gedicht, Op. 45 Nr. 2 (1905), „Inspiriertes Gedicht“, Op. 51 Nr. 3 (1906), Gedicht, Op. 52 Nr. 1 (1907), „Das Sehnsuchtsgedicht“, Op. 52 Nr. 3 (1905), Gedicht, Op. 59 Nr. 1 (1910), Nocturne Poem, Op. 61 (1911-1912), 2 Gedichte: „Maske“, „Fremdheit“, Op. 63 (1912); 2 Gedichte op. 69 (1913), 2 Gedichte, Op. 71 (1914); Gedicht „An die Flamme“, op. 72 (1914).

11 spontan: Stegreif in Form einer Mazurki, soch. 2 Nr. 3 (1889), 2 Impromptu in Mazurki-Form, op. 7 (1891), 2 improvisiert, op. 10 (1894), 2 spontan, op. 12 (1895), 2 improvisiert, op. 14 (1895).

3 Nacht: 2 Nocturnes, Op. 5 (1890), Notturno, Op. 9 Nr. 2 für die linke Hand (1894).

3 Tänze: „Tanz der Sehnsucht“, op. 51 Nr. 4 (1906), 2 Tänze: „Girlanden“, „Düstere Flammen“, Op. 73 (1914).

2 Walzer: op. 1 (1885-1886), op. 38 (1903). „Wie ein Walzer“ („Quasi valse“), Op. 47 (1905).

2 Albumblätter: op. 45 Nr. 1 (1905), Op. 58 (1910)

„Allegro Appassionato“, Op. 4 (1887-1894). Konzert-Allegro, Op. 18 (1895-1896). Fantasie, Op. 28 (1900-1901). Polonaise, Op. 21 (1897-1898). Scherzo, op. 46 (1905). „Träume“, op. 49 Nr. 3 (1905). „Zerbrechlichkeit“, op. 51 Nr. 1 (1906). „Geheimnis“, op. 52 Nr. 2 (1907). „Ironie“, „Nuancen“, Op. 56 Nr. 2 und 3 (1908). „Lust“, „Wiesel im Tanz“ – 2 Stücke, Op. 57 (1908).