Yehudi Menuhin |

Yehudi Menuhin

In den 30er und 40er Jahren wurde bei ausländischen Geigern meist der Name Menuhin nach dem Namen Heifetz ausgesprochen. Es war sein würdiger Rivale und weitgehend der Antipode in Bezug auf kreative Individualität. Dann erlebte Menuhin eine Tragödie, vielleicht die schrecklichste für einen Musiker – eine Berufskrankheit der rechten Hand. Offensichtlich war es die Folge eines „überbeanspruchten“ Schultergelenks (Menuhins Arme sind etwas kürzer als die Norm, was jedoch hauptsächlich die rechte und nicht die linke Hand betraf). Aber auch wenn Menuhin den Bogen manchmal kaum auf die Saiten senkt, kaum zu Ende bringt, ist die Stärke seines großzügigen Talents so groß, dass dieser Geiger nicht genug gehört werden kann. Bei Menuhin hört man etwas, was sonst niemand hat – er gibt jeder musikalischen Phrase einzigartige Nuancen; jede musikalische Schöpfung scheint von den Strahlen ihrer reichen Natur erleuchtet zu sein. Im Laufe der Jahre wird seine Kunst immer warmer und menschlicher, bleibt aber gleichzeitig „menukhinianisch“.

Menuhin ist in einer seltsamen Familie geboren und aufgewachsen, die die heiligen Bräuche des alten Judentums mit raffinierter europäischer Bildung verband. Die Eltern kamen aus Russland – Vater Moishe Menuhin stammte aus Gomel, Mutter Marut Sher – Jalta. Sie gaben ihren Kindern Namen auf Hebräisch: Yehudi bedeutet Jude. Menuhins ältere Schwester hieß Khevsib. Die Jüngste hieß Jalta, offenbar zu Ehren der Stadt, in der ihre Mutter geboren wurde.

Zum ersten Mal trafen sich Menuhins Eltern nicht in Russland, sondern in Palästina, wo Moishe, nachdem er seine Eltern verloren hatte, von einem strengen Großvater erzogen wurde. Beide waren stolz darauf, alten jüdischen Familien anzugehören.

Bald nach dem Tod seines Großvaters zog Moishe nach New York, wo er an der Universität Mathematik und Pädagogik studierte und an einer jüdischen Schule unterrichtete. Auch Maruta kam 1913 nach New York. Ein Jahr später heirateten sie.

Am 22. April 1916 wurde ihr erstes Kind geboren, ein Junge, den sie Yehudi nannten. Nach seiner Geburt zog die Familie nach San Francisco. Die Menuhins mieteten ein Haus in der Steiner Street, „eines dieser prätentiösen Holzgebäude mit großen Fenstern, Gesimsen, geschnitzten Schriftrollen und einer struppigen Palme in der Mitte des Rasens vor dem Haus, die für San Francisco so typisch sind wie Brownstone-Häuser für New York. Dort, in einer Atmosphäre vergleichsweiser materieller Sicherheit, begann die Erziehung von Yehudi Menuhin. 1920 wurde Yehudis erste Schwester, Khevsiba, geboren und im Oktober 1921 die zweite, Jalta.

Die Familie lebte isoliert, und Yehudis frühe Jahre verbrachte er in der Gesellschaft von Erwachsenen. Dies wirkte sich auf seine Entwicklung aus; Züge von Ernsthaftigkeit, eine Tendenz zur Reflexion zeigten sich früh in der Figur. Er blieb für den Rest seines Lebens geschlossen. In seiner Erziehung gab es wieder viel Ungewöhnliches: Bis zum 3. Lebensjahr sprach er hauptsächlich Hebräisch – diese Sprache wurde in der Familie übernommen; dann brachte die Mutter, eine außergewöhnlich gebildete Frau, ihren Kindern 5 weitere Sprachen bei - Deutsch, Französisch, Englisch, Italienisch und Russisch.

Mutter war eine gute Musikerin. Sie spielte Klavier und Cello und liebte Musik. Menuhin war noch keine 2 Jahre alt, als seine Eltern begannen, ihn zu Konzerten des Sinfonieorchesters mitzunehmen. Es war nicht möglich, ihn zu Hause zu lassen, da niemand da war, der sich um das Kind kümmerte. Der Kleine benahm sich ganz anständig und schlief meistens friedlich, aber bei den ersten Geräuschen wachte er auf und interessierte sich sehr für das, was im Orchester gemacht wurde. Die Orchestermitglieder kannten das Baby und mochten ihren ungewöhnlichen Zuhörer sehr.

Als Menuhin 5 Jahre alt war, kaufte ihm seine Tante eine Geige und der Junge wurde zu Sigmund Anker geschickt, um dort zu studieren. Die ersten Schritte zur Beherrschung des Instruments gestalteten sich für ihn aufgrund der verkürzten Hände als sehr schwierig. Der Lehrer konnte seine linke Hand nicht aus der Klemmung befreien, und Menuhin konnte die Vibration kaum spüren. Aber als diese Hindernisse in der linken Hand überwunden waren und der Junge in der Lage war, sich an die Besonderheiten der Struktur der rechten Hand anzupassen, begann er rasche Fortschritte zu machen. Am 26. Oktober 1921, 6 Monate nach Unterrichtsbeginn, konnte er in einem Studentenkonzert im angesagten Fairmont Hotel auftreten.

Der 7-jährige Yehudi wurde von Anker zum Begleiter des Sinfonieorchesters, Louis Persinger, versetzt, einem Musiker von großer Kultur und einem ausgezeichneten Lehrer. Allerdings unterlief Persinger in seinem Studium bei Menuhin viele Fehler, die sich letztlich fatal auf die Leistung des Geigers auswirkten. Hingerissen von den phänomenalen Daten des Jungen, seinen schnellen Fortschritten, schenkte er der technischen Seite des Spiels wenig Aufmerksamkeit. Menuhin hat kein konsequentes Technologiestudium durchlaufen. Persinger hat nicht erkannt, dass die physischen Merkmale von Yehudis Körper, die Kürze seiner Arme, mit ernsthaften Gefahren behaftet sind, die sich nicht in der Kindheit manifestierten, sich aber im Erwachsenenalter bemerkbar machten.

Menuhins Eltern erzogen ihre Kinder ungewöhnlich streng. Um 5.30 Uhr morgens standen alle auf und arbeiteten nach dem Frühstück bis 7 Uhr im Haus herum. Es folgte ein 3-stündiger Musikunterricht – die Schwestern setzten sich ans Klavier (beide wurden ausgezeichnete Pianistinnen, Khevsiba war der ständige Partner seines Bruders), und Yehudi griff zur Geige. Mittags folgt ein zweites Frühstück und eine Stunde Schlaf. Danach – neuer Musikunterricht für 2 Stunden. Dann wurde von 4 bis 6 Uhr nachmittags für Ruhe gesorgt, und am Abend begannen sie mit dem Unterricht in allgemeinbildenden Fächern. Yehudi lernte früh klassische Literatur und Werke zur Philosophie kennen, studierte die Bücher von Kant, Hegel, Spinoza. Die Sonntage verbrachte die Familie außerhalb der Stadt und ging 8 Kilometer zu Fuß zum Strand.

Das außergewöhnliche Talent des Jungen zog die Aufmerksamkeit des örtlichen Philanthropen Sydney Erman auf sich. Er riet den Menuhins, nach Paris zu gehen, um ihren Kindern eine echte musikalische Ausbildung zu ermöglichen, und kümmerte sich um das Material. Im Herbst 1926 ging die Familie nach Europa. In Paris fand ein denkwürdiges Treffen zwischen Yehudi und Enescu statt.

Das Buch von Robert Magidov „Yehudi Menuhin“ zitiert die Erinnerungen des französischen Cellisten, Professor am Pariser Konservatorium Gerard Hecking, der Yehudi mit Enescu bekannt machte:

„Ich möchte mit dir lernen“, sagte Yehudi.

– Offenbar gab es einen Fehler, ich gebe keine Privatstunden, – sagte Enescu.

„Aber ich muss mit dir lernen, bitte hör mir zu.

- Es ist unmöglich. Ich fahre morgen um 6.30 Uhr mit dem Zug auf Tour.

Ich kann eine Stunde früher kommen und spielen, während Sie packen. Dürfen?

Der müde Enescu fühlte etwas unendlich Fesselndes in diesem Jungen, direkt, zielstrebig und gleichzeitig kindlich wehrlos. Er legte seine Hand auf Yehudis Schulter.

„Du hast gewonnen, Kleiner“, lachte Hecking.

– Kommen Sie um 5.30 Uhr in die Clichy-Straße 26. Ich werde dort sein, – verabschiedete sich Enescu.

Als Yehudi am nächsten Morgen gegen 6 Uhr mit dem Spielen fertig war, stimmte Enescu zu, nach dem Ende der Konzerttournee in zwei Monaten mit ihm zu arbeiten. Er sagte seinem erstaunten Vater, dass der Unterricht kostenlos sei.

„Yehudi wird mir so viel Freude bereiten, wie ich ihm nütze.“

Der junge Geiger träumte schon lange davon, bei Enescu zu studieren, da er einst einen rumänischen Geiger, damals auf dem Höhepunkt seines Ruhms, bei einem Konzert in San Francisco hörte. Die Beziehung, die Menuhin zu Enescu entwickelte, kann kaum als Lehrer-Schüler-Beziehung bezeichnet werden. Enescu wurde für ihn ein zweiter Vater, ein aufmerksamer Lehrer, ein Freund. Wie oft trat Enescu in den folgenden Jahren, als Menuhin ein reifer Künstler wurde, mit ihm in Konzerten auf, begleitete ihn am Klavier oder spielte ein doppeltes Bach-Konzert. Ja, und Menuhin liebte seinen Lehrer mit der ganzen Inbrunst einer edlen und reinen Natur. Während des Zweiten Weltkriegs von Enescu getrennt, flog Menuhin bei der ersten Gelegenheit sofort nach Bukarest. Er besuchte den sterbenden Enescu in Paris; der alte Maestro vermachte ihm seine kostbaren Geigen.

Enescu brachte Yehudi nicht nur das Instrumentspielen bei, er öffnete ihm auch die Seele der Musik. Unter seiner Führung blühte das Talent des Jungen auf und wurde geistig bereichert. Und es wurde buchstäblich in einem Jahr ihrer Kommunikation offensichtlich. Enescu nahm seinen Schüler mit nach Rumänien, wo die Königin ihnen eine Audienz gab. Nach seiner Rückkehr nach Paris tritt Yehudi in zwei Konzerten mit dem Lamouret Orchestra unter der Leitung von Paul Parey auf; 1927 ging er nach New York, wo er mit seinem ersten Konzert in der Carnegie Hall Furore machte.

Winthrop Sergent beschreibt die Aufführung wie folgt: „Viele New Yorker Musikliebhaber erinnern sich noch daran, wie 1927 der elfjährige Yehudi Menuhin, ein rundlicher, ängstlich selbstbewusster Junge in kurzen Hosen, Socken und offenem Hemd, ging auf die Bühne der Carnegie Hall, stand mit dem New York Symphony Orchestra davor und spielte Beethovens Violinkonzert mit einer Perfektion, die sich jeder vernünftigen Erklärung entzog. Die Orchestermitglieder weinten vor Freude, und die Kritik verbarg ihre Verwirrung nicht.

Als nächstes kommt Weltruhm. „In Berlin, wo er unter der Leitung von Bruno Walter Violinkonzerte von Bach, Beethoven und Brahms aufführte, hielt die Polizei die Menge auf der Straße kaum zurück, während das Publikum ihm 45 Minuten lang stehende Ovationen spendete. Fritz Busch, der Dirigent der Dresdner Oper, sagte eine weitere Aufführung ab, um Menuhins Konzert mit demselben Programm zu dirigieren. In Rom brach eine Menschenmenge im Augusteo-Konzertsaal zwei Dutzend Fenster ein, um hineinzukommen; in Wien konnte ihm ein Kritiker, fast fassungslos vor Freude, nur das Beiwort „erstaunlich“ zusprechen. 1931 erhielt er den ersten Preis beim Wettbewerb des Pariser Konservatoriums.

Intensive Konzerttätigkeiten dauerten bis 1936, als Menuhin plötzlich alle Konzerte absagte und sich mit seiner ganzen Familie – Eltern und Schwestern – für anderthalb Jahre in eine inzwischen gekaufte Villa in der Nähe von Los Gatos, Kalifornien, zurückzog. Er war damals 19 Jahre alt. Es war eine Zeit, in der ein junger Mann erwachsen wurde, und diese Zeit war geprägt von einer tiefen inneren Krise, die Menuhin zu einer so seltsamen Entscheidung zwang. Er erklärt seine Abgeschiedenheit mit dem Bedürfnis, sich selbst zu testen und die Essenz der Kunst zu kennen, mit der er sich beschäftigt. Bisher spielte er seiner Meinung nach rein intuitiv, wie ein Kind, ohne über die Gesetze der Aufführung nachzudenken. Nun entschied er sich, um es aphoristisch auszudrücken, die Geige zu kennen und sich selbst, seinen Körper im Spiel zu kennen. Er gibt zu, dass alle Lehrer, die ihn als Kind unterrichteten, ihm eine hervorragende künstlerische Entwicklung ermöglichten, sich aber nicht auf ein wirklich konsequentes Studium der Geigentechnik mit ihm einließen: „Auch auf den Preis des Risikos, in Zukunft alle goldenen Eier zu verlieren , ich musste lernen, wie die Gans sie niedergemacht hat.“

Natürlich zwang Menuhin der Zustand seiner Apparatur zu einem solchen Wagnis, denn „einfach so“ aus reiner Neugier würde sich kein Musiker in seiner Position auf das Studium der Geigentechnik einlassen und Konzerte verweigern. Anscheinend verspürte er schon damals einige Symptome, die ihn beunruhigten.

Es ist interessant, dass Menuhin die Lösung von Geigenproblemen auf eine Weise angeht, wie es vielleicht noch kein anderer Interpret vor ihm getan hat. Ohne beim Studium methodologischer Werke und Handbücher stehenzubleiben, taucht er in Psychologie, Anatomie, Physiologie und … sogar in die Wissenschaft der Ernährung ein. Er versucht, einen Zusammenhang zwischen Phänomenen herzustellen und die Auswirkungen komplexester psychophysiologischer und biologischer Faktoren auf das Geigenspiel zu verstehen.

Den künstlerischen Ergebnissen nach zu urteilen, beschäftigte sich Menuhin in seiner Zurückgezogenheit jedoch nicht nur mit einer rationalistischen Analyse der Gesetzmäßigkeiten des Geigenspiels. Offensichtlich schritt gleichzeitig in ihm der Prozess der geistigen Reifung voran, der so natürlich ist für die Zeit, in der ein junger Mann zum Mann wird. Auf jeden Fall kehrte der Künstler mit der Weisheit des Herzens, die von nun an zum Markenzeichen seiner Kunst wird, zur Aufführung zurück. Jetzt versucht er, in der Musik ihre tiefen spirituellen Schichten zu verstehen; er fühlt sich von Bach und Beethoven angezogen, aber nicht heroisch-zivil, sondern philosophisch, in Trauer versinkend und auferstanden um neuer moralischer und ethischer Kämpfe für Mensch und Menschheit willen.

Vielleicht gibt es in der Persönlichkeit, dem Temperament und der Kunst von Menuhin Merkmale, die normalerweise für die Menschen des Ostens charakteristisch sind. Seine Weisheit ähnelt in vielerlei Hinsicht der östlichen Weisheit mit ihrer Tendenz zur spirituellen Selbstvertiefung und Welterkenntnis durch Kontemplation der ethischen Essenz von Phänomenen. Das Vorhandensein solcher Züge in Menuhin ist nicht überraschend, wenn wir uns an die Atmosphäre erinnern, in der er aufgewachsen ist, an die in der Familie gepflegten Traditionen. Und später zog ihn der Osten an sich. Nach einem Besuch in Indien interessierte er sich leidenschaftlich für die Lehren der Yogis.

Aus einer selbst auferlegten Entfremdung kehrte Menuhin Mitte 1938 zur Musik zurück. Dieses Jahr war von einem anderen Ereignis geprägt – der Hochzeit. Yehudi traf Nola Nicholas in London bei einem seiner Konzerte. Das Lustige ist, dass die Hochzeit des Bruders und der beiden Schwestern gleichzeitig stattfand: Khevsiba heiratete Lindsay, eine enge Freundin der Familie Menuhin, und Jalta heiratete William Styx.

Aus dieser Ehe hatte Yehudi zwei Kinder: ein 1939 geborenes Mädchen und einen 1940 geborenen Jungen. Das Mädchen hieß Zamira – vom russischen Wort für „Frieden“ und dem hebräischen Namen für einen Singvogel; Der Junge erhielt den Namen Krov, der auch mit dem russischen Wort für „Blut“ und dem hebräischen Wort für „Kampf“ in Verbindung gebracht wurde. Der Name wurde unter dem Eindruck des Kriegsausbruchs zwischen Deutschland und England vergeben.

Der Krieg störte Menuhins Leben schwer. Als Vater von zwei Kindern war er nicht wehrpflichtig, aber sein Gewissen als Künstler erlaubte es ihm nicht, ein außenstehender Beobachter des militärischen Geschehens zu bleiben. Während des Krieges gab Menuhin etwa 500 Konzerte „in allen Militärlagern von den Aleuten bis zur Karibik und dann auf der anderen Seite des Atlantiks“, schreibt Winthrop Sergent. Gleichzeitig spielte er vor jedem Publikum die ernsteste Musik – Bach, Beethoven, Mendelssohn und seine feurige Kunst eroberten sogar einfache Soldaten. Sie schicken ihm rührende Briefe voller Dankbarkeit. Das Jahr 1943 war für Yehudi von einem großen Ereignis geprägt – er traf Bela Bartok in New York. Auf Wunsch Menuhins schrieb Bartók die Sonate für Solovioline ohne Begleitung, die der Künstler im November 1944 zum ersten Mal aufführte. Aber im Grunde sind diese Jahre Konzerten in Militäreinheiten und Krankenhäusern gewidmet.

Ende 1943 ging er, die Gefahr einer Reise über den Ozean vernachlässigend, nach England und entfaltete hier eine intensive Konzerttätigkeit. Während der Offensive der alliierten Armeen folgte er den Truppen buchstäblich auf den Fersen, der erste Musiker der Welt, der im befreiten Paris, Brüssel, Antwerpen spielte.

Sein Konzert in Antwerpen fand statt, als die Außenbezirke der Stadt noch in deutscher Hand waren.

Der Krieg geht zu Ende. Zurück in seiner Heimat verweigert Menuhin, wie schon 1936, plötzlich Konzerte und macht eine Pause, die er wie damals der Neubetrachtung der Technik widmet. Offensichtlich nehmen die Angstsymptome zu. Die Atempause dauerte jedoch nicht lange – nur wenige Wochen. Menuhin schafft es, den Exekutivapparat schnell und vollständig aufzubauen. Wieder schlägt sein Spiel mit absoluter Perfektion, Kraft, Inspiration, Feuer.

Die Jahre 1943-1945 erwiesen sich in Menuhins Privatleben als voller Zwietracht. Das ständige Reisen störte allmählich seine Beziehung zu seiner Frau. Nola und Yehudi waren zu unterschiedlich in der Natur. Sie verstand nicht und verzieh ihm seine Leidenschaft für die Kunst nicht, die ihm keine Zeit für die Familie zu lassen schien. Einige Zeit versuchten sie noch, ihre Gewerkschaft zu retten, doch 1945 mussten sie sich scheiden lassen.

Der letzte Anstoß zur Scheidung war offenbar Menuhins Treffen mit der englischen Ballerina Diana Gould im September 1944 in London. Heiße Liebe flammte auf beiden Seiten auf. Diana besaß spirituelle Qualitäten, die Yehudi besonders ansprachen. Am 19. Oktober 1947 heirateten sie. Aus dieser Ehe gingen zwei Kinder hervor – Gerald im Juli 1948 und Jeremiah – drei Jahre später.

Kurz nach dem Sommer 1945 unternahm Menuhin eine Reise durch die alliierten Länder, darunter Frankreich, Holland, die Tschechoslowakei und Russland. In England lernte er Benjamin Britten kennen und trat mit ihm in einem Konzert auf. Er ist gefesselt von dem großartigen Klang des Klaviers unter den Fingern von Britten, der ihn begleitete. In Bukarest traf er Enescu schließlich wieder, und dieses Treffen bewies beiden, wie geistlich nah sie einander standen. Im November 1945 kam Menuhin in die Sowjetunion.

Das Land hatte gerade begonnen, sich von den schrecklichen Umwälzungen des Krieges zu erholen; Städte wurden zerstört, Lebensmittel wurden auf Karten ausgegeben. Und doch war das künstlerische Leben in vollem Gange. Menuhin war beeindruckt von der lebhaften Reaktion der Moskauer auf sein Konzert. „Jetzt denke ich darüber nach, wie vorteilhaft es für einen Künstler ist, mit einem solchen Publikum zu kommunizieren, das ich in Moskau gefunden habe – sensibel, aufmerksam, weckt im Künstler ein Gefühl des hohen kreativen Brennens und den Wunsch, in ein Land zurückzukehren, in dem die Musik existiert so vollständig und organisch ins Leben eingetreten. und das Leben der Menschen … “.

Er spielte im Tschaikowsky-Saal an einem Abend 3 Konzerte – für zwei Violinen von I.-S. Bach mit David Oistrach, Konzerte von Brahms und Beethoven; an den verbleibenden zwei Abenden – Bachs Sonaten für Violine solo, eine Reihe von Miniaturen. Lev Oborin antwortete mit einer Rezension und schrieb, dass Menuhin ein Geiger mit einem großen Konzertplan ist. „Der Hauptbereich der Kreativität dieses großartigen Geigers sind Werke großer Formen. Dem Stil von Salonminiaturen oder rein virtuosen Werken steht er weniger nahe. Menuhins Element sind große Leinwände, aber er hat auch eine Reihe von Miniaturen tadellos ausgeführt.

Oborins Rezension beschreibt Menuhin treffend und stellt seine Geigenqualitäten richtig fest – eine enorme Fingertechnik und einen Klang, der in Stärke und Schönheit auffällt. Ja, damals war sein Sound besonders kraftvoll. Vielleicht bestand diese seine Qualität gerade in der Spielweise mit der ganzen Hand, „von der Schulter“, die dem Klang eine besondere Fülle und Dichte verlieh, ihn aber mit verkürztem Arm offensichtlich überforderte. In Bachs Sonaten war er unnachahmlich, und was das Beethoven-Konzert betrifft, so konnte man in der Erinnerung unserer Generation kaum eine solche Aufführung hören. Menuhin schaffte es, die ethische Seite darin zu betonen und interpretierte es als ein Denkmal des reinen, erhabenen Klassizismus.

Im Dezember 1945 lernte Menuhin den berühmten deutschen Dirigenten Wilhelm Furtwängler kennen, der während des Naziregimes in Deutschland wirkte. Es scheint, dass diese Tatsache Yehudi abstoßen sollte, was nicht geschah. Im Gegenteil, Menuhin verteidigt Furtwängler in einigen seiner Äußerungen. In einem eigens dem Dirigenten gewidmeten Artikel schildert er, wie Furtwängler in Nazi-Deutschland versuchte, die Not jüdischer Musiker zu lindern und viele vor Repressalien bewahrte. Furtwänglers Verteidigung provoziert scharfe Angriffe auf Menuhin. Er rückt ins Zentrum der Debatte um die Frage – lassen sich Musiker, die den Nazis dienten, rechtfertigen? Der 1947 abgehaltene Prozess sprach Furtwängler frei.

Bald beschloss die amerikanische Militärvertretung in Berlin, unter seiner Leitung eine Reihe philharmonischer Konzerte mit Beteiligung prominenter amerikanischer Solisten zu organisieren. Der erste war Menuhin. Er gab 3 Konzerte in Berlin – 2 für Amerikaner und Briten und 1 – offen für das deutsche Publikum. Vor den Deutschen zu sprechen – das heißt, den jüngsten Feinden – provoziert eine scharfe Verurteilung von Menuhin unter den amerikanischen und europäischen Juden. Seine Toleranz erscheint ihnen als Verrat. Wie groß die Anfeindungen ihm gegenüber waren, lässt sich daran ablesen, dass er mehrere Jahre nicht nach Israel einreisen durfte.

Menuhins Konzerte wurden in Israel zu einer Art nationalem Problem, wie die Dreyfus-Affäre. Als er 1950 endlich dort ankam, begrüßte ihn die Menge auf dem Flugplatz von Tel Aviv mit eisiger Stille, und sein Hotelzimmer wurde von bewaffneten Polizisten bewacht, die ihn durch die Stadt begleiteten. Nur die Aufführung von Menuhin, seiner Musik, die zum Guten und zum Kampf gegen das Böse aufrief, brach diese Feindseligkeit. Nach einer zweiten Tournee in Israel 1951-1952 schrieb einer der Kritiker: „Das Spiel eines solchen Künstlers wie Menuhin kann sogar einen Atheisten dazu bringen, an Gott zu glauben.“

Menuhin verbrachte Februar und März 1952 in Indien, wo er sich mit Jawaharlar Nehru und Eleanor Roosevelt traf. Das Land verblüffte ihn. Er interessierte sich für ihre Philosophie, das Studium der Theorie der Yogis.

In der zweiten Hälfte der 50er Jahre begann sich eine langwierige Berufskrankheit zusehends zu zeigen. Menuhin versucht jedoch beharrlich, die Krankheit zu überwinden. Und gewinnt. Natürlich ist sein rechter Arm nicht ganz richtig. Vor uns liegt eher ein Beispiel für den Sieg des Willens über die Krankheit und keine echte körperliche Genesung. Und doch ist Menuhin Menuhin! Seine hohe künstlerische Inspiration lässt jedes Mal und jetzt die rechte Hand, die Technik – alles in der Welt – vergessen. Und natürlich hat Galina Barinova recht, wenn sie nach Menuhins Tournee 1952 in der UdSSR schrieb: „Es scheint, dass Menuhins inspirierte Höhen und Tiefen untrennbar mit seiner spirituellen Erscheinung verbunden sind, was nur ein Künstler mit einer subtilen und reinen Seele kann in die Tiefen von Beethovens Werk und Mozart vordringen“.

Menuhin kam mit seiner Schwester Khevsiba, seiner langjährigen Konzertpartnerin, in unser Land. Sie gaben Sonatenabende; Yehudi trat auch in Sinfoniekonzerten auf. In Moskau schloss er eine Freundschaft mit dem berühmten sowjetischen Bratschisten Rudolf Barshai, Leiter des Moskauer Kammerorchesters. Menuhin und Barshai, begleitet von diesem Ensemble, führten Mozarts Sinfoniekonzert für Violine und Viola auf. Auf dem Programm standen außerdem ein Bach-Konzert und ein Divertimento in D-Dur von Mozart: „Menuhin hat sich selbst übertroffen; Das erhabene Musizieren war voll von einzigartigen kreativen Funden.

Menuhins Energie ist erstaunlich: Er macht lange Tourneen, arrangiert jährliche Musikfestivals in England und der Schweiz, dirigiert, beabsichtigt, Pädagogik aufzunehmen.

Winthrops Artikel enthält eine detaillierte Beschreibung von Menuhins Aussehen.

„Stämmig, rothaarig, blauäugig, mit einem jungenhaften Lächeln und etwas Eulenartigem im Gesicht, macht er den Eindruck eines einfachherzigen Menschen und gleichzeitig nicht ohne Raffinesse. Er spricht elegantes Englisch, sorgfältig gewählte Worte, mit einem Akzent, den die meisten seiner amerikanischen Mitbürger für britisch halten. Er verliert nie die Beherrschung oder verwendet eine schroffe Sprache. Seine Einstellung zur Welt um ihn herum scheint eine Kombination aus fürsorglicher Höflichkeit und lässiger Höflichkeit zu sein. Hübsche Frauen nennt er „hübsche Damen“ und spricht sie mit der Zurückhaltung eines wohlerzogenen Mannes an, der bei einem Treffen spricht. Menuhins unbestreitbare Distanzierung von einigen der banalen Aspekte des Lebens hat viele Freunde dazu veranlasst, ihn mit dem Buddha zu vergleichen: Tatsächlich prädisponiert ihn seine Beschäftigung mit Fragen von ewiger Bedeutung auf Kosten von allem Zeitlichen und Vergänglichen zu außerordentlicher Vergesslichkeit in eitlen weltlichen Angelegenheiten. Seine Frau, die das genau wusste, war nicht überrascht, als er kürzlich höflich fragte, wer Greta Garbo sei.

Menuhins Privatleben mit seiner zweiten Frau scheint sich sehr glücklich entwickelt zu haben. Sie begleitet ihn meistens auf Reisen, und am Anfang ihres gemeinsamen Lebens ging er einfach nirgendwo ohne sie hin. Erinnern Sie sich, dass sie ihr erstes Kind sogar unterwegs zur Welt gebracht hat – auf einem Festival in Edinburgh.

Aber zurück zu Winthrops Beschreibung: „Wie die meisten Konzertkünstler führt Menuhin zwangsläufig ein hektisches Leben. Seine englische Frau nennt ihn „einen Geigenmusikvertrieb“. Er hat sein eigenes Haus – und ein sehr beeindruckendes – in den Hügeln nahe der Stadt Los Gatos, hundert Kilometer südlich von San Francisco, aber er verbringt selten mehr als ein oder zwei Wochen im Jahr darin. Sein typischster Schauplatz ist die Kabine eines Hochseedampfers oder das Abteil eines Pullman-Wagens, das er während seiner fast ununterbrochenen Konzertreisen bewohnt. Wenn seine Frau nicht bei ihm ist, betritt er das Pullman-Abteil mit einem Gefühl der Unbeholfenheit: Es erscheint ihm wahrscheinlich unanständig, einen Platz einzunehmen, der für mehrere Passagiere allein bestimmt ist. Aber ein separates Abteil ist für ihn bequemer, um verschiedene körperliche Übungen durchzuführen, die von den östlichen Lehren des Yoga vorgeschrieben sind, zu deren Anhänger er vor einigen Jahren wurde. Seiner Meinung nach stehen diese Übungen in direktem Zusammenhang mit seiner scheinbar hervorragenden Gesundheit und seinem scheinbar heiteren Geisteszustand. Das Programm dieser Übungen beinhaltet tägliches Stehen auf dem Kopf für fünfzehn oder zwölf Minuten, eine Leistung, die unter allen Bedingungen, die mit außergewöhnlicher Muskelkoordination verbunden sind, in einem schwankenden Zug oder auf einem Dampfschiff während eines Sturms übermenschliche Ausdauer erfordert.

Menuhins Gepäck fällt durch seine Schlichtheit und angesichts der Länge seiner vielen Touren durch seine Knappheit auf. Es besteht aus zwei schäbigen Koffern, vollgestopft mit Unterwäsche, Kostümen für Auftritte und Arbeit, einem unveränderlichen Band des chinesischen Philosophen Lao Tzu „Die Lehren des Tao“ und einem großen Geigenkasten mit zwei Stradivaris im Wert von hundertfünfzigtausend Dollar; er wischt sie ständig mit Pullman-Handtüchern ab. Wenn er gerade von zu Hause weggefahren ist, hat er vielleicht einen Korb mit Brathähnchen und Obst im Gepäck; alles liebevoll in Wachspapier eingewickelt von seiner Mutter, die mit ihrem Mann, Yehudis Vater, ebenfalls in der Nähe von Los Gatos lebt. Menuhin mag keine Speisewagen und wenn der Zug in irgendeiner Stadt mehr oder weniger lange hält, macht er sich auf die Suche nach Diätküchen, wo er Karotten- und Selleriesaft in großen Mengen konsumiert. Wenn es etwas auf der Welt gibt, das Menuhin mehr interessiert als Geige und hohe Ideen, dann sind es Fragen der Ernährung: Fest davon überzeugt, dass das Leben als organisches Ganzes zu behandeln ist, schafft er es, diese drei Elemente in seinem Kopf miteinander zu verbinden. .

Am Ende der Charakterisierung geht Winthrop auf Menuhins Wohltätigkeit ein. Unter Hinweis darauf, dass seine Einnahmen aus Konzerten 100 Dollar im Jahr übersteigen, schreibt er, dass er den Großteil dieser Summe verteilt, und dies neben Benefizkonzerten für das Rote Kreuz, die Juden Israels, für die Opfer deutscher Konzentrationslager, um zu helfen die Wiederaufbauarbeiten in England, Frankreich, Belgien und Holland.

„Oft überweist er den Erlös aus dem Konzert an die Pensionskasse des Orchesters, mit dem er auftritt. Seine Bereitschaft, mit seiner Kunst fast jedem wohltätigen Zweck zu dienen, brachte ihm die Dankbarkeit der Menschen in vielen Teilen der Welt ein – und eine volle Kiste mit Orden, bis hin zur Ehrenlegion und dem Lothringer Kreuz.

Menuhins menschliches und kreatives Bild ist klar. Er kann als einer der größten Humanisten unter den Musikern der bürgerlichen Welt bezeichnet werden. Dieser Humanismus bestimmt seine herausragende Bedeutung in der Weltmusikkultur unseres Jahrhunderts.

L.Raaben, 1967