Vladimir Horowitz (Vladimir Horowitz) |

Vladimir Horowitz

Ein Konzert von Vladimir Horowitz ist immer ein Ereignis, immer eine Sensation. Und das nicht nur jetzt, wo seine Konzerte so selten sind, dass jeder der letzte sein kann, sondern auch in der Zeit des Anfangs. Das war schon immer so. Seit jenem Frühjahr 1922, als ein sehr junger Pianist zum ersten Mal auf den Bühnen von Petrograd und Moskau auftrat. Zwar fanden seine allerersten Konzerte in beiden Hauptstädten in halbleeren Sälen statt – der Name des Debütanten sagte dem Publikum wenig. Nur wenige Kenner und Spezialisten haben von diesem erstaunlich talentierten jungen Mann gehört, der 1921 das Kiewer Konservatorium abschloss, wo seine Lehrer V. Pukhalsky, S. Tarnovsky und F. Blumenfeld waren. Und am nächsten Tag nach seinen Auftritten verkündeten die Zeitungen Vladimir Horowitz einstimmig als aufgehenden Stern am pianistischen Horizont.

Nach mehreren Konzertreisen durch das Land machte sich Horowitz 1925 auf den Weg, um Europa zu „erobern“. Hier wiederholte sich die Geschichte: Bei seinen ersten Auftritten in den meisten Städten – Berlin, Paris, Hamburg – gab es wenige Zuhörer, für die nächsten – Karten wurden dem Kampf entzogen. Auf die Gebühren hatte dies freilich wenig Einfluss: Sie waren spärlich. Den Anfang des lauten Ruhms legte – wie so oft – ein glücklicher Zufall. Im selben Hamburg rannte ein atemloser Unternehmer in sein Hotelzimmer und bot an, den erkrankten Solisten in Tschaikowskys Erstem Konzert zu ersetzen. Ich musste in einer halben Stunde sprechen. Hastig ein Glas Milch trinkend, stürzte Horowitz in den Saal, wo ihm der greise Dirigent E. Pabst gerade noch sagen konnte: „Pass auf meinen Stock auf, und so Gott will, es wird nichts Schreckliches passieren.“ Nach ein paar Takten sah der fassungslose Dirigent selbst dem Solisten beim Spielen zu, und als das Konzert zu Ende war, waren die Tickets für seinen Soloauftritt innerhalb von anderthalb Stunden ausverkauft. So trat Vladimir Horowitz triumphal in das Musikleben Europas ein. In Paris schrieb die Zeitschrift „Revue Musical“ nach seinem Debüt: „Manchmal gibt es doch einen Künstler, der ein Genie für die Interpretation hat – Liszt, Rubinstein, Paderevsky, Kreisler, Casals, Cortot … Vladimir Horowitz gehört zu dieser Kategorie von Künstlern – Könige.“

Neuer Applaus brachte Horowitz sein Debüt auf dem amerikanischen Kontinent, das Anfang 1928 stattfand. Nachdem er zuerst das Tschaikowsky-Konzert und dann das Soloprogramm aufgeführt hatte, erhielt er laut der Zeitung The Times „das stürmischste Treffen, mit dem ein Pianist rechnen kann .“ In den folgenden Jahren, während er in den USA, Paris und der Schweiz lebte, tourte und nahm Horowitz äußerst intensiv auf. Die Anzahl seiner Konzerte pro Jahr erreicht hundert, und in Bezug auf die Anzahl der veröffentlichten Schallplatten übertrifft er bald die meisten modernen Pianisten. Sein Repertoire ist breit und vielfältig; Grundlage ist die Musik der Romantiker, insbesondere Liszts und russischer Komponisten – Tschaikowsky, Rachmaninow, Skrjabin. Die besten Züge von Horowitz' Auftrittsbild jener Vorkriegszeit spiegeln sich in seiner Aufnahme von Liszts h-Moll-Sonate aus dem Jahr 1932 wider. Sie beeindruckt nicht nur durch ihren technischen Wirbelwind, die Intensität des Spiels, sondern auch durch die Tiefe des Spiels Gefühl, echte Liszt-Tonleiter und das Relief von Details. Liszts Rhapsodie, Schuberts Impromptu, Tschaikowskys Konzerte (Nr. 1), Brahms (Nr. 2), Rachmaninow (Nr. 3) und vieles mehr zeichnen sich durch dieselben Merkmale aus. Doch neben den Vorzügen sehen Kritiker in Horowitz' schauspielerischer Oberflächlichkeit zu Recht den Wunsch nach Außeneffekten, den Zuhörer mit technischen Eskapaden zu verarschen. Hier die Meinung des prominenten amerikanischen Komponisten W. Thomson: „Ich behaupte nicht, dass Horowitz' Interpretationen grundsätzlich falsch und ungerechtfertigt sind: manchmal sind sie es, manchmal nicht. Aber jemand, der sich die von ihm gespielten Werke nie angehört hat, könnte leicht zu dem Schluss kommen, dass Bach ein Musiker wie L. Stokowski, Brahms eine Art frivoler, in Nachtclubs arbeitender Gershwin und Chopin ein Zigeunergeiger war. Diese Worte sind natürlich zu hart, aber eine solche Meinung war nicht isoliert. Horowitz entschuldigte sich manchmal, verteidigte sich. Er sagte: „Klavierspiel besteht aus gesundem Menschenverstand, Herz und technischen Mitteln. Alles muss gleich entwickelt werden: Ohne gesunden Menschenverstand scheitert man, ohne Technik ist man Amateur, ohne Herz ist man eine Maschine. Der Beruf ist also voller Gefahren. Doch als er 1936 aufgrund einer Blinddarmoperation und Folgekomplikationen seine Konzerttätigkeit unterbrechen musste, empfand er plötzlich viele der Vorwürfe als nicht unbegründet.

Die Pause zwang ihn zu einem neuen Blick auf sich selbst, wie von außen, um sein Verhältnis zur Musik zu überdenken. „Ich denke, dass ich als Künstler in diesen Zwangsferien gewachsen bin. Ich habe jedenfalls viel Neues in meiner Musik entdeckt“, betonte der Pianist. Die Gültigkeit dieser Worte lässt sich leicht bestätigen, wenn man Aufzeichnungen vergleicht, die vor 1936 und nach 1939 aufgezeichnet wurden, als Horowitz auf Drängen seines Freundes Rachmaninov und Toscanini (deren Tochter er verheiratet ist) zum Instrument zurückkehrte.

In dieser zweiten, reiferen Periode von 14 Jahren erweitert Horowitz sein Spektrum erheblich. Einerseits ist er Ende 40; spielt ständig und immer häufiger Beethovens Sonaten und Schumanns Zyklen, Miniaturen und Hauptwerke von Chopin und versucht, eine andere Interpretation der Musik großer Komponisten zu finden; andererseits bereichert es neue Programme mit moderner Musik. Insbesondere spielte er nach dem Krieg als erster die 6., 7. und 8. Sonate von Prokofjew, die 2. und 3. Sonate von Kabalewski in Amerika, außerdem spielte er mit erstaunlicher Brillanz. Horowitz erweckt einige Werke amerikanischer Autoren zum Leben, darunter die Barber-Sonate, und bezieht gleichzeitig die Werke von Clementi und Czerny, die damals nur als Teil des pädagogischen Repertoires galten, in den Konzertgebrauch ein. Die damalige Tätigkeit des Künstlers wird sehr intensiv. Für viele schien er auf dem Zenit seines kreativen Potenzials zu sein. Aber als die „Konzertmaschine“ Amerikas ihn erneut unterwarf, begannen Stimmen der Skepsis und oft Ironie zu hören. Manche nennen den Pianisten einen „Zauberer“, einen „Rattenfänger“; wieder sprechen sie über seine kreative Sackgasse, über Gleichgültigkeit gegenüber der Musik. Die ersten Nachahmer treten auf die Bühne, besser gesagt sogar die Nachahmer von Horowitz – technisch bestens ausgerüstet, aber innerlich leer, junge „Techniker“. Horowitz hatte keine Schüler, mit wenigen Ausnahmen: Graffman, Jainis. Und während er Unterricht gab, mahnte er ständig: „Es ist besser, eigene Fehler zu machen, als die Fehler anderer zu kopieren.“ Doch die Horowitz-Nachahmer wollten diesem Prinzip nicht folgen: Sie setzten auf die richtige Karte.

Die Zeichen der Krise waren dem Künstler schmerzlich bewusst. Und jetzt, nachdem er im Februar 1953 ein Galakonzert anlässlich des 25. Jahrestages seines Debüts in der Carnegie Hall gespielt hat, verlässt er erneut die Bühne. Diesmal für lange Zeit, für 12 Jahre.

Die völlige Stille des Musikers dauerte zwar weniger als ein Jahr. Dann nimmt er nach und nach wieder hauptsächlich zu Hause auf, wo RCA ein ganzes Studio ausgestattet hat. Die Schallplatten kommen nacheinander wieder heraus – Sonaten von Beethoven, Skrjabin, Scarlatti, Clementi, Rhapsodien von Liszt, Werke von Schubert, Schumann, Mendelssohn, Rachmaninoff, Mussorgskys Bilder einer Ausstellung, eigene Transkriptionen von F. Sousas Marsch „Stars and Stripes“ , „Hochzeitsmarsch“ Mendelssohn-Liszt, eine Fantasie aus „Carmen“… 1962 bricht der Künstler mit der Firma RCA, unzufrieden damit, dass er wenig Nahrung für die Werbung liefert, und beginnt eine Zusammenarbeit mit der Firma Columbia. Jede neue Platte von ihm überzeugt, dass der Pianist seine phänomenale Virtuosität nicht verliert, sondern zu einem noch subtileren und tiefgründigeren Interpreten wird.

„Der Künstler, der gezwungen ist, der Öffentlichkeit ständig von Angesicht zu Angesicht gegenüberzustehen, ist am Boden zerstört, ohne es überhaupt zu merken. Er gibt ständig, ohne eine Gegenleistung zu erhalten. Jahrelanges Vermeiden öffentlicher Reden half mir, endlich mich selbst und meine eigenen wahren Ideale zu finden. Während der verrückten Konzertjahre – dort, hier und überall – fühlte ich, wie ich taub wurde – geistig und künstlerisch“, wird er später sagen.

Bewunderer des Künstlers glaubten, dass sie ihn „von Angesicht zu Angesicht“ treffen würden. Tatsächlich nahm Horowitz am 9. Mai 1965 seine Konzerttätigkeit mit einem Auftritt in der Carnegie Hall wieder auf. Das Interesse an seinem Konzert war beispiellos, die Tickets innerhalb weniger Stunden ausverkauft. Ein bedeutender Teil des Publikums waren junge Leute, die ihn noch nie zuvor gesehen hatten, Leute, für die er eine Legende war. „Er sah genauso aus wie bei seinem letzten Auftritt vor 12 Jahren“, kommentierte G. Schonberg. – Hohe Schultern, der Körper ist fast bewegungslos, leicht geneigt zu den Tasten; nur Hände und Finger arbeiteten. Für viele junge Leute im Publikum war es fast so, als würden sie Liszt oder Rachmaninow spielen, den legendären Pianisten, von dem alle reden, von dem aber noch niemand gehört hat.“ Aber noch wichtiger als Horowitz' äußere Unveränderlichkeit war die tiefe innere Wandlung seines Spiels. „Die Zeit ist für Horowitz in den zwölf Jahren seit seinem letzten öffentlichen Auftritt nicht stehen geblieben“, schrieb Alan Rich, Rezensent der New York Herald Tribune. – Die schillernde Brillanz seiner Technik, die unglaubliche Kraft und Intensität der Darbietung, Fantasie und Farbpalette – all dies ist unversehrt erhalten geblieben. Aber gleichzeitig tauchte sozusagen eine neue Dimension in seinem Spiel auf. Als er mit 48 Jahren die Konzertbühne verließ, war er natürlich ein voll ausgebildeter Künstler. Aber jetzt ist ein tieferer Interpret in die Carnegie Hall gekommen, und eine neue „Dimension“ in seinem Spiel kann als musikalische Reife bezeichnet werden. In den letzten Jahren haben wir eine ganze Galaxie junger Pianisten gesehen, die uns davon überzeugt haben, dass sie schnell und technisch souverän spielen können. Und es ist durchaus möglich, dass Horowitz' Entscheidung, gerade jetzt auf die Konzertbühne zurückzukehren, der Erkenntnis geschuldet ist, dass es etwas gibt, an das selbst die brillantesten dieser jungen Leute erinnert werden müssen. Während des Konzerts erteilte er eine ganze Reihe wertvoller Lektionen. Es war eine Lektion darin, zitternde, funkelnde Farben zu extrahieren; es war eine Lektion in der Verwendung von Rubato mit tadellosem Geschmack, besonders lebhaft demonstriert in den Werken von Chopin, es war eine brillante Lektion darin, die Details und das Ganze in jedem Stück zu kombinieren und die höchsten Höhepunkte zu erreichen (besonders bei Schumann). Horowitz ließ „wir die Zweifel spüren, die ihn all die Jahre geplagt haben, als er über seine Rückkehr in den Konzertsaal nachdachte. Er demonstrierte, was für eine kostbare Gabe er jetzt besaß.

Auf dieses denkwürdige Konzert, das die Wiederbelebung und sogar die Wiedergeburt von Horowitz einläutete, folgten vier Jahre häufiger Soloauftritte (Horowitz hat seit 1953 nicht mehr mit dem Orchester gespielt). „Ich bin es leid, vor einem Mikrofon zu spielen. Ich wollte für Leute spielen. Die Perfektion der Technik ist auch ermüdend“, gab der Künstler zu. 1968 hatte er auch seinen ersten Fernsehauftritt in einem Spezialfilm für junge Leute, wo er viele Perlen seines Repertoires aufführte. Dann – eine neue 5-jährige Pause, und statt Konzerte – neue großartige Aufnahmen: Rachmaninow, Skrjabin, Chopin. Und am Vorabend seines 70. Geburtstages kehrte der bemerkenswerte Meister zum dritten Mal an die Öffentlichkeit zurück. Seitdem ist er nicht mehr allzu oft und nur tagsüber aufgetreten, aber seine Konzerte sind immer noch eine Sensation. Alle diese Konzerte werden aufgezeichnet, und die danach veröffentlichten Schallplatten lassen erahnen, welch erstaunliche pianistische Form der Künstler bis zum Alter von 75 Jahren bewahrt hat, welche künstlerische Tiefe und Weisheit er erworben hat; zumindest teilweise nachvollziehen lassen, was der Stil des „späten Horowitz“ ist. Zum Teil, „weil dieser Künstler, wie amerikanische Kritiker betonen, niemals zwei identische Interpretationen hat. Natürlich ist Horowitz' Stil so eigentümlich und eindeutig, dass ihn jeder mehr oder weniger anspruchsvolle Zuhörer sofort erkennen kann. Ein einziger Takt seiner Interpretationen auf dem Klavier kann diesen Stil besser definieren als alle Worte. Aber es ist unmöglich, die herausragendsten Qualitäten nicht herauszuheben – eine auffällige koloristische Vielfalt, eine lapidar ausgewogene Balance seiner feinen Technik, ein riesiges Klangpotential sowie ein überentwickeltes Rubato und Kontraste, spektakuläre dynamische Oppositionen in der linken Hand.

So ist Horowitz heute, Horowitz, Millionen von Menschen von Schallplatten und Tausenden von Konzerten vertraut. Welche weiteren Überraschungen er für die Zuhörer bereithält, ist nicht absehbar. Jedes Treffen mit ihm ist immer noch ein Ereignis, immer noch ein Feiertag. Konzerte in großen Städten der USA, mit denen der Künstler den 50. Jahrestag seines amerikanischen Debüts feierte, wurden zu solchen Feiertagen für seine Bewunderer. Einer von ihnen, am 8. Januar 1978, war besonders bedeutsam als der erste Auftritt des Künstlers mit einem Orchester seit einem Vierteljahrhundert: Rachmaninows Drittes Konzert wurde aufgeführt, Y. Ormandy dirigierte. Einige Monate später fand Horowitz' erster Chopin-Abend in der Carnegie Hall statt, der später zu einem Album mit vier Schallplatten wurde. Und dann – Abende, die seinem 75. Geburtstag gewidmet sind … Und jedes Mal, wenn er auf die Bühne geht, beweist Horowitz, dass das Alter für einen wahren Schöpfer keine Rolle spielt. „Ich bin davon überzeugt, dass ich mich als Pianist weiter entwickle“, sagt er. „Mit den Jahren werde ich ruhiger und reifer. Wenn ich das Gefühl hätte, nicht spielen zu können, würde ich es nicht wagen, auf die Bühne zu treten „…