Musikerziehung |

Der Prozess der Beherrschung der für die musikalische Tätigkeit erforderlichen Kenntnisse, Fertigkeiten und Fähigkeiten sowie die Gesamtheit der Kenntnisse und damit zusammenhängenden Fertigkeiten und Fähigkeiten, die als Ergebnis der Ausbildung erworben werden. Unter M. o. verstehen oft das eigentliche Organisationssystem der Musen. Lernen. Der Hauptweg, um M. o. – Vorbereitung unter Anleitung eines Lehrers, meistens auf dem Konto. Institution. Eine wichtige Rolle kann die Selbstbildung sowie die Assimilation von Wissen und Fähigkeiten im Prozess der Prof. spielen. Musik üben oder an Amateuraktivitäten teilnehmen. Musik machen. M. etwa unterscheiden. allgemein, das Kenntnisse, Fertigkeiten und Fähigkeiten in dem Umfang vermittelt, wie es für Laientätigkeiten oder nur für die Wahrnehmung von Musik benötigt wird, und M. o. Spezial, Vorbereitung auf prof. Arbeit (Komponieren, Aufführen, Wissenschaft, Pädagogik). M.o. kann primär (niedriger), mittel und höher sein, ein Schnitt in fast allen Ländern ist speziell. Charakter. Allgemeine Didaktik. auch das Prinzip der pflegenden Erziehung steht in direktem Zusammenhang mit M. o. und spiegelt sich in ihren Inhalten, Methoden und Organisationsformen wider. Allgemeines und spezielles M. o. schlägt eine organische Einheit von musikalischer Bildung und Musik vor. Bildung: Nicht nur ein Musiklehrer ist eine allgemeine Bildung. schulen, die kinder unterrichten und ihnen eine allgemeine musikalische erziehung geben, sie mittels der musik erziehen und zu ihrem verständnis führen, aber der lehrer prof. Musikschulen aller Niveaus, die die Zukunft der Musik vorstellen. Figur zu besonderen Kenntnissen und Fähigkeiten, formt zugleich seine Persönlichkeit – Weltanschauung, ästhetische und ethische Ideale, Wille und Charakter.

M.o. – die Kategorie des Geschichtlichen, und in einer Klassengesellschaft – das Klassengeschichtliche. Ziele, Inhalt, Niveau, Methoden und Organisatorisches. M. bildet sich um. durch Veränderungen in der Geschichte der Musen bestimmt. Kultur, soziale Beziehungen, nat. Besonderheit, die Rolle der Musik. art-va im Leben dieser Gesellschaft, muz.-ästhetisch. Ansichten, Musikstil. Kreativität, bestehende Musikformen. Aktivitäten, Funktionen von Musikern, dominante allgemeine pädagogische. Ideen und den Entwicklungsstand der Musen. Pädagogik. M.s Charakter über. auch aufgrund des Alters des Schülers, seiner Fähigkeiten, der Art der Musik. Aktivitäten, auf die sie ihn vorbereiten, und viele andere. andere Musik. Der Unterricht eines Kindes ist anders aufgebaut als der eines Erwachsenen, und das Geigenspiel beispielsweise ist anders als das Klavierspielen. Gleichzeitig ist es in der modernen führenden Musik allgemein anerkannt. Pädagogik (bei allen unübersehbaren Unterschieden in ihren Formen und Methoden) sind zwei Prinzipien: allgemeine M. o. kann und soll nicht durch ein spezielles ersetzt werden (bei dem oft der Schwerpunkt auf die Vermittlung technischer Fähigkeiten, die Beherrschung musiktheoretischer Informationen etc. gelegt wird); allgemeine Musik. Erziehung und Ausbildung ist jene obligatorische Grundlage, auf der es notwendig ist, Besonderes aufzubauen. M.o.

In den frühen Stadien der Entwicklung der menschlichen Gesellschaft, als es keine besondere Funktion eines Musikers gab und alle Mitglieder des Stammeskollektivs selbst primitive Produktionsmagie schufen. Eisaktionen und führten sie selbst aus, Musen. Die Fähigkeiten wurden anscheinend nicht speziell gelehrt, und sie wurden von den Jüngeren von den Älteren übernommen. In der Zukunft Musik und Magie. Funktionen wurden von Schamanen und Stammesführern übernommen und damit der Grundstein für die Trennung in späteren Zeiten der Synkretik gelegt. Kunst. Beruf, in dem der Musiker gleichzeitig war. Tänzerin und Lyrikerin. Wenn Kunst. Kultur, selbst unter den Bedingungen der Vorklassengesellschaft, ein relativ hohes Niveau erreicht hat, bestand ein Bedarf an Besonderem. Lernen. Dies wird insbesondere durch die gesellschaftsbezogenen Tatsachen belegt. das Leben der Indianer des Nordens. Amerika vor seiner Kolonialisierung durch Europäer: unter den Ureinwohnern des Nordens. Amerika, es gab eine Gebühr für das Unterrichten neuer Lieder (von der Stimme); Die alten Einwohner Mexikos hatten eine musikalische Ausbildung. Institutionen zum Lehren von Liedern und Tänzen, und die alten Peruaner lehrten die melodische Rezitation des Epichs. Legenden. Ungefähr zu der Zeit, als in den Zivilisationen der Antike Ritualkult, Palast und Militär klar zu trennen begannen. und Granatapfelmusik und wenn gebildet dec. Arten von Musikern, die auf verschiedenen sozialen Ebenen stehen (Tempelmusiker, die von einem Priester-Sänger geleitet werden; Palastmusiker, die den Gott-Monarchen preisen; Militär. Blas- und Schlagzeugmusiker, manchmal in relativ hohen militärischen Rängen; schließlich sangen und spielten die Musikanten, die oft umherwanderten, in den Kojen. Feste und Familienfeiern), enthalten die ersten verstreuten Informationen über M. etwa. Die ältesten von ihnen gehören zu Ägypten, wo am Ende der Zeit des Alten Reiches (ca. 2500 v. e.) adv. Sänger absolvierten eine spezielle Ausbildung, und später, während der Zeit der XII. Dynastie des Mittleren Reiches (2000-1785), fungierten die Priester, den erhaltenen Bildern nach zu urteilen, als Lehrer, die das Singen mit Zither, Klatschen und Stampfen lehrten . Es wird angenommen, dass Memphis lange Zeit der Mittelpunkt von Schulen war, in denen kultische und weltliche Musik studiert wurde. Im alten China im 11.-3. Jahrhundert. BC. E. während der Zhou-Ära. über., zu-Reh geschickt spezielle. Palastabteilung unter der Aufsicht des Kaisers, spielte eine herausragende Rolle im Leben der Gesellschaft und umfasste ch. Arr. dass Jungen Singen, Instrumentalspielen und Tanzen beigebracht wurden. Griechenland war eines der ersten Länder, in denen man so viel Wert auf das Gesellschaftspolitische legte. Seite der Musik, ihr „Ethos“ und wo die Musen. Ausbildung verfolgt offen die politisch-ethische. erziehen. Ziele. Es ist allgemein anerkannt, dass die Ursprünge des griechischen M. etwa. wurden auf der Insel Kreta gegründet, wo die Jungen der freien Klassen singen lernten, Instr. Musik und Gymnastik, die als eine Art Einheit betrachtet wurden. Bei 7 Zoll. BC. E. Eine andere griechische Insel, Lesbos, war ein „kontinuierlicher Wintergarten“. Hier wurde unter der Leitung von Terpander, der die Kithara perfektionierte, eine Kitfared-Schule gegründet und die Grundlagen der Kunst von Prof. Kyfaristik, dh die Fähigkeit, den Text rezitativ auszusprechen, zu singen und zu begleiten. Die Kunst der Aeds (Sänger-Erzähler), die Teil der Werkstatt der Handwerker im antiken Griechenland waren und die Bewahrer bestimmter mündlicher Überlieferungen waren, wurde von Generation zu Generation weitergegeben. М. etwa. Die Aeda bestand darin, dass der Lehrer (oftmals der Vater) dem Jungen beibrachte, die Kithara zu spielen, melodische Rezitation und die Regeln der Poesie. Verse und überlieferte ihm eine gewisse Anzahl von Liedern, die der Lehrer selbst komponiert hatte oder die ihm durch Tradition überliefert waren. In Sparta mit seiner paramilitärischen Lebens- und Staatsform. Überwachung des Bildungsfortschritts, Chor. Gesang galt als notwendige Seite der Erziehung junger Männer, die regelmäßig bei Gesellschaften und Festen auftreten mussten. In Athen, im Prozess der sogenannten. Musikalische Bildung, die Jungen studierten unter anderem. Fächer und Musik, und der Unterricht war eng mit der Aneignung der besten Beispiele des Griechischen verbunden. Literatur und Didaktik. Poesie. Normalerweise spielten Jungen bis zum Alter von 14 Jahren Cithara in privaten bezahlten Schulen und beherrschten die Kunst der Citharistik. Ein Monochord wurde verwendet, um die Intervalle und Tonhöhen zu verfeinern. maßgeblichen Einfluss auf die Musik. Die Ausbildung in Griechenland wurde musikalisch und ästhetisch gestaltet. und pädagogische Ansichten von Platon und Aristoteles. Platon glaubte, dass „musikalische Bildung“ jedem jungen Menschen offensteht und dass es nicht die Frage nach Musikalität oder Nicht-Musikalität des Schülers geben darf und kann. Informationen über m. etwa. bei dr. Rom ist sehr knapp. T. weil Rom politisch wurde. Zentrum im 2. Jahrhundert. BC. h. während der Blütezeit des Hellenismus. Zivilisation, dann die römische Musik. Kultur und anscheinend der römische M. etwa. unter dem bekannten Einfluss des Hellenismus entwickelt. Musik wurde jedoch oft als wissenschaftlich angesehen. Disziplin, außerhalb ihrer direkten Verbindung mit dem Leben, und dies musste das Lernen beeinträchtigen. Alles Gute zum Geburtstag. Seiten, m. etwa.

Die ethische Seite der musikalischen Bildung, die bei den alten Griechen im Vordergrund stand, erhielt während des Römischen Reiches viel weniger Aufmerksamkeit.

In den Jahren der frühen und klassischen mittelalterlichen Musik. Kultur wurde von Persönlichkeiten geschaffen, die auf verschiedenen Ebenen der sozialen Hierarchie standen: Musiker-Theoretiker und Musiker-Praktiker (Kantoren und Instrumentalisten, hauptsächlich Organisten), die mit der Kirchen- und Kultmusik verbunden waren, Trouver, Troubadoure und Minnesänger, adv. Musiker, Barden-Erzähler, Berge. Bläser, Landstreicher und Goliards, Spielmänner und Minnesänger usw. Diese vielfältigen, oft antagonistischen Gruppen professioneller Musiker (sowie edle Amateurmusiker, je nach Muse. Vorbereitung, manchmal Profis nicht unterlegen) beherrschten Kenntnisse und Fähigkeiten auf unterschiedliche Weise: einige – im Singen. Schulen (Kap. Arr. in Klöstern und Kathedralen) und ab dem 13. Jahrhundert. und in hohen Pelzstiefeln, andere – in den Bedingungen der Musen. Werkstattschulung und direkt in der Praxis. Weitergabe der Traditionen vom Meister an die Schüler. In den Klöstern, die im frühen Mittelalter Hochburgen der griechisch-römischen Bildung waren, studierten sie neben dem Griechischen. und lat. Sprachen und Rechnen, Musik. Kloster- und etwas später Domchorsänger. Schulen waren die Schwerpunkte prof. М. o., und die meisten der prominenten Musen kamen aus den Mauern dieser Schulen. Figuren jener Zeit. Einer der wichtigsten Sänger. Schulen war die „Schola Cantorum“ am päpstlichen Hof in Rom (Gründung ca. 600, reorganisiert 1484), die als Vorbild für die Rechnungslegung diente. Betriebe ähnlich. Geben Sie die Städte Zap ein. Europa (viele erreichten ein hohes Niveau, insbesondere die Schulen in Soissons und Metz). Methoden des Chorunterrichts. Singen stützte sich auf die Assimilation von Gesängen nach Gehör. Der Lehrer verwendete die Methoden der Cheironomie: Die Bewegung der Stimme nach oben und unten wurde durch bedingte Bewegungen der Hand und der Finger angezeigt. Zur Beherrschung der theoretischen Informationen gab es spezielle. drei. handschriftliche Handbücher, meist in Form von Dialogen zwischen einem Lehrer und einem Schüler (z. „Dialogue de musica“ – „Dialogues about music“, zugeschrieben O. von Saint-Maur); sie wurden oft auswendig gelernt. Zur Verdeutlichung wurden Abbildungen und Tabellen verwendet. Wie in der Antike diente das Monochord dazu, die Intervalle zwischen Tönen zu erklären. Musikalische Methoden. Die Bildung erfuhr einige Veränderungen nach der Reform von Guido d'Arezzo (11. Jahrhundert), die die Grundlage der Moderne bildete. musikalisches Schreiben; er führte eine vierzeilige Notenzeile, die Buchstabenbezeichnung der Tonarten sowie Silbennamen ein. Schritte des sechsstufigen Bundes. Ab etwa dem 10. Klosterschulen Schwerpunkt ch. Arr. in der Praxis des rituellen Singens und verlieren das Interesse an Musik und Wissenschaft. Ausbildung. Obwohl sie noch viele Jahre eine führende Position in der Musikkirche einnehmen werden. Aufklärung, schrittweise Initiative auf dem Gebiet der Musenentwicklung. Kulturen, insbesondere o., geht an die Domschulen. Hier zeichnet sich eine immer stärkere (besonders im 12. Jahrhundert) Tendenz ab, Musiktheoretisches zu verbinden. Ausbildung mit Üben, Aufführen und Komponieren. Eine der führenden Lehranstalten dieser Art war die Schule der Kathedrale Notre Dame (Paris), die als Prototyp für zukünftige Metris diente. Bei einem Pferd. 12 in. in Paris entstand eine „Universitätsgesellschaft“ aus Meistern und Studenten, die den Grundstein für die Universität Paris (main. 1215). Darin, an der Fakultät für Kunst, zusammen mit der Entwicklung der Kirchenmusik. der alltag wurde im rahmen der „sieben freien künste“ und der musik untersucht. In Übereinstimmung mit den damals in Europa verbreiteten Ansichten wurde dem Wissenschaftlichen und Theoretischen die größte Aufmerksamkeit geschenkt. Seite, betrachtet im Sinne des theologischen, abstrakten Rationalismus. Gleichzeitig standen Mitglieder der Universitätskorporation, die teilweise nicht nur theoretische Musiker, sondern auch Praktiker (Interpreten und Komponisten) waren, in engem Kontakt mit der Alltagsmusik. Dies wirkte sich auch auf die Musik aus. Lernen. Im 12.-14. Jahrhundert. hohe Pelzstiefel, in denen Musik studiert wurde. Wissenschaft, entstand in anderen westeuropäischen Städten: in Cambridge (1129), Oxford (1163), Prag (1348), Krakau (1364), Wien (1365), Heidelberg (1386). In manchen musiktheoretisch. Für Bachelor- und Masterabschlüsse waren Prüfungen erforderlich. Der größte Hochschullehrer-Musiker dieser Epoche war I. Muris, deren Werkkenntnis in Europa viele Jahre als Pflicht galt. un-tah Für das Mittelalter. М. etwa. war auch charakteristisch: ernsthafte, keineswegs dilettantische Musik. Ausbildung, die oft ritterliche Jugend erhielt, in Schulen an Klöstern und Katholiken. Tempel, an Höfen, sowie im Prozess der Bekanntschaft bei Reisen und Feldzügen mit fremden Musen. Kulturen; Praktische Ausbildung von Instrumentalisten (Kap. Arr. Trompeter, Posaunisten und Bratschisten) unter Bedingungen, die sich bis zum 13. Jahrhundert entwickelt hatten. Handwerksgemeinschaften von Musikern, bei denen Art und Dauer der Arbeit mit zukünftigen Interpreten durch spezielle, über Jahrzehnte entwickelte Werkstattregeln bestimmt wurden; Ausbildung von Berufsmusikern, Instrumentalisten und Domorganisten (die Methoden der letzteren wurden im 15. Jahrhundert verallgemeinert.

In der Renaissance die führenden Musen. Figuren widersetzen sich der Scholastik in der Musiktheorie und in der Musik. lernen, sehen Sie die Bedeutung des Musikunterrichts in der Praxis. Musizieren (beim Komponieren und Aufführen), versuchen, Theorie und Praxis in der Assimilation von Musen in Einklang zu bringen. Wissen und den Erwerb von Fähigkeiten, die sie in der Musik selbst und in der Musik suchen. Erlernen der Fähigkeit, Ästhetik zu kombinieren. und ethischer Anfang (ein der antiken Ästhetik entlehntes Prinzip). Über diese allgemeine Linie der Musen. Pädagogik zeigt sich auch in der Praxisorientierung vieler uch. Bücher veröffentlicht in con. 15 – bitten. 16. Jahrhundert (neben der erwähnten Abhandlung Pauman), – die Werke der Franzosen. Wissenschaftler N. Vollik (gemeinsam mit seinem Lehrer M. Schanpecher), Deutscher – I. Kohleus, der einer Reihe von Auflagen standgehalten hat, Schweizer – G. Glarean usw.

Die Entwicklung von m. etwa. Dazu trugen das in der Renaissance entstandene System der relativ genauen und zugleich flexiblen Notenschrift und die Anfänge der Notenschrift bei. Reformierte Musik. Schreiben und gedruckte Veröffentlichung von Musik. Schallplatten und Bücher mit Musikbeispielen schufen die Voraussetzungen, die den Musen sehr erleichterten. Unterricht und Übertragung von Musik. Erfahrung von Generation zu Generation. Musikalische Bemühungen. Pädagogik zielte auf die Herausbildung eines neuen Musikertyps ab, der nach und nach eine führende Position in der Musik erlangte. Kultur, – ein gebildeter praktischer Musiker, der sich im Chor von Kindheit an verbesserte. singen, Orgel spielen usw. Eisinstrumente (immer steigender, insbesondere seit dem 16. Musik beeinflusst das Lernen), in der Musik. theorie und kunst-ve, um musik zu komponieren und to-ry später weiterhin in einer vielzahl von prof zu engagieren. Eis Aktivität. Schmale Spezialisierung in Modern. Verstehen war es in der Regel nicht: Ein Musiker musste notwendigerweise in der Lage sein, von einer Tätigkeitsart zur anderen überzugehen, und das Handwerk des Komponierens und der Improvisation in den Jahren, als das Komponieren noch nicht unabhängig war. Beruf, jeder erhält M. etwa. Die Herausbildung eines neuen Musikertypus mit breitem Profil führte zur Entstehung von Musikschulen. Geschick, gleichzeitig diese Schulen selbst durch Mittel geführt. Ice-Persönlichkeiten trugen zur Ausbildung professioneller Musiker bei. Diese einzelnen Schulen, die in verschiedenen historischen Epochen und in verschiedenen Ländern untergebracht sind, sind unterschiedlich. Organisationsformen, in der Regel in großen Zentren geschaffen, wo es Bedingungen für Ausbildung und Praxis gab. Aktivitäten junger Musiker. In einigen Schulen lag der Schwerpunkt auf der Enzyklopädie. musiktheoretische Ausbildung und Schreibpraxis, in anderen (insbesondere im 18. Jahrhundert) – zur darstellenden Kunst (z. B. bei Sängern und in der Ausbildung virtuosen Könnens). Unter den prominenten Musikern, die diese Schulen gründeten, sind eine Reihe von Namen von G. Dufai, X. Isaka, Orlando Lasso, A. Willart und J. Tsarlino (15.-16. Jahrhundert) an J. B. Martin, F. E. Baha, N. Porpora und J. Tartini (18. Jahrhundert). Musikschulen. Professionalität entstanden in enger Verbindung mit dem einen oder anderen nat. Eiskultur, jedoch die Auswirkungen dieser nationalen. Schulen für Musikpädagogik Dr. Ländern war sehr bedeutend. Ziemlich oft Aktivität, zB niderl. Lehrer gingen in Deutschland, Deutsch – in Frankreich und Französisch vor., Niderl. oder es. junge Musiker absolvierten M. etwa. in Italien oder der Schweiz usw. etwa. Leistungen einzelner Schulen wurden europaweit. Commons. Musik Organisation. Lernen fand in verschiedenen Formen statt. Eine der wichtigsten (hauptsächlich in Frankreich und den Niederlanden) ist die Metriza. In dieser Sängerschule unter den katholischen Tempeln systematisch. Knabenmusikunterricht (Gesang, Orgelspiel, Theorie) und gleichzeitig. Allgemeinbildende Fächer wurden schon früh unterrichtet. Bedeutet die Anzahl der größten polyphonen Meister des 15. bis 17. Jahrhunderts. M erhalten. etwa. in metriza, die bis zu den Großen Franzosen existierte. Revolution (nur in Frankreich war damals ca. 400 Meter). Schulen ähnlicher Art gab es auch in anderen Ländern (z. B. die Schule in der Kathedrale von Sevilla). In Italien im 16. Jahrhundert aus Waisenhäusern (conservatorio), wohin musikalisch begabte Jungen (Neapel) und Mädchen (Venedig) gebracht wurden. es gab spezielles Eis drei. Einrichtungen (siehe Konservatorium). Neben Waisenhäusern „mit musikalischer Ausrichtung“ in Italien wurden weitere gegründet. Musikschulen. Hervorragende Meister, die an einigen Konservatorien und Schulen unterrichtet wurden (A. Scarlatti, A. Vivaldi und andere). Bei 18 Zoll. Ganzeuropäischen Ruhm genoss die Philharmonische Akademie in Bologna (vgl. Bologna Philharmonic Academy), Mitglied und eigentlicher Anführer des Schwarms war J. B. Martini. Musik. das Training wurde in hohen Pelzstiefeln fortgesetzt; In verschiedenen Ländern wurde dies jedoch auf unterschiedliche Weise durchgeführt. Eine allgemeine Richtung ist charakteristisch: der Musikunterricht im 15.-16. Jahrhundert. allmählich von der Scholastik befreit, und Musik beginnt, nicht nur als Wissenschaft, sondern auch als Kunst studiert zu werden. So hat der Hochschullehrer G. In seinen Vorträgen und Schriften betrachtete Glare-an Musik sowohl als Wissenschaft als auch als Kunst. Praxis Im 17. Jahrhundert, wenn das Studium der Musik. Theorien in fast ganz Europa. hohe Pelzstiefel eher rückläufig (Interesse an Musik und Wissenschaft. Disziplinen begannen nur in der Mitte wiederzubeleben. 18. Jahrhundert), in England die Traditionen der alten Musiktheorie. Lernen ist erhalten geblieben. Allerdings spielt das Musizieren in humanistischen Kreisen auch mit Englisch eine Rolle. Die Werft war sehr bedeutend, daher versuchten die Universitäten Oxford und Cambridge, Profis und Amateure auszubilden, die nicht nur Musiktheorie kannten, sondern auch über praktische Fähigkeiten verfügten. Fähigkeiten (neben dem Singen lernten die Schüler Laute, Gambe und Virginal spielen). In einigen Städten Deutschlands Musik. Ausbildung an der Hochschule „Künstlerisch. f-tov “bewegte sich zu privaten Internaten, die innerhalb der Fakultäten organisiert waren. Also am Anfang in Köln. 16 in. Es gab vier solcher Unternehmen, die voneinander unabhängig waren, aber einem Anführer unterstanden. Musik. Die Ausbildung wurde auch in Kapellen (an weltlichen oder geistlichen Höfen) organisiert, wo die adv. Kapellmeister – oft ein angesehener Musiker – unterrichtete junge Instrumentalisten, zukünftige Teilnehmer am Hof, in Musik. Ensembles sowie Kinder aus Adelsfamilien. Allgemeines und manchmal Besonderes erhalten. М. etwa. trug auch zu bestimmten Organisationen bei, die uch nicht verfolgten. Ziele, z. Deutsche Laiengemeinschaften von Meistersingern, deren Mitglieder streng geregelten Traditionen gehorchen. Regeln und Übergabe für eine Reihe von Jahren speziell. Prüfungen, kletterte nach und nach die „Titelleiter“ von „Sänger“ über „Texter“ bis hin zum „Meister“ empor. Eine etwas andere Art von Musik. „Bruderschaft“ (sing. und Instr.) waren auch in anderen erhältlich. Europium. Ländern. General M.. o., to-roe ab etwa dem 16. Jahrhundert. klarer von der Sonderschule getrennt, wurde in verschiedenen Arten von weiterführenden Schulen Ch durchgeführt. Arr. Kantoren für die Schulkirche. Musik. Bei 17 Zoll. in protestantischen Ländern (M. Luther und anderen Vertretern der Reformation lagen große ethische Werte bei. Bedeutung für das breite M. o.) Kantoren unterrichteten neben dem Unterrichten von Schulfächern auch Gesang und leiteten den Schulchor, der eine Reihe von Aufgaben in der Kirche wahrnahm. und Berge. Leben. In einigen Schulen leiteten Kantoren auch Instr. Klassen, die Kindern und Jugendlichen, die aus dem einen oder anderen Grund nicht singen konnten, die Möglichkeit bieten, Musik zu spielen. Der Weg zum Instrument führte dann aber in der Regel über das Singen. Im Zusammenhang mit der stärkeren Beachtung von Naturwissenschaft und Mathematik sowie dem Einfluss des Rationalismus etc. Faktoren im 18. Jahrhundert. die Bedeutung und Lautstärke der Musik. Unterricht in lat. Schulen sind zurückgegangen (bis auf wenige Ausnahmen, wie z. B. in der Thomasschule in Leipzig). Waren die Kantoren der Vorjahre akademisch ausgebildet, verfügten über breite geisteswissenschaftliche Kenntnisse und trugen oft den Bachelor- oder Mastertitel, so waren im 2. jol. 18 in. sie wurden Schulmusiklehrer, deren Ausbildung sich auf das Lehrerseminar beschränkte. Auf Musik. Die Bildung wurde stark von herausragenden Denkern beeinflusst – dem Tschechen J. A. Comenius (17. Jahrhundert) und der Franzose J. G. Rousseau (18. Jahrhundert). Uh. Handbücher, die im 16. bis 18. Jahrhundert veröffentlicht wurden, spiegelten den Zustand der Musen wider. Pädagogik, trug zur Entwicklung des Allgemeinen und Speziellen bei. М. etwa. und trug dazu bei, Musiker eines Landes mit den musikalischen und pädagogischen Errungenschaften eines anderen bekannt zu machen. Abhandlungen des 16. und 17. Jahrhunderts (Thomas von Santa Maria, 1565; J. Diruta, 1 Stunde, 1593, mit einer Reihe nachfolgender Nachdrucke, 2 Stunden, 1609; Spiridion, 1670) eingeweiht wurden. ch. Arr. Spielen von Tasteninstrumenten und die Theorie der Musikkomposition. Bedeutet die Nummer der interessantesten und widerstand der Zeit uch. Veröffentlichungen, als ob sie die Errungenschaften von Instr. zusammenfassen und festigen würden, wok. und musiktheoretisch. Bildung, wurde im 18. Jahrhundert veröffentlicht: das Buch I. Mattheson „The Perfect Kapellmeister“ („Der vollkommene Capelmeister …“, 1739), der die Musik umfassend abdeckt. Praxis seiner Zeit, uch. Manuale zum Generalbass und zur Kompositionslehre von F. BEIM. Marpurga – „Abhandlung über die Fuge“ („Abhandlung von der Fuge“, TI 1-2, 1753-1754); „Leitfaden für Generalbass und Komposition“ („Handbuch bey dem Generalbasse und Komposition“, Tl 1-3, 1755-58), Werke von I. Ich. Fuchs „Schritt zum Parnassus“ („Gradus ad Parnassum …“, 1725, in lat. lang., dann erschienen in Deutsch, Italienisch, Französisch. und Englisch. lang.) und J. B. Martini „Beispiel oder grundlegende praktische Erfahrung des Kontrapunkts“ („Esemplare o sia saggio fondamentale pratico di contrappunto …“, Pt. 1-2, 1774-75); Abhandlungen und Schulen, in denen DOS. Auf das Erlernen des Musizierens wird geachtet. Instrumente, m. Saint-Lambert „Aufführung auf dem Cembalo“ („Principes de Clavecin“, 1702), P. Couperin „Die Kunst des Cembalospiels“ („L’art de toucher le Clavecin“, 1717), P. E. Bach „Eine Erfahrung in der richtigen Art des Klavierspiels“ („Versuch über die wahre Art, das Ciavier zu spielen“, Tl 1-2, 1753-62), I. UND. Quantz „Erfahrung in der Beherrschung des Traversflötenspiels“ („Versuch einer Anweisung die Flöte traversiere zu spielen“, 1752, mit späteren Nachdrucken. in Deutsch, Französisch und mehr yaz.), L. Mozarts „Versuch einer gründlichen Violinschule“, 1756, mit späteren Neuauflagen; Wok-Arbeit. Pädagogik p. F. Tosi „Abhandlungen über alte und neue Sänger“ („Opinioni de'cantori antichi e moderni“, 1723, übersetzt mit Ergänzungen dazu. jaz. UND. F. Agricola, 1757, sowie auf anderen. Europium. schreiben.). Bei 18 Zoll. entstand eine große Musikliteratur, in der sich die Autoren bewusst erzieherische und pädagogische Aufgaben stellten – von den Urschulen für Violine, Violoncello, Viola, Harfe, Flöte, Fagott, Oboe, Clavier und Gesang M. Correta (1730-82) bis hin zu Meisterwerken wie „Essercizi“ (bekannt als Sonaten) von D. Scarlatti, Erfindungen und Sinfonien I.

Tolles Französisch. Die Revolution markierte einen Wendepunkt in der Geschichte der Musikkultur und insbesondere in M. etwa. Die Gründung des Pariser Konservatoriums steht in direktem Zusammenhang mit diesem Ereignis. Ca. 18 in. М. etwa. wird unter dem Einfluss neuer Faktoren geformt und erfährt Wesen. Änderungen, obwohl einige alte pädagogische Traditionen und Lehrmethoden seit Jahrzehnten unverändert bleiben. Demokratisierung des Musiktheaters. und Konz. Leben, die Entstehung neuer Opernhäuser, die Gründung neuer Orchester. Kollektive, blühende Instr. Musik und Virtuosität, die weite Entwicklung des Heimmusizierens und aller Arten von Sängern. Gesellschaften, ein wenig mehr Sorge in der Abteilung. Länder über den Musikunterricht an Gymnasien – all dies erforderte mehr Musen. Zahlen (Künstler und Lehrer) sowie die Konzentration auf die Verbesserung in einem bestimmten engen Fachgebiet. Grundsätzlich bedeutsam an dieser Spezialisierung war, dass die Ausbildung der darstellenden Künste als Interpret und Virtuose sowie als Laie von der Kompositions- und Improvisationsausbildung und der Ausbildung zum theoretischen Musiker, wenn auch in etwas geringerem Umfang, getrennt wurde Umfang von der Ausbildung zum Komponisten getrennt. Eine Spezialisierung in einem Bereich der einen oder anderen Art wird durchgeführt. art-va, sowie die Anforderungen der Virtuosität an den Interpreten, präsentierten to-rye Musen. Literatur, führte zur Schaffung eines neuen Kontotyps. Zulagen – Skizzen vorgesehen Kap. Arr. für die Entwicklung von Instr. Technik (Skizzen von M. Clemens, I. Kramer, K. Tscherny und andere. für fp.; R. Kreuzer, J. Mazasa, Sh. Berio und andere. für Violine usw.). Auch die Musikerziehung wurde im Vergleich zum 18. Jahrhundert immer stärker und qualitativ verändert. die Rolle verschiedener Bildungseinrichtungen – privat, städtisch und staatlich. Dem Paris folgend werden nach und nach Konservatorien oder ähnliches eröffnet. Institutionen (Akademien, Musikhochschulen, Hochschulen) in pl. Ländern Europas. Diese ua. Institutionen waren nicht nur hinsichtlich der pädagogischen Qualifikation sehr unterschiedlich. Zusammensetzung, sondern auch nach den ihnen gestellten Aufgaben. Viele von ihnen unterrichteten Profis und Amateure, Kinder, Jugendliche und Erwachsene, Studenten unterschiedlicher Entwicklungs- und Ausbildungsstufen. Der Schwerpunkt der meisten Konservatorien lag auf der Aufführung. art-in, in einigen ryh wurden auch lehrer für schulen und musen ausgebildet. familiäre Erziehung. Bei 19 Zoll. Saum. die Konservatorien, mit Ausnahme des Pariser, spielten keine Rolle. Rolle in der Komponistenausbildung. Die Methoden des Musikerunterrichts am Konservatorium waren unterschiedlich. Also, in Frankreich, im Gegensatz zu anderen Ländern, von Anfang an 19 in. Die Grundlage für die Ausbildung von Musikern verschiedener Fachrichtungen (in allen Ausbildungsstufen) war der Kurs von Solfeggio und musikalischem Diktat. Einen wichtigen Platz in diesem Land nahm ein wettbewerbsorientiertes Prüfungssystem ein. In der 2. Hälfte. 19 in. in der Presse Seit Jahren gibt es Streitigkeiten zwischen Befürwortern der Hochschulausbildung und ihren Gegnern, die eine Musikerausbildung außerhalb der akademischen Welt bevorzugen. Einrichtungen. Kritiker des konservativen Bildungssystems (darunter R. Wagner) glaubte, dass die umfassende Ausbildung professioneller Musiker die Entstehung von Kunst behindert. Individualität der Begabtesten unter ihnen. Verteidiger der Konservatorien (im frühen 20. Ihre Argumente wurden von G. Krechmar), in Übereinstimmung mit einigen privaten Äußerungen seiner Gegner (die über das formal-scholastische Studium der Musiktheorie schrieben. Disziplinen und deren Trennung von der Praxis, die Enge und Einseitigkeit des zu studierenden Repertoires, der Verlust von Kräften und Zeit durch Begabte in anderen Fällen im Zuge der gemeinsamen Ausbildung mit mittelmäßigen Studenten), wies zugleich auf das Entscheidende hin Vorteile der Ausbildung von Musikern im Bereich der Lehre. Institutionen: 1) die Möglichkeit, den Unterricht in der Spezialität mit dem Studium zusätzlicher zu kombinieren. Eisdisziplinen (Solfeggio, Harmonielehre, Formenanalyse, Musikgeschichte, verpflichtend für alle FP. etc.) und praktisch. Musizieren in einem Orchester, Ensemble, Chor und manchmal in einer Oper; 2) die stimulierende Rolle individueller anschaulicher Beispiele und des Wettbewerbs im Lernprozess im Team; 3) größere Verfügbarkeit von M. etwa. für einen relativ breiten Personenkreis. Wie zuvor, in der Entwicklung von M. etwa. Eine außerordentlich wichtige Rolle spielten Exzellenzschulen, die von großartigen Lehrern oder kreativen Musikern geleitet wurden (unabhängig davon, ob diese Schulen in den Einrichtungen oder außerhalb geschaffen wurden). Pianistische können unterschieden werden (zum Beispiel M. Klementi, K. Tscherny, F. Chopin, F. Liste, A. F. Marmontel, L. Diemar, T. Leshetitsky, L. Godovsky und andere), Violine (zum Beispiel A. Viotana, Y. Joachim, R. Kreutzer), Dirigenten (R. Wagner, g. Malera) und andere. Schulen. Bei 19 Zoll. Universitäten haben zwei etwas unterschiedliche Systeme von M entwickelt. o., in Grundzügen erhalten im 20. Jahrhundert. In einigen Ländern (Deutschland, Österreich, Schweiz usw.) sind hohe Pelzstiefel zu Zentren nur für Musiktheorie geworden. Ausbildung; praktisches Musizieren (Schüler-)Chöre, Orchester, Ensembles) war hier amateurhafter Natur, teilweise jedoch auf relativ hohem Niveau. Zusammenfassung der Diskussion um M. etwa. in hohen Pelzstiefeln, G. Krechmar schrieb 1903 das Studium an der Un-Praxis. Disziplin wäre ebenso unlogisch wie das Lehren von elementarer Grammatik und Zeichnen an der Universität, und dass Bewerber für die Universität praktisch gut ausgebildete Musiker sein sollten und hier nur grundlegende Musikwissenschaft bestehen sollten. und Allgemeinkosmetikerin. Disziplinen. In anderen Ländern (zunächst in Großbritannien, dann in den USA etc.), wo die Ausbildung von Musikwissenschaftlern ebenfalls in hohen Pelzstiefeln stattfand, schlossen sich Studenten neben Musikwissenschaftlern an. Disziplinen beherrschten Musik.

In modernen kapitalistischen und Entwicklungsländern ist das System von M. über., allgemein und speziell, sehr unterschiedlich. In den meisten Ländern sind nur wenige spezielle Musik uch. Institutionen werden vom Staat finanziert, während die meisten von ihnen von Privatpersonen und Vereinen betrieben werden. Organisationen; meint. Viele Musenschulen haben kein klares Profil und führen oft Unterricht mit Profis und Laien, mit Kindern und Erwachsenen durch; Studiengebühr in pl. uch. Institutionen ist relativ hoch, und nur private Stipendienmittel ermöglichen es, M. o. begabte Schüler aus einkommensschwachen Familien.

In Großbritannien Musikunterricht in der Allgemeinbildung. Schulen der ersten beiden Stufen (Infant- und Junior-School) sind konzentriert Ch. Arr. beim Singen. Gleichzeitig basiert die Entwicklung des Gehörs am häufigsten auf der „Tonic-Sol-Fa“-Methode von J. Curwen. Vereinigte Schulchöre führen oft ein ziemlich komplexes Repertoire auf – von Werken von Palestrina bis Op. R. Vaughan Williams. In den 1970er Jahren auf Initiative der Familie Dolmech, die die Blockfliege förderte und ihre Produktion in Großbritannien und dann in anderen westeuropäischen Ländern organisierte. Länder; dieses Instrument zusammen mit Schlagzeug melodisch. Instrumenten (Stammsitz von K. Orff) nahm einen wichtigen Platz in der Schulmusik ein. Lernen. Studierende unterschiedlicher allgemeinbildender Bildungsstufen. Schulen (einschließlich Sekundarschulen) können auf Wunsch Klavierunterricht bei Privatlehrern nehmen. oder Ork. Werkzeug. Aus diesen Schülern bestehen Schulorchester und -ensembles. In einigen Landkreisen gibt es Landmusen. Schulen, in vielen Städten private Jugendmusik. Schulen (Junior Music-School). Schüler verschiedener Schularten (sowie Privatlehrer) haben die Möglichkeit, ihre Musen zu zeigen. Fähigkeiten in speziellen Organisationen (Generale Certificate of Education, Associated Board der Royal Schools of Music usw.). Danach wird über die Fortsetzung des Musikstudiums entschieden. höheren Schulen (Musikhochschulen, Konservatorien, Akademien) oder in hohen Pelzstiefeln. Die bekanntesten Musikerschulen befinden sich in London (King Academy of Music and Dramatic Arts, King College of Music, King College for Organists), Manchester (King Manchester College of Music) und Glasgow (King Scottish Academy of Music). In großen Städten, wo es hohe Pelzstiefel und Musen gibt. Hochschulen wird oft ein gemeinsamer Plan ihrer Arbeit erstellt, der nicht nur darauf abzielt, Musikwissenschaftler, sondern auch praktizierende Musiker, inkl. Lehrer. In Italien allgemeine Bildung. Musik wird in den Schulen kaum beachtet. Hier neben privat und kirchlich. Musikschulen gibt es staatlich. Wintergärten und Berge. Musiklyzeen (die Bildungsprogramme der letzteren unterscheiden sich kaum von denen der Konservatorien). Um zu den Abschlussprüfungen zugelassen zu werden, müssen die Studierenden der Konservatorien im gesamten Konto. Der Kurs muss die Prüfungen für die unteren und höheren Stufen bestehen. Für Komponisten, Organisten, Pianisten, Geiger und Cellisten uch. Die Ausbildung dauert 10 Jahre. Am Konservatorium „Santa Cecilia“ (Rom) wurden für Komponisten und Instrumentalisten, die an einem der Konservatorien ihren Abschluss gemacht haben, Kurse eingerichtet, die höhere Musik vermitteln. Qualifikation. In Siena, an der Akademie von Chidzhana (betrieben von einer internationalen öffentlichen Organisation) werden, wie in vielen anderen, abgehalten. höher uch. Institutionen anderer europäischer Länder, Sommerseminare zur Verbesserung der Fähigkeiten von Musikern (der Unterricht wird von Lehrern aus verschiedenen Ländern geleitet).

In Frankreich hat Musik seit 1946 einen immer größeren Platz im Lehrplan eingenommen. allgemeinbildende Programme. Schulen. Das Training wird gemäß einem einzigen Zustand durchgeführt. Programm, bei dem der Entwicklung des Gehörs und der Stimmbildung viel Aufmerksamkeit geschenkt wird. In der staatlichen und privaten Musik. Schulen, und auch in Konservatorien M. über. von Amateuren und Profis empfangen; meint. Einige der Schüler sind Kinder. Neben dem Pariser Konservatorium gibt es in der Hauptstadt auch maßgebliche private Hochschuleinrichtungen. Institutionen. Die größten von ihnen sind: „Ecole de Músique de classic religios“ (gegründet 1853 von L. Niedermeyer), „Schola Cantorum“ (gegründet 1894 von A. Gilman und V. d’Andy), „Ecole Normale de Músique“ (gegründet von L. Niedermeyer). 1919 A. Cortot und A. Manzho). Es ist charakteristisch, dass in Frankreich, wo in der Organisation der Ausbildung im Besonderen. Musik In der Schule spielt das Wettbewerbssystem eine wichtige Rolle; Musiklehrer für Lyzeen werden auch für die Auswahlprüfung ausgewählt, die darin besteht, die Musik zu überprüfen. und pädagogische Kenntnisse und Fähigkeiten des Kandidaten. Die Ausbildung zum Musiklehrer der höchsten Qualifikation (für allgemeinbildende Sekundarschulen) findet in Paris am Lyceum statt. J. La Fontaine, wo spezielle 3-Jahres-Kurse.

In Deutschland gibt es kein zentrales Kulturmanagement, daher ist die Bildungsgestaltung in den Bundesländern etwas eigenartig. In der Allgemeinbildung ist der Musikunterricht an den Schulen obligatorisch. Choral, sowie Kinder- und Kojen. Musikschulen haben sich zum Ziel gesetzt, ein allgemeines M. o. In einigen dieser Schulen lernt man, Musik zu spielen. Instrumente nach einem speziellen Programm beginnt mit 4 Jahren. Für hochbegabte Kinder ab Abt. Allgemeinbildende Schulen sind offen für Musik. Klassen, und in einigen Städten etablierte spezielle. Musikschulen. Gor. und private Musikschulen sind in den BRD-Vereinen zusammengeschlossen. Organisation – der Bund Deutscher. musikschulen begann to-ry seit 1969 ausbildungsprogramme für alle musen zu entwickeln. Spezialitäten. Die Aufgaben von Prof. Die Ausbildung wird von Konservatorien (in der Regel sekundäre Musikausbildungseinrichtungen) und Musikhochschulen entschieden. Klage, Musik. academies und un-you (die wichtigsten Arr.-Musikwissenschaftler studieren hier).

L. Barenboim

In den USA Herkunft M. etwa. Mit der Entstehung des 18. Jahrhunderts sind zahlreiche Gesangsschulen verbunden, die auf den Chor vorbereiteten. Singen in Kirchen und in der Religion. Sitzungen; Lehrer waren normalerweise keine professionellen Musiker, sondern Priester, die die Erfahrung des Englischen nutzten. Kirchengesang. 1721 erschienen die ersten Handbücher für solche Schulen; Ihre Autoren waren die Priester J. Tufts und T. Walter. mit religiösen Aktivitäten. Die Gemeinschaft der Mährischen Brüder (die Siedlung Bethlehem bei Philadelphia, 1741) ist mit der ersten Erfahrung regelmäßiger M. o. verbunden.

Zum Anfang 19 in. die Praxis des Privatunterrichts begann sich zu entwickeln. In den 1830er Jahren amer. Aufklärer L. Mason bestand auf der Einführung von obligatorisch. Musikunterricht im Schulunterricht. Das Fehlen höherer Musen. drei. Institutionen und die Unfähigkeit, sich zu Hause zu verbessern, zwangen viele. bitter. Musiker zum Studieren in Europa (Kap. Arr. in Frankreich und Deutschland). Später in Oberlin (Ohio) wurde mus gegründet. College (1835), an derselben Stelle – das Konservatorium (1865), 1857 – Mus. Akademie in Philadelphia, 1862 – Musik. ft des Harvard College, 1867 – Neuengland. Konservatorium in Boston, Mus. College in Chicago und das Conservatory in Cincinnati, 1868 – das Peabody Institute in Baltimore, 1885 – Nat. Konservatorium in New York, 1886 – Amer. Konservatorium in Chicago, 1896 – Musik. Fakultät der Columbia University. Viele dieser Museninstitutionen wurden auf Kosten von Gönnern geschaffen. 1876 ​​die National Music Teachers Association (MTNA). Zur Einstellung von M. etwa. starker Einfluss wurde von den traditionellen Europäern ausgeübt. Bildungssystem (das Pariser Konservatorium wurde zum Prototyp vieler US-Konservatorien, ac. Handbücher wurden hauptsächlich in Deutsch verwendet). Einwanderer aus europäischen Ländern in con. 19 – bitten. 20 ccm gaben der Entwicklung von Amer Impulse. ausführen. Schulen, dh denn viele der ankommenden virtuosen Musiker begannen zu unterrichten. arbeite ich. Vengerova, I. Levin, E. Zimbalist und andere); neue Konten wurden erstellt. Institutionen. Von besonderer Bedeutung war die Aktivität der Juilliard Muses. Schulen in New York (1926), die Eastman School of Music in Rochester (1921), das Curtis Institute in Philadelphia (1924), das San Francisco Conservatory. Musen gewannen immer mehr an Bedeutung. f-du bei hohen Pelzstiefeln. In den 1930er Jahren wanderten im Zusammenhang mit der Ausbreitung des Faschismus in mehreren europäischen Ländern viele in die Vereinigten Staaten aus. herausragende Musiker, die ihre Aktivitäten mit der Amer verbunden haben. un-tami (P. Hindemith – mit Yale University, A. Schönberg – mit Kalifornien in Los Angeles, P. G. Lang – mit Columbia usw.). Beschränkten sich früher hohe Pelzstiefel in den USA auf die Ausbildung von Lehrern (Künstler und Komponisten erhielten in der Regel eine Konservatoriumsausbildung), so begannen sie im Laufe der Zeit, kreatives Personal sowie Musikwissenschaftler für die Durchführung musikalischer Forschung auszubilden. An den Universitäten des Südens wurden neue Trends entwickelt. Kalifornien und Indiana sowie in den 1950er und 60er Jahren. sind zu einem typischen Phänomen für die meisten US-Universitäten geworden. In den 50er Jahren begann ein akuter Lehrermangel zu spüren. Frames. Auf Anregung von comp. N. Die Dello Gioio Ford Foundation hat das Projekt der Moderne ins Leben gerufen. Musik sollten laut Krom junge Komponisten den Prozess von M. etwa. in Schulen, was das Lernen kreativer machen würde. Natur. In den 60-70er Jahren. das Prinzip des Experimentierens in der Inszenierung von Musik. drei. Ablauf wurde anders. Merkmal der Amer. М. etwa. Es beinhaltet die Verwendung von Z. Kodaya, K. Orfa, T. Suzuki, sowie Erfahrungen mit Computern und Klangsynthesizern, die Schaffung von höherem Jazzunterricht. Einrichtungen (Boston usw.). In den 70er Jahren. Vorschul- und Grundschulmusik. Die Bildung in den Vereinigten Staaten basiert auf der Verwendung des Prinzips des Lernspiels, zu dem auch das Singen gehört, rhythmisch. Übungen, Vertrautheit mit der Notenschrift, Musik hören. In der High School (College) beinhaltet der Musikunterricht normalerweise das Spielen von Instrumenten; gemeinsamer Chor. Ensembles, Blas- und Jazzgruppen, Sinfonie. Orchester. Mn. Universitäten ziehen hochprofessionelle Künstler an, um zu arbeiten. Ensembles sowie Komponistinnen und Komponisten mit einem Jahresvertrag oder mehr. drei.

In Kanada, M. o. hat viel gemeinsam mit M. o. in den USA. Unter der speziellen Musik uch. Die größten Institutionen sind die Academy of Music in Quebec (gegründet 1868), das Canadian Conservatory in Toronto (1870), das Conservatory in Montreal (1876), Toronto (1886) und Halifax (1887). Die besten Pädagogen konzentrieren sich auf die Musik. hohe Pelzstiefel von Toronto, Montreal usw. Viele der hohen Pelzstiefel haben einen Chor. und Kammerensembles, und einige – symphonisch. Orchester.

In Australien entstanden in der 1. Hälfte Musikschulen einfachster Art. 19. Jahrhundert Später gab es Musen. College in Adelaide (Gründung 1883; Umwandlung in ein Konservatorium), Musik. eine Schule in Melbourne (später N. Melba Conservatory), ein Konservatorium in Sydney (gegründet 1914), im New South. Brunnen und andere. Am Anfang. Musik des 20. Jahrhunderts geschaffen. f-du in hohen Pelzstiefeln von Melbourne, Sydney, Adelaide. Von con. In den 1960er Jahren begannen moderne Kontoprogramme eingeführt zu werden. Musik, neue Prinzipien und Lehrmethoden wurden angewendet. Die führende Rolle in dieser Bewegung gehört den Canberra Muses. Hauptschule 1965, nach Art der Amer. Juilliard School. Sommerstudenten begannen zu funktionieren. Camps (seit Mitte der 1960er; Melbourne, Adelaide), in denen Musikunterricht abgehalten, Konzerte gegeben und Treffen mit prominenten Musikern abgehalten wurden. Die Tätigkeit der australischen Musen ist von großer Bedeutung. Prüfungskommission, die jährliche theoretische Tests durchführt. Themen und Spielinstrumente, um die Gesamtheit der Musen zu verbessern. eben. 1967 wurde der Verband der Moskauer Regionen gegründet.

In den Ländern Lat. Amerika M. o. ungefähr auf die gleiche Weise entwickelt: aus privater Praxis und primitiven Musen. Schulen zur Organisation von Musik. Hochschulen, Konservatorien und Musen. f-tov bei hohen Pelzstiefeln, und zuerst wurde europäisch kopiert. System und erst in den 1950er Jahren. begannen nationale Formen zu entstehen. Musiker der Länder Lat. Amerikaner, die zuvor in Europa und den Vereinigten Staaten studiert haben, entscheiden sich zunehmend dafür, in ihrem eigenen Land zu studieren. Die führenden Länder im Bereich der Aussage M. über. — Argentinien, Brasilien, Mexiko.

In Argentinien das erste Musical uch. Institution (Akademie für Musik) wurde 1822 in Buenos Aires auf Initiative von comp eröffnet. A. Williams entstand hier ein Wintergarten (1893, später auch nach A. Williams benannt). Später in Buenos Aires – Musik. Zentrum von Lat. Amerika wurden zwei weitere Konservatorien gegründet – das nach CL Buchardo benannte National (1924) und das nach M. de Falla benannte Municipal. Alle R. 60-70er Musik entstand. uch. Institutionen in Cordoba (Versuchsgruppe der School of Fine Arts, 1966), Higher School of Music in Mendoza, Musik. f-du beim Katholiken. Universitäten in Buenos Aires und die Universitäten von La Plata, Höhere Musik. in-t an der Universität Litoral in Rosario und anderen. Ein wichtiges Ereignis war die Gründung von Lat.-Amer. Zentrum der höheren Musik. Forschungen bei Ying-jenen T. Di Tellya (1965). Die Tätigkeit von Argent ist von großer Bedeutung. Gesellschaft der Musiklehrer (gegründet 1964).

In Brasilien das erste Musical uch. Institution – König. Konservatorium in Rio de Janeiro (1841, seit 1937 – National School of Music). Ein großer Beitrag zur Entwicklung von M. etwa. stellte Komi vor. E. Vila Lobos, der eine Reihe von Musen gründete. Schulen sowie das Nationale Chorkonservatorium. Gesang (1942, hauptsächlich zu pädagogischen Zwecken), dann Vraz. Musikakademie. OL Fernandis (1945, Rio de Janeiro). Zu den wichtigsten Musikstücken uch. Auch brasilianische Institutionen besitzen Braz. das Konservatorium in Rio de Janeiro (gegründet 1940), das Konservatorium für Drama und Musik in Sao Paulo (gegründet 1909). In den 1960er Jahren gab es neue experimentelle Formen von M. etwa: Svobodny mus. Seminar an der Universität von Bahia, Sommerkurse in Teresopolis (bei Rio de Janeiro), Mus. Seminar Pro Arte (Rio de Janeiro); Musik organisiert. Schulen in Recife, Porto Alegre, Belo Horizonte usw.

In Mexiko sind die Zentren höherer M. o. sind Mexikaner. Nat. Konservatorium und Musik. un-ta Schule in Mexiko-Stadt sowie Musik. Zweigstelle des National Institute of Fine Arts (Mexiko-Stadt), Guadalajara Conservatory usw.

Praktisch in allen Ländern Lat. Amerika hat die höchsten Musen. uch. Institutionen (Konservatorien oder Musik. F-du hohe Pelzstiefel), to-Roggen unterscheiden sich hauptsächlich in der Höhe des Einstellungskontos. Prozess, eher als Programme und Lehrmethoden.

OK. ser. Die europäische Durchdringung des 19. Jahrhunderts begann. bildet M. o. in asiatische und afrikanische Länder. Das eurozentrische Konzept, nach dem die Mehrheit der Nichteuropäer. Zivilisationen, die als unterentwickelt oder sogar primitiv anerkannt sind, nat. fast vollständig geleugnet. kulturelle Werte. Missionare und dann Christus. religiöse Organisationen gewöhnten die Afrikaner an das Katholische. oder evangelische Kirche. Singen. Die Kolonialverwaltung pflanzte sich in europäische Schulen ein. Bildungssystem inkl. und musikalisch. Später begannen viele begabte Musiker aus asiatischen und afrikanischen Ländern, in Großbritannien (Trinity College, wo viele Komponisten aus Westafrika ihre Ausbildung erhielten), Frankreich, Deutschland und den USA zu studieren. Zu Hause kultivierten sie westeuropäisch. Musik und Lehrprinzipien. Zur Musik. Alphabetisierung und Professionalität als solche sind westeuropäisch angenähert. Musik erziehen. Qualifikation. Positive Tendenzen bei M. etwa. einerseits mit Erleuchtung verbunden. Aktivitäten der Abteilung prominenter europäischer Musiker in Asien und Afrika (z. B. A. Schweitzer), andererseits mit den Versuchen nationaler Persönlichkeiten. Kulturen, einen akzeptablen Kompromiss zwischen dem Osten zu finden. und app. (Experimente von R. Tagore in Shantiniketon).

Die kulturelle Wiederbelebung in den meisten Ländern Asiens und Afrikas hat zu einem tiefen Interesse an den Traditionen geführt. Formen der nationalen Klage. Viele schwierige Probleme traten auf: nar zu notieren. Musik oder in mündlicher Überlieferung pflegen, Folklore unverändert bewahren oder weiterentwickeln, westeuropäisch verwenden. erfahren oder nicht anwenden. In vielen Ländern entsteht bereits ein Netzwerk von Musen. Institutionen, Ausbildungsprogramme werden entwickelt, und es gibt qualifizierte Fachkräfte.

In Japan ist der Prozess des Bauens Musen. in-tov modern. Art begann früher als in anderen Ländern Asiens und Afrikas – am Anfang. 19. Jahrhundert 1879 stellten die Japaner die Regierung für die M.-Organisation um. Amer. wurde in die Schulen des Landes eingeladen. Musiker-Pädagoge LW Mason (er arbeitete dort drei Jahre; Schulmusikpraxis in Japan behielt lange Zeit den Namen „Mason's Songs“). Von Ser. Die Schulprogramme der 1970er Jahre werden vom Bildungsministerium entwickelt und überwacht. Großen Wert in Kinder-M. über. hatte die Methode von T. Suzuki, verbunden mit der Entwicklung von Hörfähigkeiten durch die Geige. Spiele. Unter den höheren Institutionen Japans stechen hervor: un-you art in Tokyo (ehemals Academic School of Music) und Osaka, Mus. Tentsokugakuan Academy (seit 1967), Musik. Kiusu Universitätsschule, Chiba, Toyo College.

In Indien sind die Zentren M. etwa. wurde die Akademie für Musik, Tanz und Theater („Sangeet Natak Academy“, 1953) in Delhi mit Zweigstellen in vielen anderen. Staaten des Landes, Musik. College „Carnatic“ in Madras, University of Gandharva in Bombay, Academy of Music in Thiruvananthapuram, Musik. Universitäten in Mysore, Varanasi (Benares), Delhi, Patna, Kalkutta, Madras und anderen Städten. Die besten Meister der ind. sind in die Lehre eingebunden. Musik – Ustads, die bisher isoliert agierten und nicht über die notwendigen Voraussetzungen für eine Systematik verfügten. Jugendunterricht (Sitar- und Weinspiel, Ragi-Kunst, Improvisation usw.). Schulungsprogramme decken die gesamte Bandbreite der ind. Musik und spiegeln auch ihre Verbindung zu anderen Künsten (Tanz, Schauspiel) wider. Zap. M.s Systeme über. Indien hat nicht viel Entwicklung erhalten.

Meint. das System von M. über hat Transformationen erfahren. Grund-, Sekundar- und Hochschulen in arabischer Sprache. Länder. In Kairo, Ägypten, wurde 1959 ein Konservatorium mit Theorie und Aufführung gegründet. f-tami; Seit 1971 ist die Akademie der Sklaven in Betrieb. Musik (ehemals Schule für orientalische Musik, dann seit 1929 Institut für arabische Musik), wo traditionelle Musik studiert wird. Musik und Spiel auf nat. Werkzeug. M.s Entwicklung ca. in Schulen zur pädagogischen Ausbildung beigetragen. Personal (Institut für die Ausbildung von Musiklehrern in Zamalek, Kairo). Im Irak war das Musikzentrum die Akademie der Schönen Künste mit einer Musikabteilung (gegründet 1940, Bagdad), in Algerien – das Nationale Musikinstitut, bestehend aus drei Abteilungen (Forschung, Pädagogik und Folklore) usw. In vielen dieser Bildungseinrichtungen, sowjetische Musiker.

Im Iran gibt es ein nationales Konservatorium und ein Konservatorium für Europa. Musik, hauptsächlich 1918 in Teheran, das Konservatorium in Tabriz (1956), sowie die Musikabteilungen der Universitäten in Teheran und Shiraz. Beim Radio und Fernsehen des Iran wurde ein Musikstudio für Kinder und Jugendliche eingerichtet.

In der Türkei, höhere M. o. konzentriert in den Konservatorien von Istanbul und Ankara.

Komplexe Prozesse laufen in M. o. ab. Afrikanische Länder. Die ersten Konservatorien auf dem Kontinent (in Kapstadt, Johannesburg, das Ostafrikanische Konservatorium in Nairobi) sind seit Jahrzehnten in Betrieb, aber sie waren hauptsächlich für Nicht-Afrikaner bestimmt. Nach der Erlangung der Unabhängigkeit in der Mehrheit der Länder Afrikas M wird der See aktiv betreten. Eine besondere Entwicklung erhielt es in Ghana, wo die Fakultät für Musik und Theater an der Universität von Ligon, das Institut für das Studium Afrikas (Musikforschung ist die Grundlage seiner Aktivitäten), Nat. Musikakademie in Winneba, Afrikanisches Musikinstitut in Accra, mus. ft Ying-ta in Cape Coast. Musen. Die Colleges von Akropong und Achimota brachten mehrere hervor. Generationen ghanaischer Musiker.

Musik hat in Nigeria einen hohen Stellenwert. Universitäten von Lagos, Ibadan und Ile-Ife sowie Colleges in Zaria und Onich. Ein relativ hohes Niveau erreichte M. mit der Produktion von o. in Senegal, Mali (National School of Music in Conakry) und Guinea beginnen Musikabteilungen an den Universitäten von Makerere (Uganda), Lusaka (Sambia), Dar es Salaam (Tansania) eine immer wichtigere Rolle zu spielen.

In den Konservatorien afrikanischer Länder wird hauptsächlich App studiert. Musik (theoretische Disziplinen und Instrumentalspiel) und über Musik. f-tah un-tov besonderes Augenmerk wird auf nat gelegt. Musik beschäftigt sich das Institute for the Study of Africa mit dem Problem der Bewahrung und Weiterentwicklung der Folklore des Kontinents.

Die Inszenierung von M. o. wird immer wichtiger. am Anfang. und Sekundarschulen (in vielen Ländern ist Musik ein Pflichtfach). Die wichtigste Aufgabe ist die Weitergabe von Traditionen. Erbe, aber seine Methoden bleiben weitgehend die gleichen wie vor Jahrhunderten.

Ms Problem bzgl. – einer der wichtigsten in der Erhaltung und Entwicklung der alten Kulturen Asiens und Afrikas, daher UNESCO, Intern. music Council, International Society of Music Teachers und andere widmen ihm besondere Aufmerksamkeit.

Es werden Programme entwickelt, die die Besonderheiten und den Entwicklungsstand von M. o. hierzulande werden neue, teilweise experimentelle Lehrmethoden angewendet (z. B. nach den Systemen von Z. Kodaly und K. Orff), Tagungen, Kongresse und Seminare abgehalten, Beratungshilfe und Personalaustausch durchgeführt.

JK Michailow.

Musikerziehung in der vorrevolutionären Zeit. Russland und die UdSSR. Über M. o. in Dr. Wenige Informationen sind in Russland erhalten geblieben. In der sich im Volk entwickelnden Pädagogik spielte neben Sprichwörtern, Redewendungen, Märchen und Liedern auch der Synkretismus eine wichtige Rolle. (einschließlich Musik) Kunst. Aktionen, in denen sich eine Mischung aus anderen Sprachen widerspiegelte. und christliche Rituale. In Nar. Die Umgebung wurde als eine Art Possenreißer geboren – ein professioneller multilateraler „Schauspieler“, Fähigkeiten zum Rogo wurden im Prozess der Familien- oder Geschäftsausbildung erworben. Von Generation zu Generation wurde auch poetische Musik weitergegeben. Traditionen von Komponisten heroisch-verherrlichender Gesänge. Der systematische Musikunterricht (genauer: Kirchengesang) fand sowohl in an Kirchen und Klöstern eingerichteten Schulen statt, wo die vom Staat benötigten Geistlichen und gebildeten Menschen ausgebildet wurden, als auch direkt in Tempelchören, die nicht nur Konzertgruppen waren, sondern auch auch Gesangsschulen. . Kirchensänger und -sänger wurden in solchen Schulen erzogen (siehe Znamenny-Gesang).

Während der Zeit der feudalen Isolation der russischen Länder wurden die Hauptstädte der einzelnen Fürstentümer – Wladimir, Nowgorod, Susdal, Pskow, Polozk usw. – wurden zu Zentren der Kirche. Gift. Kulturen und entwickelten hier ihre einheimischen Sänger. Schulen, die sich auf die allgemeinen Prinzipien des Znamenny-Gesangs stützten, aber bestimmte Besonderheiten einführten. Informationen über einen der ältesten und besten Sänger sind erhalten geblieben. Schulen des 12. Jahrhunderts, gegründet von Andrey Bogolyubsky in Wladimir. Etwas später die führende Rolle in der Kirche. Novgorod begann zu singen und diese Kunst zu unterrichten, die viele Jahre lang ihre führende Position behielt. Novgoroder Sänger. Die Schule hat herausragende Persönlichkeiten der Musik vorbereitet. Kultur jener Zeit – Interpreten, Komponisten, Theoretiker und Lehrer. Während der Zeit der Organisation einer zentralisierten Rus. state-va, unter der Leitung von Moskau nat. Sänger. Die Schule übernahm die Errungenschaften vieler lokaler Schulen und vor allem von Novgorod. Zwei Nowgoroder – Brüder S. und B. Rogovyh, Aktivität to-rykh gehört zur Mitte. 16. Jahrhundert, gelten als die Gründer von Moskau. kirchliche Schulen. Singen. Als Lehrerin genoss Savva Rogov besondere Berühmtheit. Seine berühmten Schüler – Fjodor Krestjanin (später ein berühmter Lehrer) und Iwan die Nase – wurden von Iwan dem Schrecklichen als Höflinge genommen. Gesangsmeister in Moskau. Die Traditionen der Novgorod-Schule wurden auch vom dritten berühmten Schüler von Rogov – Stefan Golysh, musikalisch und pädagogisch – entwickelt. Die Aktivität to-rogo fand im Ural im Besitz der Stroganov-Kaufleute statt. Verbreitung und Entwicklung des Gesangs. Die Kultur wurde durch das Dekret der „Stoglavy Cathedral“ (Moskau, 1551) gefördert, das es für Priester und Diakone erforderlich machte, Moskau in allen Städten zu Hause zu schaffen. Russische Schulen, um Kindern nicht nur Lesen und Schreiben beizubringen, sondern auch „Kirchenpsaltersingen“. Die Errichtung dieser Schulen sollte die Bildung der sog. Meister der Alphabetisierung (Angestellte und „weltliche Menschen“, die sich mit den Kindern der Abteilung Lesen, Schreiben, Beten und Singen beschäftigten) und erweitern das Netzwerk von uch. Institutionen, die im 14.-15. Jahrhundert existierten. in manchen Städten Dr. Russland. Kirchenmeister. Singen, die zum Advent gehörten. hora (erstellt in con. Jahrhundert) wurden oft in andere Städte, Klöster und Kirchen geschickt, um das Niveau des Chores zu heben. Leistung. Die einfachste musiktheoretische. Sänger dienten als Hilfsmittel. Alphabete (enthalten in decomp. Sammlungen des 15. bis 17. Jahrhunderts, siehe Musikalisches Alphabet), in dem eine kurze Reihe und Umrisse von Zeichen des Hakenbuchstabens gegeben wurden. Zustimmung zu den neuen, vielen Zielen. Chorstil. singen (vgl. Partes Gesang) und der damit verbundene Ersatz der Znamenny-Schrift durch 5-lineare Notation im 2. Stock. 17 in. revolutionierte die Art und Weise, wie Musik unterrichtet wird. Systematisch. eine Reihe von Regeln für den Partes-Gesang findet sich in der Abhandlung von N. AP Diletsky „Musikgrammatik“, bestimmt für die Ausbildung von Sängern und Komponisten. Anders als die berühmten „Alphabete“, die rein empirisch basieren. Prinzipiell ist das Werk von Diletsky rationalistisch geprägt. Orientierung, der Wunsch, die Regeln nicht nur zu nennen, sondern auch zu erklären. Eine besondere Art von Kontoguthaben, die eine bekannte Verbreitung in con. 17. Jahrhundert, repräsentieren die sog. Doppelzeichen, die eine parallele Darstellung von Melodien in znamenny und 5-linearer Notation enthalten. Der „Key of Understanding“ von Tikhon Makarievsky gehört zu dieser Art. Mit Pferd. 15. Jahrhundert, als in Moskau. Rus begann, ausländische Musiker einzuladen, die Beteiligung der Russen begann. wissen in Instr.

Im Südwesten Russlands, das Teil des 16.-17. Jahrhunderts war. in der Struktur des polnisch-litauischen Staates-va, der bekannte Wert in der Verteilung von M. über. hatte eine sogenannte brüderliche Schule, etablierte religiöse und pädagogische. Organisationen und diente als Hochburg der Russischen, Ukrainischen. und belarussisch., die Bevölkerung gegen die nat. Unterdrückung und Konversion zum Katholizismus. Nach der Lemberger Schule (gegründet 1586), ca. 20 Bruderschaften. In diesen fortgeschritten für ihr Zeitkonto. Institutionen (viele pädagogische Prinzipien dieser Schulen fanden später ihren Niederschlag in der „Großen Didaktik“ von Ya. A. Comenius) unterrichteten Gesang und Fächer des Quadriviums, zu denen auch Musik gehörte. Auf der Grundlage der Kiewer Bruderschule (gegründet 1632) und der Schule des Kiewer Höhlenklosters (gegründet 1615), die 1631 fusionierten, wurde die erste ukrainische Schule gegründet. Hochschule – Kiew-Mohyla-Collegium (seit 1701 – Akademie), in der neben anderen Fächern auch Musik studiert wurde. In Moskau wurde 1687 nach dem Vorbild des Kiewer Kollegiums Slawisch-Griechisch-Lat eröffnet. Akademie, wo auch die Kirche gelehrt wurde. Gesang und die „sieben freien Künste“.

Im 18. Jahrhundert trug Toroggen unter dem Einfluss der Reformen von Peter I. zur Einbeziehung des Landes in den allgemeinen Entwicklungsverlauf Europas bei. Zivilisation, Inhalt und Organisation von M. o. ertragene Geschöpfe. zu navigieren. Befreiung der Musikkultur von der kirchlichen Vormundschaft, die Einengung der Rolle der Kultmusik, das sich immer weiter ausbreitende weltliche Musizieren (Militärorchester und Chöre auf den Straßen und Plätzen, Tanz- und Tischmusik bei „Versammlungen“, Musik- und Theateraufführungen , das Aufkommen des Lebensendes) und schließlich die wachsende Sehnsucht nach Amateurmusik in einer noblen Gesellschaft – all dies prägte den Charakter von M. o. Es zeigt mehrere Trends: Der wichtigste ist der Beginn des Musikerwerbs. Erziehung in der weltlichen und nicht nur in der geistlichen Erziehung. in-tah; ins Leben diff. spirituelle Lehrer. Institutionen durchdringen weltliche Instr. Musik; M. o., insbesondere im 2. Stock. 18. Jahrhundert, richtete sich nicht nur an die Bedürfnisse des Hofes. und zum Teil die Kirche. Alltag, sondern auch um den Bedürfnissen viel breiterer Gesellschaften gerecht zu werden. Kreise. Der Bedarf an praktizierenden Musikern und der Bedarf an einem allgemeinen Mo im gesamten 18. Jahrhundert. nahm immer mehr zu. Musen. die Erziehung des Adels wurde von Ch durchgeführt. Arr. Besucher Kapellmeister, Konzertmeister von Orchestern und Claviers, darunter große Meister. Die Ausbildung professioneller Musiker wurde am häufigsten in Bildungseinrichtungen durchgeführt, die bedingt in zwei Arten unterteilt werden können. Einige haben es sich zur Aufgabe gemacht, Berufsmusiker auszubilden, Kap. Arr. Orchestratoren und Sänger. Schon zu Beginn des 18. Jahrhunderts in Moskau und dann in St. Petersburg, aus dem Ausland entlassene und am Hof ​​dienende Militärmusiker. Orchestern wurde beigebracht, Bläser (Blech und Holz) und Schlagzeug zu spielen. Instrumente der Jugend, ausgewählt aus der Zusammensetzung der adv. Chorsänger. 1740, im Advent. Kapelle (übertragen nach St. Petersburg 1713), die mehr als zwei Jahrhunderte lang qualifizierte Chorsänger, einen Chor, hervorbrachte. Dirigenten, sowie in der Abteilung Fälle und Komponisten (D. S. Bortnyansky, M. S. Berezovsky), wurden unter der Leitung von gegründet. Dirigentenorchester I. Gyubner-Klassen lernen, den Ork zu spielen. Werkzeuge. Zuvor, im Jahr 1738, wurde in Glukhov, Ukraine, eine Schule für Gesang und Instrumentierung eröffnet. Musik (Geige, Harfe und Bandura spielen); hier zur Hand. Ein besonderer Regent erhielt den Anfangsbuchstaben M. o. hauptsächlich die Zukunft adv. Chorsänger. Unter anderem uch. Betriebe – St. petersburg. Theater. Schule (gegründet 1738, aber endgültig 1783 gegründet), in der nicht nur Bühnenaufführungen, sondern auch Musik unterrichtet wurden. Kunst-wu und Musik. Klassen der Akademie der Künste. in den 1760er Jahren eröffnet. und bestand mehrere Jahrzehnte (unter den Schülern – vergl. B. I. Fomin). Über die Aufmerksamkeit, die im 18. Jahrhundert geschenkt wurde. Organisationen Prof. M. o., bezeugen die Regierungen. Dekrete (unerfüllt) über die Gründung der Ekaterinoslav Music.

In Betrachtung. Institutionen anderer Art, ein wichtiger Aspekt der Erziehung des Adels, und in einem Teil der Raznochin, Jugend ist die allgemeine Philologie. Die erste weltliche Schule, seit den 1730er Jahren im Programm eines Schwarms. systematischen Musikunterricht beinhaltete, war das Kadettenkorps (damals Landadel). Aufgrund des praktischen Bedarfs an vielen dieser Institutionen werden oft Berufsmusiker ausgebildet. Solchen Studenten sollten Institutionen der Musik zugeordnet werden. Klassen im 1. Stock eingerichtet. 18. Jahrhundert im Gymnasium der Akademie der Wissenschaften, im 2. Stock. 18. Jahrhundert — in Moskau. un-these (edle und raznochinny Turnhallen und das Noble Boarding School at the un-these), im Smolny-Institut für edle Mädchen und der „kleinbürgerlichen Abteilung“ mit ihm in Moskau. und Petersburg. erziehen. Häuser im Kasaner Gymnasium, das Moskau unterstellt ist. un-tu und in einer Reihe von Gymnasien in anderen Provinzen. Musikunterricht in vielen dieser Schulen. Etablissements standen in großer Höhe (sie wurden von prominenten Musikern, oft Ausländern, geführt). So wurden die Schüler des Smolny-Instituts (das darin entwickelte System der musikalischen Bildung wurde später auf andere klassenadelige Bildungseinrichtungen ähnlicher Art übertragen) nicht nur in der Darbietung (Harfe, Klavier, Gesang) ausgebildet, sondern auch Musiktheorie und in einigen Fällen Komposition. In der Zukunft begannen einige der Schüler aus den verarmten Adligen, sich auf das Musikalische und Pädagogische vorzubereiten. Aktivitäten. Aufgrund der Tatsache, dass in vielen Landgütern und Bergen. Adelshäuser organisierte Leibeigene Chöre, Instr. (einschließlich Horn-)Ensembles und Orchestern sowie t-ry wurde es notwendig, Musiker von Leibeigenen auszubilden. Es wurde sowohl zu Hause (ausländische Musiker, die zu den Gütern eingeladen wurden) als auch im Besonderen durchgeführt. Musikschulen für Leibeigene, geschaffen in den Städten. Anscheinend begannen die ersten derartigen Schulen in den 1770er Jahren zu funktionieren. Hier lehrten sie Singen und spielten den Ork. und Keyboards sowie allgemeiner Bass und Komponieren von Musik. Manchmal wurden leibeigene Musiker in ganzen Gruppen zu solchen Schulen geschickt, um das notwendige Repertoire vorzubereiten.

In den pädagogischen Klassen im letzten Viertel des 18. Jahrhunderts. (insbesondere nachdem die Volksliedsammlungen von V. Trutovsky, 1776-95, und I. Prach, 1790 vergriffen waren), begann Russisch eine immer wichtigere Rolle zu spielen. nein. Gesang und Tanz (im Original, Arrangements und Transkriptionen). Verteilung von M. ca. in verschiedenen Schichten der russischen Gesellschaft hat die Notwendigkeit geschaffen, praktisch zu veröffentlichen. uch. Zulagen (erstmals übertragbar). Eines der ersten Handbücher, das in der Geschichte des Russischen eine wichtige Rolle spielte. M. o., war die „Clavier School, or Short and Solid Indication for Concord and Melody“ von GS Lelein (1773-74), die sich auf die Clavierpraxis stützte, allgemeine Bestimmungen der Kompositionslehre enthielt und sich durch einen Brunnen auszeichnete -bekannte Erleuchtung. Breite. Am Anfang. Übersetzungen anderer Musik aus dem 19. Jahrhundert kamen heraus. Lehrbücher (z. B. L. Mozart – „Die grundlegende Violinschule“, 1804; V. Manfredini – „Harmonische und melodische Regeln für den Unterricht aller Musik“, übersetzt von SA Degtyarev, 1805) sowie eine häusliche Klavierschule. I. Pracha (1815).

Bis in die 60er Jahre. 19. Jahrhundert im russischen System. Lehrer. M. o. es gab keine grundlegenden Änderungen, obwohl der Bedarf an Musikern verschiedener Fachrichtungen stieg und immer höhere Anforderungen an die Qualität ihrer Ausbildung gestellt wurden. In den Theaterschulen St. Petersburg und Moskau wurden anfangs nicht nur Schauspielschauspieler ausgebildet, sondern auch Sänger und Orchestermitglieder für Opernhäuser. Für besonders Erfolgreiche wurden im 19. Jahrhundert „höhere“ Musikklassen eingerichtet. Diese ua. Betriebe, sowie Pridv. Chanter der Kapelle waren die einzigen Regierungen. in-tami, das sich die Ausbildung professioneller Musiker zur Aufgabe gemacht hat. M. o. erweitert an der Kapelle: in con. 1830 wurden Orkklassen eröffnet. Instrumente und etwas später die Klassen von fp. und Aufsätze. Am Anfang. 2. Viertel des 19. Jahrhunderts verloren die Musikschulen für Leibeigene ihre frühere Bedeutung und verschwanden allmählich. eine wichtige Rolle bei der Verbreitung von Musik. Kulturen (teilweise in der Ausbildung von Berufsmusikern) wurden noch von mittleren und höheren uch gespielt. Institutionen, in denen es Musen gab. Klassen, – Turnhallen, hohe Pelzstiefel (Moskau, St. Petersburg, Kasan, Charkow), Bergbau in-t, Uch-sche Rechtsprechung, Frauen geschlossen in-dich. In diesen Fraueninstituten wurde trotz einiger Mängel in der Organisation von MO ein Ausbildungssystem gebildet (das Instrumentenspiel, Ensemblemusik, Solfeggio, Harmonielehre und pädagogische Praxis umfasste), das später die Grundlage für den Unterricht wurde. Plan von Konservatorien und Lehrerinnen von Fraueninstituten bereiteten ernsthafte Arbeiten zu Musikfragen vor. (CH. Arr. fp.) Pädagogik. Spezialist. private Musik. Es gab nur sehr wenige Schulen (eine davon wurde von DN eröffnet Kaschin 1840 in Moskau) und Hausmusik. Das Training war weiterhin sehr effektiv. Privatunterricht wurde von Ausländern gegeben, die ihr Schicksal mit Russisch verbanden. Musikkultur (I. Gesler, J. Feld, A. Hensel, L. Maurer, K. Schubert, A. Villuan), rus. Komponisten (A. L. Gurilev, A. E. Varlamov und andere), Instrumentalisten und Komponisten (A. O. Sihra, D. N. Kaschin, N. Und. Afanasiev und andere) und in den 50er Jahren . junge A. G. und N. G. Rubinstein und M. A. Balakirew. Der Unterricht zu Hause beschränkte sich normalerweise auf das Üben eines Instruments oder Singens; musiktheoretisch. und musikgeschichtlich. Studenten erhielten im Allgemeinen keine Bildung. Füllen Sie diese Kreaturen nach. Lücke nur in sehr geringem Umfang öffentlich machen konnte. Vorträge, to-Roggen arrangiert mit con. 1830er ch. Arr. In Petersburg. In diesen Jahren entstehen Pläne für die Organisation von Sonderveranstaltungen. Musik u. Institutionen bezeugten die dringende Notwendigkeit einer breiteren, tieferen und vielseitigeren M. o. Einer dieser Pläne gehörte dem Dirigenten Moskau. Großer Schatzmeister F. Scholz, der 1819 ein Projekt zur Errichtung der Musen in Moskau vorstellte. Wintergarten. Das Projekt wurde nicht umgesetzt, Scholz erwirkte erst 1830, kurz vor seinem Tod, die Erlaubnis, in seinem Haus einen kostenlosen Generalbass- und Kompositionsunterricht zu organisieren. Der Autor eines anderen nicht realisierten Projekts war A. G. Rubinshtein, der 1852 vorschlug, in St. Petersburg an der Akademie der Künste der Musen.

Bis Anfang der 1860er Jahre drohte der russischen Eiskultur „eine Kluft zwischen der kompositorischen Intelligenz, die nach den Höhen der Kunst strebte, und den Zuhörern aus dem Umfeld der russischen Demokratie, die sehr bunt gemischt waren“ (B. BEIM. Asafjew, „Da waren sie zu dritt …“, Sat. „Sowjetische Musik“, Bd. 2, 1944, S. 5-6). Nur eine umfassende Vorbereitung der Vaterländer konnte der Sache helfen. Interpreten, Lehrer und Komponisten, To-Rye könnte das Niveau des Russischen weiter anheben. Eisleben nicht nur in Moskau und St. Petersburg, sondern im ganzen Land. Während dieser Zeit war die Tätigkeit von A. G. Rubinstein und seine Mitarbeiter, die sich unter der Schirmherrschaft von Rus organisieren wollten. ice ob-va (eröffnet 1859) der erste Russe. Wintergarten. Diese Tätigkeit verlief unter schwierigen Bedingungen: in Zusammenstößen mit der Grenze. reaktionär. Kreisen und in einer Atmosphäre hitziger Debatten mit denen, die den „nationallosen Akademismus“ von Prof. drei. Institutionen. Gegründet unter Rus. Eis ob-ve 1860 mus. Unterricht (Gesang, Klavier, Violine, Cello, Elementartheorie, Chor. Gesang und Übungsaufsatz) diente als Grundlage für die Entdeckung von St. petersburg. Konservatorium (bis 1866 hieß es Mus. Lehrer) unter der Leitung von A. G. Rubinstein. Im selben Jahr, im Gegensatz zum Konservatorium M. A. Balakirev und G. Ya Lomakin gegründet in St. Petersburger freie Musik. Schule, deren eine der Aufgaben darin bestand, einen allgemeinen M. etwa. (elementare musiktheoretische Informationen, Chor- und Orchesterfähigkeit etc.) für Musikinteressierte. 1866 auch auf der Grundlage der zuvor (1860) organisierten Musen. Klassen, die Moskau gegründet wurde. Konservatorium, dessen Direktor der Initiator seiner Gründung war, N. G. Rubinstein. Beide Konservatorien spielten eine große Rolle in der Entwicklung des Russischen. Lehrer. М. etwa. und erlangten vor allem deshalb weltweite Anerkennung, weil sie von herausragenden Musikern unterrichtet wurden: In St. Petersburg – A. G. Rubinstein (unter seinen Schülern des ersten Abschlusses war P. UND. Tschaikowsky), F. O. Leshetitsky (seit 1862), L. C. Auer (seit 1868), N. A. Rimski-Korsakow (seit 1871), A. ZU. Ljadow (seit 1878), F. М. Blumenfeld (seit 1885), A. N. Esipova (seit 1893), A. ZU. Glasunow (seit 1899), L. BEIM. Nikolaev (ab 1909) und andere; in Moskau – N. G. Rubinstein, P. UND. Tschaikowsky (seit 1866), S. UND. Taneev (seit 1878), V. UND. Safonow (seit 1885), A. N. Skrjabin (seit 1898), K. N. Igumnov (seit 1899), A. B. Goldenweiser (seit 1906), N. ZU. Mettner (seit 1909) und andere. Im Laufe der Jahrzehnte hat sich die Struktur der Konservatorien, die Musiker in allen Fachrichtungen ausbildeten, verändert, aber ihre folgenden Merkmale sind konstant geblieben: die Aufteilung in zwei Abteilungen – die untere (Schüler wurden bereits in der Kindheit aufgenommen) und die höhere; „wissenschaftlicher Unterricht“ (dient der Verbesserung der Allgemeinbildung. Studentenniveau); Vergabe an Studenten, die den gesamten Kurs des Konservatoriums abgeschlossen und das Special bestanden haben. Abschlussexamen, Diplom eines „freien Künstlers“ (bis in die 1860er Jahre. Dieser Titel wurde nur von Absolventen der Akademie der Künste verliehen). Konservatorien trugen zur Bildung des Russischen bei. ausführen. und Komponistenschulen. Stimmt, Vaterland. vok. Die Schule wurde viel früher unter dem unmittelbaren Einfluss von M. UND. Glinka und A. C. Dargomyzhsky, der die Abteilung unterrichtete. Schülern nicht nur die allgemeinen Prinzipien der Musik. Leistung, sondern auch der Sänger. Können; einer der Förderer der Komponisten der neuen russischen Schule war M. A. Balakirev, der junge Musiker im Geiste von Glinkas Vorschriften unterrichtete. Ein unvergleichlich breiteres Spektrum erschließt sich die Tätigkeit der Gründer jener Schulen, die sich in den Konservatorien entwickelt haben. Die Gründer der beiden größten Russen. Komponistenschulen wurden: in St. Petersburg – N. A. Rimski-Korsakow, in Moskau – P. UND. Tschaikowsky. In der 2. Hälfte. 19 und frühe 20 ccm Nummer des russischen Eises drei. Betriebe wuchsen allmählich. Lokale Niederlassungen Rus. ice about-va öffnete Musen. Schule in Kiew (1863), Kasan (1864), Saratow (1865) und später in anderen. Städte des Landes. Anschließend wurden die Schulen in Saratow (1912), Kiew und Odessa (1913) in ein Konservatorium umgewandelt. 1865 wurde das Kapitel gegründet. Direktion Rus. ice about-va, an den der Schwarm „alle Pflichten und Bedenken hinsichtlich der Entwicklung von Mo“ übergab in Russland". Der Zweck der Organisation dieser Direktion, die von einem der Mitglieder der königlichen Familie geleitet wurde, bestand darin, die Regierung sicherzustellen, ohne offiziell die Musen zu führen. drei. Institutionen, hatten die Möglichkeit, ihre Angelegenheiten zu kontrollieren und sich in ihre Arbeit von einer Position der Klassenkaste aus einzumischen. 1883 wurde das Musical Drama Theatre im npiB-ax Konservatorium eröffnet. Schule in der Nähe von Moskau. Philharmonie. über-ve. 1887A. G. Rubinstein mit dem Projekt der universellen Kindermusik. Bildung und schlägt vor, in den unteren Klassen alle Handarbeiten und Kojen einzuführen. Schule, klassische und echte Gymnasien, Kadettenkorps obligatorischer Chor. Gesang, Solfeggio und elementare Musiktheorie. Dieses utopische Projekt wurde für jene Jahre nur in einigen privilegierten Gebieten durchgeführt. Einrichtungen. Bedeutet Rolle bei der Entwicklung des Russischen. М. etwa. gespielt von vielen Privatmusikern. Schulen öffnen in con. 19 – bitten. 20 ccm in St. Petersburg (Musikdrama. Kurse e. A. P. Rapgofa, 1882; Musen. Klassen I. A. Glisser, 1886; Spezialist. fp-Schule. Spiele und Kurse von Pianisten-Methodologen S. F. Schlesinger, 1887), Moskau (Musik. Schule B. Ju Zograf-Plaksina, 1891; Schwestern Evg. F., Elena F. Gnesine, 1895; BEI. A. Selivanova, 1903), Kiew, Odessa, Charkow, Rostow am Don, Tiflis usw. Städte. Konservatorien, uch-shcha und Musen. Vorrevolutionäre Schulen Russland existierten hauptsächlich aufgrund der relativ hohen Studiengebühren, und daher M. etwa. nur Kinder wohlhabender Eltern oder einzelne begabte Studenten, die von Gönnern unterstützt oder ausnahmsweise von Studiengebühren befreit wurden, konnten erhalten. Um an die Musik anzuknüpfen. Kultur der breiten Bevölkerung, progressive Musiker con. 19 – bitten. 20 Jahrhunderten, die gewissermaßen die Tradition der freien Musik fortsetzen. Schulen, fing an, uch zu schaffen. Betriebe (manche hießen Nar. Konservatorien), wo es möglich war, M. etwa. kostenlos oder gegen eine geringe Gebühr. In St. Petersburg gehörten zu diesen Schulen: Public Music. Klasse Pädagogin. das Museum (bas. 1881), die als Grundlage für Forschungen auf dem Gebiet der Kindermusik diente. Pädagogik; Kostenlose Kindermusik. schule sie. Glinka, organisiert 1906 auf Initiative von M. A. Balakireva und S. М. Ljapunowa; Name Konservatorium, das 1906 von N. A. Rimski-Korsakow A. ZU. Ljadow A. BEIM. Verzhbilovich und L. C. Auer (Absolventen erhielten die Qualifikation Nar. Musik- und Gesangslehrer). Eine der effektivsten und maßgeblichsten Institutionen dieser Art war Nar. Konservatorium in Moskau 1906) beteiligten sich die prominentesten Musiker an der Gründung und den Aktivitäten des Schwarms – S. UND. Tanejew, E. E. Lineva, B. L. Yavorsky, N.

Okt. Die Revolution brachte radikale Veränderungen in der Organisation und Inszenierung von M. etwa. Führung und finanzielle Betreuung der Musen. drei. Institutionen wurden vom Staat übernommen (Dekret des Rates der Nar. Kommissare bei der Übertragung aller Konten. Betriebe in Vedepie Nar. des Kommissariats für Bildung vom 5. Juli 1918), der den Weg für die weite Verbreitung des allgemeinen M. about., Bereitstellung von Studenten mit prof. drei. Institutionen kostenlose Bildung und Stipendien. Dadurch wurde der Zugang zu Bildung für die arbeitende Jugend, inkl. und Vertreter kulturell rückständiger Nationalitäten. Unter Regierungen. Ereignisse, die zur Anziehungskraft auf höhere Musik beitrugen. Schule der Arbeiter und Bauern, waren die Organisation der sogenannten. Vereinigte Künste. Arbeiterfakultät, die Übertragung seiner Musik. Abteilung (gegründet 1923) unter der Aufsicht des Moskauer. Konservatorium (1927) und dann die Eröffnung von Arbeiterschulen in Moskau. (1929) und Leningrad. (1931) Wintergärten. In den allerersten Jahren nach der Revolution wurden die allgemeinen Prinzipien, die die Grundlage für die Umstrukturierung von M. etwa. Die wichtigsten von ihnen: 1) die Verkündigung der Verpflichtung zur universellen Musik. Erziehung (Erlass der Musen. Abteilung von Narkomiros über den Gesangs- und Musikunterricht in einer einheitlichen Arbeitsschule, spätestens am 19. Okt. 1918) und die Anerkennung der großen Bedeutung des Generals M. etwa. sowohl um die Kultur der Menschen zu fördern, als auch um musikalisch fähige Leute zu identifizieren, die für Prof. Musikstunden; 2) ein Verständnis für die Notwendigkeit, Musiker auszubilden, die eine klar definierte Spezialisierung haben (aufführen, komponieren, unterrichten, Aufklärung, Musikwissenschaft) und gleichzeitig über ein breites Spektrum an Wissen in ihrem Spezialgebiet, in verwandten Fächern und Gesellschaften verfügen. Disziplinen; 3) Bewusstsein für die enorme Rolle der Produktion. Praktiken in der uch. Institution und darüber hinaus (dies führte zur Einrichtung von Opernstudios an den Konservatorien; das erste wurde 1923 in Petrograd eröffnet. Wintergarten); 4) Festlegung einer Anforderung, dass ein Musiker jeden Berufs seinen prof kombinieren könnte. Bildungsaktivitäten. Zur Bildung des Eulensystems. М. etwa. Eine besonders wichtige Rolle spielte die organisatorische und methodische. Recherchen im Zeitraum 1917-27. Entscheidend für die Weiterentwicklung von Prof. М. etwa. wurden mit B unterzeichnet. UND. Lenin-Dekret des Volksrates. Komissarov vom 12. Juli 1918 über den Übergang von Petrograd. und Mosk. Konservatorien „unter der Zuständigkeit des Volkskommissariats für Bildung gleichberechtigt mit allen höheren Bildungseinrichtungen unter Beseitigung der Abhängigkeit von der Russischen Musikgesellschaft“ sowie nachfolgende Beschlüsse desselben Jahres, die Provinz und Stadt ankündigten. drei. Betriebe Rus. Eis über-va-Zustand. Am Ende des ersten und ganz am Anfang des zweiten Jahrzehnts des 20. Jahrhunderts. Musik im Rampenlicht. Öffentlichkeit – Fragen des Generals M. etwa. und in dieser Hinsicht ist die Arbeit enorm aufschlussreich. Schulen, die in Petrograd, Moskau usw. eröffnet wurden. Städte. Die Schulen hatten unterschiedliche Namen: Nar. Eisschulen, Musikschulbildung, nar. Konservatorium, allgemeine Volksmusikkurse Ausbildung usw. In der Arbeit dieser Institutionen, die methodisch gelegt. die Grundlagen der Eulen. allgemein m. o., nahmen prominente Musiker teil: in Petrograd – B. BEIM. Asafiev, M. H. Barinova, S. L. Ginzburg, N. L. Grodzenskaja, W. G. Karatygin, L. BEIM. Nikolajew, V. BEIM. Sofronitsky und andere; in Moskau – A. BEIM. Alexandrow, N. Ja Bryusova A. F. Gedike, A. D. Kastalsky, W. N. Shatskaya und andere. In der Anfangsphase der Entwicklung von Eulen. М. etwa. Die Organisatoren standen vor einer Reihe von Schwierigkeiten. Die Wurzeln einiger gingen in die Vorrevolution zurück. Musikpraxisausbildung, als die Ausbildung zukünftiger Profis und Laien noch nicht differenziert wurde, M. etwa. wurde nicht in Etappen nach Alter der Schüler eingeteilt. Dr. Schwierigkeiten wurden durch das oft spontane Auftauchen vieler verschiedener Musen (insbesondere 1918-20) verursacht. drei. Betriebe besonderer und allgemeiner Art. Sie hießen Schulen, Kurse, Ateliers, Kreise, Fachschulen und sogar Konservatorien und Institute, hatten kein klares Profil und konnten nicht mit hinreichender Sicherheit der Grund-, Mittel- oder Hochschulbildung zugeordnet werden. Institutionen. Parallelität in der Arbeit dieser Konten. Institutionen begannen, die Entwicklung von M. etwa. Der erste und noch sehr unvollkommene Versuch, ein harmonisches System von M. etwa. wurde 1919 in den „Grundbestimmungen über die Staatliche Musikhochschule“ (mit diesem Namen war das gesamte Netz der Sonderschulen gemeint) vorgenommen. und General M. etwa. von Grundstufe bis Fortgeschrittene). Nach dem Gedanken von A. BEIM. Lunacharsky, dass das gesamte System der allgemeinen Bildung, vom Kindergarten bis zur Universität, „eine Schule, eine durchgehende Leiter“ sein sollte, untergliederten die Ersteller der „Grundversorgung …“ das Besondere. Eis drei. Institutionen in drei Ebenen in Übereinstimmung mit dem Niveau der Musik. Kenntnisse und Fähigkeiten der Schüler. Allerdings konnten sie weder die Aufgaben von Bildung, Erziehung und Aufklärung aufteilen, noch die Altersgrenzen für die Ausbildung auf den drei Stufen der „Musikuniversität“ festlegen. Weitere Arbeiten zur Typisierung von Musik. drei. Institutionen und Aktualisierung ihrer Programme, an denen die prominentesten Eulen teilnahmen. Musiker, die mit den Aktivitäten von B. L. Yavorsky, der ab 1921 die Mus. Abteilung der Generaldirektion für Berufsbildung. Für die anschließende Restrukturierung M. etwa. sein Bericht „Über die Grundsätze des Aufbaus von Lehrplänen und Programmen in einer professionellen Musikschule“ (gelesen am 2. Mai 1921) hatte schwerwiegende Auswirkungen, in denen insbesondere zum ersten Mal in der Musik. In der Pädagogik des 20. Jahrhunderts wurde mit solcher Beharrlichkeit die These aufgestellt: „Das Element der Kreativität sollte in die Programme aller Kurse aufgenommen werden“, die in der Pädagogik belegt wurden. Institutionen auf verschiedenen Ebenen. Etwa im Jahr 1922 zeichnete sich ein charakteristischer Trend ab, der sich auch in den Folgejahren fortsetzte – den Fragen von Prof. Dr. М. etwa. und spez. Disziplinen (Instrumente spielen, Singen). Auch die Organisation der ersten spezialisierten Sekundärmusen gehört in diese Zeit. Schulen – Musik. Technische Schulen, in den 30er Jahren. in Schule umbenannt. Zum 2. Stock. 20er Jahren hat sich eine gewisse Struktur entwickelt. o., mehrere Jahre erhalten: 1) Initiale M. etwa. in Form von zwei Arten von Schulen – 4-jährige 1. Stufe (für Kinder), die parallel zur Arbeitsschule arbeiteten und entweder unabhängig waren. drei. Institutionen oder die ersten Glieder der Musen. Fachschulen und Kurse der allgemeinen M. etwa. für Erwachsene, die nur Musik hatten – erleuchten. Aufgaben; 2) durchschnittlicher prof. М. etwa. – Fachschulen (darstellende und ausbilderpädagogisch); 3) höher – Wintergarten. Im Zusammenhang mit der Reform ca. 1926 wurde das Zentrum in Leningrad gegründet. Eisfachschule, in deren Arbeit sich neue Kreativität widerspiegelte. Trends und Suchen in der Musik. Pädagogik, die sich gravierend auf die weitere Entwicklung der Eulen auswirkte. М. etwa. Unter den Lehrern der technischen Schule gab es hervorragende Leningrader. Musiker. In der Geschichte des höheren M. etwa. Ein wichtiger Meilenstein war das Nar-Dokument. Kommissariat für Bildung, erstellt auf der Grundlage der Berichte der prominentesten Persönlichkeiten der sowjetischen Musikkultur A. B. Goldweiser, M. F. Gnesina, M. BEIM. Ivanov-Boretsky, L. BEIM. Nikolaeva A. BEIM. Ossovsky und andere, – „Vorschriften über die Moskauer und Leningrader Konservatorien“ (1925). Dieses Dokument legitimierte endgültig die Zugehörigkeit der Konservatorien zur höchsten Stufe des M. o., ihre Struktur wurde etabliert (wissenschaftlich-komponierend, darstellend und ausbilder-pädagogisch. f-you) wurden das Profil der Absolventen und die Ausbildungsbedingungen festgelegt, das Institut für Graduierte wurde gegründet. Mit Herrn. In den 20er Jahren wurden auch Musikwissenschaftler an Konservatorien ausgebildet (früher, vor der Revolution, gab es keine Institution, die solche Spezialisten ausbilden würde). Allerdings der Beginn der höheren Musikwissenschaft. Bildung im Sowjetland – 1920, als in Petrograd am Institut für Kunstgeschichte die Fakultät für Musikgeschichte eröffnet wurde (sie bestand bis 1929 in Form von Kursen zur Ausbildung von Spezialisten für Kunstgeschichte). Bis 1927 wurde die allgemeine Struktur der Eulen bestellt. М. etwa. wurde weitgehend abgeschlossen, obwohl es nachträgliche Änderungen erfahren hat. Also, 4-jährige Musen. Schulen wurden in 7-jährige Schulen umgewandelt (1933), und Musikschulen wurden an einer Reihe von Konservatorien eingerichtet. zehnjährigen Schulen wurde das Fakultätssystem der Konservatorien erweitert (ab Ser. 30er), organisiert von musikalischen und pädagogischen. in-dich (das erste wurde 1944 eröffnet Muz.-Pädagogisch.

K-ser. Organisationssystem der 70er M. etwa. in der UdSSR gibt es eine Spur. Weise. Die niedrigste Stufe ist die Musik für 7-jährige Kinder. Schulen (zusätzliche 8. Klasse – für diejenigen, die sich auf den Einstieg in die Musik vorbereiten. uch-sche), deren Zweck es ist, einen allgemeinen M. etwa. und identifizieren Sie die fähigsten Schüler, die etwas Besonderes werden wollen. М. etwa. Die hier studierten Disziplinen umfassen: ein Instrument spielen (Fp., Bogen, Bläser, Folk), Solfeggio, Musik. Diplom und Theorie, Chor. Gesang und Ensembles. Bis zur untersten Stufe des allgemeinen M. etwa. Es gibt auch Abendschulen für Teenager und Jugendliche. Zur Mittelstufe M. etwa. beinhalten 4 Jahre uch. Institutionen: Musikschule, in der sie professionelle Musiker mittlerer Qualifikation (Instrumentalisten, Sänger, Chorleiter, Theoretiker) für die Arbeit in Orchestern, Chören und den Unterricht in Kindermusik ausbilden. Schulen (die Begabtesten nehmen nach dem Schulabschluss am Hochschulwettbewerb teil. Betriebe); Musikpädagogik. uch-scha, Diplom Musiklehrer für Allgemeinbildung. Schulen und Musikkindergartenleiter. An bestimmten Konservatorien und Instituten gibt es 11-jährige Specials. Eisschulen, wo Studenten sich auf die Zulassung zur Musik vorbereiten. Universitäten erhalten untere und sekundäre M. etwa. und gleichzeitig. ein allgemeinbildendes Studium absolvieren. Weiterführende Schule. Die höchste Stufe M. etwa. umfasst: Konservatorien, Musikpädagogik. in-you und in-you art-in (mit der Fakultät für Musik); ihre Ausbildungsdauer beträgt 5 Jahre. Hier werden Spezialisten der höchsten Qualifikation ausgebildet – Komponisten, Instrumentalisten, Sänger, Symphoniker, Opern- und Chöre. Dirigenten, Musikwissenschaftler und Musikdirektoren. t-ditch Höchstes Niveau sind auch musikalisch und pädagogisch. f-du in pädagogik. in-tah; angehende Musikpädagogen der höchsten Qualifikation (Methodologen) werden hier für die Allgemeinbildung ausgebildet. Schulen und Lehrer für Musik und Pädagogik. Disziplinen für pädagogische. Universität In den meisten Musikschulen und Universitäten gibt es Abend- und Fernstudienabteilungen, in denen Studenten eine Ausbildung erhalten, ohne ihre Arbeit zu unterbrechen. Mit vielen Musen. Universitäten und n.-und. Es werden postgraduale Studien in-ta organisiert (mit 3-jähriger Vollzeit- und 4-jähriger Ausbildung in Korrespondenzabteilungen), die für die Vorbereitung auf wissenschaftliche Studien bestimmt sind. Arbeiter und Lehrer von Universitäten zur Geschichte und Theorie der Musik und Aufführung. Klage, Musik. Ästhetik, Methoden des Musikunterrichts. Disziplinen. Ausbildung von Lehrer-Komponisten und Lehrer-Interpreten für Musik. Hochschulen erfolgt in einem Assistentenpraktikum, das an den führenden Musikhochschulen und Instituten organisiert wird (Vollzeitstudium 2, Fernstudium – 3 Jahre). Verbreitung erhielt Kurse zur Fortbildung von Musiklehrern. die schulen, utsch-schtsch und die oberschulen bei den maßgebenden mittleren und höheren musen. drei. Einrichtungen. Viel Aufmerksamkeit wird der Etablierung verschiedener Arten von Musen geschenkt. Schulen in den nationalen Republiken. In der RSFSR, Weißrussland und der Ukraine, in den Republiken des Baltikums und Transkaukasiens sowie in der kasachischen, kirgisischen, tadschikischen, turkmenischen und usbekischen SSR, die sich in der vorrevolutionären Zeit befanden. Zeitrückständige Gebiete, schuf ein großes Netzwerk von Musen. drei. Institutionen. Seit 1975 gibt es in der UdSSR 5234 Musikinstitutionen für Kinder. Schulen, 231 Musik. universität, 10 universität isk-v, 12 musiklehrer. Schule, 2 Musik. Choreografische Schule, 20 Konservatorien, 8 Kunstinstitute, 3 musikalische und pädagogische. in-ta, 48 Musik. f-tov bei pädagogisch. in-tah. Erfolge m. etwa. in der UdSSR sind auch darauf zurückzuführen, dass pädagogisch. Die Arbeit an den Musikuniversitäten wurde und wird von den prominentesten Komponisten, Interpreten, Musikwissenschaftlern und Methodologen geleitet. Seit 1920-er Jahren. in den euleneisuniversitäten begann ein ernstes n.-und. und Methodiker. Arbeit, die zu einer Überarbeitung auf der Grundlage der Bestimmungen des Marxismus-Leninismus, der für die Vorrevolution traditionellen Inhalte und Lehrmethoden führte. Konservatorium für Musiktheorie und Musikgeschichte. Artikel sowie das Anlegen neuer Accounts. Disziplinen. Insbesondere spezielle Lehrveranstaltungen zur Geschichte und Theorie der Aufführung sowie Lehrmethoden für das Spielen verschiedener Instrumente. Das enge Verhältnis von Pädagogik und Wissenschaft. Forschung trug zur Schaffung von Mitteln bei. Anzahl Lehrbücher und uch. Vorteile für grundlegende Disziplinen, die in den Eulenplänen enthalten sind.

In anderen sozialistischen Ländern, wo M. o. in staatlichem Besitz ist, ist ihre allgemeine Struktur (die Unterteilung der musikalischen Bildungseinrichtungen in 3 Stufen – Grundschule, Sekundarstufe und höhere) im Allgemeinen ähnlich der in der UdSSR (obwohl in einigen dieser Länder Musikwissenschaftler nicht in Musikausbildung ausgebildet sind). Institutionen, aber in hohen Pelzstiefeln). Zur gleichen Zeit in jedem Land in der M.-Organisation etwa. es gibt einige spezifische. Merkmale aufgrund der Besonderheiten seiner nationalen. Kultur.

In Ungarn, wo M. o. nach der gleichen Methodik. Prinzipien von B. Bartok und Z. Kodály, und wo das Studium der Ungarn auf allen Ebenen einen großen Platz einnimmt. nein. Musik und einem Solfeggio-Kurs auf der Grundlage der relativen Solmisierung, sieht das Schema für die Bauerziehung nach 1966 wie folgt aus: 7-jährige allgemeine Bildung. Schule mit Musikrichtung (und mit optionalem Erlernen von Musikinstrumenten) oder 7-jährige Musik. eine Schule, in der Kinder lernen, während sie den allgemeinbildenden Unterricht besuchen. Schule; der nächste schritt ist ein 4-jähriger sekundärprof. eine Schule (mit angeschlossenem allgemeinbildenden Gymnasium) und für diejenigen, die nicht Musiker werden wollen, eine 5-jährige allgemeinbildende Musikschule; Gymnasium für Musik. sie verklagen. F. Liszt (Budapest) mit einem 5-jährigen Studiengang, in dem Musiker in allen Fachrichtungen, inkl. Musikwissenschaftler (die Abteilung für Musikwissenschaft wurde 1951 gegründet) und Musiklehrer für den Anfang. Schulen (an einer speziellen Abteilung; Studium für 3 Jahre).

In der Tschechoslowakei höhere Musen. und musikpädagogisch. uch. es gibt Institutionen in Prag, Brünn und Bratislava; es gibt Konservatorien (höhere musikalische Bildungseinrichtungen) und in einigen anderen Städten. Eine wichtige Rolle in der Musikpädagogik. Leben des Landes und in der Entwicklung musikalischer Methoden. Lernen, Chesh zu spielen. und Slowakisch. music about-va, die Lehrer-Musiker verschiedener Fachrichtungen vereint.

In der DDR gibt es Musikhochschulen. Prozesse in Berlin, Dresden, Leipzig und Weimar; Schulen in Berlin und Dresden beinhalten spezialisierte Musik. Schule, Konservatorium (sekundäre Musikeinrichtung) und eigentliche Hochschulbildung. Institution. An der Höheren Musikschule in Berlin war bis 1963 die Arbeiter-Bauern-Fakultät tätig.

In Polen – 7 höhere Musen. uch. Institutionen – in Warschau, Danzig, Kattowitz, Krakau, Lodz, Posen und Breslau. Sie bereiten Musiker auf Dekomposition vor. Berufe, inkl. und Toningenieure (Sonderabteilung der Musikhochschule Warschau). Spezialisten für Musikgeschichte, Musik. Ästhetik und Ethnographie wird vom Warschauer Institut für Musikwissenschaft vorbereitet.

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