Charles Gounod |

Charles Gounod

Gounod. Faust. „Le veau dor“ (F. Chaliapin)

Kunst ist ein denkendes Herz. Sch. Gono

C. Gounod, der Autor der weltberühmten Oper Faust, nimmt einen der ehrenhaftesten Plätze unter den Komponisten des XNUMX. Jahrhunderts ein. Er ging als einer der Begründer einer neuen Richtung in der Operngattung in die Musikgeschichte ein, die später den Namen „Lyrische Oper“ erhielt. In welchem ​​Genre auch immer der Komponist arbeitete, er bevorzugte immer die melodische Entwicklung. Er glaubte, dass die Melodie immer der reinste Ausdruck des menschlichen Denkens sein würde. Der Einfluss von Gounod beeinflusste die Arbeit der Komponisten J. Bizet und J. Massenet.

In der Musik erobert Gounod ausnahmslos die Lyrik; in der oper agiert der musiker als meister musikalischer porträts und sensibler künstler, der die wahrheit von lebenssituationen vermittelt. In seinem Vortragsstil koexistieren Aufrichtigkeit und Schlichtheit stets mit höchstem kompositorischem Können. Wegen dieser Qualitäten schätzte P. Tschaikowsky die Musik des französischen Komponisten, der 1892 sogar die Oper Faust am Prjanischnikow-Theater dirigierte. Gounod sei „einer der wenigen, die in unserer Zeit nicht nach vorgefassten Theorien schreiben , sondern durch das Einflößen von Gefühlen.“

Gounod ist besser als Opernkomponist bekannt, er besitzt 12 Opern, außerdem schuf er Chorwerke (Oratorien, Messen, Kantaten), 2 Symphonien, Instrumentalensembles, Klavierstücke, mehr als 140 Romanzen und Lieder, Duette, Musik für das Theater .

Gounod wurde in eine Künstlerfamilie hineingeboren. Bereits in der Kindheit manifestierten sich seine Fähigkeiten zum Zeichnen und Musizieren. Nach dem Tod seines Vaters kümmerte sich seine Mutter um die Ausbildung seines Sohnes (einschließlich Musik). Gounod studierte Musiktheorie bei A. Reicha. Der erste Eindruck des Opernhauses, in dem G. Rossinis Oper Otello zu Gast war, bestimmte die Berufswahl. Die Mutter, die von der Entscheidung ihres Sohnes erfahren hatte und die Schwierigkeiten auf dem Weg des Künstlers erkannte, versuchte jedoch, Widerstand zu leisten.

Der Direktor des Lyzeums, an dem Gounod studierte, versprach ihr zu helfen, ihren Sohn vor diesem leichtsinnigen Schritt zu warnen. Während einer Unterrichtspause rief er Gounod an und gab ihm einen Zettel mit einem lateinischen Text. Es war der Text einer Romanze aus E. Meguls Oper. Natürlich kannte Gounod diese Arbeit noch nicht. „Bis zum nächsten Wechsel war die Romanze geschrieben …“, erinnerte sich der Musiker. „Ich hatte kaum die Hälfte der ersten Strophe gesungen, als sich das Gesicht meines Richters aufhellte. Als ich fertig war, sagte der Direktor: „Nun, jetzt lass uns ans Klavier gehen.“ Ich habe gesiegt! Jetzt bin ich voll ausgestattet. Ich verlor wieder meine Komposition und besiegte Mr. Poirson unter Tränen, packte mich am Kopf, küsste mich und sagte: „Mein Kind, sei ein Musiker!“ Gounods Lehrer am Pariser Konservatorium waren die großen Musiker F. Halévy, J. Lesueur und F. Paer. Erst nach dem dritten Versuch 1839 wurde Gounod Inhaber des Großen Römischen Preises für die Kantate Fernand.

Die Frühzeit des Schaffens ist geprägt von der Dominanz geistiger Werke. 1843-48. Gounod war Organist und Chorleiter der Church of Foreign Missions in Paris. Er beabsichtigte sogar, die Priesterweihe zu nehmen, aber in den späten 40er Jahren. kehrt nach langem Zögern zur Kunst zurück. Seit dieser Zeit hat sich das Operngenre zum führenden Genre in Gounods Schaffen entwickelt.

Die erste Oper Sappho (Libre von E. Ogier) wurde am 16. August 1851 in Paris an der Grand Opera aufgeführt. Der Hauptteil wurde speziell für Pauline Viardot geschrieben. Die Oper blieb jedoch nicht im Theaterrepertoire und wurde nach der siebten Aufführung zurückgezogen. G. Berlioz gab in der Presse eine vernichtende Rezension dieser Arbeit.

In den folgenden Jahren schrieb Gounod die Opern The Bloody Nun (1854), The Reluctant Doctor (1858), Faust (1859). In „Faust“ von IV Goethe wurde Gounods Aufmerksamkeit auf die Handlung aus dem ersten Teil des Dramas gelenkt.

In der Erstausgabe hatte die Oper, die für die Aufführung im Théâtre Lyrique in Paris vorgesehen war, umgangssprachliche Rezitative und Dialoge. Erst 1869 wurden sie für eine Aufführung an der Grand Opera vertont und auch das Ballett Walpurgisnacht eingefügt. Trotz des grandiosen Erfolgs der Oper in den Folgejahren werfen Kritiker dem Komponisten immer wieder vor, den Umfang der literarischen und poetischen Quelle zu verengen und sich auf eine lyrische Episode aus dem Leben von Faust und Margarita zu konzentrieren.

Nach Faust erschienen Philemon und Baucis (1860), deren Handlung Ovids Metamorphosen entlehnt war; „Die Königin von Saba“ (1862) nach dem arabischen Märchen von J. de Nerval; Mireil (1864) und die komische Oper The Dove (1860), die dem Komponisten keinen Erfolg brachten. Interessanterweise war Gounod skeptisch gegenüber seinen Kreationen.

Der zweite Höhepunkt von Gounods Opernwerk war die Oper Romeo und Julia (1867) (nach W. Shakespeare). Der Komponist arbeitete mit großem Enthusiasmus daran. „Ich sehe beide deutlich vor mir: ich höre sie; aber sah ich gut genug? Stimmt es, habe ich die beiden Liebenden richtig gehört? schrieb der Komponist an seine Frau. Romeo und Julia wurde 1867 im Jahr der Weltausstellung in Paris auf der Bühne des Theatre Lyrique aufgeführt. Es ist bemerkenswert, dass es in Russland (in Moskau) 3 Jahre später von den Künstlern der italienischen Truppe aufgeführt wurde, die Rolle der Julia wurde von Desiree Artaud gesungen.

Die nach Romeo und Julia geschriebenen Opern The Fifth of March, Polievkt und Zamora's Tribute (1881) waren nicht sehr erfolgreich. Die letzten Lebensjahre des Komponisten waren wieder von geistlichen Empfindungen geprägt. Er wandte sich den Gattungen der Chormusik zu – er schuf das grandiose Gemälde „Atonement“ (1882) und das Oratorium „Death and Life“ (1886), in dessen Komposition das Requiem als integraler Bestandteil enthalten war.

Im Nachlass von Gounod gibt es 2 Werke, die unser Verständnis für das Talent des Komponisten gewissermaßen erweitern und von seinen herausragenden literarischen Fähigkeiten zeugen. Eines davon ist der Oper „Don Giovanni“ von WA Mozart gewidmet, das andere sind Memoiren „Memoirs of an Artist“, in denen sich neue Facetten von Gounods Charakter und Persönlichkeit offenbarten.

L. Kozhevnikova

Mit dem Namen Gounod ist eine bedeutende Epoche der französischen Musik verbunden. Ohne direkte Schüler zu hinterlassen – Gounod war nicht in der Pädagogik tätig – hatte er großen Einfluss auf seine jüngeren Zeitgenossen. Sie wirkte sich vor allem auf die Entwicklung des Musiktheaters aus.

Als die „Große Oper“ in den 50er Jahren in eine Krise geriet und sich selbst zu überleben begann, entstanden neue Strömungen im Musiktheater. Das romantische Bild der übertriebenen, übertriebenen Gefühle einer außergewöhnlichen Persönlichkeit wurde durch das Interesse am Leben eines gewöhnlichen, gewöhnlichen Menschen, am Leben um ihn herum, im Bereich der intimen intimen Gefühle ersetzt. Auf dem Gebiet der musikalischen Sprache war dies geprägt von der Suche nach der Einfachheit des Lebens, der Aufrichtigkeit, der Wärme des Ausdrucks, der Lyrik. Daher die breitere Anziehungskraft als zuvor auf die demokratischen Genres Lied, Romantik, Tanz, Marsch, auf das moderne System alltäglicher Intonationen. So wirkten sich die verstärkten realistischen Tendenzen in der zeitgenössischen französischen Kunst aus.

Die Suche nach neuen Prinzipien musikalischer Dramaturgie und neuen Ausdrucksmitteln wurde in einigen lyrisch-komödiantischen Opern von Boildieu, Herold und Halévy skizziert. Diese Trends manifestierten sich jedoch erst Ende der 50er und in den 60er Jahren vollständig. Hier ist eine Liste der berühmtesten Werke, die vor den 70er Jahren entstanden sind und als Beispiele für das neue Genre der „lyrischen Oper“ dienen können (die Daten der Uraufführungen dieser Werke sind angegeben):

1859 – „Faust“ von Gounod, 1863 – „Perlensucher“ Bizet, 1864 – „Mireille“ Gounod, 1866 – „Minion“ Thomas, 1867 – „Romeo und Julia“ Gounod, 1867 – „Beauty of Perth“ Bizet, 1868 – „Hamlet“ von Tom.

Mit gewissen Einschränkungen können Meyerbeers letzte Opern Dinora (1859) und The African Woman (1865) diesem Genre zugerechnet werden.

Trotz der Unterschiede haben die aufgeführten Opern eine Reihe gemeinsamer Merkmale. In der Mitte ist ein Bild eines persönlichen Dramas zu sehen. Der Darstellung lyrischer Empfindungen wird vorrangige Aufmerksamkeit geschenkt; Für ihre Übertragung wenden sich Komponisten häufig dem romantischen Element zu. Auch die Charakterisierung der realen Situation der Handlung ist von großer Bedeutung, weshalb die Rolle von Gattungsgenerierungstechniken zunimmt.

Bei aller grundlegenden Bedeutung dieser neuen Eroberungen fehlte der Lyrischen Oper als einem bestimmten Genre des französischen Musiktheaters des XNUMX. Jahrhunderts die Breite ihres ideologischen und künstlerischen Horizonts. Der philosophische Inhalt von Goethes Romanen oder Shakespeares Tragödien erschien „reduziert“ auf der Bühne des Theaters und bekam ein alltagstaugliches, unprätentiöses Erscheinungsbild – klassischen Werken der Literatur wurde der große verallgemeinernde Gedanke, die Schärfe des Ausdrucks von Lebenskonflikten und eine echte Reichweite genommen Leidenschaften. Denn die lyrischen Opern markierten größtenteils eher die Annäherungen an den Realismus, als dass sie seinen vollblütigen Ausdruck gaben. Ihre unbestrittene Leistung war jedoch Demokratisierung der Musiksprache.

Gounod war der erste unter seinen Zeitgenossen, dem es gelang, diese positiven Eigenschaften der lyrischen Oper zu festigen. Darin liegt die bleibende historische Bedeutung seines Werkes. Indem er Lager und Charakter der Musik des urbanen Lebens einfühlsam erfasste – nicht umsonst leitete er acht Jahre lang (1852-1860) die Pariser „Orpheonisten“ – entdeckte Gounod neue Mittel musikalischer und dramatischer Ausdruckskraft, die den Anforderungen gerecht wurden die Zeit. Er entdeckte in der französischen Opern- und Liebesmusik die reichhaltigsten Möglichkeiten „geselliger“ Texte, direkt und impulsiv, durchdrungen von demokratischen Gefühlen. Tschaikowsky bemerkte zu Recht, dass Gounod „einer der wenigen Komponisten ist, die in unserer Zeit nicht aus vorgefassten Theorien heraus schreiben, sondern aus dem Einflößen von Gefühlen“. In den Jahren, als sein großes Talent aufblühte, also ab der zweiten Hälfte der 50er und in den 60er Jahren, nahmen die Brüder Goncourt einen herausragenden Platz in der Literatur ein, die sich als Begründer einer neuen künstlerischen Schule betrachteten – sie nannten sie die „ Schule der nervösen Sensibilität.“ Gounod kann teilweise darin enthalten sein.

„Sensibilität“ ist jedoch nicht nur eine Quelle der Stärke, sondern auch von Gounods Schwäche. Er reagierte nervös auf Lebenseindrücke, erlag leicht verschiedenen ideologischen Einflüssen, war als Mensch und Künstler instabil. Sein Wesen ist voller Widersprüche: Entweder beugte er sich demütig vor der Religion und wollte 1847-1848 sogar Abt werden, oder er gab sich ganz den irdischen Leidenschaften hin. 1857 stand Gounod am Rande einer schweren Geisteskrankheit, aber in den 60er Jahren arbeitete er viel und produktiv. In den nächsten zwei Jahrzehnten geriet er erneut unter den starken Einfluss klerikaler Ideen und versäumte es, mit fortschrittlichen Traditionen Schritt zu halten.

Gounod ist in seinen kreativen Positionen instabil – dies erklärt die Ungleichmäßigkeit seiner künstlerischen Leistungen. Er schätzte vor allem die Eleganz und Flexibilität des Ausdrucks und schuf eine lebendige Musik, die den Wandel der Geisteszustände sensibel widerspiegelt, voller Anmut und sinnlichem Charme. Aber oft zeigt die realistische Stärke und Vollständigkeit des Ausdrucks die Widersprüche des Lebens, dh das, was charakteristisch ist Genie Bizet, nicht genug Talent Gounod. Züge sentimentaler Sensibilität drangen manchmal in die Musik des letzteren ein, und melodische Freundlichkeit ersetzte die Tiefe des Inhalts.

Nachdem Gounod Quellen lyrischer Inspiration entdeckt hatte, die zuvor in der französischen Musik nicht erforscht worden waren, tat er viel für die russische Kunst, und seine Oper Faust konnte sich in ihrer Popularität mit der höchsten Schöpfung des französischen Musiktheaters des XNUMX. Jahrhunderts messen – Bizets Carmen. Bereits mit diesem Werk schrieb Gounod seinen Namen in die Geschichte nicht nur der französischen, sondern auch der weltweiten Musikkultur ein.

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Charles Gounod, Autor von zwölf Opern, über hundert Romanzen, einer großen Anzahl geistlicher Kompositionen, mit denen er seine Karriere begann und beendete, einer Reihe von Instrumentalwerken (darunter drei Symphonien, die letzte für Blasinstrumente), wurde Charles Gounod am 17. Juni geboren , 1818. Sein Vater war Künstler, seine Mutter eine ausgezeichnete Musikerin. Die Lebensweise der Familie, ihre breiten künstlerischen Interessen brachten die künstlerischen Neigungen von Gounod hervor. Eine vielseitige Kompositionstechnik erwarb er sich bei einer Reihe von Lehrern mit unterschiedlichen gestalterischen Ambitionen (Antonin Reicha, Jean-Francois Lesueur, Fromental Halévy). Als Preisträger des Pariser Konservatoriums (er wurde Student im Alter von siebzehn Jahren) verbrachte Gounod 1839-1842 in Italien, dann – kurzzeitig – in Wien und Deutschland. Malerische Eindrücke aus Italien waren stark, aber Gounod wurde von zeitgenössischer italienischer Musik desillusioniert. Doch er geriet in den Bann von Schumann und Mendelssohn, deren Einfluss an ihm nicht spurlos vorüberging.

Seit Anfang der 50er Jahre ist Gounod im Pariser Musikleben aktiver geworden. Seine erste Oper Sappho wurde 1851 uraufgeführt; gefolgt von der Oper The Bloodied Nun im Jahr 1854. Beide Werke, die an der Grand Opera aufgeführt werden, sind von Unebenheiten, Melodrama und sogar Anmaßung im Stil gekennzeichnet. Sie waren nicht erfolgreich. Viel wärmer war der „Doktor unfreiwillig“ (nach Molière), der 1858 im „Lyrischen Theater“ gezeigt wurde: Die komische Handlung, die reale Kulisse der Handlung, die Lebendigkeit der Charaktere erweckten neue Seiten von Gounods Talent. Sie zeigten sich im nächsten Werk in voller Kraft. Es war Faust, der 1859 im selben Theater aufgeführt wurde. Es dauerte einige Zeit, bis sich das Publikum in die Oper verliebte und ihren innovativen Charakter erkannte. Nur zehn Jahre später stieg sie in die Grand Orera ein, und die ursprünglichen Dialoge wurden durch Rezitative ersetzt und Ballettszenen wurden hinzugefügt. 1887 fand hier die fünfhundertste Aufführung des Faust statt, 1894 wurde die tausendste Aufführung gefeiert (1932 die zweitausendste). (Die erste Produktion von Faust in Russland fand 1869 statt.)

Nach diesem meisterhaft geschriebenen Werk komponierte Gounod Anfang der 60er Jahre zwei mittelmäßige komische Opern sowie The Queen of Sheba, getragen im Geiste der Scribe-Meyerbeer-Dramaturgie. Gounod wandte sich dann 1863 dem Gedicht des provenzalischen Dichters Frédéric Mistral „Mireil“ zu und schuf ein Werk, dessen viele Seiten ausdrucksstark sind und durch subtile Lyrik bestechen. Bilder der Natur und des ländlichen Lebens in Südfrankreich fanden eine poetische Verkörperung in der Musik (siehe Chöre der Akte I oder IV). Der Komponist reproduziert authentische provenzalische Melodien in seiner Partitur; ein Beispiel ist das alte Liebeslied „Oh, Magali“, das in der Dramaturgie der Oper eine wichtige Rolle spielt. Warm umrissen ist auch das zentrale Bild des Bauernmädchens Mireil, das im Kampf ums Glück mit ihrer Geliebten stirbt. Dennoch ist Gounods Musik, in der es mehr Anmut als saftige Fülle gibt, an Realismus und Brillanz Bizets Arlesian unterlegen, wo die Atmosphäre der Provence mit erstaunlicher Perfektion vermittelt wird.

Gounods letzte bedeutende künstlerische Leistung ist die Oper Romeo und Julia. Seine Uraufführung fand 1867 statt und war von großem Erfolg geprägt – innerhalb von zwei Jahren fanden XNUMX Aufführungen statt. Obwohl Tragödie Shakespeare wird hier im Geist interpretiert lyrisches Drama, die besten Nummern der Oper – und dazu gehören die vier Duette der Hauptfiguren (auf dem Ball, auf dem Balkon, in Julias Schlafzimmer und in der Krypta), Julias Walzer, Romeos Cavatine – haben diese emotionale Unmittelbarkeit, Wahrhaftigkeit des Rezitierens und melodische Schönheit, die für den individuellen Stil Gounod charakteristisch sind.

Die danach entstandenen musikalischen und theatralischen Werke sind bezeichnend für die einsetzende ideologische und künstlerische Krise im Schaffen des Komponisten, die mit der Stärkung klerikaler Elemente in seinem Weltbild einhergeht. In den letzten zwölf Jahren seines Lebens schrieb Gounod keine Opern. Er starb am 18. Oktober 1893.

Somit war „Faust“ seine beste Kreation. Dies ist ein klassisches Beispiel französischer Lyrischer Oper mit all ihren Vorzügen und einigen ihrer Mängel.

M. Druskin

Essays

Opern (insgesamt 12) (Datum steht in Klammern)

Sappho, Libretto von Ogier (1851, Neuauflagen – 1858, 1881) The Bloodied Nun, Libretto von Scribe und Delavigne (1854) The Unwitting Doctor, Libretto von Barbier und Carré (1858) Faust, Libretto von Barbier und Carré (1859, neu Ausgabe – 1869) Die Taube, Libretto von Barbier und Carré (1860) Philemon und Baucis, Libretto von Barbier und Carré (1860, Neuauflage – 1876) „Die Kaiserin von Savskaya“, Libretto von Barbier und Carré (1862) Mireille, Libretto von Barbier und Carré (1864, Neuauflage – 1874) Romeo und Julia, Libretto von Barbier und Carré (1867, Neuauflage – 1888) Saint-Map, Libretto von Barbier und Carré (1877) Polyeuct, Libretto von Barbier und Carré (1878 ) „Der Tag von Zamora“, Libretto von Barbier und Carré (1881)

Musik im Schauspieltheater Chöre zu Ponsards Tragödie „Odysseus“ (1852) Musik zu Legouwes Drama „Zwei Königinnen von Frankreich“ (1872) Musik zu Barbiers Schauspiel Jeanne d’Arc (1873)

Spirituelle Schriften 14 Messen, 3 Requiems, „Stabat mater“, „Te Deum“, eine Reihe von Oratorien (darunter – „Atonement“, 1881; „Death and Life“, 1884), 50 geistliche Lieder, über 150 Choräle und andere

Vokalmusik Mehr als 100 Romanzen und Lieder (die besten wurden in 4 Sammlungen mit je 20 Romanzen veröffentlicht), Gesangsduette, viele 4-stimmige Männerchöre (für „Orpheonisten“), Kantate „Gallia“ und andere

Symphonische Werke Erste Symphonie in D-Dur (1851) Zweite Symphonie Es-dur (1855) Kleine Symphonie für Blasinstrumente (1888) und andere

Außerdem eine Reihe von Stücken für Klavier und andere Soloinstrumente, Kammerensembles

Literarische Schriften „Erinnerungen eines Künstlers“ (posthum veröffentlicht), eine Reihe von Artikeln