Artur Schnabel |

Arthur Schnabel

Unser Jahrhundert markierte den größten Meilenstein in der Geschichte der darstellenden Künste: Die Erfindung der Tonaufnahme veränderte die Vorstellung von Darstellern radikal und machte es möglich, jede Interpretation zu „verdinglichen“ und für immer zu prägen, wodurch sie nicht nur Eigentum von Zeitgenossen wurde, sondern auch künftige Generationen. Aber gleichzeitig ließ die Tonaufnahme mit neuer Kraft und Klarheit spüren, wie genau Aufführung, Interpretation als Form künstlerischen Schaffens der Zeit unterworfen sind: Was einst wie eine Offenbarung schien, wächst unaufhaltsam mit den Jahren alt; Was Freude bereitete, hinterlässt manchmal nur Verwirrung. Das passiert oft, aber es gibt Ausnahmen – Künstler, deren Kunst so stark und perfekt ist, dass sie keiner „Korrosion“ unterliegt. Artur Schnabel war so ein Künstler. Sein Spiel, in Aufnahmen auf Schallplatten überliefert, hinterlässt heute einen fast ebenso starken und tiefen Eindruck wie in jenen Jahren, als er auf der Konzertbühne auftrat.

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Arthur Schnabel blieb über viele Jahrzehnte eine Art Maßstab – ein Maßstab von Noblesse und klassischer Reinheit in Stil, Inhalt und hoher Spiritualität der Aufführung, besonders wenn es um die Interpretation der Musik von Beethoven und Schubert ging; In der Interpretation von Mozart oder Brahms konnten sich jedoch nur wenige mit ihm messen.

Denjenigen, die ihn nur aus Notizen kannten – und das sind heute natürlich die meisten – erschien Schnabel als eine monumentale, titanische Gestalt. Inzwischen war er im wirklichen Leben ein kleiner Mann mit der gleichen Zigarre im Mund, und nur sein Kopf und seine Hände waren unverhältnismäßig groß. Überhaupt entsprach er überhaupt nicht der eingefleischten Vorstellung vom „Popstar“: nichts Äußerliches in der Spielweise, keine unnötigen Bewegungen, Gesten, Posen. Und doch, als er sich ans Instrument setzte und die ersten Akkorde annahm, stellte sich im Saal eine verborgene Stille ein. Seine Figur und sein Spiel versprühten jenen einzigartigen, besonderen Charme, der ihn schon zu Lebzeiten zu einer legendären Persönlichkeit machte. Diese Legendenhaftigkeit wird immer noch durch „materielle Beweise“ in Form vieler Schallplatten gestützt, sie wird wahrheitsgemäß in seinen Memoiren „Mein Leben und Musik“ festgehalten; Sein Heiligenschein wird weiterhin von Dutzenden von Studenten unterstützt, die immer noch führende Positionen am Horizont des weltweiten Pianismus einnehmen. Ja, Schnabel kann in vielerlei Hinsicht als Schöpfer eines neuen, modernen Pianismus gelten – nicht nur, weil er eine wunderbare pianistische Schule geschaffen hat, sondern auch, weil seine Kunst, wie die Kunst Rachmaninoffs, ihrer Zeit voraus war …

Schnabel absorbierte, synthetisierte und entwickelte in seiner Kunst sozusagen die besten Merkmale des Pianismus des XNUMX. Jahrhunderts – heroische Monumentalität, Weite des Umfangs – Merkmale, die ihn den besten Vertretern der russischen pianistischen Tradition näher bringen. Es sollte nicht vergessen werden, dass er vor seinem Eintritt in die Klasse von T. Leshetitsky in Wien lange Zeit unter der Leitung seiner Frau, der hervorragenden russischen Pianistin A. Esipova, studierte. In ihrem Haus sah er viele große Musiker, darunter Anton Rubinstein, Brahms. Mit zwölf Jahren war der Junge bereits ein vollendeter Künstler, in dessen Spiel die Aufmerksamkeit vor allem auf die für ein kleines Wunderkind so ungewöhnliche intellektuelle Tiefe gelenkt wurde. Es genügt zu sagen, dass sein Repertoire Sonaten von Schubert und Kompositionen von Brahms umfasste, die sich selbst erfahrene Künstler selten zu spielen trauen. Auch der Satz, den Leshetitsky dem jungen Schnabel sagte, ging in die Legende ein: „Du wirst nie Pianist sein. Bist du ein Musiker!". Ein „Virtuose“ wurde Schnabel zwar nicht, aber sein musikalisches Talent offenbarte sich im vollen Umfang der Namen, allerdings auf dem Gebiet des Pianoforte.

Schnabel debütierte 1893, graduierte 1897 am Konservatorium, als sein Name bereits weithin bekannt war. Seine Ausbildung wurde durch seine Leidenschaft für Kammermusik sehr erleichtert. Um die Jahrhundertwende 1919 gründete er das Schnabel Trio, dem auch der Geiger A. Wittenberg und der Cellist A. Hecking angehörten; später spielte er viel mit dem Geiger K. Flesch; unter seinen Partnern war die Sängerin Teresa Behr, die die Frau des Musikers wurde. Gleichzeitig erlangte Schnabel Autorität als Lehrer; 1925 wurde ihm der Titel eines Honorarprofessors am Berliner Konservatorium verliehen, und ab 20 unterrichtete er die Klavierklasse an der Berliner Hochschule für Musik. Gleichzeitig hatte Schnabel als Solist einige Jahre lang keinen großen Erfolg. Anfang der 1927er Jahre musste er in Europa, mehr noch in Amerika, manchmal in halbleeren Sälen auftreten; Offenbar war die Zeit für eine würdige Einschätzung des Künstlers damals noch nicht gekommen. Aber allmählich beginnt sein Ruhm zu wachsen. Im Jahr 100 feierte er den 32. Todestag seines Idols Beethoven, indem er zum ersten Mal alle seine Sonaten von 1928 in einem Zyklus aufführte, und einige Jahre später war er der erste in der Geschichte, der sie alle auf Schallplatten aufnahm – bei damals eine beispiellose Arbeit, die vier Jahre in Anspruch nahm! 100 spielte er zum 1924. Todestag Schuberts einen Zyklus, der fast alle seine Klavierkompositionen umfasste. Danach kam ihm endlich allgemeine Anerkennung. Dieser Künstler wurde in unserem Land (wo er von 1935 bis XNUMX wiederholt mit großem Erfolg Konzerte gab) besonders hoch geschätzt, weil sowjetische Musikliebhaber immer an erster Stelle standen und vor allem den Reichtum der Kunst schätzten. Er trat auch gerne in der UdSSR auf und bemerkte die „große Musikkultur und die Liebe der breiten Massen zur Musik“ in unserem Land.

Nach der Machtübernahme der Nazis verließ Schnabel endgültig Deutschland, lebte einige Zeit in Italien, dann in London und zog bald auf Einladung von S. Koussevitzky in die Vereinigten Staaten, wo er schnell allgemeine Liebe fand. Dort lebte er bis zum Ende seiner Tage. Der Musiker starb unerwartet am Vorabend des Starts einer weiteren großen Konzerttournee.

Schnabels Repertoire war groß, aber nicht grenzenlos. Die Studenten erinnerten sich, dass ihr Mentor im Unterricht fast die gesamte Klavierliteratur auswendig spielte, und in seinen frühen Jahren konnte man in seinen Programmen die Namen von Romantikern treffen – Liszt, Chopin, Schumann. Doch als erwachsen geworden war, beschränkte sich Schnabel bewusst und brachte dem Publikum nur das näher, was ihm besonders am Herzen lag – Beethoven, Mozart, Schubert, Brahms. Er selbst begründete dies ohne Koketterie: „Ich habe es als Ehre empfunden, mich auf eine Hochgebirgsregion zu beschränken, wo sich hinter jedem erklommenen Gipfel immer wieder neue auftun.“

Schnabels Ruhm war groß. Dennoch konnten die Eiferer der Klaviervirtuosität den Erfolg des Künstlers nicht immer akzeptieren und sich damit abfinden. Sie notierten nicht ohne Bosheit jeden „Schlag“, jede sichtbare Anstrengung, die sie aufwendeten, um die Schwierigkeiten zu überwinden, die durch die Appassionata, die Konzerte oder Beethovens späten Sonaten aufgeworfen wurden. Ihm wurde auch übermäßige Vorsicht und Trockenheit vorgeworfen. Ja, er hatte nie die phänomenalen Daten von Backhouse oder Levin, aber keine technischen Herausforderungen waren für ihn unüberwindbar. „Es ist absolut sicher, dass Schnabel die virtuose Technik nie gemeistert hat. Er wollte sie nie haben; er brauchte es nicht, denn in seinen besten Jahren gab es wenig, was er gerne hätte, aber nicht tun konnte “, schrieb A. Chesins. Seine Virtuosität reichte völlig aus für die letzte Schallplatte, die kurz vor seinem Tod 1950 entstand und seine Interpretation von Schuberts Impromptu darstellte. Es war anders – Schnabel blieb in erster Linie Musiker. Die Hauptsache in seinem Spiel war ein unverwechselbares Stilgefühl, philosophische Konzentration, Ausdruckskraft der Phrase, Standhaftigkeit. Diese Qualitäten bestimmten sein Tempo, seinen Rhythmus – immer akkurat, aber nicht „metro-rhythmisch“, sein Aufführungskonzept als Ganzes. Chasins fährt fort: „Schnabels Spiel hatte zwei Hauptqualitäten. Sie war immer hervorragend intelligent und unaufdringlich ausdrucksstark. Schnabel-Konzerte waren anders als alle anderen. Er ließ uns die Künstler vergessen, die Bühne, das Klavier. Er zwang uns, uns ganz der Musik hinzugeben, sein eigenes Eintauchen zu teilen.

Aber trotz alledem war Schnabel in langsamen Passagen, in „einfacher“ Musik wirklich unübertroffen: Er verstand es wie wenige Menschen, einer einfachen Melodie Bedeutung einzuhauchen, einen Satz mit großer Bedeutung auszusprechen. Bemerkenswert sind seine Worte: „Kinder dürfen Mozart spielen, weil Mozart relativ wenige Töne hat; Erwachsene vermeiden es, Mozart zu spielen, weil jede Note zu viel kostet.“

Die Wirkung von Schnabels Spiel wurde durch seinen Sound stark verstärkt. Bei Bedarf war es weich, samtig, aber wenn es die Umstände erforderten, erschien ein stählerner Schirm darin; zugleich war ihm harsch oder grobheit fremd, und jede dynamische abstufung unterlag den anforderungen der musik, ihrer bedeutung, ihrer entwicklung.

Der deutsche Kritiker H. Weier-Wage schreibt: „Im Gegensatz zum temperamentvollen Subjektivismus anderer großer Pianisten seiner Zeit (zB d'Albert oder Pembaur, Ney oder Edwin Fischer) wirkte sein Spiel stets zurückhaltend und ruhig . Er ließ seine Gefühle nie entkommen, seine Ausdruckskraft blieb verborgen, manchmal fast kalt und war doch unendlich weit entfernt von reiner „Sachlichkeit“. Seine brillante Technik schien die Ideale nachfolgender Generationen vorauszusehen, blieb aber immer nur Mittel zur Lösung einer hohen künstlerischen Aufgabe.

Artur Schnabels Vermächtnis ist vielfältig. Er arbeitete viel und erfolgreich als Redakteur. 1935 erschien ein grundlegendes Werk aus dem Druck – eine Ausgabe aller Beethoven-Sonaten, in der er die Erfahrungen mehrerer Generationen von Interpreten zusammenfasste und seine eigenen originellen Ansichten zur Interpretation von Beethovens Musik skizzierte.

Das Werk des Komponisten nimmt in Schnabels Biografie einen ganz besonderen Platz ein. Der strenge „Klassiker“ am Klavier und Klassik-Fanatiker war in seiner Musik ein leidenschaftlicher Experimentator. Seine Kompositionen – darunter ein Klavierkonzert, ein Streichquartett, eine Cellosonate und Stücke für Pianoforte – verblüffen mitunter durch sprachliche Vielschichtigkeit, unerwartete Ausflüge ins Atonale.

Und doch sind der Hauptwert in seinem Vermächtnis natürlich Aufzeichnungen. Davon gibt es viele: Konzerte von Beethoven, Brahms, Mozart, Sonaten und Stücke ihrer Lieblingsautoren und vieles mehr, bis hin zu Schuberts Militärmärschen, zu vier Händen mit seinem Sohn Karl Ulrich Schnabel aufgeführt, Dvorak und Schubert-Quintette, eingefangen Zusammenarbeit mit dem Quartett „Yro arte“. Der amerikanische Kritiker D. Harrisoa schrieb über die Aufnahmen, die der Pianist hinterlassen hatte: „Ich kann mich kaum zurückhalten, zu hören, dass Schnabel angeblich an technischen Mängeln litt und sich daher, wie manche sagen, in langsamer Musik wohler fühlte, als schnell. Das ist einfach Unsinn, da der Pianist sein Instrument vollkommen beherrschte und bis auf ein, zwei Ausnahmen Sonaten und Konzerte immer so „umging“, als wären sie extra für seine Finger geschaffen. Tatsächlich werden Streitigkeiten über Schnabels Technik zum Tode verurteilt, und diese Aufzeichnungen bestätigen, dass kein einziger Satz, ob groß oder klein, höher war als sein virtuoser Scharfsinn.

Das Vermächtnis von Artur Schnabel lebt weiter. Im Laufe der Jahre werden immer mehr Aufnahmen aus den Archiven extrahiert und einem breiten Kreis von Musikliebhabern zugänglich gemacht, was das Ausmaß der Kunst des Künstlers bestätigt.

Lit.: Smirnova I. Arthur Schnabel. – L., 1979