Orchester |

aus dem griechischen orxestra – eine runde, später halbkreisförmige Plattform des antiken Theaters, wo in rhythmischen Bewegungen der Chor der Tragödie und der Komödie ihre Partien sang, aus orxeomai – ich tanze

Eine Gruppe von Musikern, die verschiedene Instrumente spielen und zur gemeinsamen Aufführung musikalischer Werke bestimmt sind.

Bis ser. 18. Jahrhundert das Wort „Oh“. in der Antike verstanden. Sinn, in Bezug auf den Aufenthaltsort der Musiker (Walther, Lexikon, 1732). Lediglich im Werk von I. Mattheson „Rediscovered Orchestra“ („Das neu-eröffnete Orchestre“, 1713) wird das Wort „O.“ zusammen mit der alten Bedeutung erhielt eine neue. Modern wurde es erstmals von JJ Rousseau im Dictionary of Music (Dictionnaire de la musique, 1767) definiert.

Es gibt mehrere Klassifikationsprinzipien von O.: Das wichtigste ist die Einteilung von O. nach Instr. Komposition. Unterscheiden Sie zwischen gemischten Kompositionen mit Instrumenten verschiedener Gruppen (sinfonische O., estr. O.) und homogenen (z. B. Streichorchester, Blasorchester, O. Schlaginstrumente). Homogene Kompositionen haben ihre eigenen Unterteilungen: Beispielsweise kann ein Streichinstrument aus Streich- oder Zupfinstrumenten bestehen; In Bläser O. wird eine homogene Komposition unterschieden – eine Kupferkomposition („Gang“) oder gemischt, mit Hinzufügung von Holzbläsern, manchmal Schlagzeug. Dr. das Prinzip der Klassifikation von O. geht von ihrer Berufung in Musen aus. trainieren. Es gibt zum Beispiel eine Militärkapelle, estr. O. Eine besondere Art von O. ist zahlreich vertreten. Nat. Ensembles und O. Nar. Instrumente, sowohl homogen in der Zusammensetzung (domrovy O.) als auch gemischt (insbesondere das neapolitanische Orchester, bestehend aus Mandolinen und Gitarren, Taraf). Einige von ihnen wurden professionell (das Great Russian Orchestra, gegründet von VV Andreev, die O. Usbek Folk Instruments, organisiert von AI Petrosyants, und andere). Für O. nat. Instrumente Afrikas und Indonesiens zeichnen sich zum Beispiel durch Kompositionen mit überwiegendem Schlagzeug aus. Gamelan, O. Trommeln, O. Xylophone. In europäischen Ländern die höchste Form der gemeinsamen Instr. Aufführung wurde symphonisch. O., bestehend aus Streich-, Blas- und Schlaginstrumenten. Alle Streicherstimmen werden in Symphonie ausgeführt. O. von einer ganzen Gruppe (mindestens zwei Musiker); dieses O. weicht von Instr. Ensemble, wo jeder Musiker otd spielt. Party.

Geschichte der Sinfonie. O. stammt aus der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert. Große Werkzeugkollektive gab es schon früher – in der Antike, im Mittelalter, in der Renaissance. Im 15.-16. Jahrhundert. bei Feiern. Fälle wurden gesammelt adv. Ensembles umfasste to-rye alle Instrumentenfamilien: gestrichene und gezupfte Saiten, Holz- und Blechbläser, Keyboards. Doch bis zum 17. es gab keine Ensembles, die regelmäßig auftraten; Die Aufführung von Musik wurde zeitlich auf Feste und andere Veranstaltungen abgestimmt. O.s Auftritt in Modern. Die Bedeutung des Wortes ist mit der Entstehung um die Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert verbunden. neue Genres homophoner Musik, wie Oper, Oratorium, Solo-Wok. Konzert, in dem O. begann, die Funktion der instrumentalen Begleitung von Gesangsstimmen zu übernehmen. Gleichzeitig trugen Kollektive wie O. oft andere Namen. Ja, italienisch. Komponisten con. 16 – bitten. Jahrhundert wurden sie meistens mit den Begriffen „Konzert“ (z. B. „Concerti di voci e di stromenti“ y M. Galliano), „Kapelle“, „Chor“ usw. bezeichnet.

O.s Entwicklung wurde von vielen bestimmt. Material und Kunst. Faktoren. Darunter sind die 3 wichtigsten: die Evolution der Orks. Instrumente (die Erfindung neuer, die Verbesserung alter, das Verschwinden veralteter Instrumente aus der musikalischen Praxis), die Entwicklung von Ork. Darbietung (neue Spielweisen, Standort von Musikern auf der Bühne oder im Ork.-Grube, Management von O.), mit denen die Geschichte der Orks selbst verbunden ist. Kollektive und schließlich eine Veränderung des Orks. Komponisten Geist. So sind in der Geschichte von O. Material und Musikästhetik eng miteinander verwoben. Komponenten. Wenn wir also das Schicksal von O. betrachten, meinen wir nicht so sehr die Geschichte der Instrumentierung oder des Orks. Stile, wie viele materielle Komponenten von O.s Entwicklung. Die Geschichte von O. ist diesbezüglich bedingt in drei Perioden unterteilt: O. von etwa 1600 bis 1750; A. 2. Stock. 18 – bitten. 20. Jahrhundert (etwa vor Beginn des 1. Weltkrieges 1914-18); O. 20. Jahrhundert (nach dem Ersten Weltkrieg).

O. im Zeitraum 17 – 1. Stock. 18. Jahrhundert Von der Renaissance erbte O. eine reiche Instrumentierung in Bezug auf Klangfarbe und Stimmlage. Die wichtigsten Prinzipien der Klassifizierung von Ork. Werkzeuge zu Beginn des 17. Jahrhunderts waren: 1) die Aufteilung der Werkzeuge in physische. die Natur des Klangkörpers in Streichern und Bläsern, vorgeschlagen von A. Agazzari und M. Pretorius; letztere hoben auch Schlagzeug hervor. Allerdings umfasst die Assoziation beispielsweise von Streichern laut Pretorius alle Instrumente „mit gespannten Saiten“, egal wie unterschiedlich sie in Klangfarbe und Klangerzeugung sind – Gamben, Geigen, Leiern, Lauten, Harfen, Trompete, Monochord, Clavichord , Cembalo usw. 2) Trennung von Instrumenten innerhalb des gleichen Typs nach der durch ihre Größe bestimmten Tessitura. So entstanden Familien homogener Instrumente, die meist 4, manchmal mehr Tessitura-Varietäten umfassen, die den menschlichen Stimmen entsprechen (Sopran, Alt, Tenor, Bass). Sie sind in den Instrumententabellen im Teil 2 des „Codex der Musikwissenschaft“ („Syntagma musicum“, Teil II, 1618) dargestellt. Komponisten der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert. Sie hatten daher verzweigte Familien von Streichern, Bläsern und Schlagzeug. Unter den Saitenfamilien sind Gamben (Sopran, Alt, Großbass, Kontrabass; spezielle Sorten – Viol d'amour, Bariton, Viola-Bastard), Leiern (einschließlich da braccio), Violinen (4-saitige Diskant, Tenor, Bass, 3-saitiges Französisch – Pochette, kleiner Diskant eine Quarte höher gestimmt), Lauten (Laute, Theorbe, Archilute usw.). Flöteninstrumente (eine Familie von Längsflöten) waren unter Blasinstrumenten üblich; Instrumente mit Doppelrohrblatt: Flöte (darunter eine Gruppe von Bombarden vom Basspommer bis zur Diskantpfeife), krumme Hörner – Krummhörner; Ansatzinstrumente: Holz- und Knochenzink, Posaunen dekomp. Größen, Rohre; Schlagzeug (Pauken, Glockenspiele usw.). Wok-Instr. Das Denken der Komponisten des 17. Jahrhunderts basierte fest auf dem Tessitura-Prinzip. Alle Stimmen und Instrumente der Diskant-Tessitura sowie die Instrumente der Alt-, Tenor- und Bass-Tessitura wurden unisono kombiniert (ihre Stimmen wurden auf einer Linie aufgenommen).

Das wichtigste Merkmal der Entstehung am Rande des 16.-17. Jahrhunderts. homophonen Stil sowie homophon-polyphon. Briefe (JS Bach, GF Händel und andere Komponisten), wurde Basso Continue (siehe General Bass); in dieser Hinsicht zusammen mit melodischen. Stimmen und Instrumente (Violinen, Bratschen, verschiedene Blasinstrumente) erschienen die sogenannten. Continuo-Gruppe. Seine Zusammensetzung änderte sich, aber seine Funktion (das Aufführen des Basses und der begleitenden polygonalen Harmonie) blieb unverändert. In der Anfangsphase der Entwicklung der Oper (z. B. der italienischen Opernschulen) umfasste die Continuo-Gruppe Orgel, Cembalo, Laute, Theorbe und Harfe; im 2. Stock. Im 17. Jahrhundert wird die Anzahl der darin enthaltenen Werkzeuge stark reduziert. Zu Zeiten von Bach, Händel, französischen Komponisten. Die Klassik beschränkt sich auf ein Tasteninstrument (in der Kirchenmusik – eine Orgel, abwechselnd mit einem Cembalo, in weltlichen Gattungen – ein oder zwei Cembalo, manchmal eine Theorbe in der Oper) und Bässe – ein Cello, ein Kontrabass (Violono), oft a Fagott.

Für O. 1. Stock. 17. Jahrhundert, gekennzeichnet durch Instabilität der Kompositionen, verursacht durch viele Gründe. Eine davon ist die Überarbeitung der Renaissance-Traditionen bei der Auswahl und Gruppierung von Instrumenten. Die Instrumentierung wurde radikal aktualisiert. Sie verließen die Musik. Praktiken von Laute, Gambe, ersetzt durch Violinen – Instrumente mit stärkerem Ton. Die Bombarden wichen schließlich den aus dem Basspommer entwickelten Fagotten und den aus der Diskantpfeife rekonstruierten Oboen; das Zink ist weg. Längsflöten werden durch Querflöten verdrängt, die sie an Schallleistung übertreffen. Die Zahl der Tessitura-Sorten hat abgenommen. Dieser Prozess endete jedoch auch im 18. Jahrhundert nicht; So treten beispielsweise Streicher wie Violino piccolo, Violoncello piccolo, sowie die Laute, Viola da Gamba, Viol d'amour oft im Bach-Orchester auf.

Dr. der grund für die instabilität der kompositionen ist die zufällige auswahl der werkzeuge in der adv. Opernhäuser oder Kathedralen. In der Regel schrieben Komponisten Musik nicht für die allgemein akzeptierte, stabile Komposition, sondern für die Komposition des O. definierten. Theater oder priv. Kapellen. Am Anfang. Jahrhundert auf dem Titelblatt der Partitur oft die Inschrift: „buone da cantare et suonare“ („zum Singen und Spielen geeignet“). Manchmal wurde in der Partitur oder auf dem Titelblatt die Komposition, die in diesem Theater vorhanden war, festgelegt, wie dies bei der Partitur von Monteverdis Oper Orfeo (17) der Fall war, die er für den Hof schrieb. Theater in Mantua.

Wechselnde Werkzeuge verbunden mit neuer Ästhetik. Anfragen, trugen zu der Änderung in internen. Organisationen O. Allmähliche Stabilisierung des Ork. Kompositionen bewegten sich vor allem entlang der Entstehungslinie der Moderne. uns das Konzept des Orks. eine Gruppe, die Instrumente kombiniert, die in Klangfarbe und Dynamik verwandt sind. Eigenschaften. Die Unterscheidung der klanglich homogenen Streichergruppe – Geigen unterschiedlicher Größe – erfolgte vor allem in der Aufführungspraxis (erstmals 1610 in der Pariser Streichoper „24 Violinen des Königs“). 1660-85 wurde die Royal Chapel of Charles II in London nach dem Pariser Modell organisiert – ein Instrument bestehend aus 24 Violinen.

Die Herausbildung der Streichergruppe ohne Gamben und Lauten (Violinen, Bratschen, Celli, Kontrabässe) war die wichtigste Eroberung der Oper des 17. Jahrhunderts, die sich vor allem in der opernhaften Kreativität niederschlug. Purcells Oper Dido and Aeneas (1689) wurde für die gestrichene Harfe mit Continuo geschrieben; die Hinzufügung eines Trios von Blasinstrumenten – Cadmus und Hermine von Lully (1673). Die Holzbläser- und Blechbläsergruppen haben in der barocken Orthodoxie noch keine Gestalt angenommen, obwohl alle wichtigen Holzbläser neben Klarinetten (Flöten, Oboen, Fagotte) bereits in O eingeführt werden. In den Partituren von JB Lully ein Bläsertrio wird oft aufgeführt: 2 Oboen (oder 2 Flöten) und ein Fagott, und in F. Rameaus Opern („Castor und Pollux, 1737) ist eine unvollständige Gruppe von Holzbläsern: Flöten, Oboen, Fagotte. In Bachs Orchester, seine inhärente Anziehungskraft auf die Instrumente des 17. Jahrhunderts. wirkte sich auch auf die Auswahl der Blasinstrumente aus: Die alten Spielarten der Oboe – Oboe d`amore, Oboe da caccia (der Prototyp des modernen Englischhorns) werden in Kombination mit einem Fagott oder mit 2 Flöten und einem Fagott verwendet. Auch Kombinationen von Blechblasinstrumenten entwickeln sich von Ensembles des Renaissance-Typs (z. B. Zink und 3 Posaunen in Scheidts Concertus Sacri) bis hin zu lokalen Blechbläser-Schlagzeug-Gruppen (3 Trompeten und Pauken in Bachs Magnificat, 3 Trompeten mit Pauken und Hörnern in seiner eigenen Kantate). Nr. 205). Menge. O.s Komposition hatte zu diesem Zeitpunkt noch keine Gestalt angenommen. Saiten. Die Gruppe war manchmal klein und unvollständig, während die Auswahl der Blasinstrumente oft zufällig war (siehe Tabelle 1).

Ab dem 1. Stock. Im 18. Jahrhundert wurde eine Teilung durchgeführt. Kompositionen im Zusammenhang mit der gesellschaftlichen Funktion von Musik, dem Ort ihrer Aufführung, dem Publikum. Die Aufteilung der Kompositionen in Kirche, Oper und Konzert war auch mit den Begriffen Kirchen-, Opern- und Kammerstil verbunden. Die Auswahl und Anzahl der Instrumente in den einzelnen Kompositionen schwankte noch stark; dennoch war die Oper Oper (Händels Oratorien wurden auch im Opernhaus aufgeführt) oft bläsergesättigter als die Konzertoper. Im Zusammenhang mit der div. In Handlungssituationen waren neben Streichern, Flöten und Oboen, Trompeten und Pauken häufig Posaunen vorhanden (in der Szene der Hölle in Monteverdis Orpheus wurde ein Ensemble aus Zink und Posaunen verwendet). Gelegentlich wurde eine kleine Flöte eingeführt („Rinaldo“ von Händel); im letzten Drittel des 17. Jahrhunderts. ein Horn erscheint. Zur Kirche. O. zwangsläufig eine Orgel (in der Continuo-Gruppe oder als Konzertinstrument). Zur Kirche. O. in op. Bach, zusammen mit Streichern, Holzbläsern (Flöten, Oboen), manchmal Pfeifen mit Pauken, Hörnern, Posaunen, die die Stimmen des Chores verdoppeln (Kantate Nr. 21), werden oft aufgeführt. Wie in der Kirche, so in der Oper O. Kreaturen. Die Rolle wurde von obligaten (siehe obligaten) Instrumenten gespielt, die den Sologesang begleiteten: Violine, Cello, Flöte, Oboe usw.

Die Konzertkomposition von O. hing ganz von Ort und Art des Musizierens ab. Für Feiern. adv. barocke Zeremonien (Krönung, Hochzeit), in Kathedralen zusammen mit liturgischen. Musik erklang instr. Hofkonzerte und Fanfaren. Musiker.

weltliche priv. Konzerte fanden sowohl im Opernhaus als auch unter freiem Himmel statt – bei Maskeraden, Prozessionen, Feuerwerken, „auf dem Wasser“ sowie in den Sälen von Familienschlössern oder -palästen. Alle diese Arten von Konzerten erforderten Dez. Kompositionen O. und die Anzahl der Interpreten. In „Music for Fireworks“ von Händel, aufgeführt im Londoner Green Park am 27. April 1749, nur Bläser und Schlagzeug (mindestens 56 Instrumente); in der konzertanten Fassung, die einen Monat später im Foundling Hospital aufgeführt wurde, verwendete der Komponist neben 9 Trompeten, 9 Hörnern, 24 Oboen, 12 Fagotten, Schlagzeug auch Streichinstrumente. Bei der Entwicklung der tatsächlichen Konz. O. Die größte Rolle spielten solche Genres der Barockzeit wie Concerto Grosso, Solokonzert, Ork. Suite. Auch hier macht sich die Abhängigkeit des Komponisten von der verfügbaren – meist kleinen – Komposition bemerkbar. Dennoch stellte der Komponist auch in diesem Rahmen oft besondere virtuose und klangliche Aufgaben, die mit dem kammermusikalischen Stil homophon-polyphoner Konzerte verbunden sind. Basis. Dies sind die 6 Brandenburgischen Konzerte von Bach (1721), von denen jedes eine individualisierte Zusammensetzung von Solisten-Interpreten hat, die von Bach genau aufgelistet sind. In einigen Fällen gab der Komponist decomp an. Varianten der Komposition ad libitum (A. Vivaldi).

Kreaturen. Die Struktur des Orchesters der Barockzeit wurde von den stereophonen (im modernen Sinne) Prinzipien der mehrchörigen Musik beeinflusst. Die Idee des räumlichen Nebeneinanderstellens von Klängen wurde im 17. Jahrhundert aufgegriffen. vom Chor. antiphonale Polyphonie des 16. Jahrhunderts. Der Standort mehrerer Chöre. und Instr. Kapellen in den Chören großer Kathedralen erzeugten den Effekt einer räumlichen Aufteilung der Klangfülle. Diese Praxis wurde im Markusdom in Venedig weit verbreitet, wo G. Gabrieli arbeitete, sie war auch G. Schutz, der bei ihm studierte, sowie S. Scheidt und anderen Komponisten vertraut. Eine extreme Manifestation der Tradition des mehrchörigen Wok.-Instr. Der Brief wurde 1628 im Salzburger Dom von O. Benevoli aufgeführt, eine festliche Messe, für die es 8 Chöre brauchte (Zeitgenossen zufolge waren es sogar 12). Die Wirkung des Mehrchorkonzepts spiegelte sich nicht nur in der kultigen Mehrstimmigkeit wider. Musik (Bachs Matthäus-Passion wurde für 2 Chöre und 2 Opern geschrieben), aber auch in weltlichen Genres. Das Prinzip des Concerto grosso ist die Teilung der gesamten Masse der Interpreten in zwei ungleiche Gruppen, die decomp spielen. Funktionen: Concertino – eine Gruppe von Solisten und Concerto grosso (großes Konzert) – eine Begleitgruppe, wurde auch in O. Oratorium, Oper (Händel) verwendet.

Die Disposition der O.-Musiker in der Zeit von 1600 bis 1750 spiegelte alle oben erwähnten Tendenzen wider. Soweit die Diagramme der Theoretiker des 18. Jahrhunderts und die Stiche eine Beurteilung zulassen, unterschied sich der Standort der O.-Musiker deutlich von dem später verwendeten. Unterkunft von Musikern im Opernhaus, konz. Saal oder Dom erforderten individuelle Lösungen. Mittelpunkt der Opernoper war das Chambalo des Kapellmeisters und die daneben befindlichen Saitenbässe – das Cello und der Kontrabass. Rechts vom Kapellmeister waren die Streicher. Instrumente, links – Blasinstrumente (Holzbläser und Hörner), gesammelt in der Nähe des zweiten, begleitenden Cembalo. Auch Streicher befanden sich hier. Bässe, Theorbe, Fagotte, die zusammen mit dem zweiten Cembalo die Continuo-Gruppe bilden.

Standort von Musikern in einem Opernorchester im 18. Jahrhundert. (aus dem Buch: Quantz J., Versuch einer Anweisung, die Flöte traversiere zu spielen, Berlin, S. 134).

In der Tiefe (rechts) konnten Pfeifen und Pauken platziert werden. Bei der Konzertkomposition standen Solisten in der Nähe des Kapellmeisters im Vordergrund, was zur Ausgewogenheit der Klangfülle beitrug. Die Besonderheit einer solchen Sitzordnung war die funktionale Kombination von Instrumenten, die mehrere räumlich getrennte Klangkomplexe bilden: 2 Continuo-Gruppen, eine Concertino-Gruppe in einem Konzert, manchmal in einer Oper, 2 große Kontrastgruppen (Streicher, hölzerne) um 2 Cembalo . Eine solche Struktur erforderte ein mehrstufiges Management. Ein Teil der Darsteller folgte dem begleitenden Chambalo, O. als Ganzes folgte dem Chambalo des Kapellmeisters. Weit verbreitet ist auch die Methode des Vier-Augen-Prinzips (siehe Dirigieren).

A. 2. Stock. 18 – bitten. 20. Jahrhundert O. dieser Zeit, die solche Zersetzung abdeckt. Stilphänomene wie Wiener Klassik, Romantik, Überwindung der Romantik. Trends, Impressionismus und viele einander unterschiedliche, die ihre eigenen hatten. die Entwicklung der nationalen Schulen ist jedoch durch einen einzigen gemeinsamen Prozess gekennzeichnet. Dies ist die Entwicklung von Ork. Apparat, untrennbar verbunden mit einer klaren Aufteilung der Textur vertikal auf der Basis homophoner Obertöne. Denken. Es fand seinen Ausdruck in der funktionalen Struktur des Orks. Stoff (Hervorhebung der Funktionen von Melodie, Bass, anhaltender Harmonie, orc. Pedal, Kontrapunkt, Figuration darin). Die Grundlagen dieses Prozesses werden in der Epoche der Wiener Musen gelegt. Klassiker. Am Ende wurde ein Ork erschaffen. Apparat (sowohl in Bezug auf die Zusammensetzung der Instrumente als auch die interne Funktionsorganisation), der sozusagen zum Ausgangspunkt für die weitere Entwicklung von Romantikern und Komponisten in russischer Sprache wurde. Schulen.

Das wichtigste Reifezeichen ist die homophone Harmonik. Trends in Ork. Musikdenken – Absterben im 3. Quartal. Basso-Continuo-Gruppen des 18. Jahrhunderts Die begleitende Funktion des Cembalo und der Orgel geriet in Konflikt mit der wachsenden Rolle des eigentlichen Orks. Harmonie. Immer mehr außerirdische Orks. Zeitgenossen stellten sich auch die Klangfarbe des Cembalo vor. Dennoch ist in einer neuen Gattung – Sinfonien – ein Tasteninstrument, das die Basso-Continuo-Funktion (Chembalo) ausführt, immer noch recht verbreitet – in einigen Sinfonien der Mannheimer Schule (J. Stamitz, A. Fils, K. Cannabih), in den frühen Jahren Sinfonien von J. Haydn. Zur Kirche. In der Musik überlebte die Basso-Continuo-Funktion bis in die 90er Jahre. 18. Jahrhundert (Mozarts Requiem, Haydns Messen).

Im Werk der Komponisten der Wiener Klassik. Die Schule überdenkt die Aufteilung in Kirchen-, Theater- und Kammermusikkompositionen von O. Von Anfang an. 19. Jahrhundert der Begriff „Kirche O.“ eigentlich in Vergessenheit geraten. Das Wort „Kammer“ fing an, auf Ensembles angewendet zu werden, um Ork zu widersprechen. Leistung. Gleichzeitig wurde die Unterscheidung zwischen Opern- und Konzertensembles der Oper von großer Bedeutung. Die Komposition der Oper O. stammt bereits aus dem 18. Jahrhundert. zeichnet sich durch die Vollständigkeit und Vielfalt der Werkzeuge aus, dann ist die eigentliche Konz. die Komposition sowie die Gattungen der Symphonie und des Solokonzerts selbst steckten noch in den Kinderschuhen und endeten erst mit L. Beethoven.

Parallel zur Erneuerung der Instrumentierung verlief die Kristallisation von O.s Kompositionen. Im 2. Stock. 18. Jahrhundert aufgrund des ästhetischen Wandels. Ideale aus der Musik. Praktiken verschwanden. Instrumente – Theorben, Gamben, Oboen d'amore, Längsflöten. Es wurden neue Instrumente entwickelt, die die Klangfarbe und die Tonleiter von O bereicherten. Die Allgegenwart in der Oper in den 80er Jahren. 18. Jh. erhielt eine von I. Denner entworfene (um 1690) Klarinette. Die Einführung der Klarinette in die Symphonie. O. endete mit dem Anfang. 19. Jahrhundert die Entstehung eines Holzgeistes. Gruppen. Das Bassetthorn (corno di bassetto), eine Altvariante der Klarinette, überlebte eine kurze Blütezeit. Auf der Suche nach einem niedrigen Geist. Basskomponisten wandten sich dem Kontrafagott (Haydns Oratorium) zu.

Im 2. Stock. Noch im 18. Jahrhundert war der Komponist direkt auf die verfügbare Komposition von O angewiesen. Meist die Komposition der Frühklassik. O. 1760-70er Jahre. reduziert auf 2 Oboen, 2 Hörner und Streicher. Es war in Europa nicht vereinheitlicht. O. und die Anzahl der Instrumente in den Saiten. Gruppen. adv. O., in Krom gab es mehr als 12 Saiten. Instrumente, galt als groß. Trotzdem befindet es sich im 2. Stock. 18. Jahrhundert im Zusammenhang mit der Demokratisierung der Musik. Leben wuchs das Bedürfnis nach stabilen Kompositionen von O.. Zu dieser Zeit neue Konstante O., pl. von denen später weithin bekannt wurden: O. „Geistliche Konzerte“ (concert spirituel) in Paris, O. Gewandhaus in Leipzig (1781), O. Ob-va Konzerte des Konservatoriums in Paris (1828). (Siehe Tabelle 2)

In Russland wurden die ersten Schritte zur Gründung von O. erst in der 2. Hälfte unternommen. 17. Jahrhundert 1672, im Zusammenhang mit der Gründung der adv. t-ra nach Moskau wurden ausländische eingeladen. Musiker. Am Anfang. Im 18. Jahrhundert führte Peter I. die Regimentsmusik in Russland ein (siehe Militärmusik). In den 30er Jahren. 18. Jahrhundert mit Russisch Im Hof ​​entwickelt sich das Theater- und Konzertleben. 1731 wurden in St. Petersburg die Staaten des ersten Gerichts gegründet. O., bestehend aus Fremd. Musiker (mit ihm waren russische Studenten). Das Orchester bestand aus Streichern, Flöten, Fagotten, einer Blechbläsergruppe ohne Posaunen, Pauken und Clavi-Cambalos (insgesamt bis zu 40 Personen). 1735 wurde ein Italiener nach St. Petersburg eingeladen. eine Operntruppe unter der Leitung von F. Araya, Russen spielten in O. adv. Musiker. Im 2. Stock. 18. Jahrhundert adv. O. wurde in 2 Gruppen eingeteilt: „Kameramusiker der ersten O.“ (nach den Staaten 1791-47 Personen, Begleiter K. Canobbio) und „die zweiten O. Musiker sind derselbe Ballsaal“ (43 Personen, Begleiter VA Pashkevich). Der erste O. bestand fast ausschließlich aus Ausländern, der zweite – aus Russen. Musiker. Leibeigene waren weit verbreitet; Einige von ihnen waren hochprofessionell. Große Berühmtheit erlangte das Orchester von NP Sheremetev (die Güter Ostankino und Kuskowo, 43 Musiker).

In Symph. die Arbeit von L. Beethoven kristallisierte schließlich die „klassische“ oder „Beethovensche“ Komposition von Symphonien heraus. A: Streicher, paarweise Besetzung von Holzbläsern (2 Flöten, 2 Oboen, 2 Klarinetten, 2 Fagotte), 2 (3 oder 4) Hörner, 2 Trompeten, 2 Pauken (in der 2. Hälfte des 19 Kompositionszeichen O.). Mit der 9. Symphonie (1824) legte Beethoven den Grundstein für eine große (im heutigen Sinne) Sinfonienkomposition. A: Streicher, Holzbläserpaare mit zusätzlichen Instrumenten (2 Flöten und eine kleine Flöte, 2 Oboen, 2 Klarinetten, 2 Fagotte und Kontrafagott), 4 Hörner, 2 Trompeten, 3 Posaunen (erstmals verwendet im Finale der 5. Symphonie), Pauken , Triangel, Becken, große Trommel. Fast gleichzeitig. (1822) 3 Posaunen wurden auch in F. Schuberts „Unvollendete Symphonie“ verwendet. In der Oper Opern des 18. Jahrhunderts. im Zusammenhang mit den Bühnensituationen enthaltene Instrumente, die nicht in der Konz. die Zusammensetzung des Symbols A: Piccolo, Kontrafagott. In der Percussion-Gruppe zusätzlich zu den Pauken rhythmisch tragend. Funktion, tauchte eine beständige Assoziation auf, die am häufigsten in orientalischen Episoden verwendet wird (die sogenannte türkische oder „Janitscharenmusik“): eine große Trommel, Becken, eine Triangel, manchmal eine kleine Trommel („Iphigenie auf Tauris“ von Gluck, „The Entführung aus dem Serail“ von Mozart). In der Abteilung erscheinen in einigen Fällen Glocken (Glöckenspiel, Mozarts Zauberflöte), Tam-Toms (Gossecas Trauermarsch für den Tod von Mirabeau, 1791).

ersten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts. gekennzeichnet durch eine radikale Verbesserung des Geistes. Instrumente, die solche Mängel wie falsche Intonation, Mangel an Chromatik beseitigten. Skalen von Blechblasinstrumenten. Flöte und später andere Holzgeister. die Instrumente waren mit einem Ventilmechanismus ausgestattet (die Erfindung von T. Boehm), Naturhörner und Pfeifen wurden mit einem Ventilmechanismus ausgestattet, der ihre Tonleiter chromatisch machte. In den 30er Jahren. A. Sachs verbesserte die Bassklarinette und konstruierte neue Instrumente (Saxhörner, Saxophone).

Einen neuen Impuls für die Entwicklung von O. gab die Romantik. Mit dem Aufblühen von Programmmusik, Landschaft und Phantastik. Element in der Oper rückte die Suche nach dem Ork in den Vordergrund. Farbe und Dramatik. klangliche Ausdruckskraft. Dabei blieben Komponisten (KM Weber, P. Mendelssohn, P. Schubert) zunächst im Rahmen der Paarkomposition Oper (in der Oper unter Einbeziehung von Varietés: kleine Flöte, Englischhorn etc.). Der sparsame Umgang mit den Ressourcen von O. ist MI Glinka eigen. Die koloristische Fülle seines O. wird anhand von Streichern erreicht. Bläsergruppen und -paare (mit zusätzlichen Instrumenten); er befestigt Posaunen an Hörnern und Pfeifen (3, selten 1). G. Berlioz unternahm einen entscheidenden Schritt bei der Nutzung der neuen Möglichkeiten von O.. Mit steigenden Anforderungen an Dramatik und Klangskala erweiterte Berlioz die Komposition von O erheblich. In der Phantastischen Symphonie (1830) erhöhte er die Streicher. Gruppe unter genauer Angabe der Anzahl der Interpreten in der Partitur: mindestens 15 erste und 15 zweite Violinen, 10 Bratschen, 11 Violoncelli, 9 Kontrabässe. In dieser Op. im Zusammenhang mit seiner betonten Programmierbarkeit löste sich der Komponist von der früheren strengen Unterscheidung zwischen Oper und Konzert. Kompositionen durch Eingabe des Symbols. O. so charakteristisch in der Farbe. Planwerkzeuge, als Englisch. Horn, kleine Klarinette, Harfen (2), Glocken. Die Größe der Kupfergruppe nahm zu, neben 4 Hörnern, 2 Trompeten und 3 Posaunen umfasste sie 2 Kornette mit Kolben und 2 Ophikleiden (später durch Tuben ersetzt).

Das Werk von R. Wagner wurde zu einer Epoche in der Geschichte von O. Koloristich. das suchen und streben nach der dichte der textur führte schon bei lohengrin zu einer vermehrung von ork. bis zu einer dreifachen Komposition (in der Regel 3 Flöten oder 2 Flöten und eine kleine Flöte, 3 Oboen oder 2 Oboen und ein Englischhorn, 3 Klarinetten oder 2 Klarinetten und Bassklarinette, 3 Fagotte oder 2 Fagotte und Kontrafagott, 4 Hörner, 3 Trompeten, 3 Posaune, Basstuba, Schlagzeug, Streicher). In den 1840er Jahren vollendete sich die Bildung der Moderne. Kupfergruppe, die 4 Hörner, 2-3 Trompeten, 3 Posaunen und eine Tuba umfasste (erstmals eingeführt von Wagner in der Faust-Ouvertüre und in der Oper Tannhäuser). Im „Ring des Nibelungen“ wurde O. zum wichtigsten Mitglied der Musen. Theater. Die führende Rolle der Klangfarbe in Leitmotivmerkmalen und die Suche nach Dramen. Ausdruck und Dynamik. Die Kraft des Klangs veranlasste den Komponisten, eine ausschließlich differenzierte Klangfarbenskala in O. einzuführen (durch Hinzufügen von Tessitura-Varianten von Holzblasinstrumenten und Pfeifen). Die Zusammensetzung von O. erhöhte sich somit auf das Vierfache. Wagner verstärkte die Kupfergruppe mit einem Quartett aus Waldhorntuben (oder „Wagner“), die auf seine Bestellung hin entworfen wurden (siehe Tuba). Die Ansprüche des Komponisten an die virtuose Ork-Technik sind radikal gewachsen. Musiker.

Der von Wagner vorgezeichnete Weg (teilweise fortgesetzt von A. Bruckner in der Gattung Sinfonie) war nicht der einzige. Gleichzeitig in den Werken von I. Brahms, J. Bizet, S. Frank, G. Verdi, unter den russischen Komponisten. Die Schule entwickelte die „klassische“ Orchestrierungslinie weiter und überdenkt einige romantische. Tendenzen. Im Orchester von PI Tschaikowsky, die Suche nach psychologischen. die expressivität der klangfarbe wurde mit dem äußerst sparsamen einsatz von ork kombiniert. Mittel. Ablehnung des Expansions-Orks. Apparat in Symphonien (Paarkomposition, oft mit 3 Flöten), der Komponist nur in Programmwerken, in späteren Opern und Balletten wandte er sich dem Komplement zu. orkische Farben. Paletten (z. B. Englischhorn, Bassklarinette, Harfe, Celesta in Der Nussknacker). In der Arbeit von NA Rimsky-Korsakov sind andere Aufgaben fantastisch. Farbgebung und Visuals veranlassten den Komponisten, sowohl die Haupt- als auch die charakteristischen Klangfarben der O. K-Ergänzung umfassend zu verwenden (ohne über die Paar-Dreifach- und Dreifachkompositionen hinauszugehen). die kleine Klarinette, Altvarianten der Flöte und Trompete wurden zu den Instrumenten hinzugefügt, die Zahl der Schlaginstrumente mit dekorativen und schmückenden Funktionen nahm zu, Keyboards wurden eingeführt (nach der Glinka-Tradition – fp., sowie die Orgel). Die Interpretation des Orchesters von NA Rimsky-Korsakov, übernommen von Russisch. Komponisten der jüngeren Generation (AK Glazunov, AK Lyadov, IF Strawinsky in der frühen Schaffensperiode) hatten einen Einfluss auf die Sphäre des Orks. Farbe und auf die Arbeit der Westeuropäer. Komponisten – O. Respighi, M. Ravel.

Eine wichtige Rolle in der Entwicklung des Timbre-Denkens im 20. Jahrhundert. spielte das Orchester von C. Debussy. Die zunehmende Aufmerksamkeit für die Farbe führte zur Übertragung der Funktion des Themas auf das Separate. Motive oder Textur-Hintergrund und Koloristik. Stoffelemente sowie das Verständnis von Fonich. Seiten O. als Formfaktor. Diese Tendenzen bestimmten die subtile Differenzierung des Orks. Rechnungen.

Die Weiterentwicklung der Wagnerschen Tendenzen führte an den Rand des 19.-20. Jahrhunderts. zur Entstehung des sogenannten Super-Orchesters – erweitert gegenüber die vierfache Komposition von O. Mahler und Skrjabin griffen auf eine grandiose Orchesterkomposition zurück, um ihre Weltanschauungen auszudrücken. Konzepte. Der Höhepunkt dieses Trends war der Performer. Komposition von Mahlers 8. Sinfonie (8 Solisten, 2 gemischte Chöre, Knabenchor, fünf Kompositionen einer großen Sinfonie O. mit verstärkten Streichern, eine große Zahl von Schlag- und Zierinstrumenten sowie eine Orgel).

Schlaginstrumente bildeten im 19. Jahrhundert keine stabile Gesellschaft. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts hat sich die Percussion-Dekorationsgruppe merklich erweitert. Neben der Pauke umfasste es eine große und kleine Trommel, ein Tamburin, Becken, eine Triangel, Kastagnetten, Tom-Toms, Glocken, ein Glockenspiel, ein Xylophon. Harfe (1 und 2), Celesta, Pianoforte und Orgel waren oft im großen O enthalten, seltener – „Instrumente für den Anlass“: eine Rassel, eine Windmaschine, eine Klappe usw. In der Mitte. und con. Im 19. Jahrhundert bilden sich weiterhin neue Orks. Ensembles: New York Philharmonic Orchestra (1842); Orchestersäule in Paris (1873); Orchester der Wagner-Festspiele Bayreuth (1876); Boston Orchestra (1881); das Lamoureux-Orchester in Paris (1881); Hoforchester („Hofmusikchor“) in St. Petersburg (1882; jetzt Akademische Symphonie der O. Leningrader Philharmonie).

Im O. des 19. Jahrhunderts herrscht im Gegensatz zum O. der Barockzeit der Monochorismus vor. In der Musik von Berlioz fand die Mehrchörigkeit jedoch wieder Anwendung. In Tuba mirum aus Berlioz' „Requiem“, geschrieben für eine erweiterte Reihe großer Sinfonien. O., Interpreten sind in 5 Gruppen eingeteilt: Symphonie. O. und 4 Gruppen von Kupferinstrumenten an den Ecken des Tempels. Auch in der Oper (beginnend mit Mozarts Don Giovanni) tauchten solche Tendenzen auf: O. „auf der Bühne“, „hinter der Bühne“, die Stimmen von Sängern und Instr. Solo „hinter der Bühne“ oder „oben“ (Wagner). Vielfalt der Räume. Vermittlung von Interpreten fand im Orchester von G. Mahler eine Entfaltung.

In der Sitzordnung der Musiker O. im 2. Obergeschoss. 18. Jahrhundert und sogar im 19. Jahrhundert. Teilweise erhalten sind die für barocke O. charakteristische Zerstückelung und Trennung von Klangfarbenkomplexen. Allerdings stellte IF Reichardt bereits 1775 ein neues Sitzprinzip vor, dessen Kern die Mischung und Verschmelzung von Klangfarben ist. Die ersten und zweiten Geigen standen rechts und links vom Dirigenten in einer Reihe, die Bratschen waren zweigeteilt und bildeten die nächste Reihe, den Geist. Werkzeuge wurden in der Tiefe dahinter platziert. Auf dieser Grundlage ergab sich später der Standort des Orks. Musiker, die sich im 19. und im 1. Stock verteilen. Jahrhundert und erhielt in der Folge den Namen der „europäischen“ Sitzordnung: die ersten Geigen – links vom Dirigenten, die zweiten – rechts, Bratschen und Celli – dahinter Holzbläser – links vom Dirigenten Blechbläser – rechts (in der Oper) oder in zwei Linien: zuerst hölzern, dahinter – Kupfer (im Konzert), dahinter – Schlagzeug, Kontrabässe (siehe Abbildung oben).

O. im 20. Jahrhundert. (nach dem 1. Weltkrieg 1914-18).

Das 20. Jahrhundert brachte neue Formen der Aufführung hervor. Praxis O. Zusammen mit dem traditionellen. Radio- und Fernsehopern sowie Studioopern erschienen als Opern- und Konzertkonzerte. Der Unterschied zwischen Radio und Oper, Oper und Sinfoniekonzert liegt jedoch neben dem funktionalen nur in der Sitzordnung der Musiker. Symphonische Kompositionen. Die Städte der größten Städte der Welt sind fast vollständig vereinheitlicht. Und obwohl die Partituren weiterhin die Mindestanzahl von Saiten angeben, um für Op. könnte auch von kleineren O., einer großen Symphonie, aufgeführt werden. O. 20. Jahrhundert umfasst ein Team von 80-100 (manchmal mehr) Musikern.

Im 20. Jahrhundert werden 2 Evolutionspfade von O-Kompositionen kombiniert. Eine davon ist mit der Weiterentwicklung von Traditionen verbunden. großes Zeichen. A. Komponisten wenden sich weiterhin der Paarkomposition zu (P. Hindemith, „Künstler Mathis“, 1938; DD Schostakowitsch, Symphonie Nr. 15, 1972). Ein großer Platz wurde von einer Dreierkomposition eingenommen, die oft durch Ergänzungen erweitert wurde. Instrumente (M. Ravel, Oper „Kind und Zauber“, 1925; SV Rachmaninow, „Symphonische Tänze“, 1940; SS Prokofjew, Symphonie Nr. 6, 1947; DD Schostakowitsch, Symphonie Nr. 10, 1953; V. Lutoslavsky, Symphonie Nr. 2, 1967). Oft wenden sich Komponisten auch einer vierfachen Komposition zu (A. Berg, Oper Wozzeck, 1925; D. Ligeti, Lontano, 1967; BA Tschaikowsky, Symphonie Nr. 2, 1967).

Gleichzeitig entstand im Zusammenhang mit den neuen ideologischen und stilistischen Strömungen im frühen 20. Jahrhundert ein Kammerorchester. In vielen Symp. und wok.-symp. Kompositionen verwenden nur einen Teil der Komposition einer großen Symphonie. O. – sog. nicht normative oder individualisierte Zusammensetzung von O. Zum Beispiel in Strawinskys „Symphonie der Psalmen“ (1930) aus dem Traditionellen. Klarinetten, Geigen und Bratschen werden in großer Zahl beschlagnahmt.

Für das 20. Jahrhundert ist die rasante Entwicklung der Percussion-Gruppe charakteristisch, To-Rye erklärte sich zu einem vollwertigen Orc. Verband. In den 20-30er Jahren. Schlag. Instrumente wurden nicht nur rhythmisch, koloristisch, sondern auch thematisch anvertraut. Funktionen; Sie sind zu einem wichtigen Bestandteil der Textur geworden. In dieser Hinsicht erhielt die Trommelgruppe erstmals eine Eigenständigkeit. Bedeutung im Symbol. O., zunächst im O. der nichtnormativen und kammermusikalischen Komposition. Beispiele sind Strawinskys Die Geschichte eines Soldaten (1918), Bartóks Musik für Streicher, Schlagzeug und Celesta (1936). Es erschienen für eine Komposition mit überwiegendem Schlagzeuganteil oder ausschließlich für sie: zB Strawinskys Les Noces (1923), die neben Solisten und einem Chor 4 Klaviere und 6 Schlagzeuggruppen umfasst; „Ionisation“ von Varèse (1931) wurde nur für Schlaginstrumente (13 Interpreten) geschrieben. Die Percussion-Gruppe wird von undefinierten Instrumenten dominiert. Tonhöhen, darunter unterschiedliche Instrumente des gleichen Typs (ein Satz großer Trommeln oder Becken, Gongs, Holzblöcke usw.), sind weit verbreitet. Alle R. und vor allem die 2. Etage. Hit des 20. Jahrhunderts. die Gruppe nahm sowohl in den normativen („Turangalila“ von Messiaen, 1946-48) als auch in den nicht-normativen Kompositionen von O. („Antigone“ von Orff, 1949; „Colors of the Heavenly City“ von Messiaen für Klavier solo, 3 Klarinetten, 3 Xylophone und Metallschlaginstrumente, 1963; Luke Passion von Penderecki, 1965). In der Abteilung Die Percussion-Gruppe selbst nahm ebenfalls zu. 1961 wurde in Straßburg eine Sonderveranstaltung organisiert. Schlagzeugensemble (140 Instrumente und verschiedene Klangobjekte).

Der Wunsch, O.s Klangfarbenskala zu bereichern, führte zu episodisch. Aufnahme in das Symbol. O. Elektrowerkzeuge. So etwa die 1928 konstruierten „Martenot-Wellen“ (A. Honegger, „Jeanne d’Arc auf dem Scheiterhaufen“, 1938; O. Messiaen, „Turangalila“), Elektronium (K. Stockhausen, „Prozession“, 1967), Ionik ( B. Tishchenko, 1. Symphonie, 1961). Es wird versucht, eine Jazzkomposition in O. aufzunehmen. In den 60-70er Jahren. Tonbandaufnahmen wurden in den Apparat von O. als eine der Klangkomponenten eingeführt (EV Denisov, The Sun of the Incas, 1964). K. Stockhausen (Mixtur, 1964) definierte eine solche Erweiterung von O.s Komposition als „Live-Elektronik“. Zusammen mit der Sehnsucht nach Klangfarbenerneuerung in der Symphonie. O. es gibt tendenzen zur wiederbelebung von tools und otd. Prinzipien des O. Barock. Ab dem 1. Viertel des 20. Jahrhunderts Oboe d'amore (C. Debussy, „Spring Dances“; M. Ravel, „Bolero“), Bassetthorn (R. Strauss, „Electra“), Viol d'amour (G. Puccini, „Chio-Chio-san“; SS Prokofjew, „Romeo und Julia“). Im Zusammenhang mit der Restaurierung im 20. Jahrhundert. Musikwerkzeuge der Renaissance blieben nicht unbemerkt und die Werkzeuge des 15.-16. Jahrhunderts. (M. Kagel, „Music for Renaissance Instruments“, 1966; mit 23 Interpreten, A. Pärt, „Tintinnabuli“, 1976). Im O. 20. Jahrhundert. gefundene Reflexion und das Prinzip der Varianzzusammensetzung. CH. Ives verwendete eine teilweise Änderung der Komposition von O. in dem Stück The Question Left Unanswered (1908). Die freie Kompositionswahl innerhalb der durch die Partitur vorgegebenen O.-Gruppen ist in L. Kupkovichs Ozveny vorgesehen. Das stereophone Konzept von O wurde weiterentwickelt. Die ersten Experimente zur räumlichen Teilung von O. gehören Ives („The Question Left Unanswered“, 4. Symphonie). In den 70er Jahren. die Pluralität der Schallquellen wird durch diff erreicht. Wege. Die Teilung des gesamten Orks. Massen pro mehreren „Chören“ oder „Gruppen“ (in anderer als früher – nicht klanglicher, sondern räumlicher Bedeutung) verwendet K. Stockhausen („Gruppen“ für 3 O., 1957; „Kappe“ für 4 O. und Chor). , 1960). Die Zusammensetzung der O. „Gruppe“ (109 Personen) ist in drei identische Komplexe (jeweils mit einem eigenen Dirigenten) unterteilt, die in U-Form angeordnet sind; Die Sitzplätze der Zuhörer befinden sich in dem Raum, der zwischen den Orchestern gebildet wird. 3. Mattus in der Oper The Last Shot (1967, basierend auf BA Lawrenyovs Geschichte The Forty-First) verwendete drei O., die sich in einem Ork befinden. Grube, hinter dem Publikum und hinter der Bühne. J. Xenakis stellte in „Terretektor“ (1966) 88 Musiker eines großen Symphonieorchesters strahlenförmig in Relation zum Dirigenten ins Zentrum; das Publikum steht nicht nur um O. herum, sondern auch zwischen den Pulten und mischt sich unter die Musiker. „Bewegte Stereophonie“ (die Bewegung von Musikern mit Instrumenten während der Aufführung) wird in „Klangwehr“ von M. Kagel (1970) und der 2. Sinfonie von AG Schnittke (1972) verwendet.

Tabelle 3.

Bei der Nutzung werden individuelle Sitzordnungen für O.-Musiker verwendet. op. nicht normative Zusammensetzung; in diesen Fällen macht der Komponist entsprechende Hinweise in der Partitur. Bei normaler Nutzung von O. als einzelner monochorischer Komplex im 1. Stock. Jahrhunderts existierte die oben beschriebene „europäische“ Sitzordnung. Seit 20 wurde das von L. Stokowski eingeführte sogenannte „sogenannte“ System weit verbreitet. Amer. Sitzplätze. Die 1945. und 1. Violine stehen links vom Dirigenten, die Celli und Bratschen rechts, die Kontrabässe dahinter, die Blasinstrumente in der Mitte, hinter den Streichern das Schlagzeug, der Pianist die linke.

Sorgt für mehr Solidität des Saitenklangs im hohen Register „Amer“. die Sitzordnung ist nach Meinung mancher Dirigenten nicht ohne und wird dementiert. Seiten (z. B. Schwächung des funktionellen Kontakts von Celli und Kontrabässen, die weit voneinander entfernt sind). In dieser Hinsicht gibt es Tendenzen zur Wiederherstellung des „europäischen“ Standorts der Musiker O. Das Werk der Symphonie. O. unter Studiobedingungen (Rundfunk, Fernsehen, Aufnahme) bringt einige Besonderheiten mit sich. Sitzanforderungen. In diesen Fällen wird die Klangbalance nicht nur vom Dirigenten, sondern auch vom Tonmeister geregelt.

Gerade die Radikalität der Veränderungen, die O. im 20. Jahrhundert erlebt hat, zeugt davon, dass er immer noch ein lebendiges Instrument der Kreativität ist. Willen der Komponisten und entwickelt sich sowohl in seiner normativen als auch in seiner aktualisierten (nicht normativen) Komposition fruchtbar weiter.

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IA Barsova