Iwan Wassiljewitsch Erschow |

Iwan Erschow

„Wenn Sobinov der perfekteste russische lyrische Tenor war, dann gehörte Ershov unter den Darstellern heroisch-dramatischer Tenorpartys derselbe Platz“, schreibt DN Lebedev. – Der größte Vertreter der realistischen Gesangsschule, Ershov, behauptete entschlossen und lebhaft ihre Prinzipien.

Ershovs Arbeit war heiß, überschwänglich, leidenschaftlich fesselnd. Wie er im Leben war, so war er in der Leistung. Überzeugungskraft, Einfachheit waren ein wesentlicher Bestandteil seiner künstlerischen Natur.

Kein Wunder, dass ihn einer seiner Zeitgenossen Chaliapin unter den Tenören nannte.

Ivan Vasilyevich Ershov wurde am 20. November 1867 geboren. „Meine Kindheit war schwierig“, erinnerte sich Ershov. – Ich war in der Familie „Extra-Mund“. Meine Mutter arbeitete als Dienerin in einer Familie verarmter Gutsbesitzer. Ich wollte Eisenbahningenieur werden. Die Prüfungen zum Beifahrer hat er bereits bestanden und ist immer wieder mit einer Dampflok auf der Strecke gefahren. Aber der große Anton Rubinstein machte auf mich, einen jungen Mann, aufmerksam. Seitdem ist mein Leben der Kunst, der Musik gewidmet.“

Ja, zufällig hat ihm ein Fall geholfen. Ershov studierte an der Eisenbahnschule in Yelets und trat oft in Amateurkonzerten auf. Seine außergewöhnlichen Fähigkeiten waren unbestreitbar. Hier wurde er vom Professor des St. Petersburger Konservatoriums NB Pansh gehört. Sie erzählte AG Rubinstein von einem talentierten jungen Mann. Auf Empfehlung des großen Pianisten wurde der Maschinist von gestern Schüler der Gesangsklasse unter der Leitung von Stanislav Ivanovich Gabel. Die Studienjahre waren nicht einfach: Alle Einnahmen betrugen 15 Rubel im Monat, Stipendien und ein kostenloses Mittagessen.

1893 graduierte Ershov am St. Petersburger Konservatorium. Im selben Jahr debütierte er als Faust.

„Der junge Sänger machte keinen günstigen Eindruck“, schreibt AA Gozenpud. Ihm wurde geraten, zur Besserung nach Italien zu gehen. Nach viermonatigem Unterricht bei dem Lehrer Rossi debütierte er mit großem Erfolg am Regio-Opernhaus. Ein neuer Erfolg brachte ihm die Darstellung der Rolle des José in Carmen. Das Gerücht über Yershovs Auslandsauftritte erreichte Napravnik und Vsevolozhsky, und dem Künstler wurde ein neues Debüt angeboten. Charakteristischerweise geschah dies, nachdem er im Ausland berühmt geworden war. Es ist unwahrscheinlich, dass 4 Monate Unterricht bei Rossi seine Gesangskultur wesentlich bereichern könnten. Nach seiner Rückkehr nach Russland trat Ershov in der Saison 1894/95 in Charkow auf. Das Debüt am Mariinsky-Theater fand im April 1895 als Faust statt.

Bemerkenswert an dieser Aufführung war auch, dass ein weiterer Debütant, der junge Bassist Fjodor Schaljapin, als Mephistopheles auftrat. Wie Sie wissen, sang Chaliapin in Zukunft auf fast allen großen Bühnen der Welt, und Ershovs gesamtes kreatives Leben beschränkte sich praktisch auf das Mariinsky-Theater (später Kirow).

Anfangs sang Ershov hier diverse Tenorpartien, doch mit der Zeit wurde klar, dass seine eigentliche Berufung Heldenrollen waren. Auf diesem Weg zeigten sich seine herausragenden Fähigkeiten nicht nur als Sänger, sondern auch als Sänger-Schauspieler. Ershov skizzierte sein künstlerisches Credo und schrieb:

„Die Stimme des Sängers ist die Stimme des Herzens. Das Wort, die Mimik, die Modulation der menschlichen Figur im Kostüm der Epoche, im Kostüm der Nationalität und ihrer Standeszugehörigkeit; seine Jahre, sein Charakter, seine Einstellung zur Umwelt usw. usw. – all dies erfordert vom Sänger-Schauspieler ein entsprechendes Gefühl für die entsprechende Klangfarbe seiner Stimme, sonst ist alles Belcanto und Belcanto usw. usw. Realismus, Wahrheit in der Kunst!..

Wie viele Veränderungen in Klangfarben, Farben, alle Arten von stimmlichen Drehungen und Wendungen können in der Stimme sein, aber es gibt keine Wahrheit, Gefühle des Herzens und des Geistes!

Faust und Romeo entsprachen in keiner Weise der Persönlichkeit des Künstlers. Tannhäuser und Orestes brachten Ershov echten Erfolg. Dank ihnen wurde das Bühnentalent des jungen Sängers offenbart und die Kraft und Ausdruckskraft der Stimme manifestiert.

Der Kritiker Kondratiev stellt mit Genugtuung Ershovs Leistung in Orestie fest: „Ershov machte einen guten Eindruck … die Rolle war gottlos stark und erhaben geschrieben, und er hat diese Prüfung mit Ehre bestanden.“ Nach der zweiten Vorstellung: „Ershov hat in der Furie-Szene für Aufsehen gesorgt.“

Ein weiterer kreativer Sieg für Ershov war sein Auftritt in der Oper Samson and Delilah. Über ihn schrieb Kondratiev: „Ershov spielte Samson perfekt.“ Einen neuen Erfolg errang er in der Rolle des Sobinin, als er mit dem Chor die meist versäumte Arie „Brüder im Schneesturm“ sang. Es enthält mehrfach das obere „C“ und „Des“, was nur wenigen Tenören zugänglich ist. Fast alle Vertreter des musikalischen St. Petersburg kamen zu dieser Aufführung, und Figner folgte dem Klavier, um zu sehen, ob der Sänger Abweichungen vom Original zulassen würde.

Kondratjew notiert in seinem Tagebuch: „Die Arie ist in einer so ungewöhnlich hohen Tonlage geschrieben, dass sie selbst beim Lesen erschreckend ist. Ich hatte Angst um Yershov, aber er hat diese Prüfung mit Ehre bestanden. Besonders subtil spielte er den Mittelteil des Cantabile, das Publikum rief ihn ohrenbetäubend und forderte eine Wiederholung, er erfüllte die Forderung des Publikums und sang zum zweiten Mal ruhiger und noch besser.

Ershov hat auch das Bild von Finn in Ruslan und Lyudmila auf völlig neue Weise neu erstellt. BV hat darüber geschrieben. Asafiev: „Performance ist eine lebendige Kreativität, sichtbar greifbar, weil das „stimmhafte Wort“ in der Brechung, die Yershov erhält, als Bindeglied im kontinuierlichen (in dieser Klangsphäre) Fluss des Prozesses der Gestaltung jedes Moments, jedes Spirituellen fungiert Bewegung. Gruselig und fröhlich zugleich. Es ist beängstigend, weil unter den vielen Menschen, die an der Oper als Kunst beteiligt sind, nur sehr, sehr wenige dazu bestimmt sind, die volle Tiefe und Ausdruckskraft zu verstehen, die ihr innewohnt. Es ist fröhlich, weil man beim Hören von Yershovs Darbietung in einem Augenblick etwas spürt, das in keiner Abhandlung offenbart und durch keine Beschreibung vermittelt werden kann: die Schönheit des Schlagens des Lebens in der Manifestation emotionaler Spannung durch musikalische Klänge, durch das Wort bedeutungsvoll.

Wenn Sie sich die Liste der von Ershov gespielten Opernpartien ansehen, dann ist er, wie jeder große Künstler, sowohl durch Reichtum als auch durch Vielfalt gekennzeichnet. Das breiteste Panorama – von Mozart, Weber, Beethoven und Bellini bis Rachmaninow, Richard Strauss und Prokofjew. Er hatte hervorragende Leistungen in den Opern von Glinka und Tschaikowsky, Dargomyzhsky und Rubinstein, Verdi und Bizet.

Ein Denkmal in der Geschichte der Opernkunst hat sich der russische Sänger jedoch mit zwei Spitzen gesetzt. Eine davon ist die großartige Aufführung von Partien in Wagners Werken. Ebenso überzeugend war Ershov in Lohengrin und Tannhäuser, Walküre und Rheingold, Tristan und Isolde und Der Tod der Götter. Hier fand der Sänger ein besonders komplexes und lohnendes Material zur Verkörperung seiner künstlerischen Prinzipien. „Die ganze Essenz von Wagners Werken ist erfüllt von der Unermesslichkeit der Handlung“, betonte der Sänger. — Die Musik dieses Komponisten ist überaus szenisch, erfordert aber eine außerordentliche Beherrschung des künstlerischen Nervs im Tempo. Alles soll erhaben sein – ein Blick, eine Stimme, eine Geste. Der Schauspieler muss in den Szenen, in denen kein Gesang, sondern nur Dauerton zu hören ist, ohne Worte spielen können. Es ist notwendig, das Tempo der Bühnenbewegung mit der Musik des Orchesters abzustimmen. Bei Wagner ist die Musik im übertragenen Sinne an den Schauspieler-Sänger gebunden. Diese Bindung zu brechen bedeutet, die Einheit von Bühnen- und Musikrhythmus zu brechen. Aber diese selbe Untrennbarkeit bindet den Schauspieler nicht und diktiert ihm jene notwendige Majestät, Monumentalität, eine weite, langsame Geste, die auf der Bühne dem Geist von Wagners Musik entspricht.

Cosima Wagner, die Witwe des Komponisten, schrieb am 15. September 1901 an die Sängerin: „Viele Freunde unserer Kunst und viele Künstler, darunter Frau Litvin, haben mir von Ihrer Aufführung von Werken unserer Kunst erzählt. Ich frage Sie, ob Sie Ihr Weg einmal durch Bayreuth führen wird und ob Sie dort anhalten möchten, um mit mir über die deutsche Aufführung dieser Werke zu sprechen. Ich glaube nicht, dass ich jemals die Möglichkeit haben werde, nach Russland zu reisen, weshalb ich diese Bitte an Sie richte. Ich hoffe, dass Ihr Studium Ihnen einen Urlaub ermöglicht und dieser Urlaub nicht zu weit entfernt ist. Bitte akzeptieren Sie meinen tiefen Respekt.“

Ja, der Ruhm eines Wagner-Sängers ist an Yershov hängengeblieben. Aber es war nicht so einfach, dieses Repertoire auf die Bühne zu bringen.

„Der ganze Weg des alten Mariinsky-Theaters war Wagner feindlich gesinnt“, erinnerte sich Ershov 1933. Wagners Musik stieß auf vorsichtige Feindseligkeit. Lohengrin und Tannhäuser durften noch irgendwie auf die Bühne und machten aus diesen romantisch-heroischen Opern stereotype Aufführungen italienischen Stils. Philistergerüchte wurden wiederholt, dass Wagner die Stimmen der Sänger verdarb und das Publikum mit dem Donner des Orchesters ohrenbetäubend machte. Es war, als hätten sie sich mit dem engstirnigen Yankee, dem Helden von Mark Twains Geschichte, geeinigt, der sich darüber beklagt, dass die Musik von Lohengrin ohrenbetäubend sei. Es ist Lohengrin!

Es gab auch eine beleidigende, ja beleidigende Haltung gegenüber der russischen Sängerin: „Wohin mit Ihrer Unvorbereitetheit und Ihrer fehlenden Kultur, es mit Wagner aufzunehmen! Du wirst nichts bekommen.“ In der Zukunft widerlegte das Leben diese beleidigenden Vorhersagen. Die Mariinsky-Bühne fand unter ihren Schauspielern viele hervorragende Interpreten der Teile des Wagner-Repertoires … “

Ein weiterer herausragender Höhepunkt, den die Sängerin erobert hat, ist die Rolle von Grishka Kuterma in Rimsky-Korsakovs Oper Die Legende von der unsichtbaren Stadt Kitezh und der Jungfrau Fevronia. Das Rimski-Korsakow-Theater ist auch das Jerschow-Theater. Sadko ist eines der Meisterwerke des Sängers, das vom Komponisten selbst bemerkt wurde. Er spielte hervorragend Berendey in The Snow Maiden, Mikhail Tucha in The Maid of Pskov. Aber die höchste Leistung des Sängers ist die Schaffung des Bildes von Grishka Kuterma, er spielte diese Rolle erstmals 1907.

Der Regisseur dieser denkwürdigen Aufführung, VP Shkaber, sagte: „Der Künstler fühlte tief die Elemente des größten Leidens und der größten menschlichen Trauer, ertrunken in einer betrunkenen Benommenheit, wo menschliches Leben umsonst verloren ging. Die Szene seines Wahnsinns, einzelne Momente mit den Tataren im Wald, mit Fevronia – all diese kreativen Erfahrungen des Künstlers waren so großartig, dass das von Yershov aufgeführte Bild von Grishka nicht nur der Bewunderung, sondern auch der tiefsten würdig ist Bewunderung für das Talent des Künstlers: so voll, farbenfroh und mit großem Geschick enthüllte er die subtilsten Emotionen seines Helden … Die Rolle von Grishka wurde von ihm bis ins kleinste Detail mit skulpturaler Vollständigkeit vollendet – und das unter Bedingungen von extremer Aufstieg.

Andrei Nikolaevich Rimsky-Korsakov, der sich im Namen der Familie des Komponisten an den Künstler wandte, schrieb: „Ich persönlich und andere Mitglieder der Familie von Nikolai Andreevich, in deren Namen ich hier spreche, erinnern mich, wie sehr der Autor von Kitezh geschätzt wurde Ihr künstlerisches Talent und vor allem, mit welcher Befriedigung er auf seine Idee Grishka Kuterma in Form von Ershov blickte.

…Ihre Interpretation der Rolle des Kuterma ist so tiefgreifend und individuell, dass Sie in diesem künstlerischen Amt eine entscheidende Eigenständigkeit anerkennen müssen. Sie haben in Grishka ein riesiges Stück Ihrer lebendigen, menschlichen Seele investiert, deshalb habe ich das Recht zu sagen, dass es einen zweiten Grishka nicht gibt und geben kann, so wie es keinen zweiten Ivan Vasilievich Ershov gibt und geben kann.

Und vor 1917 und in den Jahren nach der Revolution wurden dem russischen Tenor lukrative Verträge im Ausland angeboten. Sein ganzes Leben lang blieb er jedoch der Bühne treu, auf der sein kreativer Weg begann – dem Mariinsky-Theater.

Der Journalist und Romanautor AV Amfiteatrov gratulierte dem Sänger zum 25. Jahrestag seiner kreativen Tätigkeit und schrieb insbesondere an Ivan Vasilyevich: „Wenn Sie auf Tour sprechen wollten, wären Sie längst Milliardär. Wenn Sie auf solche Werbetricks herabgestiegen wären, die im aktuellen künstlerischen Umfeld so üblich sind, wären beide Hemisphären längst von einem Schrei nach Ihnen erfüllt gewesen. Aber Sie, ein strenger und weiser Kunstpriester, sind an all diesem Flitter und Rummel vorbeigegangen, ohne auch nur einen Blick in ihre Richtung zu werfen. Ehrlich und bescheiden auf dem von Ihnen gewählten „ruhmvollen Posten“ stehend, sind Sie ein nahezu beispielloses, unvergleichliches Beispiel künstlerischer Unabhängigkeit, verächtlich alle fremden Kunstmittel des Erfolgs und der Vorherrschaft unter Ihren Kameraden ablehnend … Sie haben Ihren Einfluss als unersetzlicher Künstler in nie missbraucht um in die „Gewinnrolle“ ein unwürdiges, minderwertiges Werk egoistisch in den Tempel seiner Kunst zu bringen.

Ein wahrer Patriot, Ivan Vasilievich Ershov, der die Bühne verließ, dachte ständig über die Zukunft unseres Musiktheaters nach, zog begeistert die künstlerische Jugend im Opernstudio des Leningrader Konservatoriums auf und inszenierte Werke von Mozart, Rossini, Gounod, Dargomyzhsky, Rimsky-Korsakov , Tschaikowsky, Rubinstein dort. Mit Stolz und Bescheidenheit fasste er seinen Schaffensweg in folgenden Worten zusammen: „Als Schauspieler oder Musikpädagoge fühle ich mich in erster Linie als freier Bürger, der sich nach besten Kräften für das Wohl der sozialistischen Gesellschaft einsetzt .“

Iwan Wassiljewitsch Erschow starb am 21. November 1943.