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Griechisch moysikn, von mousa – Muse

Eine die Realität widerspiegelnde Kunstform, die durch sinnvolle und in Höhe und Zeit speziell organisierte Tonfolgen, die hauptsächlich aus Tönen (Klänge einer bestimmten Höhe, siehe Musikalischer Klang) bestehen, auf den Menschen einwirkt. M. drückt die Gedanken und Gefühle einer Person in hörbarer Form aus und dient als Kommunikationsmittel zwischen Menschen und zur Beeinflussung ihrer Psyche. Die Möglichkeit dazu ergibt sich aus der körperlich und biologisch bedingten Verbindung der Klangerscheinungen eines Menschen (wie auch vieler anderer Lebewesen) mit seinem Mentalen. Leben (insbesondere emotional) und von der Aktivität von Geräuschen als Reiz und Signal zum Handeln. In vielerlei Hinsicht ähnelt M. der Sprache, genauer gesagt der Sprachmelodie, wobei ext. Der Zustand einer Person und ihre emotionale Einstellung zur Welt werden durch Änderungen der Tonhöhe und anderer Merkmale des Klangs der Stimme während der Äußerung ausgedrückt. Diese Analogie erlaubt es uns, über die Intonationsnatur von M. zu sprechen (siehe Intonation). Gleichzeitig unterscheidet sich M. wesentlich von der Sprache, vor allem durch die ihr als Kunst innewohnenden Qualitäten. Unter ihnen: die Vermittlung der Reflexion der Realität, die optionalen Gebrauchsfunktionen, die wichtigste Rolle der Ästhetik. Funktionen, Kunst. der Wert sowohl des Inhalts als auch der Form (die Individualität der Bilder und ihrer Verkörperung, die Manifestation von Kreativität, das allgemeine künstlerische und insbesondere das musikalische Talent des Autors oder Interpreten usw.). Im Vergleich mit dem universellen Mittel der menschlichen Tonkommunikation – der Sprache – manifestiert sich die Besonderheit von M. auch in der Unmöglichkeit, bestimmte Konzepte eindeutig auszudrücken, in der strengen Ordnung der Tonhöhe und der zeitlichen (rhythmischen) Beziehungen der Töne (aufgrund der festen Tonhöhe und Dauer von jedem von ihnen), was seine emotionale und ästhetische Ausdruckskraft stark erhöht.

Als „Kunst der intonierten Bedeutung“ (BV Asafiev) existiert Musik wirklich und funktioniert in der Gesellschaft nur im Live-Sound, in der Aufführung. In einer Reihe von Künsten grenzt M. erstens an nicht-bildliche (Lyrik, Architektur etc.), dh solche, bei denen es nicht notwendig ist, die materielle Struktur bestimmter Objekte zu reproduzieren, und zweitens an temporäre diejenigen (Tanz, Literatur, Theater, Kino), dh solche, sich in der Zeit zu entfalten, und drittens, aufzuführen (derselbe Tanz, Theater, Kino), dh Vermittler zwischen Kreativität und Wahrnehmung erfordern. Gleichzeitig sind sowohl Inhalt als auch Form der Kunst spezifisch gegenüber anderen Kunstgattungen.

Der Inhalt von M. sind künstlerisch-intonative Bilder, dh in bedeutungsvolle Klänge (Intonationen) gebannte Ergebnisse von Reflexion, Transformation und Ästhetik. Einschätzung der objektiven Realität im Kopf eines Musikers (Komponist, Interpret).

Die dominierende Rolle im Inhalt von M. spielt „Kunst. Emotionen“ – ausgewählt nach den Möglichkeiten und Zielen des Claims, befreit von zufälligen Momenten und bedeutungsvollen emotionalen Zuständen und Prozessen. Ihr führender Platz in der Musik. der Inhalt ist durch die klangliche (Intonation) und zeitliche Natur von M. vorbestimmt, was es erlaubt, einerseits auf eine jahrtausendealte Erfahrung darin zurückzugreifen, Emotionen von Menschen nach außen hin zu offenbaren und sie primär und auf andere Mitglieder der Gesellschaft zu übertragen CH. Arr. durch Klänge, und andererseits das Erlebte als Bewegung, als Prozess mit all seinen Veränderungen und Schattierungen, dynamisch adäquat auszudrücken. Höhen und Tiefen, gegenseitige Übergänge von Emotionen und deren Kollisionen.

Ab Dez. Arten von Emotionen M. neigen vor allem dazu, Stimmungen zu verkörpern – die emotionalen Zustände einer Person, die im Gegensatz zu Gefühlen nicht auf etwas Bestimmtes gerichtet sind. Thema (obwohl durch objektive Gründe verursacht): Spaß, Traurigkeit, Heiterkeit, Niedergeschlagenheit, Zärtlichkeit, Zuversicht, Angst usw. M. spiegelt auch weitgehend die emotionalen Aspekte der intellektuellen und willensmäßigen Qualitäten einer Person (und der entsprechenden Prozesse) wider: Nachdenklichkeit , Zielstrebigkeit, Energie, Trägheit, Impulsivität, Zurückhaltung, Ausdauer, Willenslosigkeit, Ernsthaftigkeit, Frivolität usw. Dadurch kann M. nicht nur Psychisches offenbaren. Zustände von Menschen, aber auch ihre Charaktere. In der konkretesten (aber nicht in die Sprache der Worte übersetzten), sehr subtilen und „ansteckenden“ Gefühlsäußerung sucht M. ihresgleichen. Auf dieser Fähigkeit basiert ihre weit verbreitete Definition als „Sprache der Seele“ (AN Serov).

In der Musik Der Inhalt umfasst auch „Arts. Gedanken“ ausgewählt, wie Emotionen, und eng mit letzterem verwandt „gefühlt“. Zur gleichen Zeit, mit eigenen Mitteln, ohne die Hilfe von Worten usw. vnemuz. Faktoren, M. kann nicht alle möglichen Gedanken äußern. Sie zeichnet sich nicht durch äußerst konkrete Gedankenbotschaften aus, die für den Ausdruck in Worten leicht zugänglich sind, Informationen über beliebige Tatsachen enthalten und äußerst abstrakt sind und keine emotionalen und visuell-figurativen Assoziationen hervorrufen. M. ist jedoch für solche Gedanken-Verallgemeinerungen gut zugänglich, die in Begriffen ausgedrückt werden, die sich auf Dynamik beziehen. Seite des Sozialen und Mentalen. Phänomene bis hin zu moralischen Eigenschaften, Charaktereigenschaften und emotionalen Zuständen einer Person und Gesellschaft. In reiner Instr. Die Werke großer Komponisten verschiedener Epochen verkörperten tief und lebhaft ihre Ideen über die Harmonie oder Disharmonie der Welt, die Stabilität oder Instabilität sozialer Beziehungen in einer bestimmten Gesellschaft, die Integrität oder Fragmentierung von Gesellschaften. und persönliches Bewusstsein, die Macht oder Ohnmacht einer Person usw. Eine große Rolle bei der Verkörperung abstrakter Gedanken-Verallgemeinerungen spielt die musikalische Dramaturgie, dh Vergleich, Kollision und Entwicklung musikalischer Bilder. Die größten Möglichkeiten, bedeutende verallgemeinernde Ideen der eigentlichen Musen auszudrücken. Mittel gibt Symphonik als dialektisch. Entwicklung eines Bildsystems, das zur Herausbildung einer neuen Qualität führt.

In dem Bestreben, den Horizont der philosophischen und sozialen Ideenwelt zu erweitern, wenden sich Komponisten oft der Synthese von Musik mit dem Wort als Träger eines bestimmten konzeptuellen Inhalts zu (Vok. und Programminstr. M., siehe Programmmusik), sowie mit Bühnenmusik. Handlung. Dank der Synthese mit Wort, Handlung und anderen außermusikalischen Faktoren erweitern sich die Möglichkeiten der Musik. Darin bilden sich neue Typen von Musen. Bilder, die ständig in Gesellschaften assoziiert werden. Bewusstsein mit Konzepten und Ideen, die von anderen Komponenten der Synthese ausgedrückt werden, und dann in „reines“ M. als Träger derselben Konzepte und Ideen übergehen. Darüber hinaus verwenden Komponisten Klangsymbole (konventionelle Zeichen), die in Gesellschaften entstanden sind. Praxis (verschiedene Arten von Signalen usw.; dazu gehören auch Melodien oder Melodien, die in einem bestimmten sozialen Umfeld existieren und darin eine stabile eindeutige Bedeutung erhalten haben, die zu „musikalischen Emblemen“ jeglicher Konzepte geworden sind), oder sie schaffen ihre eigenen , neue Musik. Zeichen.“ Dadurch umfasst der Inhalt von M. einen riesigen und sich ständig bereichernden Ideenkreis.

Einen relativ begrenzten Platz in M. nehmen visuelle Bilder bestimmter Realitätsphänomene ein, die in Musik verkörpert sind. Bilder, dh Klänge, geben die sinnlichen Zeichen dieser Phänomene wieder (siehe Klangmalerei). Die geringe Rolle der Repräsentation in der Kunst ist objektiv auf die im Vergleich zum Sehen viel geringere Fähigkeit des Gehörs zurückzuführen, eine Person über bestimmte materielle Eigenschaften von Objekten zu informieren. Dennoch finden sich bei M. dec. oft Naturskizzen und „Portraits“. Menschen und Bilder oder „Szenen“ aus dem Leben von Dez. Gesellschaftsschichten eines bestimmten Landes und einer Epoche. Sie werden als mehr oder weniger direktes (obwohl zwangsläufig der musikalischen Logik unterliegendes) Abbild (Wiedergabe) der Geräusche der Natur (Wind- und Wassergeräusche, Vogelgezwitscher usw.), einer Person (Intonation der Sprache usw.) und dargestellt Gesellschaft (außermusikalische Klänge und alltagsmusikalische Gattungen des praktischen Lebens) und die Wiederherstellung von sichtbaren und anderen konkret-sinnlichen Merkmalen von Objekten mit Hilfe von Assoziationen (Vogelgesang – ein Bild eines Waldes), Analogien (eine breite bewegen sich in einer Melodie – eine Idee von Raum) und Synästhesie – Verbindungen zwischen auditiven Empfindungen und visuellen, taktilen, Gewichtsempfindungen usw. (hohe Töne sind leicht, scharf, leicht, dünn; tiefe Töne sind dunkel, dumpf, schwer , dicht). Räumliche Darstellungen begleiten aufgrund des Vorhandenseins von Assoziationen, Analogien und Synästhesien zwangsläufig die Wahrnehmung von M., bedeuten jedoch nicht immer die Anwesenheit in diesem Produkt. Bilder als integrale visuelle Bilder bestimmter Objekte. Wenn die Bilder in der Musik vorhanden sind. Produkte dienen dann in der Regel nur als zusätzliches Mittel, um die ideologischen und emotionalen Inhalte, dh Gedanken und Stimmungen der Menschen, ihre Charaktere und Wünsche, ihre Ideale und Einschätzungen der Realität zu offenbaren. Also spezifisch. Gegenstand musikalischer Reflexionen ist die Einstellung (ch. arr. emotional) eines Menschen und einer Gesellschaft zur Welt, aufgenommen in ihrer Dynamik.

Der Inhalt von M. (in einer Klassengesellschaft) ist eine Einheit des Individuums, der Klasse und des Allgemeinen. M. bringt immer nicht nur die persönliche Einstellung des Autors zur Realität zum Ausdruck, seine ext. Welt, sondern auch einige der wichtigsten, typischsten. Merkmale der Ideologie und insbesondere der Psychologie einer bestimmten sozialen Gruppe, inkl. ihr Gefühlssystem, der allgemeine „psychologische Ton“, sein inhärenter Lebensrhythmus und sein Inneres. Rhythmus. Gleichzeitig vermittelt es oft die emotionale Färbung, das Tempo, den Rhythmus der gesamten Ära, Gedanken und Emotionen, die nicht einem, sondern mehreren nahe stehen. Klassen (z. B. die Ideen der demokratischen Umgestaltung der Gesellschaft, der nationalen Befreiung usw.) oder sogar aller Menschen (z. B. durch die Natur erweckte Stimmungen, Liebe und andere lyrische Erfahrungen) verkörpert hohe universelle Ideale. Da aber das Allgemeine in der Weltanschauung und Gefühlswelt eines Menschen nicht von seinem sozialen Sein getrennt ist, erhält das Allgemeine in M. zwangsläufig eine soziale Orientierung.

Wahrhaftig und zudem typisiert, dh eine Verallgemeinerung mit sozialhistorischen, nat. und individuelle psychologische Konkretheit, ein Spiegelbild der Stimmungen und Charaktere von Menschen als Angehörigen des Definierten. Gesellschaft dient als Manifestation des Realismus in der Musik. Das völlige Fehlen ideologischer und emotionaler Inhalte (einschließlich der mentalen Welt des Menschen) in der Produktion, sinnloses „Spiel“ mit Klängen oder deren Umwandlung nur in ein physiologisches Mittel. Einflüsse auf Zuhörer bringen eine solche „Klangkonstruktion“ über die Grenzen von M. als Kunst hinaus.

M. verfügbarer Inhalt dez. Gattung: episch, dramatisch, lyrisch. Gleichzeitig jedoch, aufgrund ihres nicht-bildlichen Charakters, sind ihr die Texte am nächsten, die für die Vorherrschaft des „Selbstausdrucks“ über das Bild der Außenwelt sorgen, psychologische „Selbstporträts“ über die Eigenschaften des Anderen Menschen. Inhaltlich wird M. insgesamt von positiven Bildern dominiert, die dem ethischen und ästhetischen Ideal des Autors entsprechen. Obwohl auch negative Bilder (und mit ihnen Ironie, Karikatur und Groteske) längst Einzug in die Musikwelt gehalten haben – und vor allem seit der Romantik weit verbreitet – blieben sie dennoch der führende Trend in der Musik. Inhaltlich bleibt eine Tendenz zur Bejahung, zum „Gesang“, und nicht zur Verleugnung, Denunziation. Die Tendenz eines solchen organischen M., das Beste in einer Person zu offenbaren und hervorzuheben, verstärkt seine Bedeutung als Sprecher des Humanistischen. der Beginn und Träger der moralischen und erzieherischen Funktion.

Die materielle Verkörperung des Inhalts von M., die Art seiner Existenz ist die Musik. Form – ein Musiksystem. Klänge, in denen sich die Gedanken, Emotionen und bildlichen Darstellungen des Komponisten verwirklichen (siehe Musikalische Form). Musen. Die Form ist dem Inhalt untergeordnet und ihm im Allgemeinen untergeordnet. Gleichzeitig besitzt es Beziehungen. Unabhängigkeit, die umso größer ist, als Kunst, wie alle nichtbildlichen Kunstarten, in der Verwendung von Formen realer Phänomene sehr begrenzt ist und daher in großem Umfang zwangsläufig eigene Formen entstehen lässt, die das Natürliche nicht wiederholen Einsen. Diese Sonderformen werden geschaffen, um bestimmte auszudrücken. Musikinhalte wiederum beeinflussen diese aktiv, „formen“ sie. Die musikalische (wie jede künstlerische) Form zeichnet sich durch eine Tendenz zur Stabilität, Beständigkeit, Wiederholung von Strukturen und einzelnen Elementen aus, die mit der Variabilität, Beweglichkeit und Originalität der Musen in Konflikt gerät. Inhalt. Das ist Dialektik. der widerspruch im rahmen von verflechtung und einheit wird jedes mal auf seine eigene art im prozess der schöpfung einer spezifischen muse aufgelöst. Produktion, wenn einerseits die traditionelle Form unter dem Einfluss des neuen Inhalts individualisiert und aktualisiert wird, andererseits der Inhalt typisiert wird und sich in ihm Momente offenbaren und herauskristallisieren, die den stabilen Merkmalen der Form entsprechen Formular verwendet.

Das Verhältnis in der Musik. Kreativität und Leistung zwischen stabil und sich auf unterschiedliche Weise in der Musik verändern. Kulturen unterschiedlicher Art. In M. mündlicher Überlieferung (Folklore aller Länder, prof. behauptet das Prinzip der Improvisation (jeweils auf der Grundlage bestimmter stilistischer Normen) bleibt die Form offen, „offen“. Gleichzeitig bleiben die typischen Strukturen von Nar. Musik Pl. Völker sind stabiler als die Strukturen professioneller Musik (siehe Volksmusik) In M. schriftlicher Tradition (europäisch) hat jedes Produkt eine geschlossene, mehr oder weniger stabile Form, obwohl hier in manchen Stilen Elemente der Improvisation vorhanden sind zur Verfügung gestellt (siehe Improvisation).

Neben der materiellen Fixierung des Inhalts erfüllt die Form bei M. auch die Funktion ihrer Übermittlung, „Botschaft“ an die Gesellschaft. Diese kommunikative Funktion bestimmt auch gewisse wesentliche Aspekte der Musen. Formen und vor allem – Übereinstimmung mit den allgemeinen Mustern der Hörerwahrnehmung und (innerhalb gewisser Grenzen) ihrer Art und Fähigkeiten in einer bestimmten Zeit.

Sogar separat genommen Musen. Sondierungen haben bereits primäre Ausdrücke. Gelegenheiten. Jeder von ihnen kann physiologisch verursachen. ein Gefühl von Lust oder Unlust, Aufregung oder Ruhe, Anspannung oder Entladung sowie Synästhetik. Empfindungen (Schwere oder Leichtigkeit, Hitze oder Kälte, Dunkelheit oder Licht usw.) und einfachste räumliche Assoziationen. Diese Möglichkeiten werden auf die eine oder andere Weise in jeder Musik genutzt. prod., aber meist nur nebenbei zu diesen psychologischen Ressourcen. und ästhetische Einflüsse, die in den tieferen Schichten der musikalischen Form enthalten sind, wo die Klänge bereits als Elemente integral organisierter Strukturen wirken.

Eine gewisse Ähnlichkeit mit den Geräuschen des wirklichen Lebens bewahren, Musen. Ton unterscheiden sich von ihnen zugleich grundlegend dadurch, dass sie in die von den Musen entwickelten historisch etablierten Systeme eingebunden sind. die Praxis einer bestimmten Gesellschaft (siehe Soundsystem). Jede Musik. das tonsystem (trichord, tetrachord, pentatonik, diatonik, gleichtemperiertes zwölfklangsystem usw.) liefert die voraussetzungen für die entstehung verschiedener stabiler tonkombinationen, die horizontal und vertikal wiederholt wiedergegeben werden können. Auf ähnliche Weise werden in jeder Kultur Klänge ausgewählt und dem System der Dauer hinzugefügt, was es ermöglicht, stabile Typen ihrer zeitlichen Abfolgen zu bilden.

In M. werden neben Tönen auch unbestimmte Laute verwendet. Höhe (Lärm) oder dergleichen, deren Höhe nicht berücksichtigt wird. Sie spielen jedoch eine abhängige, untergeordnete Rolle, da erfahrungsgemäß nur das Vorhandensein einer festen Tonhöhe es dem menschlichen Geist ermöglicht, Klänge zu organisieren, Beziehungen zwischen ihnen herzustellen, sie in ein System zu bringen und sie zu logisch organisierten, sinnvollen und zu formen , außerdem ausreichend entwickelte Klangstrukturen. Daher gehören Konstruktionen allein aus Geräuschen (z. B. aus Klängen „nichtmusikalischer“ Sprache oder Schlaginstrumenten ohne bestimmte Tonhöhe) entweder zur „Vormusik“ (in primitiven Kulturen) oder gehen über den Rahmen der Musik hinaus. Klage in diesem Sinne, die im Sozialhistorischen verankert war. die Praxis der meisten Völker seit vielen Jahren. Jahrhunderte.

In jeder gegebenen Musik. in einem Werk bilden die Töne ein eigenes System von horizontalen Folgen und (in der Polyphonie) vertikalen Verbindungen (Konsonanzen), die seine Form ausmachen (siehe Melodie, Harmonie, Polyphonie). Bei dieser Form ist zwischen der äußeren (physischen) und der inneren („linguistischen“) Seite zu unterscheiden. Die äußere Seite beinhaltet den Wechsel der Klangfarben, die Richtung der Melodie. Bewegung und ihr Muster (glatt, krampfhaft), dynamisch. Kurve (Lautstärkeänderungen, siehe Dynamik), Tempo, allgemeiner Charakter des Rhythmus (siehe Rhythmus). Diese Seite der Musikformen wird ähnlich wie Sprache in einer fremden Sprache wahrgenommen, die mit ihrem allgemeinen Klang eine emotionale Wirkung auf den Zuhörer (auf der physiologischen und niedrigeren mentalen Ebene) haben kann, ohne ihren Inhalt zu verstehen. Die innere („linguistische“) Seite der Musik. Formen sind seine Intonation. Komposition, dh die darin enthaltenen sinnvollen Klangpaarungen (melodische, harmonische und rhythmische Wendungen), schon früher von Gesellschaften beherrscht. Bewusstsein (oder ähnlich den gemeisterten), deren mögliche Bedeutungen den Zuhörern allgemein bekannt sind. Diese Seite der Musikformen wird ähnlich wie Sprache in einer vertrauten Sprache wahrgenommen und beeinflusst nicht nur durch ihren Klang, sondern auch durch ihre Bedeutung.

M. jeder Nation in jeder Epoche ist durch eine bestimmte gekennzeichnet. ein Komplex stabiler Arten von Klangkombinationen (Intonationen) zusammen mit den Regeln (Normen) für ihre Verwendung. Ein solcher Komplex kann (metaphorisch) Musen genannt werden. „Sprache“ dieser Nation und Ära. Im Gegensatz zur verbalen (verbalen) Sprache ist sie frei von bestimmten Kreaturen. Zeichen eines Zeichensystems, weil seine Elemente erstens keine spezifischen stabilen Gebilde (Zeichen) sind, sondern nur Typen von Lautkombinationen, und zweitens jedes dieser Elemente mehr als eine Definition hat. Wert, sondern eine Menge potentieller Werte, deren Feld keine genau festgelegten Grenzen hat, drittens ist die Form jedes Elements untrennbar mit seinen Werten verbunden, es kann weder durch ein anderes ersetzt noch wesentlich verändert werden, ohne den Wert zu ändern; Daher ist es in M. unmöglich, von einer Muse zu übertragen. Sprache zu einem anderen.

Das Feld möglicher Werte eines musikalisch-sprachlichen Elements hängt einerseits von seiner Physis ab. (akustischen) Eigenschaften und andererseits aus der Erfahrung des Einsatzes in Musikvereinen. Praxis und ihre aus dieser Erfahrung resultierenden Verbindungen mit anderen Phänomenen. Das sind die Vnemuz. Assoziationen (mit den Lauten von Sprache, Natur usw. und durch sie mit den entsprechenden Bildern von Menschen und Naturphänomenen) und intramusikalischen, die wiederum in außertextliche Assoziationen (mit anderen musikalischen Werken) und unterteilt werden Intratext (sie entstehen innerhalb eines Werkes aufgrund verschiedenartiger intonatorischer Verbindungen, thematischer Ähnlichkeiten etc.). Bei der Bildung semantischer. Möglichkeiten div. musikalische Elemente. Sprache spielt eine große Rolle bei der Erfahrung ihres wiederholten Gebrauchs im alltäglichen M. sowie in M. mit dem Wort und der Bühne. Handlung, wo ihre starken Bindungen zu Lebenssituationen und zu jenen Inhaltselementen gebildet werden, die außerhalb der Muse verkörpert sind. meint.

Zu den sich wiederholenden Elementen der Musik. Formen, Semantik. Möglichkeiten, Rykh zu spielen, hängen von den Traditionen ihres Gebrauchs in Musikgesellschaften ab. Übung, gehören nicht nur zu den Arten von Intonationen (musikalischen „Wörtern“), sondern auch zu einer solchen Einheit musikalischer Äußerungen. bedeutet, was sind die Genres (Marschieren, Tanzen, Lied usw., siehe Genre Musical). Topf. Die Bedeutung jedes Genres wird weitgehend durch seine primären Alltagsfunktionen, dh seinen Platz in der Lebenspraxis, bestimmt.

Der Komponist kann in seinen Werken verwenden. als allgemeine Muster der Musik. „Sprache“ der Nation und Ära, sowie ihre spezifischen Elemente. Gleichzeitig gehen bestimmte Elemente innerhalb des gegebenen Stils von Werk zu Werk und von einem Autor zum anderen, ohne zu sein. Veränderungen (Entwicklung von melodischen und harmonischen Wendungen, Kadenzen, rhythmischen Formeln alltäglicher Genres usw.). Andere dienen nur als Prototypen für die Schaffung neuer, jeweils origineller Elemente der Musen. Formen (das sind die primären Wendungen der Themen – ihre „Körner“ sowie kulminierende Intonationen). Wenn Sie ein beliebiges Musikelement einschalten. Sprache in ein Werk, verändert sich das Feld ihrer Bedeutungen: Einerseits verengt es sich durch die konkretisierende Rolle der Musen. Kontext sowie Wörter oder Szenen. Handlung (in synthetischen Genres) hingegen erweitert sich durch das Entstehen intratextueller Verbindungen. Verwenden der Elemente und Regeln bestehender Musen. Sprachen verändern, modifizieren, neue schaffen, formt der Komponist damit seine eigene individuelle, gewissermaßen einzigartige Musik. die Sprache, die es braucht, um seinen eigenen ursprünglichen Inhalt zu verkörpern.

Musen. verschiedene Sprachen. Epochen, Nationen, Komponisten sind ungewöhnlich vielfältig, aber alle haben auch einige allgemeine Prinzipien für die Organisation von Tönen – Tonhöhe und Zeit. In den allermeisten Musikkulturen und -stilen werden die Tonhöhenbeziehungen von Tönen auf der Grundlage des Modus und die zeitlichen Beziehungen auf der Grundlage des Metrums organisiert. Bund und Metrum dienen zugleich als Verallgemeinerungen des gesamten bisherigen Intonationsrhythmus. Praktiken und Regulatoren weiterer Kreativität, die den Fluss der vom Bewusstsein des Komponisten erzeugten Klangpaarungen in einen bestimmten Kanal lenken. Kohärenter und sinnvoller Einsatz (in Monophonie) von Höhen- und Zeitbeziehungen von Musen. Klänge basierend auf Bund und Metrum bilden eine Melodie, die das Wichtigste zum Ausdruck bringt. Mittel von M., ihrer Seele.

Kombination der wichtigsten Hintergrundmusik. Ausdruck (Intonation, Tonhöhe, rhythmische und syntaktische Organisation), die Melodie setzt sie in konzentrierter und individualisierter Form um. Erleichterung und Originalität melodisch. Materialien dienen als wesentliche Kriterien für den Wert von Musen. Werke, wesentlich zu ihrer Wahrnehmung und Einprägung beitragen.

In jeder gegebenen Musik. Ein Werk aus einzelnen Elementen seiner Form entsteht im Prozess der Kombination und Unterordnung einer allgemeinen Struktur, die aus einer Reihe privater Strukturen besteht. Letztere umfassen melodische, rhythmische, bundharmonische, strukturelle, klangliche, dynamische, Tempo- usw. Strukturen. Von besonderer Bedeutung ist thematisch. Struktur, deren Elemente Musen sind. Themen zusammen mit diff. Arten und Stadien ihrer Veränderung und Entwicklung. In den meisten Musikstilen sind die Themen die Hauptmaterialträger der Musen. Bilder und damit thematisch. musikalische Struktur. Formen in Mitteln. Grad dient als äußere Manifestation der figurativen Struktur des Inhalts. Beide, verschmelzend, konstituieren figurativ-thematisch. die Struktur der Arbeit.

Alles private Strukturen von Musen. Formen werden miteinander verknüpft und syntaktisch aufeinander abgestimmt. Struktur (Einheit von Motiven, Phrasen, Sätzen, Perioden) und Komposition (Einheit von Teilen, Abschnitten, Teilen usw.). Die letzten beiden Strukturen bilden die Musen. Form im engeren Sinne des Wortes (also die Komposition eines musikalischen Werkes). Aufgrund der besonders großen relativen Formselbstständigkeit in der Kunst als nicht-bildlicher Kunstform haben sich in ihr stabile, relativ dauerhafte Typen kompositorischer Strukturen herausgebildet – typische Musen. Formen (im engeren Sinne des Wortes), die in der Lage sind, eine sehr breite Palette von Bildern zu verkörpern. Das sind die, die es in Europa gibt. M. schon seit mehreren Jahren. Jahrhunderte zweistimmige und dreistimmige Formen, Variationen, Rondo, Sonatenallegro, Fuge usw.; Es gibt typische Formen in der Musik. Kulturen des Ostens. Jede von ihnen spiegelt im Allgemeinen die charakteristischen, häufigsten Bewegungsarten in Natur, Gesellschaft und menschlichem Bewusstsein wider (die Entstehung von Phänomenen, ihre Wiederholung, Veränderung, Entwicklung, Vergleich, Kollision usw.). Dies bestimmt sein Bedeutungspotential, das in verschiedenen Werken auf unterschiedliche Weise spezifiziert wird. Das typische Schema wird jedes Mal aufs Neue umgesetzt und verwandelt sich in eine einzigartige Komposition dieser Arbeit.

Wie der Inhalt, Musik. die form entfaltet sich in der zeit, ist ein prozess. Jedes Element jeder Struktur spielt in diesem Prozess eine Rolle, führt eine bestimmte aus. Funktion. Die Funktionen des Elements in der Musik. Form kann vielfältig (Multifunktionalität) und wechselnd (Funktionsvariabilität) sein. Elemente gem. Strukturen (sowie Töne – in Elementen) verbinden und funktionieren auf der Basis von Musen. Logik, die spezifisch ist. Brechung der allgemeinen Muster des Menschen. Aktivitäten. In jedem Musikstil (siehe Musikstil) bildet sich eine eigene Musenvielfalt. Logik, Reflexion und Zusammenfassung der kreativen Praxis dieser Epoche, nat. Schule, eine ihrer Strömungen oder ein einzelner Autor.

Sowohl der Inhalt von M. als auch seine Form entwickeln sich allmählich. Ihre inneren Möglichkeiten werden unter dem Einfluss äußerer Faktoren und vor allem Veränderungen im sozialen Leben immer vollständiger offenbart und allmählich bereichert. M. bezieht immer wieder neue Themen, Bilder, Ideen, Emotionen ein, die neue Formen entstehen lassen. Gleichzeitig sterben obsolete inhaltliche und formale Elemente aus. Alles Wertvolle, das in Moskau geschaffen wurde, bleibt jedoch in Form von Werken, die den Klassiker ausmachen, lebendig. Erbe und als kreative Traditionen, die in späteren Epochen übernommen wurden.

Die menschliche musikalische Aktivität wird in drei Hauptarten unterteilt: Kreativität (siehe Komposition), Darbietung (siehe Musikalische Darbietung) und Wahrnehmung (siehe Musikpsychologie). Sie entsprechen drei Stadien der Existenz von Musen. Werke: Schaffen, Reproduzieren, Hören. In jeder Phase treten Inhalt und Form der Arbeit in besonderer Form auf. In der Entstehungsphase, gleichzeitig im Kopf des Komponisten. der Inhalt des Autors (Ideal) und die Form des Autors (Material) werden entwickelt, der Inhalt existiert in einer tatsächlichen Form und die Form existiert nur in einer potentiellen. Wenn das Werk in Aufführung realisiert wird (in schriftlichen Musikkulturen geht dem meist eine konditionale Kodierung der musikalischen Form in Form einer Notenschrift voraus, siehe Musikschreiben), dann wird die Form aktualisiert, geht in einen klingenden Zustand über. Gleichzeitig verändern sich sowohl Inhalt als auch Form etwas, werden vom Performer gemäß seiner Weltanschauung, Ästhetik transformiert. Ideale, persönliche Erfahrung, Temperament usw. Dies zeigt seine individuelle Wahrnehmung und Interpretation der Arbeit. Inhaltlich und formal gibt es darstellerische Varianten. Schließlich überspringen Zuhörer das wahrgenommene Produkt. durch das Prisma ihrer Ansichten, Geschmäcker, ihres Lebens und ihrer Musen. erleben und dadurch wieder etwas transformieren. Zuhörer-Varianten von Inhalt und Form werden geboren, abgeleitet von darstellenden und durch sie – von Inhalt und Form des Autors. Also auf allen Stufen der Musik. Aktivität ist kreativ. Charakter, wenn auch in unterschiedlichem Maße: Der Autor erschafft M., der Performer erschafft und erschafft ihn aktiv neu, während der Zuhörer ihn mehr oder weniger aktiv wahrnimmt.

Die Wahrnehmung von M. ist ein komplexer Prozess auf mehreren Ebenen, auch körperlich. Hören M., sein Verständnis, seine Erfahrung und Bewertung. Körperliches Hören ist eine direkt-sinnliche Wahrnehmung der äußeren (Klang-)Seite der Musen. Formen, begleitet von physiologischen. Einschlag. Verstehen und Erleben ist die Wahrnehmung der Bedeutungen der Musen. Formen, dh den Inhalt von M., durch das Verständnis seiner Strukturen. Die Bedingung für die Wahrnehmung auf dieser Ebene ist eine vorläufige Bekanntschaft (zumindest in allgemeiner Weise) mit dem Entsprechenden. Musiksprache und die Assimilation der Logik der Musik. diesem Stil innewohnende Denken, das dem Zuhörer nicht nur jeden Moment des Museneinsatzes vergleichen lässt. Formen mit den vorherigen, sondern auch um die Richtung der weiteren Bewegung vorauszusehen („antizipieren“). Auf dieser Ebene erfolgt die ideologische und emotionale Wirkung von M. auf den Zuhörer.

Zusätzliche Stufen der Wahrnehmung von Musik. Werke, die über die Grenzen ihres realen zeitlichen Erklingens hinausgehen, sind einerseits die Herausbildung der Wahrnehmungseinstellung des Zuhörers (ausgehend von den Umständen der bevorstehenden Anhörung, Vorkenntnissen über die Gattung des Werkes, dem Namen seines Autor etc.), andererseits das nachträgliche Verstehen des Gehörten, dessen Wiedergabe in der Erinnerung („Nachhören“) oder in der eigenen. Darbietung (z. B. durch Singen zumindest einzelner Fragmente und Stimmen) und der abschließenden Bewertung (wobei die vorläufige Bewertung bereits beim Erklingen des M. gebildet wird).

Die Fähigkeit des Zuhörers, diese oder jene Musik sinnvoll wahrzunehmen (zu verstehen und zu erleben). Das Werk, der Inhalt seiner Wahrnehmung und Bewertung hängen sowohl vom Objekt (Werk) als auch vom Subjekt (Hörer) ab, genauer gesagt vom Verhältnis zwischen spirituellen Bedürfnissen und Interessen, ästhetisch. Ideale, der Grad der Kunst. Entwicklung, Erfahrung des Musikhörers und interne Qualitäten der Arbeit. Die Bedürfnisse und andere Parameter des Hörers wiederum werden durch das soziale Umfeld und seine persönliche Musik geprägt. Erfahrung ist Teil der Öffentlichkeit. Daher ist die Wahrnehmung von Musik ebenso sozial bedingt wie Kreativität oder Leistung (was die gewisse Bedeutung angeborener Fähigkeiten und individueller psychologischer Eigenschaften für alle Arten musikalischer Betätigung nicht ausschließt). Insbesondere soziale Faktoren spielen eine führende Rolle bei der Bildung sowohl individueller als auch massenhafter Interpretationen (Interpretationen) und Bewertungen von Musen. funktioniert. Diese Interpretationen und Bewertungen sind historisch veränderlich, sie spiegeln Unterschiede in der objektiven Bedeutung und Wertigkeit ein und desselben Werkes für verschiedene Epochen und gesellschaftliche Gruppen wider (je nach Übereinstimmung mit den objektiven Anforderungen der Zeit und den Bedürfnissen der Gesellschaft).

Drei grundlegende Arten von Musikaktivitäten sind eng miteinander verbunden und bilden eine einzige Kette. Jeder nachfolgende Link erhält Material vom vorherigen und erfährt dessen Einfluss. Es gibt auch eine Rückkopplung zwischen ihnen: Leistung stimuliert (aber bis zu einem gewissen Grad begrenzt) Kreativität auf ihre Bedürfnisse und Fähigkeiten; Gesellschaften. Die Wahrnehmung beeinflusst die Darbietung direkt (durch die Reaktionen des Publikums in seinem direkten Live-Kontakt mit dem Interpreten und auf andere Weise) und indirekt die Kreativität (da sich der Komponist freiwillig oder unfreiwillig auf die eine oder andere Art der musikalischen Wahrnehmung konzentriert und sich auf die Musiksprache verlässt die sich in einer bestimmten Gesellschaft entwickelt hat).

Zusammen mit Aktivitäten wie der Verbreitung und Propaganda von M. mit Hilfe von decomp. Medien, wissenschaftliche Musikforschung (siehe Musikwissenschaft, Musikethnographie, Musikästhetik), Kritik (siehe Musikkritik), Personalbildung, Organisationsführung etc. und die ihnen entsprechenden Institutionen, die Gegenstände dieser Tätigkeit und die generierten Werte Kreativität, Leistung und Wahrnehmung bilden dabei ein System – Musen. die Kultur der Gesellschaft. In der entwickelten Musikkultur wird Kreativität durch viele sich überschneidende Spielarten repräsentiert, to-rye kann nach dec unterschieden werden. Zeichen.

1) Nach Art des Inhalts: M. lyrisch, episch, dramatisch, sowie heroisch, tragisch, humorvoll usw.; in einem anderen aspekt – ernste musik und leichte musik.

2) Nach Aufführungszweck: Vokalmusik und Instrumentalmusik; in einem anderen Aspekt – Solo, Ensemble, Orchester, Chor, gemischt (mit eventueller weiterer Präzisierung der Kompositionen: zum Beispiel für ein Sinfonieorchester, für ein Kammerorchester, für Jazz usw.).

3) Durch Synthese mit anderen Kunstarten und mit dem Wort: M. theatralisch (siehe Theatermusik), choreographisch (siehe Tanzmusik), Instrumentalprogramm, Melodram (Musik lesen), Vokal mit Worten. M. außerhalb der Synthese – Vokalisierungen (Gesang ohne Worte) und „reines“ Instrumental (ohne Programm).

4) Nach Vitalfunktionen: Angewandte Musik (mit anschließender Unterscheidung in Produktionsmusik, Militärmusik, Signalmusik, Unterhaltungsmusik etc.) und nicht angewandte Musik.

5) Je nach Klangverhältnissen: M. zum reinhören. eine Umgebung, in der Zuhörer von Darstellern getrennt sind („dargestellter“ M., nach G. Besseler), und M. für Massenaufführungen und Zuhören in einer gewöhnlichen Lebenssituation („alltäglicher“ M.). Der erste ist wiederum in spektakulär und konzertant unterteilt, der zweite – in massenhaft und rituell. Jede dieser vier Spielarten (Genregruppen) lässt sich weiter differenzieren: spektakulär – auf M. für Musen. Theater, Schauspiel und Kino (siehe Filmmusik), Konzert – über symphonische Musik, Kammermusik und Popmusik. Musik, Messe-Alltag – auf M. für Gesang und für Bewegung, Ritual – auf M. Kult-Riten (siehe Kirchenmusik) und weltliche. Schließlich sind innerhalb beider Bereiche der massenhaften Alltagsmusik auf gleicher Basis in Verbindung mit der Vitalfunktion Liedgattungen (Hymne, Wiegenlied, Serenade, Barcarole etc.), Tanzgattungen (Hopak, Walzer, Polonaise etc.) zu nennen. ) und Marschieren (Kampfmarsch, Trauermarsch etc.).

6) Nach Art der Komposition und Musik. Sprache (zusammen mit darstellenden Mitteln): verschiedene einstimmig oder zyklisch. Genres innerhalb von Varietäten (Genregruppen), die gemäß Klangbedingungen identifiziert werden. Zum Beispiel unter den spektakulären M. – Oper, Ballett, Operette usw., unter dem Konzert – Oratorium, Kantate, Romanze, Sinfonie, Suite, Ouvertüre, Gedicht, Instr. Konzert, Solosonate, Trio, Quartett usw., unter den Zeremoniell – Hymnen, Choral, Messe, Requiem usw. Innerhalb dieser Gattungen wiederum lassen sich nach denselben Kriterien, aber unterschiedlichen, fraktionierte Gattungseinheiten unterscheiden Niveau: zum Beispiel Arie, Ensemble, Chor in Oper, Operette, Oratorium und Kantate, Adagio und Solovariation in Ballett, Andante und Scherzo in Symphonie, Sonate, Kammerinstr. Ensemble etc. Auch Genres (und Genregruppen) haben durch ihre Verbindung mit so stabilen außermusikalischen und intramusikalischen Faktoren wie Lebensfunktion, Aufführungsumstände und Art der Struktur eine große Stabilität, Dauerhaftigkeit, die manchmal mehrere Jahre andauert. Epochen. Gleichzeitig werden ihnen jeweils ein bestimmter inhaltlicher Bereich und bestimmte Eigenschaften der Musen zugeordnet. Formen. Mit einer Änderung des allgemeinen historischen Umfelds und der Bedingungen für das Funktionieren von M. in der Gesellschaft entwickeln sich jedoch auch Genres. Einige von ihnen verwandeln sich, andere verschwinden und machen Platz für neue. (Insbesondere im 20. Jahrhundert trugen die Entwicklung von Radio, Kino, Fernsehen und anderen technischen Mitteln zur Verbreitung von Medien zur Entstehung neuer Gattungen bei.) Infolgedessen wurde jede Epoche und jede Nation. Die Musikkultur zeichnet sich durch ihren „Genrefundus“ aus.

7) Nach Stilen (historisch, national, Gruppe, individuell). Stil ist wie Genre ein allgemeiner Begriff, der eine große Anzahl von Musen umfasst. Phänomene, die in gewisser Hinsicht ähnlich sind (Kap. arr. nach der Art des musikalischen Denkens, das in ihnen verkörpert ist). Dabei sind Stile in der Regel viel mobiler, wandelbarer als Genres. Wenn die Gattungskategorie die Gemeinsamkeit der Musen widerspiegelt. Werke der gleichen Art, die verschiedenen Stilen und Epochen angehören, dann in der Kategorie Stil – die Gemeinschaft von Werken verschiedener Gattungen, die derselben Epoche angehören. Mit anderen Worten, das Genre gibt eine musikhistorische Verallgemeinerung. Prozess in Sequenz, Diachronie und Stil – in Gleichzeitigkeit, Synchronität.

Aufführen wird wie Kreativität in vokales und instrumentales und weiter nach Instrumenten und nach der Zusammensetzung von Ensembles oder Orchestern unterteilt; nach Genregruppen (Musiktheater, Konzert usw.), manchmal auch nach Untergruppen (Symphonie, Kammermusik, Pop) und nach otd. Genres (Oper, Ballett, Lied usw.); nach Stilen.

Die Wahrnehmung wird nach dem Grad der Konzentration in Varianten unterteilt („Selbstwahrnehmung“ – in die eigene Leistung einbezogen; „konzentrierte“ Wahrnehmung – ganz auf das wahrgenommene Medium konzentriert und nicht von anderer Aktivität begleitet; „begleitend“ – begleitet von CL-Aktivität ); je nach Ausrichtung des Hörers auf die eine oder andere Art von M.-Inhalten (serious M. oder light), auf eine bestimmte Genregruppe oder sogar auf eine separate Gruppe. Genre (zum Beispiel für ein Lied), für einen bestimmten Stil; durch die Fähigkeit, den M. eines bestimmten Genres und Stils zu verstehen und angemessen zu bewerten (begabt, amateurhaft, inkompetent). Dem entsprechend gibt es eine Einteilung der Zuhörer in Schichten und Gruppen, letztlich bestimmt durch soziale Faktoren: Musik. Erziehung in einer bestimmten Gesellschaft. Umgebung, die Aufnahme ihrer Wünsche und Vorlieben, ihre üblichen Wahrnehmungsumstände von M. usw. (siehe Musikalische Erziehung, Musikalische Erziehung). Eine gewisse Rolle spielt auch die Differenzierung der Wahrnehmung nach psychologischen Gesichtspunkten. Zeichen (Analytik oder Synthetizität, das Vorherrschen eines rationalen oder emotionalen Ansatzes, die eine oder andere Haltung, ein Erwartungssystem gegenüber M. und der Kunst im Allgemeinen).

M. erfüllt wichtige gesellschaftliche Funktionen. Als Reaktion auf die vielfältigen Bedürfnisse der Gesellschaft tritt sie in Kontakt mit dec. Arten von Menschen. Aktivitäten – materiell (Teilnahme an Arbeitsprozessen und damit verbundenen Ritualen), kognitiv und bewertend (Reflexion der Psychologie sowohl einzelner Menschen als auch sozialer Gruppen, Ausdruck ihrer Ideologie), spirituell und transformativ (ideologische, ethische und ästhetische Wirkung), kommunikativ (Kommunikation zwischen Menschen). Besonders große Gesellschaften. Die Rolle von M. als Mittel der spirituellen Erziehung einer Person, der Glaubensbildung, der Moral. Qualitäten, ästhetische Vorlieben und Ideale, die Entwicklung von Emotionen. Reaktionsfähigkeit, Sensibilität, Freundlichkeit, Sinn für Schönheit, Anregung der Kreativität. Fähigkeiten in allen Lebensbereichen. All diese sozialen Funktionen von M. bilden ein System, das sich je nach Sozialhistorie verändert. Bedingungen.

Musikgeschichte. Zur Entstehung von M. im 19. Jahrhundert. und Anfang des 20. Jahrhunderts wurden Hypothesen aufgestellt, wonach die Ursprünge von M. die Intonationen emotional erregter Sprache (G. Spencer), der Gesang von Vögeln und die liebevollen Rufe von Tieren (C. Darwin), die Rhythmen der Arbeit der Naturvölker (K. Bucher), ihre Tonsignale (K. Stumpf), Magie. Zaubersprüche (J. Combarier). Nach moderner materialistischer Wissenschaft auf der Grundlage der Archäologie. und ethnografische Daten, in der primitiven Gesellschaft gab es einen langen Prozess der allmählichen „Reifung“ von M. im Inneren des Praktischen. Aktivitäten der Menschen und der daraus noch nicht hervorgegangenen primitiven Synkretik. komplexe — Vorkunst, die die Keime von M., Tanz, Poesie und anderen Kunstarten beherbergte und der Kommunikation, der Organisation gemeinsamer Arbeits- und Ritualprozesse und der emotionalen Wirkung auf ihre Teilnehmer diente, um die spirituellen Qualitäten zu erziehen notwendig für das Team. Anfänglich chaotisch, unorganisiert, eine weite Spannweite abdeckende Abfolge einer großen Anzahl von Geräuschen unbestimmter Höhe (Nachahmung von Vogelgesang, Tiergeheul etc.) wurden durch Melodien und Melodien ersetzt, die nur aus wenigen bestanden. Töne differenziert durch logisch. Wert in Referenz (stabil) und Seite (instabil). Mehrfache Wiederholung von melodischen und rhythmischen. Formeln, die in Gesellschaften verankert sind. Praxis, führte zu einem allmählichen Bewusstsein und einer Assimilation der Möglichkeiten der Logik. Organisation von Klängen. Es entstanden einfachste Musikklangsysteme (Musikinstrumente spielten bei ihrer Festigung eine wichtige Rolle), elementare Metrumtypen und Modusarten. Dies trug zum anfänglichen Bewusstsein möglicher Ausdrücke bei. Möglichkeiten von Tönen und deren Kombinationen.

Während der Zeit des Zerfalls des primitiven kommunalen (Stammes-) Systems, als Kunst. Tätigkeit wird allmählich von praktischem und synkretistischem getrennt. Der Vorkunstkomplex löst sich allmählich auf, und auch die Kunst wird als eigenständige Einheit geboren. Art der Forderung. In den Mythen verschiedener Völker, die sich auf diese Zeit beziehen, ist die Idee von M. als mächtige Kraft, die in der Lage ist, die Natur zu beeinflussen, wilde Tiere zu zähmen, einen Menschen von Krankheiten zu heilen usw. wird aufgezeichnet. Mit der Zunahme der Arbeitsteilung und der Entstehung von Klassen zunächst eine einheitliche und homogene Musik. die gesamtgesellschaftliche kultur wird in die kultur der herrschenden klassen und die kultur der unterdrückten (volk) sowie in berufs- und nicht-berufsbezogene (amateure) geteilt. Von diesem Zeitpunkt an beginnt es, unabhängig zu sein. die Existenz von Musik. Folklore als volkstümliche Klage. Musen. Kreativität der Volksmassen wird in Zukunft zur Grundlage der Musen. die Kultur der Gesellschaft als Ganzes, die reichste Quelle von Bildern und Ausdruck. Mittel für Prof. Komponisten.

Musen. Kultur der Sklavenhaltung und frühe Fehden. Staaten der Antike (Ägypten, Sumer, Assyrien, Babylon, Syrien, Palästina, Indien, China, Griechenland, Rom, die Staaten Transkaukasiens und Zentralasiens) ist bereits durch die umfangreiche Tätigkeit von Prof. Musiker (normalerweise eine Kombination aus einem Komponisten und einem Interpreten), die in Tempeln, an den Höfen der Herrscher und des Adels dienten, an rituellen Massenaktionen und Gesellschaften teilnahmen. Feste usw. M. behält Ch. Arr. praktische materielle und spirituelle Funktionen, die von der primitiven Gesellschaft geerbt und direkt mit ihr verbunden sind. Teilnahme an Arbeit, Alltag, Militärleben, zivilen und religiösen Riten, an der Erziehung der Jugend usw. Allerdings wird erstmals eine Trennung der Ästhetik skizziert. Funktionen erscheinen die ersten Musikbeispiele, die nur zum Anhören bestimmt sind (z. B. Gesänge und Instr.-Stücke, die in Griechenland bei Musikerwettbewerben aufgeführt werden). Verschiedene entwickeln sich. Gesang (episch und lyrisch) und Tanz. Genres, in denen Poesie, Gesang und Tanz ihre ursprüngliche Einheit bewahren. M. spielt eine große Rolle im Theater. Darstellungen, insbesondere in griechischer Sprache. Tragödie (Aischylos, Sophokles, Euripides waren nicht nur Dramatiker, sondern auch Musiker). Verschiedene Musen verbessern sich, nehmen eine stabile Form und ein stabiles Gebäude an. Instrumente (darunter Harfe, Leier, alte Blasinstrumente und Schlagzeug). Die ersten Schreibsysteme von M. erscheinen (Keilschrift, Hieroglyphen oder Alphabet), obwohl sie dominieren. die Form ihrer Bewahrung und Verbreitung bleibt mündlich. Die erste musikalische Ästhetik taucht auf. und theoretische Lehren und Systeme. Viele Philosophen der Antike schreiben über M. (in China – Konfuzius, in Griechenland – Pythagoras, Heraklit, Demokrit, Plato, Aristoteles, Aristoxenus, in Rom – Lucretius Carus). M. wird in Praxis und Theorie als naturwissenschaftlich, handwerklich und religionsnahe Tätigkeit betrachtet. Kult, als „Modell“ der Welt, das zur Kenntnis ihrer Gesetze beiträgt, und als stärkstes Mittel zur Beeinflussung von Natur (Magie) und Mensch (Bildung staatsbürgerlicher Eigenschaften, moralische Erziehung, Heilung usw.). In diesem Zusammenhang wird eine strenge öffentliche (in einigen Ländern – sogar staatliche) Regulierung der Verwendung von M. verschiedener Arten (bis hin zu einzelnen Modi) eingeführt.

Im Zeitalter des Mittelalters in Europa gibt es eine Muse. Kultur neuen Typs – feudale, vereinigende prof. Kunst, Laienmusik und Folklore. Da die Kirche in allen Bereichen des geistlichen Lebens dominiert, ist die Grundlage von Prof. Musikkunst ist die Tätigkeit von Musikern in Tempeln und Klöstern. weltlicher Prof. Kunst wird zunächst nur von Sängern repräsentiert, die Epos schaffen und aufführen. Legenden am Hof, in den Häusern des Adels, unter Kriegern etc. (Barden, Skalden etc.). Im Laufe der Zeit entwickelten sich laienhafte und semiprofessionelle Formen des ritterlichen Musizierens: in Frankreich – die Kunst der Troubadoure und Trouveure (Adam de la Halle, 13 -12. Jahrhundert) sowie Berge. Handwerker. In der Fehde. Burgen und Städte pflegten alle möglichen Genres, Genres und Liedformen (Epos, „Morgenröte“, Rondo, Le, Virelet, Balladen, Canzones, Laudas usw.). Neue Musen erwachen zum Leben. Werkzeuge, inkl. die aus dem Osten kamen (Bratsche, Laute usw.), entstehen Ensembles (instabile Kompositionen). Folklore gedeiht unter der Bauernschaft. Es gibt auch „Volksprofis“: Geschichtenerzähler, wandernde Kunststoffe. Künstler (Jongleure, Mimen, Minnesänger, Shpilmans, Possenreißer). M. spielt erneut Ch. Arr. angewandt und spirituell-praktisch. Funktionen. Kreativität wirkt in Einheit mit Leistung (in der Regel – in einer Person) und mit Wahrnehmung. Die Kollektivität dominiert sowohl im Inhalt der Masse als auch in ihrer Form; der individuelle Ansatz unterwirft sich dem Allgemeinen, ohne sich von ihm abzuheben (der Musikmeister ist der beste Repräsentant der Gemeinschaft). Strikter Traditionalismus und Kanonizität herrschen überall. Die Festigung, Bewahrung und Verbreitung von Traditionen und Standards (aber auch deren allmähliche Erneuerung) wurde durch den Übergang von Neumen erleichtert, die das Wesen des Melodischen nur annähernd andeuteten. Bewegung bis hin zur linearen Notation (Guido d'Arezzo, 13. Jahrhundert), die es ermöglichte, die Tonhöhe und dann ihre Dauer genau festzulegen.

Allmählich, wenn auch langsam, werden der Inhalt der Musik, ihre Genres, Formen und Ausdrucksmittel bereichert. Im Zapp. Europa vom 6. bis 7. Jahrhundert. ein streng geregeltes System monophoner (monodischer, siehe Monophonic, Monody) Kirche nimmt Gestalt an. M. auf der Grundlage von diatonisch. Bünde (gregorianischer Gesang), die Rezitation (Psalmodie) und Gesang (Hymnen) kombinieren. An der Wende vom 1. zum 2. Jahrtausend wird die Polyphonie geboren. Neue Woks entstehen. (Chor) und Wok.-Instr. (Chor und Orgel) Gattungen: Organum, Motette, Dirigieren, dann Messe. in Frankreich im 12. Jahrhundert. Die erste (kreative) Komponistenschule wurde in der Kathedrale Notre Dame (Leonin, Perotin) gegründet. Um die Wende der Renaissance (Ars-Nova-Stil in Frankreich und Italien, 14. Jahrhundert) in prof. M. Monophonie wird durch Polyphonie verdrängt, M. beginnt sich allmählich vom rein Praktischen zu lösen. Funktionen (im Dienste kirchlicher Riten), es erhöht die Bedeutung weltlicher Gattungen, inkl. Lieder (Guillaume de Machaux).

In Wost. Europa und Transkaukasien (Armenien, Georgien) entwickeln ihre eigenen Musen. Kulturen mit eigenständigen Systemen von Modi, Gattungen und Formen. In Byzanz, Bulgarien, Kiewer Rus, später Novgorod, blüht der Znamenny-Kultgesang (siehe Znamenny-Gesang), osn. auf dem diatonischen System. Stimmen, nur auf reinen Wok beschränkt. Genres (Troparia, Stichera, Hymnen usw.) und mit einem speziellen Notationssystem (Hooks).

Zur gleichen Zeit bildete sich im Osten (das arabische Kalifat, die Länder Zentralasiens, Iran, Indien, China, Japan) eine feudale Muse heraus. eine besondere Art von Kultur. Seine Zeichen sind die weite Verbreitung weltlicher Professionalität (sowohl höfischer als auch volkstümlicher), die Erlangung eines virtuosen Charakters, die Beschränkung auf mündliche Überlieferung und Monodich. Formen, die jedoch eine hohe Raffinesse in Bezug auf Melodie und Rhythmus erreichen, die Schaffung sehr stabiler nationaler und internationaler Musensysteme. Denken, Kombinieren eines streng definierten. Arten von Modi, Genres, Intonation und Kompositionsstrukturen (Mugams, Makams, Ragi usw.).

Während der Renaissance (14.-16. Jahrhundert) im Westen. und Mitte, Europa feudale Musik. Kultur beginnt sich in eine bürgerliche zu verwandeln. Weltliche Kunst gedeiht auf der Grundlage der Ideologie des Humanismus. M. im Mittel. Abschluss ist vom Pflichtpraktikum befreit. Ziel. Immer mehr tritt seine Ästhetik in den Vordergrund. und wissen. Funktionen, seine Fähigkeit, nicht nur als Mittel zur Steuerung des Verhaltens von Menschen zu dienen, sondern auch zur internen Reflexion. die menschliche Welt und die sie umgebende Realität. In M. wird der individuelle Anfang vergeben. Sie gewinnt größere Freiheit von der Macht traditioneller Kanons. Betriebe. Die Wahrnehmung wird schrittweise von Kreativität und Performance getrennt, das Publikum wird als unabhängig geformt. Musikkomponente. Kultur. Blühende Instr. Dilettantismus (Laute). Die weiteste Entfaltung erfährt der Haushaltswok. Musizieren (in den Wohnungen von Bürgern, Kreisen von Musikliebhabern). Für ihn werden einfache Polygoals geschaffen. Lieder – Villanella und Frottola (Italien), Chansons (Frankreich), sowie schwieriger aufzuführen und oft im Stil verfeinert (mit chromatischen Merkmalen) 4- oder 5-Tore. Madrigale (Luca Marenzio, Carlo Gesualdo di Venosa), inkl. zu den Versen von Petrarca, Ariosto, Tasso. In Deutschland sind semiprofessionelle Musiker aktiv. Städter-Handwerker-Vereinigungen – Werkstätten von Meistersängern, wo zahlreich. Lieder (Hans Sachs). Hymnen der Massengesellschaft, nat. und religiöse Bewegungen: Hussitenlied (Tschechische Republik), Lutherischer Gesang (Reformation und Bauernkrieg des 16. Jahrhunderts in Deutschland), Hugenottenpsalm (Frankreich).

Bei Prof. M. erreicht seinen Gipfelchor. Polyphonie a cappella (Polyphonie „strengen Stils“) ist rein diatonisch. Lagerhaus in den Genres Messe, Motette oder weltliches Polygon. Songs mit virtuosem Einsatz komplexer Imitationen. Formen (Kanon). Wichtigste Komponistenschulen: die französisch-flämische oder niederländische Schule (Guillaume Dufay, Johayane Okeghem, Jacob Obrecht, Josquin Despres, Orlando di Lasso), die römische Schule (Palestrina), die venezianische Schule (Andrea und Giovanni Gabrieli). Große Meister des Chores machen Fortschritte. Kreativität in Polen (Vaclav aus Shamotul, Mikolaj Gomulka), Tschechien. Gleichzeitig erlangt zum ersten Mal die Unabhängigkeit instr. M. entwickelt im Schwarm auch Nachahmung. Polyphonie (Orgelpräludien, Ricercars, Kanzonen der Venezianer A. und G. Gabrieli, Variationen des spanischen Komponisten Antonio Cabezon). Wissenschaft wird wiederbelebt. über M. nachgedacht, werden neue Mittel geschaffen. musiktheoretisch. Abhandlungen (Glarean in der Schweiz, G. Tsarlino und V. Galilei in Italien usw.).

In Russland nach der Befreiung von Mong.-Tat. das joch blüht m., in prof. M. erreicht eine hohe Entwicklung des Znamenny-Gesangs, entfaltet Kreativität. die Aktivitäten herausragender Komponisten-„Sänger“ (Fyodor Krestyanin), die ursprüngliche Polyphonie („drei Zeilen“) wird geboren, große Musen sind aktiv. Kollektive (Chor der „fürstlichen singenden Beamten“, 16. Jahrhundert).

Der Wandlungsprozess in Europa von den Musen. Kultur des feudalen Typs bis zur Bourgeoisie setzt sich im 17. Jahrhundert fort. und 1. Stock. 18. Jh. Die allgemeine Dominanz des weltlichen M. wird endgültig festgestellt (obwohl in Deutschland und einigen anderen Ländern der kirchliche M. weiterhin große Bedeutung behält). Der Inhalt umfasst eine breite Palette von Themen und Bildern, inkl. philosophisch, historisch, modern, bürgerlich. Zusammen mit Musizieren im Adel. Salons und Adelsgütern, in den Häusern der Repräsentanten des „Dritten Standes“ sowie auf dem Konto. Institutionen (Universitäten) wird intensiv öffentlich eingesetzt. Musikleben. Seine Herde sind ständige Musen. Institutionen offener Natur: Opernhäuser, Philharmonie. (Konzert) über-va. Bratschen werden durch moderne ersetzt. Streichinstrumenten (Violine, Cello usw.; hervorragende Meister ihrer Herstellung – A. und N. Amati, G. Guarneri, A. Stradivari aus Cremona, Italien), wurde das erste Pianoforte geschaffen (1709, B. Cristofori, Italien ). Der Notendruck (der bereits Ende des 15. Jahrhunderts entstand) entwickelt sich. Die Musik erweitert sich. Bildung (Konservatorien in Italien). Von Musen. Wissenschaft hebt sich von der Kritik ab (I. Mattheson, Deutschland, frühes 18. Jahrhundert).

In der Entwicklung des Komponistenschaffens war diese Periode durch die sich kreuzenden Einflüsse dieser Künste gekennzeichnet. Stile wie Barock (italienische und deutsche Instr. und Chor M.), Klassizismus (italienische und französische Oper), Rokoko (französische Instr. M.) und ein allmählicher Übergang von zuvor etablierten Genres, Stilen und Formen zu neuen, dominierenden Formen . Position in Europa M. bis heute. Unter den monumentalen Gattungen neben dem Fortbestehen von „Leidenschaften“ (Leidenschaften) über Religion. Themen und Messe treten schnell Oper und Oratorium in den Vordergrund. Kantate (Solo und Chor), Instr. Konzert (Solo und Orchester), Kammerinstr. Ensemble (Trio etc.), Sololied mit Instr. begleiten; Die Suite bekommt ein neues Aussehen (ihre Variante ist Partita), die alltägliche Tänze kombiniert. Am Ende der Periode, die Bildung von modernen. Symphonien und Sonaten, sowie Ballette als eigenständige. Genre. Parallel zur nachgeahmten Polyphonie des „freien Stils“, der seinen Höhepunkt erreicht, mit der breiten Verwendung der Chromatik auf der Grundlage derselben Modi (Dur und Moll), der noch früher gereifte, innerhalb der Polyphonie und in Alltagstanz, wird bejaht. M., homophon-harmonisch. Lager (die Oberstimme ist die Hauptstimme, der Rest ist Akkordbegleitung, siehe Homophonie), harmonische Kristallisation. Funktionen und einem darauf basierenden neuen Melodietyp ist die Praxis des Digitalbasses oder Generalbasses weit verbreitet (Improvisation durch den Spieler auf der Orgel, dem Cembalo oder der Laute zur harmonischen Begleitung einer Melodie oder eines Rezitativs, das auf der tieferen Stimme basiert vom Komponisten herausgegeben – Bass mit bedingter, digitaler Harmonienotation) . Gleichzeitig mit polyphonen Formen (Passacaglia, Chaconne, Fuge) werden einige homophone Formen hinzugefügt: Rondo, alte Sonate.

In Ländern, in denen zu dieser Zeit der Prozess der Bildung von Vereinten Nationen (Italien, Frankreich, England, teilweise Deutschland) stattfindet (oder endet), hochentwickelte nationale. Musikkultur. Unter ihnen sind Dominanz. die Rolle behält der Italiener. In Italien wurde die Oper geboren (Florenz, an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert), und die ersten klassischen Opern wurden geschaffen. Beispiele für dieses neue Genre (erste Hälfte des 1. Jahrhunderts, die venezianische Schule, C. Monteverdi) bilden seine stabilen Varianten, die sich in ganz Europa ausbreiten: eine ernsthafte Oper oder Opera seria, heroisch. und tragisch. Charakter, auf mythologische. und historische Handlungen (zweite Hälfte des 17. Jahrhunderts, neapolitanische Schule, A. Scarlatti) und Comic oder Opera buffa zu alltäglichen Themen (erste Hälfte des 2. Jahrhunderts, neapolitanische Schule, G. Pergolesi). Im selben Land erschienen das Oratorium (17) und die Kantate (herausragende Beispiele beider Gattungen stammen von G. Carissimi und A. Stradella). Endlich, an der Basis der Blütezeit liebt. und Konz. Performance (die größten Geigenvirtuosen – J. Vitali, A. Corelli, J. Tartini) entwickelt und aktualisiert Instr. M.: Orgel (1. Hälfte 18. Jahrhundert, G. Frescobaldi), Orchester, Ensemble, Solo für Streicher. Werkzeug. In der 1600. Etage. 1 – bitten. 17. Jahrhundert die Gattungen Concerto grosso (Corelli, Vivaldi) und Soloinstrument. Konzert (Vivaldi, Tartini), Varietäten („Kirche“ und „Kammer“) Triosonate (für 2 Streicher oder Blasinstrumente und Klavier oder Orgel – von Vitali) und Solosonate (für Violine oder für Solovioline und Klavier – von Corelli, Tartini, für das Clavier von D. Scarlatti).

In Frankreich gibt es spezielle nationale. Genre op. für Musik t-ra: „lyric. Tragödie “(eine monumentale Art von Oper) und Opernballett (J. B. Lulli, J. F. Rameau), Comedy-Ballett (Lully in Zusammenarbeit mit Moliere). Eine Galaxie herausragender Cembalisten – Komponisten und Interpreten (spätes 17. – frühes 18. Jahrhundert, F. Couperin, Rameau) – die Rondoformen (oft in Stücken mit programmatischem Charakter) und Variationen entwickelten, traten in den Vordergrund. In England entstand an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert, in der Ära Shakespeares, Europas erste Komponistenschule für Klaviermusik – die Virginalisten (W. Vogel und J. Stier). M. nimmt einen großen Platz im Shakespeare-Theater ein. Im 2. Stock. 17. Jahrhundert hervorragende Beispiele für nat. Oper, Chor, Orgel, Kammerinstr. und Clavier M. (G. Purcell). Im 1. Stock. Die Kreativität des 18. Jahrhunderts entfaltet sich in Großbritannien. Aktivitäten von g. F. Händel (Oratorien, Opera seria), zur gleichen Zeit. die Geburt eines nationalen Comic-Genres. Oper – Balladenoper. In Deutschland erscheinen im 17. Jahrhundert originale Oratorienwerke („Passionen“ etc.) und die ersten Beispiele für Vaterländer. Oper und Ballett (G. Schutz), blüht org. Kunst (d. Buxtehude, I. Fröberger, I. Pachelbel). Im 1. Stock. 18. Jahrhundert bedeutet. Prod. in vielen Gattungen („Passionen“, andere Oratoriengattungen; Kantaten; Fantasien, Präludien, Fugen, Sonaten für Orgel und Klavier, Suiten für Klavier; Konzerte für Orchester und für einzelne Instrumente usw.) schafft J. S. Bach, dessen Werk das Ergebnis und der Höhepunkt aller bisherigen Entwicklung des Europäers war. Polyphonie und alle M. Barock. In Spanien entstehen originelle Musiktheater. opernartige Genres mit umgangssprachlichen Dialogen: Zarzuela (dramatischer Inhalt), Tonadilla (Comic). In Russland ist die Polyphonie in der Kultmusik auf dem Vormarsch (Partesingen des späten 17. und frühen 18. Jahrhunderts – Chorkonzerte von V. Titow und N. Kalatschnikow). Gleichzeitig wurde in der Ära der Reformen von Peter I. die weltliche Berufsmusik geboren (Panoramagesänge) und die Entwicklung der städtischen Alltagsmusik aktiviert (lyrische Gesänge, Psalmen). Die Entwicklung des europäischen M. 2. Stock. Das 18. und frühe 19. Jahrhundert steht unter dem Einfluss der Ideen der Aufklärung und dann der großen Franzosen. Revolution, die nicht nur eine neue Massen-Alltagsmusik hervorbrachte (Märsche, Heldenlieder, darunter die Marseillaise, Massenfeste und revolutionäre Rituale), sondern auch in anderer Musik eine direkte oder indirekte Antwort fand. Genres. Barock, „galanter Stil“ (Rokoko) und edler Klassizismus weichen der Dominanz des Bürgerlichen. (aufklärerischer) Klassizismus, der die Ideen der Vernunft, Gleichheit der Menschen, Dienst an der Gesellschaft, hohe ethische Ideale bejaht. Im Französischen Der höchste Ausdruck dieser Bestrebungen war das Opernwerk von K. Gluck, in den österreichisch-deutschen – symphonischen, Opern- und Kammermusikwerken der Vertreter der Wiener Klassik J. Heydn, W. A. Mozart und L.

passieren bedeutet. Fortschritte in allen Bereichen prof. M. Gluck und Mozart reformieren, jeder auf seine Weise, die Operngattung und versuchen, die verknöcherte Konventionalität des Aristokratischen zu überwinden. „ernste“ Oper. In verschiedenen Ländern entwickeln sich nahe beieinander liegende Demokratien schnell. Genres: Opera buffa (Italien – D. Cimarosa), Comic. Oper (Frankreich – JJ Rousseau, P. Monsigny, A. Gretry; Russland – VA Pashkevich, EI Fomin), Singspiel (Österreich – Haydn, Mozart, K. Dittersdorf). Während der Großen Französischen Revolution taucht die heroische „Oper der Erlösung“ auf. und Melodram. Plots (Frankreich – L. Cherubini, JF Lesueur; Österreich – Beethovens Fidelio). Als unabhängig getrennt. Ballettgattung (Gluck, Beethoven). Im Werk von Haydn, Mozart, Beethoven ist es fest und erhält einen Klassiker. die Verkörperung der Gattung Symphonie in ihrer Moderne. Verstehen (4-teiliger Zyklus). Zuvor spielten bei der Entstehung der Sinfonie (wie auch bei der endgültigen Formation des Sinfonieorchesters modernen Typs) Tschechisch (J. Stamitz) und Deutsch eine wichtige Rolle. Musiker, die in Mannheim (Deutschland) gearbeitet haben. Parallel dazu sind der klassische große Sonatentyp und Kammerinstr. Ensemble (Trio, Quartett, Quintett). Die Form des Sonaten-Allegros wird entwickelt und eine neue, dialektische Form gebildet. die Methode des musikalischen Denkens ist der Symphonismus, der in Beethovens Werk seinen Höhepunkt erreichte.

In den M. slawischen Völkern (Russland, Polen, Tschechische Republik) geht die Entwicklung des Wok weiter. Genres (Chorkonzert in Russland – MS Berezovsky, DS Bortnyansky, Alltagsromantik) erscheinen die ersten Vaterländer. Oper wird der Boden bereitet für die Entstehung von nat. Musikklassiker. In ganz Europa. Prof. M. polyphon. Stile werden meist durch homophon-harmonische ersetzt; das funktionelle System der Harmonie wird schließlich geformt und gefestigt.

Im 19. Jahrhundert in den meisten europäischen Ländern und im Norden. Amerika vervollständigt die Erziehung der Musen. Kultur „klassisch“. bürgerlicher Typ. Dieser Prozess vollzieht sich vor dem Hintergrund und unter dem Einfluss der aktiven Demokratisierung aller Gesellschaften. und Musik. Leben und Überwindung der vom Feudalismus geerbten Klassenschranken. Von aristokratischen Salons, Hoftheatern und Kapellen, kleinen konz. Hallen, die für einen geschlossenen Kreis eines privilegierten Publikums bestimmt sind, betritt M. die weitläufigen Räumlichkeiten (und sogar auf dem Platz), die dem demokratischen Zugang offen stehen. Zuhörer. Es gibt viele neue Musen. Theater, konz. Institutionen, aufklären. Organisationen, Musikverlage, Musik. uch. Institutionen (darunter Konservatorien in Prag, Warschau, Wien, London, Madrid, Budapest, Leipzig, St. Petersburg, Moskau ua; etwas früher, Ende des 18. Jahrhunderts, wurde in Paris ein Konservatorium gegründet). Musen erscheinen. Zeitschriften und Zeitungen. Der Prozess der Leistung wird schließlich als unabhängig von der Kreativität getrennt. Art der Musiktätigkeit, vertreten durch eine große Anzahl von Ensembles und Solisten (die herausragendsten Interpreten des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts: Pianisten – F. Liszt, X. Bülow, AG und NG Rubinstein, SV Rachmaninov; Geiger – N. Paganini, A. Vieton, J. Joachim, F. Kreisler; Sänger – G. Rubini, E. Caruso, FI Chaliapin; Cellist P. Casals, Dirigenten – A. Nikish, A. Toscanini). Abgrenzung Prof. Kreativität mit Leistung und Anziehungskraft auf ein Massenpublikum tragen zu ihrer rasanten Entwicklung bei. Gleichzeitig wird die Schichtung der einzelnen nat. Kulturen in richtig bürgerlich und demokratisch. Die Kommerzialisierung der Musik nimmt zu. Leben, gegen das progressive Musiker kämpfen. M. nimmt einen immer wichtigeren Platz im gesellschaftlichen und politischen Bereich ein. Leben. Es entwickelt sich eine allgemeine demokratische und dann eine Arbeiterrevolution. Lied. Seine besten Muster („International“, „Red Banner“, „Varshavyanka“) werden von international erworben. Bedeutung. Neben dem zuvor gebildeten nat. Junge Komponistenschulen neuen Typs blühen auf: Russisch (gegründet von MI Glinka), Polnisch (F. Chopin, S. Moniuszko), Tschechisch (B. Smetana, A. Dvorak), Ungarisch (F. Erkel, F. Liszt) , Norwegisch (E. Grieg), Spanisch (I. Albeniz, E. Granados).

In der Arbeit des Komponisten einer Reihe von europäischen. Länder im 1. Halbjahr. Die Romantik des 19. Jahrhunderts wird bestätigt (deutscher und österreichischer M. – ETA Hoffmann, KM Weber, F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann; Franzose – G. Berlioz; Ungar – Liszt; Polnisch – Chopin , Russisch – AA Alyabiev, AN Werstowski). Seine charakteristischen Merkmale in M. (im Vergleich zur Klassik): verstärkte Aufmerksamkeit für die Gefühlswelt des Individuums, Individualisierung und Dramatisierung von Texten, die Förderung des Themas der Dissonanz zwischen Individuum und Gesellschaft, zwischen Ideal und Wirklichkeit und ein Appell zum historischen. (Mitte des Jahrhunderts), volkstümlich-sagenhafte und volkstümlich-alltägliche Szenen und Naturbilder, Interesse an Nationalem, Geschichtlichem. und geografisch die Originalität der reflektierten Wirklichkeit, eine konkretere Verkörperung des Nationalen anhand von Liedern verschiedener Völker, die Stärkung der Rolle des Gesangs, des Liedansatzes sowie der Farbigkeit (in Harmonie und Orchestrierung), eine freiere Interpretation von Traditionen. Gattungen und Formen und die Schaffung neuer (symphonische Dichtung), der Wunsch nach einer vielfältigen Synthese von M. mit anderen Künsten. Programmierte Musik wird entwickelt (basierend auf Handlungen und Themen aus Volksepos, Literatur, Malerei usw.), Instr. Miniatur (Präludium, musikalischer Moment, Impromptu etc.) und ein Zyklus von programmatischen Miniaturen, Romantik und Kammerwok. Zyklus, „große Oper“ dekorativer Art über das Legendäre und Historische. Themen (Frankreich – J. Meyerbeer). In Italien erreicht die Opera buffa (G. Rossini) die Spitze, nat. Varietäten romantischer Opern (lyrisch – V. Bellini, G. Donizetti; heroisch – frühe G. Verdi). Russland bildet seine eigenen nationalen Musikklassiker, erlangt weltweite Bedeutung, es entstehen originelle Arten der Volksgeschichte. und episch. Opern, aber auch Sinfonien. M. auf der Koje. Themen (Glinka) erreicht das Liebesroman-Genre eine hohe Entwicklungsstufe, in der psychologische Züge allmählich heranreifen. und Alltagsrealismus (AS Dargomyzhsky).

Alle R. und 2. Stock. Im 19. Jahrhundert setzen einige westeuropäische Komponisten die Romantik fort. Regie in Oper (R. Wagner), Symphonie (A. Bruckner, Dvorak), Software-Instr. M. (Liszt, Grieg), Lied (X. Wolf) oder versuchen, die Stilprinzipien von Romantik und Klassik zu verbinden (I. Brahms). In Kontakt mit der romantischen Tradition bleiben originelle Wege italienisch. Oper (ihr Höhepunkt ist das Werk von Verdi), Französisch. Oper (Ch. Gounod, J. Wiese, J. Massenet) und Ballett (L. Delibes), polnische und tschechische Oper (Moniuszko, Smetana). In der Arbeit einer Reihe von Westeuropäern. Komponisten (Verdi, Bizet, Wolf etc.) verstärken sich die Tendenzen zum Realismus. Sie manifestieren sich besonders deutlich und breit in der russischen M. dieser Periode, die ideologisch mit dem Demokratischen verbunden ist. Gesellschaften. Bewegung und fortgeschrittene Literatur (der verstorbene Dargomyzhsky; die Komponisten von The Mighty Handful sind MA Balakirev, AP Borodin, MP Mussorgsky, NA Rimsky-Korsakov und Ts. A. Cui; PI Tschaikowsky). Basierend auf dem russischen nar. Lieder, sowie M. East rus. Komponisten (Mussorgsky, Borodin und Rimsky-Korsakov) entwickeln neue melodische, rhythmische. und harmonisch. Mittel, die Europa erheblich bereichern. Bundsystem.

Von Ser. 19. Jahrhundert in Zap. Europa, ein neues Musiktheater entsteht. Genre – Operette (Frankreich – F. Herve, J. Offenbach, Ch. Lecoq, R. Plunket; Österreich – F. Suppe, K. Millöker, J. Strauss-Sohn, später hung. Komponisten, Vertreter der „Neuwiener ” Schule von F. Legar und I. Kalman). Bei Prof. Kreativität hebt sich von selbst ab. die Linie „leichter“ (Alltagstanz) M. (Walzer, Polkas, Galopps von I. Strauss-Sohn, E. Waldteuffel). Die Unterhaltungsszene ist geboren. M. als unabhängig. Musikindustrie. Leben.

Im con. 19. und frühes 20. Jahrhundert in Europa In Moskau beginnt eine Übergangszeit, die dem Beginn des Imperialismus als höchste und letzte Stufe des Kapitalismus entspricht. Diese Periode ist durch eine Krise mehrerer Vorgänger gekennzeichnet. Ideologische und stilistische Tendenzen.

Die etablierten Traditionen werden weitgehend überarbeitet und oft aktualisiert. Im Zusammenhang mit der Veränderung des allgemeinen „spirituellen Klimas“ entstehen neue Methoden und Stile. Die Musikressourcen werden erweitert. Ausdruckskraft wird intensiv nach Mitteln gesucht, die eine geschärfte und verfeinerte Wahrnehmung der Realität vermitteln können. Gleichzeitig wachsen die Tendenzen des Individualismus und des Ästhetizismus, in einigen Fällen besteht die Gefahr, ein großes gesellschaftliches Thema (Modernismus) zu verlieren. In Deutschland und Österreich endet die romantische Linie. Sinfonie (G. Mahler, R. Strauss) und Musik entstehen. Expressionismus (A. Schönberg). Auch andere neue Strömungen entwickelten sich: in Frankreich der Impressionismus (C. Debussy, M. Ravel), in Italien der Verismo (Opern von P. Mascagni, R. Leoncavallo und teilweise G. Puccini). In Russland werden die Linien, die von den „Kuchkisten“ und Tschaikowsky kommen (SI Taneev, AK Glasunow, AK Ljadow, SV Rachmaninow), fortgesetzt und teilweise gleichzeitig entwickelt. es entstehen auch neue phänomene: eine art von musik. Symbolik (AN Skryabin), Modernisierung von nar. Fabelwesen und „barbarische“ Antike (frühe IF Strawinsky und SS Prokofjew). Die Grundlagen der nationalen Musikklassiker in der Ukraine (NV Lysenko, ND Leontovich), in Georgien (ZP Paliashvili), Armenien (Komitas, AA Spendiarov), Aserbaidschan (U. Gadzhibekov), Estland (A. Kapp), Lettland (J. Vitol), Litauen (M. Čiurlionis), Finnland (J. Sibelius).

Klassisches europäisches Musiksystem. Das Denken, das auf funktionaler Dur-Moll-Harmonie basiert, erfährt im Werk einer Reihe von Komponisten tiefgreifende Veränderungen. Abt. Die Autoren, die das Prinzip der Tonalität bewahren, erweitern ihre Basis mit natürlichen (diatonischen) und künstlichen Modi (Debussy, Strawinsky) und sättigen sie mit reichlichen Änderungen (Scriabin). Andere verlassen dieses Prinzip im Allgemeinen und gehen zur atonalen Musik über (Schoenberg, American C. Ive). Die Schwächung harmonischer Verbindungen regte die Wiederbelebung des Theoretischen an. und kreatives Interesse an Polyphonie (Russland – Taneyev, Deutschland – M. Reger).

Von 1917-18 bürgerliche Musik. Kultur trat in eine neue Periode ihrer Geschichte ein. Ihre Entwicklung wird stark von gesellschaftlichen Faktoren wie dem politischen Engagement von Millionen von Menschen beeinflusst. und Gesellschaften. Leben, das mächtige Wachstum der Masse wird befreien. Bewegungen, das Entstehen in einer Reihe von Ländern, im Gegensatz zu den bürgerlichen, neuen Gesellschaften. System – sozialistisch. Meint. Einfluss auf das Schicksal von M. in der Moderne. Die bürgerliche Gesellschaft hatte auch eine schnelle wissenschaftliche und technische. Fortschritt, der zur Entstehung neuer Massenmedien führte: Kino, Radio, Fernsehen, Tonträger. Infolgedessen hat sich die Metaphysik weltweit verbreitet und ist in alle „Poren“ der Gesellschaften vorgedrungen. Leben, das mit Hilfe der Massenmedien im Leben von Hunderten von Millionen Menschen verwurzelt ist. Enorme neue Kontingente von Zuhörern schlossen sich ihr an. Seine Fähigkeit, das Bewusstsein der Mitglieder der Gesellschaft, all ihr Verhalten zu beeinflussen, hat stark zugenommen. Musen. Leben im entwickelten Kapitalismus. Ländern einen äußerlich stürmischen, oft fiebrigen Charakter an. Ihre Kennzeichen waren die Fülle an Festivals und Wettbewerben, begleitet von einem Werberummel, der rasante Wechsel der Mode, ein Kaleidoskop künstlich erzeugter Sensationen.

In den kapitalistischen Ländern heben sich zwei Kulturen noch deutlicher ab, die ideologisch gegensätzlich sind. Richtungen zueinander: bürgerlich und demokratisch (einschließlich sozialistischer. Elemente). Bursch. Kultur tritt in zwei Formen auf: Elite und „Masse“. Die erste davon ist antidemokratisch; oft leugnet es der Kapitalist. Lebensweise und kritisiert bürgerlich. Moral aber nur aus kleinbürgerlichen Positionen. Individualismus. Burzh. Die „Massen“-Kultur ist pseudodemokratisch und dient in Wirklichkeit den Interessen von Herrschaften, Klassen und lenkt die Massen vom Kampf für ihre Rechte ab. Seine Entwicklung unterliegt den Gesetzen des Kapitalismus. Warenproduktion. Eine ganze „Leichtgewichtsindustrie“ wurde geschaffen, die ihren Besitzern enorme Gewinne einbringt; M. ist in seiner neuen Werbefunktion weit verbreitet. Die demokratische Musikkultur wird durch die Aktivitäten vieler fortschrittlicher Musiker repräsentiert, die für die Eindämmung kämpfen. eine Klage, die die Ideen von Humanismus und Nationalität bekräftigt. Beispiele für eine solche Kultur sind neben den Werken des Musiktheaters. und Konz. Genres, viele revolutionäre Songs. Bewegung und antifaschistischer Kampf der 1920-40er Jahre. (Deutschland - X. Eisler), neuzeitlich. Politische Protestlieder. In seiner Entwicklung zusammen mit Prof. Breite Massen von Semi-Profis und Amateuren spielten und spielen als Musiker eine große Rolle.

Im 20. Jahrhundert Komponistenkreativität im Kapitalismus. Länder zeichnet sich durch eine beispiellose Vielfalt und Vielfalt stilistischer Trends aus. Der Expressionismus erreicht seinen Höhepunkt, gekennzeichnet durch eine scharfe Ablehnung der Realität, erhöhte Subjektivität und Intensität der Emotionen (die Neue Wiener Schule – Schönberg und seine Schüler A. Berg und A. Webern sowie der italienische Komponist L. Dallapiccola – entwickelte eine streng regulierte System der atonalen melodischen Dodekaphonie). Der Neoklassizismus ist weit verbreitet, geprägt von dem Wunsch, von den unüberbrückbaren Widersprüchen der Moderne wegzukommen. Gesellschaften. Leben in der Welt der Bilder und Musen. Formen des 16.-18. Jahrhunderts, stark ausgeprägter Rationalismus (Strawinsky in den 20-50er Jahren; Deutschland – P. Hindemith; Italien – O. Respighi, F. Malipiero, A. Casella). Der Einfluss dieser Strömungen wurde bis zu einem gewissen Grad auch von anderen großen Komponisten erfahren, denen es jedoch im Großen und Ganzen gelang, die Beschränkungen der Strömungen aufgrund ihrer Verbindung mit dem Demokratischen zu überwinden. und realistisch. Trends der Ära und von Nar. Kreativität (Ungarn – B. Bartok, Z. Kodai; Frankreich – A. Honegger, F. Poulenc, D. Millau; Deutschland – K. Orff; Polen – K. Shimanovsky; Tschechoslowakei – L. Janacek, B. Martinu; Rumänien – J. Enescu, Großbritannien – B. Britten).

In den 50er Jahren. Es gibt verschiedene Musikrichtungen. Avantgarde (Deutschland – K. Stockhausen; Frankreich – P. Boulez, J. Xenakis; USA – J. Cage; Italien – L. Berio, teilweise L. Nono, der sich durch seine fortschrittlichen politischen Positionen auszeichnet), völlig brechend mit der Klassik. Traditionen und Pflege spezifischer Musik (Montage von Geräuschen), Elektronische Musik (Montage von durch Kunst gewonnenen Klängen), Sonorismus (Montage disparater musikalischer Klänge ungewöhnlicher Klangfarben), Aleatorik (Kombination einzelner Klänge oder Abschnitte musikalischer Form nach dem Zufallsprinzip). ). Avantgardismus drückt in der Regel die Stimmung des Kleinbürgers in der Arbeit aus. Individualismus, Anarchismus oder anspruchsvoller Ästhetizismus.

Ein charakteristisches Merkmal der Welt M. 20. Jahrhundert. – Erwachen zu neuem Leben und intensivem Musenwachstum. Kulturen der Entwicklungsländer Asiens, Afrikas, Lat. Amerika, ihre Interaktion und Annäherung an die europäischen Kulturen. Art. Begleitet werden diese Prozesse von einem scharfen Kampf progressiver Musiker einerseits gegen die nivellierenden Einflüsse Westeuropas. und nordamerikanisch. elitären und Pseudomassen-M., infiziert mit Kosmopolitismus, und andererseits gegen die Reaktionäre. Erhaltungstrends nat. Kulturen in unerschütterlicher Form. Für diese Kulturen dienen die Länder des Sozialismus als Beispiel für die Lösung des Problems des Nationalen und Internationalen in Moldawien.

Nach dem Sieg des Großen Oktobersozialisten. Revolution im Sowjetland (nach dem 2. Weltkrieg 1939-1945 und in einer Reihe anderer Länder, die den Weg des Sozialismus einschlugen), entstand eine musikalische Musik. Kultur eines grundlegend neuen Typs – sozialistisch. Sie zeichnet sich durch einen konsequent demokratischen, bundesweiten Charakter aus. In den sozialistischen Ländern wurde ein ausgedehntes und verzweigtes Netz öffentlicher Musik geschaffen. Institutionen (Theater, Philharmonien, Bildungseinrichtungen usw.), Opern- und Konzertgruppen, die musikalisch und ästhetisch auftreten. Aufklärung und Erziehung des ganzen Volkes. In Kooperation mit Prof. Klage entwickeln Massenmusik. Kreativität und Performance in Form von Laiendarbietungen und Folklore. Alle Nationen und Nationalitäten, inkl. und hatte zuvor keine Musik geschrieben. Kulturen, bekamen die Gelegenheit, die ursprünglichen Merkmale ihres Volkes vollständig zu offenbaren und zu entwickeln. M. und gleichzeitig die Höhen der Welt prof beitreten. Kunst, solche Genres wie Oper, Ballett, Symphonie, Oratorium zu beherrschen. Nationale Musikkulturen interagieren aktiv miteinander, tauschen Personal, kreative Ideen und Errungenschaften aus, was zu ihrer engen Zusammenführung führt.

Führende Rolle in der Weltmusik. Anspruch ve 20 Jahrhundert. gehört zu den Eulen. M. Viele herausragende Komponisten traten in den Vordergrund (darunter Russen – N. Ya. Myaskovsky, Yu. A. Shaporin, SS Prokofjew, DD Schostakowitsch, V. Ya. Shebalin, DB Kabalevsky, TN Khrennikov, GV Sviridov, RK Shchedrin; Tatar – N. Zhiganov, Dagestan – G. Gasanov, Sh. Chalaev, Ukrainer – LN Revutsky, BN Lyatoshinsky, Weißrusse – EK Tikotsky, AV Bogatyrev, Georgier – Sh. Harutyunyan, AA Babadzhanyan, EM Mirzoyan, Aserbaidschaner – K. Karaev, F Amirov, Kasachisch – EG Brusilovsky, M. Tulebaev, Usbeke – M. Burkhanov, Turkmene – V. Muchatov, Estnisch – E. Kapp, G. Ernesaks, E. Tamberg, Lettisch – J. Ivanov, M. Zarin, Litauisch – B. Dvarionas, E. Balsis) sowie Interpreten (EA Mravinsky, EP Svetlanov, GN Rozhdestvensky, KN Igumnov, VV Sofronitsky, ST Richter, EG Gilels, DF Oistrach, LB Kogan, LV Sobinov, AV Nezhdan ova, IS Kozlovsky , S. Ya. Lemeshev, ZA Dolukhanova), Musikwissenschaftler (BV Asafiev) und andere Musik. Zahlen.

Ideologisch und ästhetisch. die Basis der Eulen. Die Mathematik setzt sich aus den Prinzipien der Parteilichkeit und Nationalität in der Kunst zusammen, der Methode des sozialistischen Realismus, die eine Vielfalt von Gattungen, Stilen und individuellen Umgangsformen vorsieht. In den Eulen fand M. ein neues Leben, viele Traditionen. Musikgenres. Oper, Ballett, Symphonie, die Klassik beibehalten. große, monumentale Form (im Westen weitgehend verloren), wurden unter dem Einfluss der Themen Revolution und Moderne von innen aktualisiert. Auf der Grundlage der historischen Revolution. und volkspatriotisch. Thema blühender Chor. und wok.-symp. M. (Oratorium, Kantate, Gedicht). Eulen. Poesie (zusammen mit Klassik und Folklore) stimulierte die Entwicklung des romantischen Genres. Neues Genre Prof. kompositorische Kreativität war das Lied – Masse und Alltag (AV Aleksandrov, AG Novikov, AA Davidenko, Dm. Ya. und Dan. Ya. Pokrassy, ​​​​IO Dunaevsky, VG Zakharov, MI Blanter, VP Solovyov-Sedoy, VI Muradeli, BA Mokrousov, AI Ostrovsky, AN Pakhmutova, AP Petrov). Eulen. Das Lied spielte eine große Rolle im Leben und Kampf von Nar. Massen und hatte starken Einfluss auf andere Musen. Genres. In allen Musen. Kulturen der Völker der UdSSR erhalten modern. Brechung und Entwicklung der Tradition der Folklore und gleichzeitig auf der Grundlage der sozialistischen. Inhalt wurde angereichert und transformiert nat. Stile, die viele neue Intonationen und andere Ausdrucksmittel aufgenommen haben.

Meint. Erfolge in der Konstruktion von Musik. Kulturen wurden auch in anderen sozialistischen Ländern erreicht, wo viele herausragende Komponisten gewirkt haben und weiterhin wirken (DDR – H. Eisler und P. Dessau; Polen – V. Lutoslawski; Bulgarien – P. Vladigerov und L. Pipkov; Ungarn – Z Kodály, F. Sabo, Tschechoslowakei – V. Dobiash, E. Suchon).

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