Michail Sergejewitsch Woskresenski |

Michail Voskresensky

Ruhm erlangt ein Künstler auf unterschiedliche Weise. Jemand wird fast unerwartet für andere (manchmal für sich selbst) berühmt. Glory blinkt für ihn sofort und bezaubernd hell; So trat Van Cliburn in die Geschichte des Klavierspiels ein. Andere beginnen langsam. Im Kollegenkreis zunächst unauffällig, gewinnen sie nach und nach an Anerkennung – ihre Namen werden aber meist mit großem Respekt ausgesprochen. Dieser Weg ist erfahrungsgemäß oft zuverlässiger und wahrer. Zu ihnen ging Mikhail Voskresensky in die Kunst.

Er hatte Glück: Das Schicksal brachte ihn mit Lev Nikolaevich Oborin zusammen. In Oborin gab es Anfang der fünfziger Jahre – zu der Zeit, als Woskresensky zum ersten Mal die Schwelle seiner Klasse betrat – nicht so viele wirklich brillante Pianisten unter seinen Schülern. Voskresensky gelang es, die Führung zu erringen, er wurde einer der Erstgeborenen unter den Preisträgern internationaler Wettbewerbe, die von seinem Professor vorbereitet wurden. Darüber hinaus. Zurückhaltend, manchmal vielleicht ein wenig distanziert in seinen Beziehungen zur studentischen Jugend, machte Oborin eine Ausnahme für Woskresensky – wählte ihn unter den anderen Studenten aus und machte ihn zu seinem Assistenten am Konservatorium. Viele Jahre arbeitete der junge Musiker Seite an Seite mit dem renommierten Meister. Wie kein anderer war er den verborgenen Geheimnissen der darstellenden und pädagogischen Kunst von Oborinsky ausgesetzt. Die Kommunikation mit Oborin gab Woskresensky außergewöhnlich viel, bestimmte einige der grundlegend wichtigen Facetten seines künstlerischen Auftretens. Aber dazu später mehr.

Mikhail Sergeevich Voskresensky wurde in der Stadt Berdyansk (Region Zaporozhye) geboren. Er verlor früh seinen Vater, der während des Großen Vaterländischen Krieges starb. Er wurde von seiner Mutter erzogen; sie war Musiklehrerin und gab ihrem Sohn einen ersten Klavierkurs. Die ersten Jahre nach Kriegsende verbrachte Voskresensky in Sewastopol. Er studierte in der High School und spielte weiterhin Klavier unter der Aufsicht seiner Mutter. Und dann wurde der Junge nach Moskau versetzt.

Er wurde am Ippolitov-Ivanov Musical College aufgenommen und in die Klasse von Ilya Rubinovich Klyachko geschickt. „Ich kann nur die besten Worte über diesen hervorragenden Menschen und Spezialisten sagen“, teilt Voskresensky seine Erinnerungen an die Vergangenheit. „Ich kam als sehr junger Mann zu ihm; Ich habe mich vier Jahre später als erwachsener Musiker von ihm verabschiedet, viel gelernt, viel gelernt … Klyachko setzte meinen kindlich naiven Vorstellungen vom Klavierspiel ein Ende. Er stellte mir ernsthafte künstlerische und darstellerische Aufgaben, brachte echte musikalische Bilder in die Welt …“

In der Schule zeigte Voskresensky schnell seine bemerkenswerten natürlichen Fähigkeiten. Er spielte oft und erfolgreich auf offenen Partys und Konzerten. Begeistert arbeitete er an der Technik: er lernte zum Beispiel alle fünfzig Etüden (op. 740) von Czerny; Dies stärkte seine Position im Klavierspiel erheblich. („Cherny hat mir als Interpret außerordentlich großen Nutzen gebracht. Ich würde keinem jungen Pianisten empfehlen, diesen Autor während seines Studiums zu umgehen.“) Mit einem Wort, es fiel ihm nicht schwer, in das Moskauer Konservatorium einzutreten. Er wurde 1953 als Student im ersten Jahr eingeschrieben. Ya. I. Milshtein war sein Lehrer, aber bald zog er nach Oborin.

Es war eine heiße, intensive Zeit in der Biografie der ältesten Musikinstitution des Landes. Die Zeit der Aufführungswettbewerbe begann… Voskresensky, als einer der führenden und „stärksten“ Pianisten der Oborinsky-Klasse, würdigte den allgemeinen Enthusiasmus voll und ganz. 1956 ging er zum Internationalen Schumann-Wettbewerb nach Berlin und kehrte von dort mit dem dritten Preis zurück. Ein Jahr später hat er eine „Bronze“ beim Klavierwettbewerb in Rio de Janeiro. 1958 – Bukarest, Enescu-Wettbewerb, zweiter Preis. 1962 schließlich absolvierte er seinen Wettkampf-„Marathon“ beim Van-Cliburn-Wettbewerb in den USA (dritter Platz).

„Wahrscheinlich gab es wirklich zu viele Wettkämpfe auf meinem Lebensweg. Aber nicht immer, sehen Sie, hier hing alles von mir ab. Manchmal waren die Umstände so, dass es nicht möglich war, die Teilnahme am Wettbewerb zu verweigern … Und dann, ich muss zugeben, die Wettbewerbe wurden mitgerissen, gefangen genommen – Jugend ist Jugend. Sie haben im rein professionellen Sinne viel gegeben, zum pianistischen Fortschritt beigetragen, viele lebendige Eindrücke gebracht: Freuden und Sorgen, Hoffnungen und Enttäuschungen … Ja, ja, und Enttäuschungen, denn bei Wettbewerben – das ist mir mittlerweile bewusst – die Rolle von Glück, Glück, Zufall ist zu groß … “

Ab Anfang der sechziger Jahre wurde Voskresensky in Moskauer Musikkreisen immer bekannter. Er gibt erfolgreich Konzerte (DDR, Tschechoslowakei, Bulgarien, Rumänien, Japan, Island, Polen, Brasilien); zeigt eine Leidenschaft für das Unterrichten. Oborins Assistenzzeit endet damit, dass ihm eine eigene Klasse anvertraut wird (1963). Der junge Musiker wird immer lauter als einer der direkten und konsequenten Anhänger von Oborins pianistischer Linie bezeichnet.

Und das aus gutem Grund. Wie sein Lehrer zeichnete sich Woskresensky schon in jungen Jahren durch einen ruhigen, klaren und intelligenten Blick auf die von ihm aufgeführte Musik aus. Das ist einerseits seine Natur, andererseits das Ergebnis langjähriger kreativer Kommunikation mit dem Professor. In Voskresenskys Spiel, in seinen Interpretationskonzepten gibt es nichts Übertriebenes oder Unverhältnismäßiges. Ausgezeichnete Ordnung in allem, was an der Tastatur getan wird; überall und überall – in Klangabstufungen, Tempi, technischen Details – strengste Kontrolle. In seinen Interpretationen gibt es fast nichts Kontroverses, innerlich Widersprüchliches; was noch wichtiger ist, um seinen Stil zu charakterisieren, ist nichts zu persönlich. Wenn man Pianisten wie ihm zuhört, kommen einem manchmal die Worte Wagners in den Sinn, der sagte, dass Musik, die klar, mit wahrer künstlerischer Bedeutung und auf hohem professionellem Niveau – „richtig“, wie der große Komponist es ausdrückte – aufgeführt wird, zum „ pro-heiliges Gefühl“ bedingungslose Befriedigung (Wagner R. Über Dirigieren// Dirigieren von Aufführungen. — M., 1975. S. 124.). Und Bruno Walter ging, wie Sie wissen, sogar noch weiter und glaubte, dass die Genauigkeit der Leistung „Strahlung ausstrahlt“. Voskresensky, wir wiederholen es, ist ein akkurater Pianist …

Und noch ein Merkmal seiner performativen Interpretationen: In ihnen ist, wie einst bei Oborin, nicht die geringste emotionale Erregung, nicht der Hauch von Affektiertheit. Nichts von Maßlosigkeit in der Manifestation von Gefühlen. Überall – von musikalischen Klassikern bis zum Expressionismus, von Händel bis Honegger – spirituelle Harmonie, elegante Balance des Innenlebens. Kunst, wie die Philosophen zu sagen pflegten, ist eher ein „apollonisches“ als ein „dionysisches“ Warenlager …

Wenn man das Spiel von Voskresensky beschreibt, kann man eine lange und gut sichtbare Tradition in der Musik- und darstellenden Kunst nicht verschweigen. (Im ausländischen Pianismus wird es gewöhnlich mit den Namen E. Petri und R. Casadesus assoziiert, im sowjetischen Pianismus wiederum mit dem Namen LN Oborin.) Diese Tradition stellt den Aufführungsprozess in den Vordergrund strukturelle Idee funktioniert. Für Künstler, die sich daran halten, ist das Musizieren kein spontaner emotionaler Prozess, sondern eine konsequente Offenlegung der künstlerischen Logik des Materials. Keine spontane Willensbekundung, sondern eine schön und sorgfältig ausgeführte „Konstruktion“. Sie, diese Künstler, achten stets auf die ästhetischen Qualitäten der musikalischen Form: auf die Harmonie der Klangstruktur, das Verhältnis von Ganzem und Besonderem, die Angleichung der Proportionen. Es ist kein Zufall, dass IR Klyachko, der mit der kreativen Methode seines ehemaligen Schülers besser als jeder andere vertraut ist, in einer der Rezensionen schrieb, dass Woskresensky es schaffe, „das Schwierigste zu erreichen – die Ausdruckskraft der Form als Ganzes“. ; Ähnliche Meinungen sind oft von anderen Spezialisten zu hören. In Reaktionen auf die Konzerte von Voskresensky wird gewöhnlich betont, dass die Spielhandlungen des Pianisten gut durchdacht, begründet und kalkuliert sind. Kritiker glauben jedoch, dass all dies die Lebhaftigkeit seines poetischen Gefühls manchmal etwas dämpft: „Bei all diesen positiven Aspekten“, bemerkte L. Zhivov, „manchmal fühlt man sich im Spiel des Pianisten übermäßig emotional zurückgehalten; Es ist möglich, dass der Wunsch nach Genauigkeit und besonderer Raffinesse jedes Details manchmal zu Lasten der Improvisation und der Unmittelbarkeit der Aufführung geht. (Zhivov L. Alle Nocturnes von Chopin//Musikalisches Leben. 1970. Nr. 9. S.). Na ja, vielleicht hat der Kritiker Recht, und Voskresensky kann wirklich nicht immer, nicht bei jedem Konzert fesseln und zünden. Aber fast immer überzeugend (B. Asafiev schrieb einst im Gefolge der Auftritte des herausragenden deutschen Dirigenten Hermann Abendroth in der UdSSR: „Abendroth weiß zu überzeugen, nicht immer fesseln, erheben und verzaubern zu können“ (B. Asafiev. Critical Artikel, Aufsätze und Rezensionen – M.; L., 1967. S. 268). In ähnlicher Weise hat LN Oborin das Publikum der vierziger und fünfziger Jahre stets überzeugt; das ist im wesentlichen die Wirkung seines Schülers auf das Publikum.

Er wird gewöhnlich als Musiker mit einer ausgezeichneten Schule bezeichnet. Hier ist er wirklich der Sohn seiner Zeit, Generation, Umgebung. Und ohne Übertreibung einer der Besten … Auf der Bühne hat er ausnahmslos Recht: Viele könnten ihn um eine so glückliche Kombination aus Schule, psychischer Stabilität und Selbstbeherrschung beneiden. Oborin schrieb einmal: „Im Allgemeinen glaube ich, dass es erstens nicht schaden würde, wenn jeder Interpret ein Dutzend oder zwei Regeln für „gutes Benehmen in der Musik“ hätte. Diese Regeln sollten sich auf Inhalt und Form der Aufführung, Klangästhetik, Pedalisierung usw. beziehen.“ (Oborin L. Über einige Prinzipien der Klaviertechnik Fragen des Klavierspiels. – M., 1968. Heft 2. S. 71.). Es ist nicht verwunderlich, dass Voskresensky, einer der kreativen Anhänger von Oborin und ihm am nächsten, diese Regeln während seines Studiums gemeistert hat; sie wurden ihm zur zweiten Natur. Welchen Autor er auch immer in sein Programm stellt, in seinem Spiel spürt man immer die Grenzen, die ihm tadellose Erziehung, Bühnenetikette und exzellenter Geschmack vorgeben. Früher geschah es, nein, nein, ja, und er ging über diese Grenzen hinaus; man erinnere sich zum Beispiel an seine Interpretationen der sechziger Jahre – Schumanns Kreisleriana und Wiener Karneval und einige andere Werke. (Es gibt Voskresenskys Schallplatte, die lebhaft an diese Interpretationen erinnert.) In einem Anfall jugendlicher Begeisterung erlaubte er sich zuweilen, sich in irgendeiner Weise gegen das zu versündigen, was mit der Aufführung von „comme il faut“ gemeint ist. Aber das war nur früher, jetzt, nie.

In den XNUMXer und XNUMXer Jahren spielte Voskresensky eine Reihe von Kompositionen – die B-Dur-Sonate, musikalische Momente und Schuberts „Wanderer“ -Fantasie, Beethovens viertes Klavierkonzert, Schnittkes Konzert und vieles mehr. Und ich muss sagen, dass jedes der Programme des Pianisten dem Publikum viele wirklich angenehme Minuten gebracht hat: Treffen mit intelligenten, tadellos gebildeten Menschen sind immer angenehm – der Konzertsaal ist in diesem Fall keine Ausnahme.

Gleichzeitig wäre es falsch zu glauben, dass Voskresenskys schauspielerische Verdienste nur unter ein umfangreiches Regelwerk passen – und nur … Sein Geschmack und musikalisches Gespür sind von Natur aus. Er hätte in seiner Jugend die würdigsten Mentoren haben können – und doch, was das Wichtigste und Intimste in der Tätigkeit eines Künstlers ausmacht, hätten sie auch nicht gelehrt. „Wenn wir Geschmack und Talent mit Hilfe von Regeln lehren würden“, sagte der berühmte Maler D. Reynolds, „dann gäbe es weder Geschmack noch Talent mehr.“ (Über Musik und Musiker. – L., 1969. S. 148.).

Als Interpret nimmt sich Voskresensky gerne der unterschiedlichsten Musik an. In mündlichen und gedruckten Reden sprach er sich mehr als einmal und mit aller Überzeugung für das größtmögliche Repertoire eines Wanderkünstlers aus. „Ein Pianist“, erklärte er in einem seiner Artikel, „muss im Gegensatz zu einem Komponisten, dessen Sympathien von der Richtung seines Talents abhängen, in der Lage sein, die Musik verschiedener Autoren zu spielen. Er kann seinen Geschmack nicht auf einen bestimmten Stil beschränken. Ein moderner Pianist muss vielseitig sein“ (Voskresensky M. Oborin – Künstler und Lehrer / / LN Oborin. Artikel. Memoiren. – M., 1977. S. 154.). Für Voskresensky selbst ist es wirklich nicht einfach, herauszufiltern, was für ihn als Konzertspieler vorzuziehen wäre. Mitte der siebziger Jahre spielte er alle Sonaten Beethovens in einem Zyklus von mehreren Clavirabenden. Bedeutet das, dass seine Rolle ein Klassiker ist? Kaum. Denn zu einer anderen Zeit spielte er alle Nocturnes, Polonaisen und eine Reihe anderer Werke von Chopin auf Schallplatten. Aber das sagt wiederum nicht viel aus. Auf den Plakaten seiner Konzerte stehen Präludien und Fugen von Schostakowitsch, Sonaten von Prokofjew, das Konzert von Khachaturian, Werke von Bartok, Hindemith, Milhaud, Berg, Rossellini, Klavierneuheiten von Shchedrin, Eschpai, Denisov … Es ist jedoch nicht bezeichnend, dass er auftritt eine Menge. Symptomatisch anders. In den unterschiedlichsten Stilregionen fühlt er sich gleichermaßen gelassen und souverän. Das ist die Gesamtheit von Voskresensky: in der Fähigkeit, überall ein kreatives Gleichgewicht zu bewahren, Unebenheiten, Extreme, eine Neigung in die eine oder andere Richtung zu vermeiden.

Künstler wie er sind normalerweise gut darin, die stilistische Natur der Musik, die sie spielen, zu enthüllen und den „Geist“ und den „Buchstaben“ zu vermitteln. Dies ist zweifellos ein Zeichen ihrer hohen Berufskultur. Allerdings kann es hier einen Nachteil geben. Es wurde bereits früher gesagt, dass Woskresenskys Spiel manchmal die Spezifität, eine scharf definierte individuell-persönliche Intonation fehlt. In der Tat ist sein Chopin der wahre Wohlklang, die Harmonie der Linien, die den „Bon Tone“ spielen. Beethoven ist in ihm sowohl ein zwingender Ton, als auch willensstarkes Streben und eine solide, integral gebaute Architektur, die in den Werken dieses Autors notwendig sind. Schubert zeigt in seiner Übertragung eine Reihe von Zügen und Merkmalen, die Schubert innewohnen; sein Brahms ist fast „hundertprozentig“ Brahms, Liszt ist Liszt usw. Manchmal möchte man in den Werken, die ihm gehören, noch seine eigenen schöpferischen „Gene“ spüren. Stanislawski nannte Werke der Theaterkunst „Lebewesen“, die im Idealfall die generischen Eigenschaften ihrer beiden „Eltern“ erbten: Diese Werke, sagte er, sollten den „Geist vom Geist und Fleisch vom Fleisch“ des Dramatikers und Künstlers darstellen. Wahrscheinlich sollte das im Prinzip auch in der musikalischen Darbietung so sein …

Es gibt jedoch keinen Meister, an den es unmöglich wäre, sich mit seinem ewigen „Ich möchte“ anzusprechen. Auferstehung ist keine Ausnahme.

Die oben aufgeführten Eigenschaften von Voskresenskys Natur machen ihn zu einem geborenen Lehrer. Er gibt seinen Mündeln fast alles, was man Kunststudenten bieten kann – breites Wissen und Berufskultur; weiht sie in die Geheimnisse der Handwerkskunst ein; vermittelt die Traditionen der Schule, in der er selbst aufgewachsen ist. EI Kuznetsova, Schülerin von Voskresensky und Preisträgerin des Klavierwettbewerbs in Belgrad, sagt: „Mikhail Sergeevich versteht es, dem Schüler schon während des Unterrichts verständlich zu machen, welche Aufgaben auf ihn zukommen und woran weiter gearbeitet werden muss. Dies zeigt das große pädagogische Talent von Mikhail Sergeevich. Ich war immer erstaunt, wie schnell er die missliche Lage eines Schülers auf den Punkt bringen kann. Und natürlich nicht nur zum Durchdringen: Als ausgezeichneter Pianist weiß Mikhail Sergeevich immer, wie er vorschlagen kann, wie und wo ein praktischer Ausweg aus den auftretenden Schwierigkeiten gefunden werden kann.

Sein charakteristisches Merkmal ist, – fährt EI Kuznetsova fort –, dass er ein wirklich denkender Musiker ist. Weit und unkonventionell denken. So beschäftigte er sich beispielsweise immer wieder mit den Problemen der „Technik“ des Klavierspiels. Er denkt viel nach und hört nicht auf, über Klangerzeugung, Treten, Landen auf dem Instrument, Handpositionierung, Techniken usw. nachzudenken. Er teilt seine Beobachtungen und Gedanken großzügig mit jungen Menschen. Begegnungen mit ihm aktivieren den musikalischen Intellekt, entwickeln und bereichern ihn…

Aber vielleicht am wichtigsten ist, dass er die Klasse mit seinem kreativen Enthusiasmus ansteckt. Flößt eine Liebe für echte, hohe Kunst ein. Er vermittelt seinen Schülern die berufliche Ehrlichkeit und Gewissenhaftigkeit, die zu einem großen Teil für ihn charakteristisch sind. Er kann zum Beispiel gleich nach einer anstrengenden Tour, fast direkt aus dem Zug, ins Konservatorium kommen und, gleich mit dem Unterricht beginnend, selbstlos, mit vollem Einsatz arbeiten, weder sich noch den Schüler schonen, ohne die Ermüdung, die aufgewendete Zeit zu bemerken … Irgendwie hat er einen solchen Satz geworfen (ich erinnere mich gut daran): „Je mehr Energie Sie in kreative Angelegenheiten investieren, desto schneller und vollständiger wird sie wiederhergestellt.“ Er ist alles in diesen Worten.

Neben Kuznetsova gehörten zu Voskresenskys Klasse bekannte junge Musiker, Teilnehmer an internationalen Wettbewerben: E. Krushevsky, M. Rubatskite, N. Trull, T. Siprashvili, L. Berlinskaya; Auch Stanislav Igolinsky, Preisträger des Fünften Tschaikowsky-Wettbewerbs, studierte hier – der Stolz von Voskresensky als Lehrer, ein Künstler von wirklich herausragendem Talent und wohlverdienter Popularität. Andere Voskresensky-Schüler führen, ohne große Berühmtheit zu erlangen, dennoch ein interessantes und kreatives Vollblutleben in der Musikkunst – sie unterrichten, spielen in Ensembles und engagieren sich in der Korrepetitionsarbeit. Voskresensky hat einmal gesagt, dass ein Lehrer danach beurteilt werden sollte, was seine Schüler repräsentieren zu, nachdem Abschluss des Studiums – in einem eigenständigen Bereich. Die Schicksale der meisten seiner Schüler sprechen von ihm als einem Lehrer von wahrhaft hohem Niveau.

„Ich liebe es, die Städte Sibiriens zu besuchen“, sagte Voskresensky einmal. - Warum dort? Denn die Sibirier, so scheint es mir, haben sich eine sehr reine und direkte Einstellung zur Musik bewahrt. Es gibt nicht diese Sättigung, diesen Hörer-Snobismus, den Sie manchmal in unseren Auditorien in Großstädten spüren. Und damit ein Künstler die Begeisterung des Publikums sieht, ist sein aufrichtiges Verlangen nach Kunst das Wichtigste.

Voskresensky besucht wirklich oft die großen und nicht zu großen Kulturzentren Sibiriens; er ist hier bekannt und geschätzt. „Wie jeder tourende Künstler habe ich Konzert-„Punkte“, die mir besonders nahe sind – Städte, in denen ich immer einen guten Kontakt zum Publikum spüre.

Und wissen Sie, in was ich mich in letzter Zeit noch verliebt habe, das heißt, ich habe früher geliebt und jetzt noch mehr? Vor Kindern auftreten. In der Regel herrscht bei solchen Treffen eine besonders lebhafte und herzliche Atmosphäre. Ich verweigere mir nie dieses Vergnügen.

… 1986-1988 reiste Voskresensky für die Sommermonate nach Frankreich, nach Tours, wo er an der Arbeit der International Academy of Music teilnahm. Tagsüber gab er offenen Unterricht, abends trat er in Konzerten auf. Und wie so oft bei unseren Künstlern brachte er hervorragende Presse mit nach Hause – jede Menge Kritiken („Fünf Takte genügten, um zu verstehen, dass auf der Bühne etwas Ungewöhnliches vor sich ging“, schrieb die Zeitung Le Nouvelle Republique im Juli 1988 nach Voskresenskys Auftritt in Tours, wo er Chopin Scriabin und Mussorgsky spielte. „Mindestens hundert Seiten gehört Die Zeiten wurden durch die Kraft des Talents dieser erstaunlichen Künstlerpersönlichkeit verändert.“). „Im Ausland reagieren sie schnell und zeitnah in den Zeitungen auf die Ereignisse des Musiklebens. Es bleibt nur zu bedauern, dass wir dies in der Regel nicht haben. Wir beschweren uns oft über den geringen Besucherandrang bei philharmonischen Konzerten. Das liegt aber oft daran, dass das Publikum und die Mitarbeiter der Philharmonie einfach nicht wissen, was heute an unseren darstellenden Künsten interessant ist. Den Menschen fehlen die nötigen Informationen, sie ernähren sich von Gerüchten – mal wahr, mal nicht. Daher stellt sich heraus, dass einige talentierte Darsteller – insbesondere junge Menschen – nicht in das Blickfeld des Massenpublikums geraten. Und sie fühlen sich schlecht und echte Musikliebhaber. Aber vor allem für die jungen Künstler selbst. Wenn sie nicht die erforderliche Anzahl öffentlicher Konzertauftritte haben, werden sie disqualifiziert, verlieren ihre Form.

Kurz gesagt, ich habe – und habe ich wirklich eine? – sehr ernste Ansprüche an unsere musikalische und darstellende Presse.

1985 wurde Voskresensky 50 Jahre alt. Spürst du diesen Meilenstein? Ich fragte ihn. „Nein“, antwortete er. Ehrlich gesagt spüre ich mein Alter nicht, obwohl die Zahlen stetig zu wachsen scheinen. Ich bin ein Optimist, wissen Sie. Und ich bin davon überzeugt, dass Klavierspiel, wenn man es im Großen und Ganzen angeht, eine Sache von ist zweite Hälfte des Lebens eines Menschen. Sie können sehr lange Fortschritte machen, fast die ganze Zeit, in der Sie in Ihrem Beruf tätig sind. Man kennt nie konkrete Beispiele, konkrete Schaffensbiografien, die das bestätigen.

Das Problem ist nicht das Alter an sich. Sie ist in einem anderen. In unserer ständigen Beschäftigung, Arbeitsbelastung und Überlastung mit verschiedenen Dingen. Und wenn auf der Bühne manchmal etwas nicht so rüberkommt, wie wir es gerne hätten, dann hauptsächlich aus diesem Grund. Allerdings bin ich hier nicht allein. Fast alle meine Konservatoriumskollegen sind in einer ähnlichen Position. Unter dem Strich fühlen wir uns immer noch in erster Linie als Performer, aber die Pädagogik hat zu viel und einen wichtigen Platz in unserem Leben eingenommen, um sie zu ignorieren, um ihr nicht viel Zeit und Mühe zu widmen.

Vielleicht habe ich, wie die anderen Professoren, die mit mir zusammenarbeiten, mehr Studenten als nötig. Die Gründe dafür sind unterschiedlich. Oft kann ich selbst einen jungen Mann, der ins Konservatorium eingetreten ist, nicht ablehnen und nehme ihn in meine Klasse auf, weil ich glaube, dass er ein helles, starkes Talent hat, aus dem sich in der Zukunft etwas sehr Interessantes entwickeln kann.

… Mitte der achtziger Jahre spielte Voskresensky viel Musik von Chopin. Er setzte die früher begonnene Arbeit fort und führte alle von Chopin geschriebenen Werke für Klavier auf. Aus den Aufführungen dieser Zeit erinnere ich mich auch an mehrere monographische Konzerte, die anderen Romantikern gewidmet waren – Schumann, Brahms, Liszt. Und dann zog es ihn zur russischen Musik. Er lernte Mussorgskys Bilder einer Ausstellung kennen, die er noch nie zuvor aufgeführt hatte; nahm 7 Sonaten von Skrjabin im Radio auf. Diejenigen, die sich die oben erwähnten Werke des Pianisten (und einige andere aus der letzten Zeit) genauer angesehen haben, konnten nicht übersehen, dass Woskresensky begann, irgendwie in größerem Umfang zu spielen; dass seine künstlerischen „Aussagen“ geprägter, reifer, gewichtiger geworden sind. „Klavierspiel ist die Arbeit der zweiten Lebenshälfte“, sagt er. Nun, in gewissem Sinne kann das stimmen – wenn der Künstler nicht mit intensiver innerer Arbeit aufhört, wenn in seiner geistigen Welt gewisse grundlegende Verschiebungen, Prozesse, Metamorphosen weitergehen.

„Es gibt eine andere Seite der Tätigkeit, die mich schon immer angezogen hat, und jetzt ist sie mir besonders nahe gekommen“, sagt Voskresensky. — Ich meine, Orgel spielen. Einmal habe ich bei unserem hervorragenden Organisten LI Roizman studiert. Er tat dies, wie man so schön sagt, für sich selbst, um den allgemeinen musikalischen Horizont zu erweitern. Der Unterricht dauerte etwa drei Jahre, aber in dieser insgesamt kurzen Zeit habe ich meinem Mentor, wie mir scheint, einiges abgenommen – wofür ich ihm noch heute aufrichtig dankbar bin. Ich behaupte nicht, dass mein Repertoire als Organist so breit ist. Ich werde es jedoch nicht aktiv auffüllen; Meine direkte Spezialität liegt jedoch woanders. Ich gebe mehrere Orgelkonzerte im Jahr und habe wirklich Freude daran. Mehr brauche ich nicht.“

… Voskresensky hat sowohl auf der Konzertbühne als auch in der Pädagogik viel erreicht. Und das zu Recht überall. In seiner Karriere gab es nichts Zufälliges. Alles wurde durch Arbeit, Talent, Ausdauer und Willen erreicht. Je mehr Kraft er der Sache gab, desto stärker wurde er schließlich; je mehr er sich verbrauchte, desto schneller erholte er sich – in seinem Beispiel manifestiert sich dieses Muster mit aller Deutlichkeit. Und er tut genau das Richtige, was die Jugend an sie erinnert.

G. Zypin, 1990