Franz Schubert |

Franz Schubert

Vertrauensvoll, offen, verräterisch, gesellig, gesprächig in freudiger Stimmung – wer kannte ihn anders? Aus den Erinnerungen von Freunden

F. Schubert ist der erste große Komponist der Romantik. Poetische Liebe und pure Lebensfreude, Verzweiflung und Kälte der Einsamkeit, Sehnsucht nach dem Ideal, Wanderlust und Wanderlosigkeit – all das fand einen Widerhall im Werk des Komponisten, in seinen natürlich und natürlich fließenden Melodien. Die emotionale Offenheit der romantischen Weltanschauung, die Unmittelbarkeit des Ausdrucks hoben die Gattung des Liedes zu einer bis dahin ungeahnten Höhe: Diese vormals zweitrangige Gattung bei Schubert wurde zur Grundlage der künstlerischen Welt. In einer Liedmelodie konnte der Komponist eine ganze Reihe von Gefühlen ausdrücken. Seine unerschöpfliche melodische Gabe ermöglichte es ihm, täglich mehrere Lieder zu komponieren (insgesamt sind es mehr als 600). Liedmelodien dringen auch in die Instrumentalmusik ein, so diente das Lied „Wanderer“ als Stoff für die gleichnamige Klavierfantasie, „Trout“ – für das Quintett etc.

Schubert wurde in die Familie eines Schullehrers hineingeboren. Der Junge zeigte sehr früh hervorragende musikalische Fähigkeiten und wurde zum Studium in den Sträfling geschickt (1808-13). Dort sang er im Chor, studierte Musiktheorie unter der Leitung von A. Salieri, spielte im Studentenorchester und dirigierte es.

In der Familie Schubert (wie auch im deutschen Bürgertum allgemein) liebte man die Musik, erlaubte sie aber nur als Hobby; der Musikerberuf galt als zu wenig ehrenhaft. Der junge Komponist musste in die Fußstapfen seines Vaters treten. Einige Jahre lang (1814-18) lenkte die Schularbeit Schubert von der Kreativität ab, und dennoch komponiert er außerordentlich viel. Wenn in der Instrumentalmusik noch die Anlehnung an den Stil der Wiener Klassik (hauptsächlich WA Mozart) sichtbar ist, dann schafft der Komponist im Liedgenre bereits mit 17 Jahren Werke, die seine Individualität voll zur Geltung bringen. Die Poesie von JW Goethe inspirierte Schubert zu Meisterwerken wie Gretchen am Spinnrad, Der Waldkönig, Lieder von Wilhelm Meister usw. Schubert schrieb auch viele Lieder auf die Worte eines anderen Klassikers der deutschen Literatur, F. Schiller.

Um sich ganz der Musik zu widmen, verließ Schubert die Arbeit an der Schule (was zu einem Bruch der Beziehungen zum Vater führte) und zog nach Wien (1818). Es bleiben so unbeständige Quellen des Lebensunterhalts wie Privatunterricht und die Veröffentlichung von Essays. Da Schubert kein virtuoser Pianist war, konnte er sich (wie F. Chopin oder F. Liszt) nicht leicht einen Namen in der Musikwelt machen und damit die Popularität seiner Musik fördern. Dazu trug auch nicht das Wesen des Komponisten bei, seine völlige Hinwendung zum Komponieren, Bescheidenheit und gleichzeitig höchste gestalterische Integrität, die keine Kompromisse zuließ. Aber er fand Verständnis und Unterstützung bei Freunden. Um Schubert gruppiert sich ein Kreis kreativer Jugendlicher, deren jedes Mitglied sicherlich eine Art künstlerisches Talent haben muss (Was kann der? – mit einer solchen Frage wurde jeder Neuankömmling begrüßt). Die Teilnehmer der Schubertiaden wurden die ersten Zuhörer und oft Mitautoren (I. Mayrhofer, I. Zenn, F. Grillparzer) der brillanten Lieder ihres Kreisoberhauptes. Gespräche und hitzige Debatten über Kunst, Philosophie, Politik wechselten sich mit Tänzen ab, für die Schubert viel Musik schrieb und oft nur improvisierte. Menuette, Ecossaisen, Polonaisen, Landler, Polkas, Galopps – das ist der Kreis der Tanzgattungen, aber über allem erhebt sich der Walzer – nicht mehr nur Tänze, sondern lyrische Miniaturen. Den Tanz psychologisierend, ihn in ein poetisches Stimmungsbild verwandelnd, nimmt Schubert die Walzer von F. Chopin, M. Glinka, P. Tschaikowsky, S. Prokofjew vorweg. Ein Mitglied des Kreises, der berühmte Sänger M. Vogl, förderte Schuberts Lieder auf der Konzertbühne und tourte zusammen mit dem Autor durch die Städte Österreichs.

Schuberts Genie erwuchs aus einer langen musikalischen Tradition in Wien. Die klassische Schule (Haydn, Mozart, Beethoven), die multinationale Folklore, in der sich die Einflüsse der Ungarn, Slawen, Italiener auf die österreichisch-deutsche Basis überlagerten, und schließlich die besondere Vorliebe der Wiener für Tanz, Hausmusik – all dies bestimmte das Erscheinungsbild von Schuberts Werk.

Die Blütezeit von Schuberts Schaffen – die 20er Jahre. Zu dieser Zeit entstanden die besten Instrumentalwerke: die lyrisch-dramatische „Unvollendete“ Sinfonie (1822) und die epische, lebensbejahende Sinfonie in C-Dur (die letzte, Neunte in Folge). Beide Symphonien waren lange Zeit unbekannt: C-Dur wurde 1838 von R. Schumann entdeckt, und die Unvollendete wurde erst 1865 gefunden. Beide Symphonien beeinflussten Komponisten der zweiten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts und definierten verschiedene Wege des romantischen Symphonismus. Schubert hat nie eine seiner Sinfonien professionell aufgeführt gehört.

Es gab viele Schwierigkeiten und Misserfolge bei Opernproduktionen. Trotzdem schrieb Schubert ständig für das Theater (insgesamt etwa 20 Werke) – Opern, Singspiele, Musik zum Stück von V. Chesi „Rosamund“. Er schafft auch geistliche Werke (darunter 2 Messen). Bemerkenswert in Tiefe und Wirkung, Musik wurde von Schubert in Kammermusikgattungen geschrieben (22 Klaviersonaten, 22 Quartette, etwa 40 andere Ensembles). Seine improvisierten (8) und musikalischen Momente (6) markierten den Beginn der romantischen Klavierminiatur. Auch im Songwriting tauchen neue Dinge auf. 2 Gesangszyklen zu Versen von W. Müller – 2 Stationen des Lebensweges eines Menschen.

Der erste von ihnen – „Die schöne Müllerin“ (1823) – ist eine Art „Liederroman“, der von einer einzigen Handlung umspannt wird. Ein junger Mann voller Kraft und Hoffnung geht dem Glück entgegen. Frühlingshafte Natur, ein munter plätschernder Bach – alles macht gute Laune. Das Vertrauen wird bald durch eine romantische Frage ersetzt, die Mattigkeit des Unbekannten: Wohin? Doch nun führt der Bach den jungen Mann zur Mühle. Die Liebe zur Müllerstochter, ihre glücklichen Momente werden durch Angst, die Qualen der Eifersucht und die Bitterkeit des Verrats ersetzt. In den sanft murmelnden, einlullenden Strömen des Baches findet der Held Ruhe und Trost.

Der zweite Zyklus – „Winter Way“ (1827) – ist eine Serie trauriger Erinnerungen eines einsamen Wanderers über unerwiderte Liebe, tragische Gedanken, nur gelegentlich durchsetzt mit hellen Träumen. Im letzten Song „The Organ Grinder“ wird das Bild eines wandernden Musikers geschaffen, der ewig und monoton seine Drehleier dreht und nirgendwo eine Antwort oder ein Ergebnis findet. Dies ist die Personifizierung des Weges von Schubert selbst, bereits schwer krank, erschöpft von ständiger Not, Überarbeitung und Gleichgültigkeit gegenüber seiner Arbeit. Der Komponist selbst nannte die Lieder von „Winter Way“ „schrecklich“.

Die Krone der stimmlichen Kreativität – „Schwanengesang“ – eine Sammlung von Liedern auf die Worte verschiedener Dichter, darunter G. Heine, der sich als enger Vertrauter des „späten“ Schubert herausstellte, der die „Spaltung der Welt“ mehr spürte scharf und schmerzhafter. Dabei verschloss sich Schubert auch in seinen letzten Lebensjahren nie in traurig-tragische Stimmungen („Schmerzen schärfen das Denken und mildern die Gefühle“, schrieb er in sein Tagebuch). Die figurative und emotionale Bandbreite von Schuberts Texten ist wirklich unbegrenzt – sie reagiert auf alles, was einen Menschen bewegt, während die Schärfe der Kontraste darin ständig zunimmt (der tragische Monolog „Double“ und daneben – die berühmte „Serenade“). Schubert findet immer mehr kreative Impulse in der Musik Beethovens, der seinerseits einige Werke seines jüngeren Zeitgenossen kennenlernte und sehr schätzte. Aber Bescheidenheit und Schüchternheit erlaubten es Schubert nicht, sein Idol persönlich zu treffen (eines Tages drehte er sich vor der Tür von Beethovens Haus um).

Der Erfolg des ersten (und einzigen) Autorenkonzerts, das einige Monate vor seinem Tod organisiert wurde, zog schließlich die Aufmerksamkeit der Musikgemeinschaft auf sich. Seine Musik, insbesondere seine Lieder, verbreitet sich schnell in ganz Europa und findet den kürzesten Weg in die Herzen der Zuhörer. Sie hat einen großen Einfluss auf die romantischen Komponisten der nächsten Generationen. Ohne die Entdeckungen von Schubert sind Schumann, Brahms, Tschaikowsky, Rachmaninow, Mahler nicht vorstellbar. Er füllte die Musik mit der Wärme und Unmittelbarkeit von Liedtexten, offenbarte die unerschöpfliche geistige Welt des Menschen.

K.Zenkin

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Schuberts Schaffensleben wird auf nur siebzehn Jahre geschätzt. Dennoch ist es noch schwieriger, alles aufzuzählen, was er geschrieben hat, als die Werke Mozarts aufzulisten, dessen Schaffensweg länger war. Genau wie Mozart hat Schubert keinen Bereich der Musikkunst übergangen. Ein Teil seines Erbes (hauptsächlich Opern- und geistliche Werke) wurde von der Zeit selbst beiseite geschoben. Aber in einem Lied oder einer Symphonie, in einer Klavierminiatur oder einem Kammerensemble fanden die besten Aspekte von Schuberts Genie, die wunderbare Unmittelbarkeit und Glut der romantischen Vorstellungskraft, die lyrische Wärme und Suche eines denkenden Menschen des XNUMX. Jahrhunderts Ausdruck.

In diesen Bereichen des musikalischen Schaffens manifestierte sich Schuberts Innovation mit größtem Mut und Umfang. Er ist der Begründer der lyrischen Instrumentalminiatur, der romantischen Symphonie – lyrisch-dramatisch und episch. Schubert verändert den figurativen Gehalt in großen Formen der Kammermusik radikal: in Klaviersonaten, Streichquartetten. Schließlich ist die wahre Idee von Schubert ein Lied, dessen Entstehung einfach untrennbar mit seinem Namen verbunden ist.

Schuberts Musik entstand auf Wiener Boden, befruchtet durch die Genialität von Haydn, Mozart, Gluck, Beethoven. Aber Wien ist nicht nur die Klassik vertreten durch seine Koryphäen, sondern auch das reiche Leben der Alltagsmusik. Die Musikkultur der Hauptstadt eines multinationalen Imperiums ist seit langem einem spürbaren Einfluss ihrer multitribalen und mehrsprachigen Bevölkerung ausgesetzt. Die Kreuzung und Durchdringung österreichischer, ungarischer, deutscher und slawischer Folklore mit Jahrhunderten eines nicht abnehmenden Einflusses italienischer Melodien führte zur Bildung eines spezifisch Wiener Musikgeschmacks. Lyrische Schlichtheit und Leichtigkeit, Verständlichkeit und Anmut, heiteres Temperament und Dynamik des quirligen Straßenlebens, gutmütiger Humor und tänzerische Leichtigkeit hinterließen charakteristische Spuren in der Wiener Alltagsmusik.

Der Demokratismus der österreichischen Volksmusik, die Musik Wiens, beflügelte das Werk von Haydn und Mozart, auch Beethoven erlebte seinen Einfluss, so Schubert – ein Kind dieser Kultur. Für sein Engagement für sie musste er sich sogar Vorwürfe von Freunden anhören. Schuberts Melodien „klingen manchmal auch zu häuslich Eher österreichisch, – schreibt Bauernfeld, – ähneln Volksliedern, deren etwas tiefer Ton und hässlicher Rhythmus keine ausreichende Grundlage haben, um in ein poetisches Lied einzudringen. Auf diese Art von Kritik antwortete Schubert: „Was verstehst du? So soll es sein!“ Tatsächlich spricht Schubert die Sprache der Genremusik, denkt in ihren Bildern; aus ihnen erwachsen Werke hoher Kunstformen verschiedenster Art. In einer breiten Verallgemeinerung liedlyrischer Intonationen, die im musikalischen Alltag der Bürger, im demokratischen Umfeld der Stadt und ihrer Vororte reiften – die Nationalität von Schuberts Schaffen. Die lyrisch-dramatische „Unvollendete“ Symphonie entfaltet sich auf Gesangs- und Tanzbasis. Die Transformation des Genrematerials ist sowohl in der epischen Leinwand der „Großen“ Symphonie in C-dur als auch in einer intimen lyrischen Miniatur oder einem Instrumentalensemble zu spüren.

Das Element des Gesangs durchdrang alle Bereiche seines Schaffens. Die Liedmelodie bildet die thematische Grundlage von Schuberts Instrumentalkompositionen. So etwa in der Klavierphantasie zum Thema des Liedes „Wanderer“, im Klavierquintett „Forelle“, wo die Melodie des gleichnamigen Liedes als Thema für Variationen des Finales dient, im d-Moll Quartett, wo das Lied „Death and the Maiden“ vorgestellt wird. Aber in anderen Werken, die nicht mit den Themen bestimmter Lieder verbunden sind – in Sonaten, in Sinfonien – bestimmt das Liedlager des Thematismus die Merkmale der Struktur, die Methoden der Entwicklung des Materials.

So ist es naheliegend, dass, obwohl der Beginn von Schuberts kompositorischem Weg von einem außergewöhnlichen Ideenreichtum gekennzeichnet war, der zu Experimenten auf allen Gebieten der Tonkunst anregte, er sich doch zunächst im Lied wiederfand. Darin brillierten vor allem die Facetten seines lyrischen Talents mit einem wunderbaren Spiel.

„Unter der Musik nicht für das Theater, nicht für die Kirche, nicht für das Konzert gibt es eine besonders bemerkenswerte Abteilung – Romanzen und Lieder für eine Stimme mit Klavier. Von einer einfachen Liedform in Couplet-Form hat sich diese Art zu ganzen kleinen Einzelszenen-Monologen entwickelt, die die ganze Leidenschaft und Tiefe des geistlichen Dramas zulassen. Diese Art von Musik wurde in Deutschland im Genie Franz Schuberts großartig manifestiert“, schrieb AN Serov.

Schubert ist „die Nachtigall und der Schwan des Gesangs“ (BV Asafiev). Das Lied enthält all seine kreative Essenz. Das Schubert-Lied ist eine Art Grenze, die die Musik der Romantik von der Musik der Klassik trennt. Die Ära der Liedromantik, die seit Anfang des XNUMX. Jahrhunderts begonnen hat, ist ein europaweites Phänomen, das „mit dem Namen des größten Meisters der städtischen demokratischen Liedromantik Schubert – Schubertianismus“ (BV Asafjew). Die Stellung des Liedes in Schuberts Werk entspricht der Stellung der Fuge bei Bach oder der Sonate bei Beethoven. Laut BV Asafiev tat Schubert auf dem Gebiet des Liedes, was Beethoven auf dem Gebiet der Symphonie tat. Beethoven fasste die heroischen Ideen seiner Zeit zusammen; Schubert hingegen war ein Sänger „einfacher Naturgedanken und tiefer Menschlichkeit“. Durch die Welt der lyrischen Gefühle, die sich im Lied widerspiegeln, drückt er seine Einstellung zum Leben, zu den Menschen und zur umgebenden Realität aus.

Die Lyrik ist die Essenz von Schuberts schöpferischer Natur. Die Bandbreite der lyrischen Themen in seinem Werk ist außergewöhnlich breit. Das Thema der Liebe, mit all dem Reichtum seiner poetischen Nuancen, manchmal fröhlich, manchmal traurig, ist mit dem Thema des Wanderns, des Wanderns, der Einsamkeit verflochten, das alle romantische Kunst durchdringt, mit dem Thema der Natur. Die Natur ist in Schuberts Werk nicht nur ein Hintergrund, vor dem sich eine bestimmte Erzählung entfaltet oder einige Ereignisse stattfinden: Sie „vermenschlicht“, und die Ausstrahlung menschlicher Emotionen färbt je nach Natur die Bilder der Natur, verleiht ihnen diese oder jene Stimmung und entsprechende Farbgebung.

Schuberts Texte haben sich weiterentwickelt. Im Laufe der Jahre sind die naive jugendliche Leichtgläubigkeit, die idyllische Wahrnehmung des Lebens und der Natur vor dem Bedürfnis eines reifen Künstlers zurückgetreten, die wahren Widersprüche der umgebenden Welt zu reflektieren. Eine solche Entwicklung führte zu einem Anwachsen psychologischer Züge in Schuberts Musik, zu einer Steigerung von Dramatik und tragischem Ausdruck.

So entstanden Kontraste von Dunkelheit und Licht, häufige Übergänge von Verzweiflung zu Hoffnung, von Melancholie zu einfachem Spaß, von intensiv dramatischen Bildern zu hellen, nachdenklichen. Fast zeitgleich arbeitete Schubert an der lyrisch-tragischen „Unvollendeten“-Symphonie und den jugendlich-freudigen Liedern „Die schöne Müllerin“. Noch auffälliger ist die Nähe der „schrecklichen Lieder“ von „The Winter Road“ zur anmutigen Leichtigkeit des letzten Klavierimpromptu.

Dennoch können die in den letzten Liedern konzentrierten Motive von Trauer und tragischer Verzweiflung („Winterweg“, einige Lieder auf die Worte von Heine) die enorme Kraft der Lebensbejahung, jene höchste Harmonie, die Schuberts Musik in sich trägt, nicht überschatten.

V. Galatskaya

Schubert und Beethoven. Schubert – der erste Wiener Romantiker

Schubert war ein jüngerer Zeitgenosse Beethovens. Beide lebten rund XNUMX Jahre in Wien und schufen gleichzeitig ihre bedeutendsten Werke. Schuberts „Marguerite am Spinnrad“ und „Der Waldzar“ sind „gleich alt“ wie Beethovens Siebte und Achte Symphonie. Zeitgleich mit der Neunten Sinfonie und Beethovens Feierlicher Messe komponierte Schubert die Unvollendete Sinfonie und den Liederzyklus Die schöne Müllerin.

Aber allein dieser Vergleich lässt erkennen, dass es sich um Werke unterschiedlicher Musikrichtungen handelt. Anders als Beethoven trat Schubert als Künstler nicht in den Jahren der revolutionären Aufstände in Erscheinung, sondern in jener kritischen Zeit, als die Ära der sozialen und politischen Reaktion an seine Stelle trat. Der Grandiosität und Kraft von Beethovens Musik, ihrem revolutionären Pathos und philosophischen Tiefgang stellte Schubert lyrische Miniaturen gegenüber, Bilder des demokratischen Lebens – heimelig, intim, in vielerlei Hinsicht an eine aufgezeichnete Improvisation oder eine Seite eines poetischen Tagebuchs erinnernd. Die zeitlich zusammenfallenden Werke Beethovens und Schuberts unterscheiden sich in der gleichen Weise voneinander, wie sich die avancierten ideologischen Strömungen zweier unterschiedlicher Epochen hätten unterscheiden müssen – der Epoche der Französischen Revolution und der Epoche des Wiener Kongresses. Beethoven vollendete die jahrhundertealte Entwicklung der musikalischen Klassik. Schubert war der erste Komponist der Wiener Romantik.

Schuberts Kunst ist teilweise mit der Webers verwandt. Die Romantik beider Künstler hat gemeinsame Ursprünge. Webers „Magic Shooter“ und Schuberts Lieder waren gleichermaßen das Produkt des demokratischen Aufbruchs, der Deutschland und Österreich während der nationalen Befreiungskriege erfasste. Schubert spiegelte wie Weber die charakteristischsten Formen des künstlerischen Denkens seines Volkes wider. Außerdem war er der klügste Vertreter der Wiener Volkskultur dieser Zeit. Seine Musik ist ebenso ein Kind des demokratischen Wiens wie die Walzer von Lanner und Strauss-Vater in Cafés, wie Volksmärchen und Komödien von Ferdinand Raimund, wie Volksfeste im Prater. Schuberts Kunst besang nicht nur die Poesie des Volkslebens, sie entstand oft direkt dort. Und in den volkstümlichen Gattungen manifestierte sich zunächst die Genialität der Wiener Romantik.

Gleichzeitig verbrachte Schubert die gesamte Zeit seiner Schaffensreife in Metternichs Wien. Und dieser Umstand bestimmte weitgehend das Wesen seiner Kunst.

In Österreich hatte der nationalpatriotische Aufschwung nie einen so wirkungsvollen Ausdruck wie in Deutschland oder Italien, und die Reaktion, die nach dem Wiener Kongress in ganz Europa Einzug hielt, nahm dort einen besonders düsteren Charakter an. Der Atmosphäre der geistigen Sklaverei und dem „verdichteten Dunst der Vorurteile“ widersetzten sich die klügsten Köpfe unserer Zeit. Aber unter den Bedingungen des Despotismus war eine offene soziale Aktivität undenkbar. Die Energie der Menschen war gefesselt und fand keine würdigen Ausdrucksformen.

Schubert konnte der grausamen Realität nur den Reichtum der inneren Welt des „kleinen Mannes“ entgegensetzen. In seinem Werk gibt es weder „The Magic Shooter“, noch „Wilhelm Tell“, noch „Pebbles“ – also Werke, die als direkte Teilnehmer am sozialen und vaterländischen Kampf in die Geschichte eingegangen sind. In den Jahren, als Ivan Susanin in Russland geboren wurde, klang in Schuberts Werk ein romantischer Ton der Einsamkeit mit.

Dennoch wirkt Schubert als Fortsetzer von Beethovens demokratischen Traditionen in einem neuen historischen Rahmen. Indem er in der Musik den Reichtum herzlicher Gefühle in allen poetischen Schattierungen offenbarte, reagierte Schubert auf die ideologischen Wünsche der fortschrittlichen Menschen seiner Generation. Als Lyriker erreichte er die ideologische Tiefe und künstlerische Kraft, die Beethovens Kunst würdig war. Schubert beginnt die lyrisch-romantische Ära in der Musik.

Das Schicksal des Schubert-Erbes

Nach Schuberts Tod begann eine intensive Veröffentlichung seiner Lieder. Sie durchdrangen alle Ecken der Kulturwelt. Es ist bezeichnend, dass Schuberts Lieder auch in Russland unter der russischen demokratischen Intelligenz weit verbreitet waren, lange bevor Gastspiele mit virtuosen Instrumentaltranskriptionen sie zur Mode der Zeit machten. Die Namen der ersten Kenner von Schubert sind die brillantesten in der Kultur Russlands in den 30er und 40er Jahren. Unter ihnen sind AI Herzen, VG Belinsky, NV Stankevich, AV Koltsov, VF Odoevsky, M. Yu. Lermontov und andere.

Durch einen seltsamen Zufall erklangen die meisten Instrumentalwerke Schuberts, die zu Beginn der Romantik entstanden, erst ab der zweiten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts auf einer breiten Konzertbühne.

Zehn Jahre nach dem Tod des Komponisten machte ihn eines seiner Instrumentalwerke (die von Schumann entdeckte Neunte Symphonie) als Symphoniker weltweit bekannt. In den frühen 50er Jahren wurde ein C-Dur-Quintett gedruckt, später ein Oktett. Im Dezember 1865 wurde die „Unvollendete Symphonie“ entdeckt und aufgeführt. Und zwei Jahre später „gruben“ Schuberts Fans in den Kellerspeichern eines Wiener Verlags fast alle anderen vergessenen Manuskripte (darunter fünf Sinfonien, „Rosamund“ und andere Opern, mehrere Messen, Kammermusikwerke, viele kleine Klavierstücke) „aus“. und Romanzen). Von diesem Moment an ist das Schubert-Erbe zu einem festen Bestandteil der weltweiten künstlerischen Kultur geworden.

V. Konen

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