Strenger Stil |

Strenger Stil, strenger Schreibstil

Nein. klassische Vokalpoliphonie, lat. kirchlicher A-cappella-Stil

1) Historisch. und künstlerisch und stilistisch. Konzept im Zusammenhang mit Chor. polyphone Musik der Renaissance (15.-16. Jahrhundert). In diesem Sinne wird der Begriff von Ch. Arr. in russischer Klassik und Eulen. Musikwissenschaft. Das Konzept von S. mit. umfasst ein breites Spektrum von Phänomenen und hat keine klar definierten Grenzen: Es bezieht sich auf das Werk von Komponisten aus verschiedenen europäischen Ländern. Schulen vor allem – für Holländer, Römer, sowie Venezianer, Spanier; zu S.'s Bereich der Seite. enthält Musik von französischen, deutschen, englischen, tschechischen und polnischen Komponisten. S. s. wird als polyphoner Stil bezeichnet. Prod. für Chor a cappella, entwickelt bei Prof. Genres der Kirche (ch. arr. Catholic) und in viel geringerem Maße weltliche Musik. Die wichtigste und größte unter den Gattungen von S. s. es gab eine Messe (die erste in der europäischen Musik bedeutet eine zyklische Form) und eine Motette (über geistliche und weltliche Texte); in vielen wurden geistliche und weltliche mehrstimmige Kompositionen komponiert. Lieder, Madrigale (oft in lyrischen Texten). Epoche S. s. stellte viele herausragende Meister vor, unter denen Josquin Despres, O. Lasso und Palestrina eine besondere Stellung einnehmen. Das Werk dieser Komponisten fasst die Ästhetik zusammen. und historisch und stilistisch. Musiktrends. die Kunst ihrer Zeit, und ihr Vermächtnis gilt in der Musikgeschichte als Klassiker der Ära S. mit. Das Ergebnis der Entwicklung einer ganzen historischen Ära – das Werk von Josquin Despres, Lasso und Palestrina, markiert die erste Blüte der Kunst der Polyphonie (das Werk von JS Bach ist bereits sein zweiter Höhepunkt innerhalb des freien Stils).

Für das figurative System von S. s. Konzentration und Kontemplation sind typisch, hier zeigt sich der Fluss erhabener, ja abstrakter Gedanken; aus einer rationalen, nachdenklichen Verflechtung kontrapunktischer Stimmen entstehen reine und ausgewogene Klänge, wo expressive Wucherungen, Dramen, die für die spätere Kunst charakteristisch sind, keinen Platz finden. Kontraste und Höhepunkte. Der Ausdruck persönlicher Gefühle ist für S. s. wenig charakteristisch: Seine Musik verzichtet stark auf alles Flüchtige, Zufällige, Subjektive; in seiner kalkulierten dimensionalen bewegung offenbart sich das universale, vom weltlichen alltagsleben befreit, alle in der liturgie anwesenden vereinend, universal bedeutsam, objektiv. Innerhalb dieser Grenzen Wok-Meister. die Polyphonien zeigten eine erstaunliche individuelle Vielfalt – von der schweren, dicken Krawatte der Imitation von J. Obrecht bis zur kalt-transparenten Anmut von Palestrina. Diese Bildlichkeit überwiegt zweifellos, aber sie schließt s nicht aus der Sphäre anderer, weltlicher Inhalte aus. Subtile lyrische Nuancen. Gefühle wurden in zahlreichen Madrigalen verkörpert; Die an den Seitenbereich von S. angrenzenden Themen sind vielfältig. mehrstimmige weltliche Lieder, verspielt oder traurig. S. s. – ein integraler Bestandteil des Humanistischen. Kulturen des 15.-16. Jahrhunderts; In der Musik der alten Meister gibt es viele Berührungspunkte mit der Kunst der Renaissance – mit dem Werk von Petrarca, Ronsard und Raffael.

Ästhetische Qualitäten von S.'s Musik. die darin verwendeten Ausdrucksmittel sind angemessen. Die damaligen Komponisten beherrschten die Kontrapunktik fließend. art-tion, geschaffene Produkte, gesättigt mit der komplexesten Polyphonie. Techniken, wie zum Beispiel der sechsseitige Kanon von Josquin Despres, Kontrapunkt mit und ohne Pausen in der Messe von P. Mulu (siehe Nr. 42 in der Ausgabe. 1 von m. Ivanov-Boretsky's Musical-Historical Reader) usw. Für die Verpflichtung zur Rationalität von Konstruktionen steht hinter der verstärkten Aufmerksamkeit für die Technologie der Zusammensetzung das Interesse der Meister an der Natur des Materials, der Erprobung seiner Technik. und ausdrücken. Chancen. Die Hauptleistung der Meister der Ära von S. S., die eine bleibende Geschichte hat. Bedeutung, – die höchste Stufe der Kunst-va-Nachahmung. Beherrschung der Nachahmung. Technik, die Herstellung einer grundsätzlichen Stimmgleichheit im Chor sind eine wesentlich neue Qualität der Musik der S. s. gegenüber dem Anspruch der Frührenaissance (ars nova), zwar nicht nachahmensscheu, aber dennoch von Ch. Arr. verschiedene (oft ostinato) Formen auf dem Cantus firmus, rhythmisch. deren Organisation für andere Stimmen entscheidend war. Polyphone Unabhängigkeit der Stimmen, Nicht-Gleichzeitigkeit der Einleitungen in verschiedenen Registern des Chores. Reichweite, die charakteristische Lautstärke des Klangs – diese Phänomene ähnelten in gewisser Weise der Perspektivöffnung in der Malerei. Meister S. s. entwickelten alle Formen der Imitation und den Kanon der 1. und 2. Kategorie (in ihren Kompositionen dominiert die Stretta-Darstellung, also die kanonische Imitation). In der Musikprod. finden Sie einen Platz für zweiköpfige. und Polygon. Kanons mit und ohne frei kontrapunktierende Begleitstimmen, Imitationen und Kanons mit zwei (oder mehr) Proposten, endlose Kanons, kanonisch. Sequenzen (z. B. die „kanonische Messe“ von Palestrina), also fast alle Formen, die später in der Zeit des Wechsels von S. mit. Ära des freien Schreibens in höchster Nachahmung. Fugenform. Meister S. s. verwendet alle grundlegenden Möglichkeiten, um polyphone zu konvertieren. Themen: Zunahme, Abnahme, Zirkulation, Bewegung und deren Auflösung. Kombinationen. Eine ihrer wichtigsten Errungenschaften war die Entwicklung verschiedener Arten komplexer Kontrapunkte und die Anwendung ihrer Gesetze auf die kanonische Sprache. Formen (z. B. in polygonalen Kanons mit unterschiedlichen Richtungen der Spracheingabe). Weitere Entdeckungen der Altmeister der Polyphonie dürften das Prinzip der Komplementarität (melodisch-rhythmische Komplementarität kontrapunktischer Stimmen) sowie Methoden der Kadenz sowie die Vermeidung (genauer: Maskierung) von Kadenzen inmitten von Musen sein. Konstruktion. Musik der Meister von S. s. hat unterschiedliche Polyphoniegrade. Sättigung, und Komponisten waren in der Lage, den Klang innerhalb großer Formen mit Hilfe des flexiblen Wechsels strenger Kanonik gekonnt zu diversifizieren. Expositionen mit Abschnitten, die auf ungenauen Imitationen basieren, auf frei kontrapunktischen Stimmen und schließlich mit Abschnitten, in denen die Stimmen, die sich bilden, polyphon sind. Textur, Bewegung durch Noten gleicher Dauer.

Harmonischer Typ. Kombinationen in S.'s Musik mit. gekennzeichnet als voll klingender Konsonanten-Dreiklang. Die Verwendung von dissonanten Intervallen nur in Abhängigkeit von konsonanten ist eines der wesentlichsten Merkmale von S. s.: In den meisten Fällen entstehen Dissonanzen durch die Verwendung von Passier-, Hilfsklängen oder Verzögerungen, die normalerweise in der Zukunft aufgelöst werden (Frei genommene Dissonanzen sind immer noch keine Seltenheit bei glatten Bewegungen von kurzer Dauer, insbesondere in Kadenzen). So ist in der Musik von S. s. Dissonanzen sind immer von konsonanten Harmonien umgeben. Innerhalb der polyphonen Gewebe gebildete Akkorde unterliegen keiner funktionalen Verbindung, dh auf jeden Akkord kann jeder andere in derselben Diatonik folgen. System. Die Richtung, die Gewissheit der Gravitation in der Folge von Konsonanzen entsteht nur in Kadenzen (in unterschiedlichen Schritten).

Musik S. s. stützte sich auf ein System natürlicher Modi (siehe Modus). Musen. die damalige Theorie unterschied zunächst 8, später 12 Bünde; In der Praxis verwendeten Komponisten 5 Modi: dorisch, phrygisch, mixolydisch sowie ionisch und äolisch. Die letzten beiden wurden später als die anderen theoretisch festgelegt (in der Abhandlung „Dodecachordon“ von Glarean, 1547), obwohl ihr Einfluss auf die übrigen Modi konstant und aktiv war und anschließend zur Herausbildung der modalen Stimmungen in Dur und Moll führte . Die Bünde wurden in zwei Tonlagen verwendet: der Bund in der Grundstellung (Dorian d, Phrygian e, Mixolydian G, Ionian C, Aeolian a) und der Bund transponiert eine Quarte nach oben oder Quinte nach unten (Dorian g, Phrygian a usw. ) mit Hilfe eines flachen Schlüssels – das einzige ständig verwendete Zeichen. Darüber hinaus transponierten Chorleiter in der Praxis Kompositionen je nach Fähigkeiten der Interpreten um eine Sekunde oder eine Terz nach oben oder unten. Die weitverbreitete Meinung über die unantastbare Diatonizität in der Musik von S. s. (möglicherweise aufgrund der Tatsache, dass zufällige Vorzeichen nicht ausgeschrieben wurden) ist ungenau: In der Gesangspraxis wurden viele typische Fälle von Chromatik legitimiert. Schritt ändert. In den Modi einer Moll-Stimmung wurde der dritte Schluss wegen der Stabilität des Klangs immer erhöht. Akkord; im dorischen und im mixolydischen Modus stieg der XNUMX. Grad in der Kadenz und im Äolischen auch der XNUMX. Grad (der Eröffnungston des phrygischen Modus erhöhte sich normalerweise nicht, aber der XNUMX. Grad stieg an, um die große Terz im Schlussakkord zu erreichen während der Aufwärtsbewegung). Der Ton h wurde in der Abwärtsbewegung oft in b geändert, wodurch die dorischen und lydischen Modi, wo eine solche Änderung üblich war, im Wesentlichen in transponierte Äolische und Ionische umgewandelt wurden; der Ton h (bzw. f), sofern er als Hilfston diente, wurde durch den Ton b (bzw. fis) ersetzt, um unerwünschte Tritonusklänge in der Melodik zu vermeiden. Folge vom Typ f – g – a – h(b) – a oder h – a – g – f (fis) – g. So entstand leicht etwas Ungewöhnliches für die Neuzeit. Hören einer Mischung aus großen und kleinen Terzen im Mixolydian-Modus sowie der Liste (insbesondere in Kadenzen).

Der größte Teil der Produktion S. s. bestimmt für a cappella-Chor (Knaben- und Männerchor; Frauen durften von der katholischen Kirche nicht am Chor mitwirken). Der A-cappella-Chor ist ein Aufführungsapparat, der dem figurativen Wesen von S.'s Musik ideal entspricht. und ideal angepasst, um selbst die komplexeste Polyphonie zu erkennen. Absichten des Komponisten. Meister der Ära von S. mit. (zum größten Teil die Chorsänger und Chorleiter selbst) in meisterhaftem Besitz. die Mittel des Chores. Die Kunst, Klänge in einem Akkord zu platzieren, um eine besondere Gleichmäßigkeit und „Reinheit“ des Klangs zu erzeugen, der meisterhafte Umgang mit Kontrasten verschiedener Stimmlagen, die vielfältigen Techniken des „Einschaltens“ und „Ausschaltens“ von Stimmen, die Technik des Kreuzens und Klangfarbenvariation werden in vielen Fällen mit einer malerischen Interpretation des Chores (z. B. in dem berühmten 8-stimmigen Madrigal „Echo“ von Lasso) und sogar Genredarstellungen (z. B. in Lassos polyphonen Liedern) kombiniert. Komponisten S. s. sie waren berühmt für ihre Fähigkeit, spektakuläre Kompositionen für mehrere Chöre zu schreiben (der 36-köpfige Kanon, der J. Okegem zugeschrieben wird, bleibt immer noch eine Ausnahme); in ihrer Produktion wurde ziemlich oft eine 5-Stimme verwendet (normalerweise mit einer Trennung einer hohen Stimme in CL von den Chorgruppen – ein Tenor in einem Männerchor, ein Sopran, genauer gesagt ein Diskant, in einem Knabenchor). 2- und 3-stimmige Chorstimmen wurden oft verwendet, um komplexere (vier- bis achtstimmige) Kompositionen zu schattieren (siehe zum Beispiel Benedictus in Messen). Meister S. s. (insbesondere die Holländer, Venezianer) erlaubten die Teilnahme von Musen. Instrumente in der Leistung ihrer polygonalen. wok. funktioniert. Viele von ihnen (Izak, Josquin Despres, Lasso usw.) haben Musik speziell für Instr. Ensembles. Der Instrumentalismus als solcher ist jedoch eine der wichtigsten historischen Errungenschaften in der Musik der Ära des freien Schreibens.

Polyphonie S. mit. basiert auf einer neutralen Thematisierung, und das eigentliche Konzept des „polyphonen Themas“ als These, als zu entwickelnde Reliefmelodie, war nicht bekannt: Die Individualisierung von Intonationen findet sich im Prozess der Polyphonie. musikalische Entwicklung. Melodie. grundlegende S. mit. – Gregorianischer Choral (vgl. Gregorianischer Choral) – im Laufe der Kirchengeschichte. Musik war dem stärksten Einfluss von Nar ausgesetzt. Liedhaftigkeit. Die Verwendung von Nar. Lieder wie Cantus Firmus sind ein weit verbreitetes Phänomen, und Komponisten verschiedener Nationalitäten – Italiener, Holländer, Tschechen, Polen – wurden oft für die Polyphonie ausgewählt. Verarbeitung der Melodien seines Volkes. Einige besonders populäre Lieder wurden von verschiedenen Komponisten immer wieder verwendet: So wurden zum Beispiel Messen für das Lied L'homme armé von Obrecht, G. Dufay, Ockeghem, Josquin Despres, Palestrina und andere. Besonderheiten von Melodie und Metrorhythmus in der Musik von S. mit. weitgehend durch seine vokal-chorale Natur bestimmt. Komponisten-Polyphonisten entfernen sorgfältig alles, was die Natur stören könnte, aus ihren Kompositionen. die Bewegung der Stimme, der kontinuierliche Einsatz von melodischen Linien, alles, was zu scharf erscheint, fähig, die Aufmerksamkeit auf Einzelheiten, auf Details zu lenken. Die Umrisse der Melodien sind glatt, manchmal enthalten sie Momente deklamatorischen Charakters (z. B. ein mehrmals hintereinander wiederholter Ton). Bei melodischen Linien gibt es keine Sprünge in schwer zu tonende dissonante und weite Intervalle; Progressive Bewegung überwiegt (ohne Wechsel in chromatische Halbtöne; Chromatiken finden sich z.B. im Madrigal Solo e pensoso von L. Marenzio über Petrarcas Gedichte, gegeben in der Anthologie von A. Schering (Schering A., Geschichte der Musik in Beispielen, 1931, 1954), gehen mit diesem Werk über S. c) und Sprünge – unmittelbar oder auf Distanz – werden durch Bewegung in die entgegengesetzte Richtung ausgeglichen. melodischer Typ. Bewegungen – schwebende, helle Höhepunkte sind für ihn ungewöhnlich. Denn rhythmische Organisationen sind typischerweise nicht benachbart zu Klängen, die sich zum Beispiel in der Dauer signifikant unterscheiden. Achtel und Brevis; Um eine rhythmische Gleichmäßigkeit zweier ligierter Noten zu erreichen, ist die zweite normalerweise entweder gleich der ersten oder um die Hälfte kürzer (aber nicht viermal). Springt melodisch ein. Linien sind häufiger zwischen Noten von großer Dauer (brevis, ganz, halb); Noten kürzerer Dauer (Viertelnoten, Achtelnoten) werden normalerweise in fließenden Bewegungen verwendet. Die sanfte Bewegung kleiner Noten endet oft mit einer „weißen“ Note zu einem starken Zeitpunkt oder einer „weißen“ Note, die synkopiert (zu einem schwachen Zeitpunkt) aufgenommen wird. Melodie. Konstruktionen werden (je nach Text) aus der Folge von Phrasen gebildet decomp. Länge, Musik zeichnet sich also nicht durch Rechteckigkeit aus, sondern durch ihre Metrik. die Pulsation erscheint geglättet und sogar amorph (prod. C. mit. wurden ohne Taktstriche und nur mit Stimmen aufgenommen und veröffentlicht, ohne Angaben in der Partitur). Dies wird rhythmisch kompensiert. Autonomie der Stimmen, in otd. Fälle von Polymetrie, die die Ebene erreicht (insbesondere im rhythmisch kühnen Op. Josken Depre). Genaue Angaben über das Tempo in der Musik von S. mit. = 60 bis MM = 112).

In der Musik von S. mit. Worttext und Nachahmung spielten die wichtigste Rolle bei der Gestaltung; Auf dieser Grundlage wurden eingesetzte Polyphone erstellt. Werke. Im Werk der Meister S. mit. verschiedene Musen haben sich entwickelt. Formen, die sich nicht für eine Typisierung eignen, wie sie beispielsweise für Formen in der Musik der Wiener Klassik typisch ist. Formen der Vokalpolyphonie im allgemeinsten Sinne werden in solche unterteilt, bei denen der Cantus Firmus verwendet wird, und solche, bei denen dies nicht der Fall ist. BEIM. BEIM. Protopopov betrachtet die wichtigsten in der Systematik der Formen S. mit. Variationsprinzip und unterscheidet die folgende Polyphonie. Formen: 1) Ostinato-Typus, 2) Entwicklung nach der Art der Motivkeimung, 3) Strophen. Im 1. Fall basiert die Form auf der Wiederholung des Cantus firmus (entstanden als polyphone. Verarbeitung Couplet nar. Lieder); kontrapunktische Stimmen werden der Ostinato-Melodie hinzugefügt, die in einer vertikalen Permutation wiederholt werden kann, im Umlauf passieren, abnehmen usw. n (zB Duo für Bass und Tenor Lasso, Sobr. op., Bd. 1). Zahlreiche Werke, die in Formen des 2. Typs geschrieben sind, stellen eine Variationsentwicklung desselben Themas dar, mit reichlicher Verwendung von Imitationen, kontrapunktischen Stimmen, Komplikation der Textur nach dem Schema: a – a1 – h – a2 – c …. Aufgrund der fließenden Übergänge (Nichtübereinstimmung von Kadenzen in verschiedenen Stimmen, Nichtübereinstimmung von oberen und unteren Höhepunkten) werden die Grenzen zwischen Variationskonstruktionen oft unscharf (z. B. Kyrie aus der Messe „Aeterna Christi munera“ Palestrina, Sobr. op., Bd. XIV; Kyrie aus der Messe „Pange lingua“ von Josquin Despres, siehe в кн.: Ambros A., «History of Music», Bd. 5, Lpz., 1882, 1911, S. 80). In Formen der 3. Art melodisch. das Material ändert sich je nach Text nach dem Schema: a – b – c – d … (prop. Motettenform), was Anlass gibt, die Form als strophisch zu definieren. Die Melodie der Abschnitte ist normalerweise nicht kontrastierend, oft verwandt, aber ihre Struktur und Struktur sind unterschiedlich. Zugleich suggeriert die mehrthematische Form der Motette. und thematisch. Erneuerung und Verwandtschaft von Themen, die notwendig sind, um eine einheitliche Kunst zu schaffen. Bild (zum Beispiel das berühmte Madrigal „Mori quasi il mio core“ von Palestrina, Sobr. op., Bd. XXVIII). Sehr oft werden verschiedene Arten von Formen in einem Werk kombiniert. Die Prinzipien ihrer Organisation dienten als Grundlage für die Entstehung und Entwicklung späterer Polyphonien. und homophone Formen; so ging die Motettenform in instr über. Musik und wurde in der Kanzone und später in der Fuge verwendet; pl. die Merkmale der Ostinato-Formen werden vom Ricercar übernommen (eine Form ohne Zwischenspiele, die verschiedene Transformationen des Themas verwendet); Stimmenwiederholungen in der Messe (Kyrie nach Christe eleison, Osanna nach Benedictus) könnten als Prototyp einer dreistimmigen Reprisenform dienen; polyphone Gesänge mit Couplet-Variations-Struktur nähern sich der Struktur eines Rondos. In der Produktion C. mit. Der Prozess der funktionalen Differenzierung der Teile begann, der sich in der Klassik vollständig manifestierte.

Die wichtigsten Theoretiker der Ära des strengen Schreibens waren J. Tinctoris, G. Glarean, N. Vicentipo (1511-1572; siehe sein Buch: L'antica musica ridotta alla moderna prattica, 1555), J. Zarlino.

Die wichtigsten Errungenschaften der Meister von S. s. – polyphon. Unabhängigkeit der Stimmen, die Einheit von Erneuerung und Wiederholung in der Entwicklung der Musik, ein hohes Maß an Entwicklung von Imitation und Kanonik. Formen, die Technik des komplexen Kontrapunkts, die Verwendung verschiedener Methoden zur Transformation des Themas, die Kristallisation von Kadenztechniken usw. sind grundlegend für die Musik. art-va und behalten (auf einer anderen Intonationsbasis) grundlegende Bedeutung für alle nachfolgenden Epochen.

Erreichen der höchsten Blüte in der 2. Hälfte. Im 16. Jahrhundert wich die Musik des strengen Schreibens der neuesten Kunst des 17. Jahrhunderts. Meister des freien Stils (J. Frescobaldi, J. Legrenzi, I. Ya. Froberger und andere) basierten auf Kreativität. Errungenschaften der alten Polyphonisten. Die Kunst der Hochrenaissance spiegelt sich in konzentrierten und majestätischen Werken wider. JS Bach (z. B. 6-ch. org. Choral „Aus tiefer Not“, BWV 686, 7-ch., mit 8 begleitenden Bassstimmen, Credo Nr. 12 aus Messe in h-moll, 8-ch. Motette für Chor u cappella, BWV 229). WA Mozart war mit den Traditionen der alten Kontrapunktisten bestens vertraut, und ohne Berücksichtigung des Einflusses ihrer Kultur ist es schwierig, solche im Wesentlichen engen S. s. seine Meisterwerke, wie das Finale der Symphonie C-dur („Jupiter“), das Finale des Quartetts G-dur, K.-V. 387, Aufzeichnungen aus Requiem. Kreaturen. Merkmale der Musik der Ära von S. mit. auf neuer Basis werden im erhaben kontemplativen Op. L. Beethoven der Spätzeit (insbesondere in der feierlichen Messe). Im 19. Jahrhundert verwendeten viele Komponisten strenge Kontrapunktik. Technik zum Erstellen einer speziellen alten Farbe, und in einigen Fällen – mystisch. Schatten; Feierlichkeiten. den Klang und die charakteristischen Techniken strengen Schreibens reproduzieren R. Wagner im Parsifal, A. Bruckner in Sinfonien und Chören. Schriften, G. Fauré in Requiem usw. Es erscheinen maßgebliche Ausgaben der Produktion. alte Meister (Palestrina, Lasso), ihr ernsthaftes Studium beginnt (A. Ambros). Von russischer Seite haben Musiker ein besonderes Interesse an der Polyphonie von S. s. ausgestellt von MI Glinka, NA Rimsky-Korsakov, GA Larosh; eine ganze Epoche im Studium des Kontrapunkts bestand aus den Werken von SI Taneev. Heutzutage hat das Interesse an Alter Musik stark zugenommen; in der UdSSR und im Ausland eine große Anzahl von Veröffentlichungen mit Produkten. alte Meister der Polyphonie; Musik S. s. zum Gegenstand sorgfältiger Studien wird, wird es in das Repertoire der leistungsstärksten Gruppen aufgenommen. Komponisten des 20. Jahrhunderts Sie machen ausgiebigen Gebrauch von den Techniken, die von den Komponisten der S. s. (insbesondere auf Dodekaphonbasis); der Einfluss der Arbeit der alten Kontrapunktisten ist zum Beispiel in einer Reihe von Op. IF Strawinsky der Neoklassik und Spätzeit („Sinfonie der Psalmen“, „Canticum sacrum“), in einigen Eulen. Komponisten.

2) Der erste Teil des Praktikums. Polyphoniekurs (deutscher strenger Satz), grundsätzlich orientiert am Werk der Komponisten des 15.-16. Jahrhunderts, Kap. Arr. über die Arbeit von Palestrina. Dieser Kurs vermittelt die Grundlagen von einfachem und komplexem Kontrapunkt, Imitation, Kanon und Fuge. Relativ stilistisch. die Einheit der Musik der Ära von S. mit. ermöglicht es Ihnen, die Grundlagen des Kontrapunkts in Form einer relativ kleinen Anzahl präziser Regeln und Formeln sowie die Einfachheit der melodischen Harmonik darzustellen. und rhythmisch. Normen macht S. s. das zweckmäßigste System zum Studium der Prinzipien der Polyphonie. Denken. Das Wichtigste für die Pädagogik. Praxis hatte die Arbeit von G. Tsarlino „Istitutioni Harmoniche“, sowie eine Reihe von Werken anderer Musen. Theoretiker des 16. Jahrhunderts. Methodisch die Grundlagen des Kurses Polyphonie S. s. wurden von I. Fuchs im Lehrbuch „Gradus ad Parnassum“ (1725) definiert. Das von Fuchs entwickelte System der kontrapunktischen Entladungen wird in allen nachfolgenden praktischen Arbeiten beibehalten. Führer, z. in den Lehrbüchern von L. Cherubini, G. Bellerman, im 20. Jahrhundert. – K. Eppesen (Kph.-Lpz., 1930; letzte Ausgabe – Lpz., 1971). Große Aufmerksamkeit für die Entwicklung von S.'s Theorie der Seite. Russisch gegeben. Musiker; zum Beispiel enthält Tschaikowskys Leitfaden für das praktische Studium der Harmonie (1872) ein diesem Thema gewidmetes Kapitel. Das erste Spezialbuch über S. s. in russischer Sprache. war ein Lehrbuch von L. Busler, das 1885 in der Übersetzung von S. I. Tanejew veröffentlicht wurde. Der Unterricht von S. war. bedeutende Musiker wurden engagiert – SI Taneev, AK Lyadov, RM Glier; pädagogischen S. Wert mit. notiert von P. Hindemith, IF Strawinsky und anderen Komponisten. Im Laufe der Zeit entsprach das Fuchs-Entladungssystem nicht mehr den etablierten Ansichten über die Natur des Kontrapunkts (seine Kritik wurde von E. Kurt in dem Buch „Grundlagen des linearen Kontrapunkts“ gegeben) und nach wissenschaftlichen. Tanejews Studien wurde die Notwendigkeit, es zu ersetzen, offensichtlich. Eine neue Methode des Unterrichtens S. s., wo die wichtigsten. Aufmerksamkeit wird dem Studium von imitativen Formen und komplexem Kontrapunkt in polyphonen Bedingungen geschenkt. Polyphonie, geschaffene Eulen. Forscher SS Bogatyrev, Kh. S. Kushnarev, GI Litinsky, VV Protopopov und SS Skrebkov; schrieb eine Reihe von Lehrbüchern, die in der Sowjetunion angenommen wurden. uch. Institutionen, die Praxis des Unterrichtens S. s., beim Bau von Kursen to-rogo, zwei Trends zeichnen sich ab: die Schaffung eines rationalen pädagogischen. System in erster Linie auf praktische ausgerichtet. Beherrschung der Kompositionsfähigkeiten (dargestellt insbesondere in den Lehrbüchern von GI Litinsky); ein Kurs, der sich sowohl auf praktische als auch auf theoretische Aspekte konzentriert. Beherrschung des strengen Schreibens auf der Grundlage des Kunststudiums. Proben der Musik des 15.-16. Jahrhunderts. (zum Beispiel in den Lehrbüchern von TF Muller und SS Grigoriev, SA Pavlyuchenko).

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W. P. Frayonov