Rodion Konstantinowitsch Schtschedrin |

Rodion Schtschedrin

Oh, sei unser Hüter, Retter, Musik! Verlass uns nicht! weck unsere kaufmännischen Seelen öfter! Schlage mit deinen Klängen schärfer auf unsere schlafenden Sinne! Errege, zerreiße sie und vertreibe sie, wenn auch nur für einen Moment, diesen kalt schrecklichen Egoismus, der versucht, unsere Welt zu übernehmen! N. Gogol. Aus dem Artikel „Skulptur, Malerei und Musik“

Im Frühjahr 1984 wurde in einem der Konzerte des II. Internationalen Musikfestivals in Moskau die Uraufführung von „Selbstporträt“ – Variationen für ein großes Symphonieorchester von R. Shchedrin aufgeführt. Die neue Komposition des Musikers, der gerade die Schwelle seines fünfzigsten Geburtstags überschritten hat, entzündete die einen mit einer durchdringenden emotionalen Aussage, die anderen begeisterte mit der journalistischen Nacktheit des Themas, der ultimativen Gedankenkonzentration über das eigene Schicksal. Es ist wahr, dass man sagt: „Der Künstler ist sein eigener oberster Richter.“ In dieser einteiligen Komposition, die in Bedeutung und Inhalt einer Symphonie gleicht, erscheint die Welt unserer Zeit durch das Prisma der Künstlerpersönlichkeit, in Nahaufnahme dargestellt und durch sie in all ihrer Vielseitigkeit und Widersprüchlichkeit bekannt – aktiv und meditativen Zuständen, in Kontemplation, lyrischer Selbstvertiefung, in Momenten des Jubels oder tragischer Explosionen voller Zweifel. Zu „Self-portrait“, und es ist natürlich, werden Fäden aus vielen zuvor von Shchedrin geschriebenen Werken zusammengezogen. Wie aus der Vogelperspektive zeigt sich sein kreativer und menschlicher Weg – von der Vergangenheit in die Zukunft. Der Weg des „Schicksalslieblings“? Oder „Märtyrer“? In unserem Fall wäre es falsch, weder das eine noch das andere zu sagen. Es ist wahrheitsnäher zu sagen: der Weg der Waghalsigen „aus der ersten Person“ …

Shchedrin wurde in eine Musikerfamilie hineingeboren. Vater, Konstantin Michailowitsch, war ein berühmter Dozent für Musikwissenschaftler. Im Haus der Schtschedrins wurde ständig Musik gespielt. Das Live-Musikmachen war der Nährboden, der nach und nach die Leidenschaften und den Geschmack des zukünftigen Komponisten formte. Der Familienstolz war das Klaviertrio, an dem Konstantin Michailowitsch und seine Brüder teilnahmen. Die Jahre der Jugend fielen mit einer großen Prüfung zusammen, die auf die Schultern des gesamten sowjetischen Volkes fiel. Zweimal floh der Junge an die Front und wurde zweimal in sein Elternhaus zurückgebracht. Später wird sich Shchedrin mehr als einmal an den Krieg erinnern, mehr als einmal wird der Schmerz dessen, was er erlebt hat, in seiner Musik widerhallen – in der Zweiten Symphonie (1965), Chören zu Gedichten von A. Tvardovsky – in Erinnerung an einen Bruder, der nicht zurückgekehrt ist aus dem Krieg (1968), in „Poetoria“ (in St. A. Voznesensky, 1968) – ein originelles Konzert für den Dichter, begleitet von einer weiblichen Stimme, einem gemischten Chor und einem Symphonieorchester …

1945 wurde ein zwölfjähriger Teenager der neu eröffneten Chorschule zugeteilt – jetzt sie. AV Sweschnikova. Neben dem Studium der theoretischen Disziplinen war das Singen vielleicht die Hauptbeschäftigung der Schüler der Schule. Jahrzehnte später sagte Shchedrin: „Die ersten Momente der Inspiration in meinem Leben erlebte ich beim Singen im Chor. Und natürlich waren meine ersten Kompositionen auch für den Chor…“ Der nächste Schritt war das Moskauer Konservatorium, wo Shchedrin gleichzeitig an zwei Fakultäten studierte – in Komposition bei Y. Shaporin und in der Klavierklasse bei Y. Flier. Ein Jahr vor seinem Abschluss schrieb er sein erstes Klavierkonzert (1954). Dieses frühe Opus faszinierte durch seine Originalität und lebhafte emotionale Strömung. Der 2-jährige Autor hat es gewagt, zwei Liedchen-Motive – das sibirische „Balalaika summt“ und die berühmte „Semjonowna“ – in das Konzert-Pop-Element aufzunehmen und sie in einer Reihe von Variationen effektvoll zu entwickeln. Der Fall ist fast einzigartig: Shchedrins erstes Konzert erklang nicht nur im Programm des nächsten Komponistenplenums, sondern wurde auch zur Grundlage für die Aufnahme eines Studenten im 4. Studienjahr … in den Komponistenverband. Nachdem er sein Diplom in zwei Fachrichtungen glänzend verteidigt hatte, verbesserte sich der junge Musiker in der Graduiertenschule.

Zu Beginn seiner Reise probierte Shchedrin verschiedene Bereiche aus. Dies waren das Ballett von P. Ershov Das kleine bucklige Pferd (1955) und die Erste Symphonie (1958), die Kammersuite für 20 Violinen, Harfe, Akkordeon und 2 Kontrabässe (1961) und die Oper Not Only Love (1961), eine satirische Ferienkantate „Bureaucratiada“ (1963) und ein Konzert für Orchester „Naughty ditties“ (1963), Musik für Theateraufführungen und Filme. Der fröhliche Marsch aus dem Film „Vysota“ wurde sofort zu einem musikalischen Bestseller… Die Oper nach der Geschichte von S. Antonov „Tante Lusha“ sticht in dieser Reihe hervor, deren Schicksal kein leichtes war. In der vom Unglück versengten Geschichte, den Bildern einfacher, zur Einsamkeit verdammter Bäuerinnen wandte sich der Komponist nach eigenen Angaben bewusst der Schaffung einer „stillen“ Oper zu, im Gegensatz zu den „monumentalen Aufführungen mit grandiosen Extras“. damals inszeniert, in den frühen 60er Jahren. , Banner usw.“ Heute ist es unmöglich, nicht zu bedauern, dass die Oper zu ihrer Zeit nicht geschätzt und auch von Fachleuten nicht verstanden wurde. Die Kritik bemerkte nur eine Facette – Humor, Ironie. Aber im Wesentlichen ist die Oper Not Only Love das hellste und vielleicht erste Beispiel in der sowjetischen Musik für das Phänomen, das später die metaphorische Definition von „Dorfprosa“ erhielt. Nun, der Weg in die Zukunft ist immer dornig.

1966 beginnt der Komponist mit der Arbeit an seiner zweiten Oper. Und diese Arbeit, die die Schaffung seines eigenen Librettos beinhaltete (hier manifestierte sich Shchedrins literarische Begabung), dauerte ein Jahrzehnt. „Tote Seelen“, Opernszenen nach N. Gogol – so nahm diese grandiose Idee Gestalt an. Und wurde von der Musikszene bedingungslos als innovativ gewürdigt. Der Wunsch des Komponisten, „Gogols Singprosa mit Musik zu lesen, den nationalen Charakter mit Musik zu skizzieren und die unendliche Ausdruckskraft, Lebendigkeit und Flexibilität unserer Muttersprache mit Musik zu betonen“, verkörperte sich in den dramatischen Kontrasten zwischen der erschreckenden Welt von Händler mit toten Seelen, all diese Chichikovs, Sobeviches, Plyushkins, Kisten, Manilows, die in der Oper rücksichtslos gegeißelt haben, und die Welt der „lebenden Seelen“, des Volkslebens. Eines der Themen der Oper basiert auf dem Text des gleichen Liedes „Snow is not white“, das der Autor mehr als einmal im Gedicht erwähnt. Sich auf die historisch etablierten Opernformen stützend, denkt Shchedrin sie mutig neu, transformiert sie auf eine grundlegend andere, wirklich moderne Basis. Das Recht auf Innovation wird durch die grundlegenden Eigenschaften der Individualität des Künstlers gewährleistet, die fest auf einer gründlichen Kenntnis der Traditionen der reichsten und einzigartigsten Errungenschaften der häuslichen Kultur, des Blutes, der Stammesbeteiligung an der Volkskunst – ihrer Poetik, Melos, verschiedene Formen. „Volkskunst weckt den Wunsch, ihr unvergleichliches Aroma nachzubilden, irgendwie mit ihrem Reichtum zu „korrelieren“, die Gefühle zu vermitteln, die sie hervorruft und die nicht in Worte gefasst werden können“, behauptet der Komponist. Und vor allem seine Musik.

Dieser Prozess der „Neuschöpfung des Volkes“ vertiefte sich allmählich in seinem Werk – von der eleganten Stilisierung der Folklore im frühen Ballett „Das kleine bucklige Pferd“ über die bunte Klangpalette von Mischievous Chastushkas bis zum dramatisch schroffen System von „Rings“ (1968) , die die strenge Einfachheit und Lautstärke der Znamenny-Gesänge wiederbelebt; von der musikalischen Verkörperung eines hellen Genreporträts, eines starken Bildes der Hauptfigur der Oper „Not Only Love“ bis hin zu einer lyrischen Erzählung über die Liebe der einfachen Menschen zu Ilyich, über ihre persönliche innerste Einstellung zu „dem Allerweltlichsten alle Menschen, die durch die Erde gegangen sind“ im Oratorium „Lenin im Herzen des Volkes“ (1969) – das Beste, wir stimmen der Meinung von M. Tarakanov zu“, der musikalischen Verkörperung des leninistischen Themas, das am Vorabend erschien zum 100. Geburtstag des Führers. Von der Krönung der Bildschöpfung Russlands, die sicherlich die Oper „Tote Seelen“ war, die B. Pokrovsky 1977 auf der Bühne des Bolschoi-Theaters inszenierte, schlägt der Bogen zu „Der versiegelte Engel“ – Chormusik in 9 Teile nach N. Leskov (1988). Wie der Komponist in der Anmerkung feststellt, war er von der Geschichte des Ikonenmalers Sevastyan angezogen, „der eine alte wundersame Ikone druckte, die von den Mächtigen dieser Welt beschmutzt wurde, vor allem die Idee der Unvergänglichkeit künstlerischer Schönheit, die magische, erhebende Kraft der Kunst.“ „The Captured Angel“ sowie ein Jahr zuvor für das Symphonieorchester geschaffenes „Stikhira“ (1987), basierend auf dem Znamenny-Gesang, sind dem 1000. Jahrestag der Taufe Russlands gewidmet.

Leskovs Musik setzte eine Reihe von Shchedrins literarischen Vorlieben und Zuneigungen logisch fort und betonte seine prinzipielle Ausrichtung: „… Ich kann unsere Komponisten nicht verstehen, die sich der übersetzten Literatur zuwenden. Wir haben einen unermesslichen Reichtum – Literatur in russischer Sprache. In dieser Reihe wird Puschkin („einer meiner Götter“) ein besonderer Platz eingeräumt – neben den frühen beiden Chören entstanden 1981 die Chordichtungen „Die Hinrichtung von Pugachev“ auf dem Prosatext aus der „Geschichte von der Pugachev-Aufstand“ und „Strophen von „Eugen Onegin““.

Dank musikalischer Darbietungen basierend auf Tschechow – „Die Möwe“ (1979) und „Dame mit einem Hund“ (1985), sowie zuvor geschriebenen lyrischen Szenen basierend auf dem Roman von L. Tolstoi „Anna Karenina“ (1971), die Die Galerie der auf der Ballettbühne verkörperten russischen Heldinnen wurde erheblich bereichert. Die eigentliche Co-Autorin dieser Meisterwerke der modernen choreografischen Kunst war Maya Plisetskaya, eine herausragende Ballerina unserer Zeit. Diese Gemeinschaft – kreativ und menschlich – ist bereits über 30 Jahre alt. Was auch immer Shchedrins Musik erzählt, jede seiner Kompositionen trägt eine Ladung aktiver Suche und enthüllt die Züge einer strahlenden Individualität. Der Komponist spürt scharf den Puls der Zeit und nimmt sensibel die Dynamik des heutigen Lebens wahr. Er sieht die Welt in Volumen, erfasst und fängt in künstlerischen Bildern sowohl ein bestimmtes Objekt als auch das gesamte Panorama ein. Könnte dies der Grund für seine grundsätzliche Orientierung an der dramatischen Methode der Montage sein, die es ermöglicht, die Kontraste von Bildern und emotionalen Zuständen deutlicher zu umreißen? Basierend auf dieser dynamischen Methode strebt Shchedrin nach Prägnanz, Prägnanz („um Code-Informationen in den Zuhörer zu bringen“) der Präsentation des Materials, nach einer engen Beziehung zwischen seinen Teilen ohne jegliche Verbindungsglieder. Die Zweite Symphonie ist also ein Zyklus von 25 Präludien, das Ballett „Die Möwe“ ist nach demselben Prinzip aufgebaut; Das dritte Klavierkonzert besteht wie eine Reihe anderer Werke aus einem Thema und einer Reihe seiner Transformationen in verschiedenen Variationen. Die lebendige Polyphonie der umgebenden Welt spiegelt sich in der Vorliebe des Komponisten für Polyphonie wider – sowohl als Ordnungsprinzip des musikalischen Materials, als Schreibweise als auch als Denkweise. „Polyphonie ist eine Existenzweise, für unser Leben ist die moderne Existenz polyphon geworden.“ Diese Vorstellung des Komponisten bestätigt sich praktisch. Während er an Dead Souls arbeitete, schuf er gleichzeitig die Ballette Carmen Suite und Anna Karenina, das dritte Klavierkonzert, das polyphone Notizbuch mit 24 Präludien, den zweiten Band mit 80 Präludien und Fugen, Poetoria und andere Kompositionen. begleitet von Shchedrins Auftritten auf der Konzertbühne als Interpret seiner eigenen Kompositionen – als Pianist und seit Anfang der XNUMXer Jahre. und als Organist verbindet sich seine Arbeit harmonisch mit energischen öffentlichen Taten.

Shchedrins Weg als Komponist ist immer eine Überwindung; alltägliche, hartnäckige Überwindung des Materials, das in den festen Händen des Meisters zu musikalischen Linien wird; Überwindung der Trägheit und sogar Voreingenommenheit der Wahrnehmung des Zuhörers; schließlich sich selbst überwinden, genauer gesagt, wiederholen, was bereits entdeckt, gefunden, erprobt wurde. Wie man hier nicht an V. Mayakovsky erinnert, der einmal über Schachspieler bemerkte: „Der brillanteste Zug kann in einer bestimmten Situation in einer nachfolgenden Partie nicht wiederholt werden. Nur die Unerwartetheit der Bewegung schlägt den Feind nieder.

Als dem Moskauer Publikum erstmals The Musical Offering (1983) vorgestellt wurde, schlug die Reaktion auf Shchedrins neue Musik wie eine Bombe ein. Der Streit ließ lange nicht nach. Der nach höchster Prägnanz, aphoristischem Ausdruck („telegraphischer Stil“) strebende Komponist schien sich in seinem Werk plötzlich in einer anderen künstlerischen Dimension bewegt zu haben. Seine einsätzige Komposition für Orgel, 3 Flöten, 3 Fagotte und 3 Posaunen dauert … mehr als 2 Stunden. Sie ist nach der Intention des Autors nichts weiter als ein Gespräch. Und kein chaotisches Gespräch, das wir manchmal führen, einander nicht zuhörend, in Eile, um unsere persönliche Meinung zu äußern, sondern ein Gespräch, in dem jeder von seinen Sorgen, Freuden, Sorgen, Offenbarungen erzählen könnte … „Ich glaube das mit der Eile von unser Leben, das ist extrem wichtig. Halten Sie inne und denken Sie nach.“ Erinnern wir uns, dass das „Musikalische Opfer“ am Vorabend des 300. Geburtstags von JS Bach geschrieben wurde (die „Echosonate“ für Violine solo – 1984 ist auch diesem Datum gewidmet).

Hat der Komponist seine Gestaltungsprinzipien geändert? Vielmehr, im Gegenteil: Mit seiner eigenen langjährigen Erfahrung in verschiedenen Bereichen und Genres vertiefte er das Erreichte. Schon in jungen Jahren suchte er nicht zu überraschen, kleidete sich nicht in fremde Kleider, „lief nicht mit dem Koffer hinter den abfahrenden Zügen durch die Bahnhöfe, sondern entwickelte sich so, wie es die Genetik vorgab, Neigungen, Vorlieben und Abneigungen.“ Übrigens hat nach dem „Musikalischen Opfer“ der Anteil der langsamen Tempi, des Reflexionstempos, in Shchedrins Musik deutlich zugenommen. Aber es gibt noch keine Leerstellen darin. Nach wie vor schafft es ein Feld hoher Bedeutung und emotionaler Spannung für die Wahrnehmung. Und reagiert auf die starke Ausstrahlung der Zeit. Viele Künstler befürchten heute eine deutliche Abwertung wahrer Kunst, eine Neigung zu Unterhaltung, Vereinfachung und allgemeiner Zugänglichkeit, die von der moralischen und ästhetischen Verarmung der Menschen zeugen. In dieser Situation der „Diskontinuität der Kultur“ wird der Schöpfer künstlerischer Werte zugleich zu ihrem Prediger. In dieser Hinsicht sind Shchedrins Erfahrung und seine eigene Arbeit anschauliche Beispiele für die Verbindung von Zeiten, „verschiedenen Musiken“ und die Kontinuität von Traditionen.

Im vollen Bewusstsein, dass Pluralismus von Ansichten und Meinungen eine notwendige Grundlage für das Leben und die Kommunikation in der modernen Welt ist, setzt er sich aktiv für den Dialog ein. Sehr lehrreich sind seine Begegnungen mit einem breiten Publikum, mit jungen Leuten, insbesondere mit erbitterten Anhängern der Rockmusik – sie wurden im Central Television übertragen. Ein Beispiel für einen internationalen Dialog, der von unserem Landsmann initiiert wurde, war das erste in der Geschichte der sowjetisch-amerikanischen Kulturbeziehungen stattfindende Festival der sowjetischen Musik in Boston unter dem Motto: „Making music together“, das ein breites und buntes Panorama der Arbeit der Sowjetunion entfaltete Komponisten (1988).

Im Dialog mit Andersdenkenden hat Rodion Shchedrin immer seinen eigenen Standpunkt. In Taten und Taten – die eigene künstlerische und menschliche Überzeugung im Zeichen der Hauptsache: „Du kannst nicht nur für heute leben. Wir brauchen kulturelles Bauen für die Zukunft, zum Wohle künftiger Generationen.“

A. Grigorjewa