Robert Schumann |

Robert Schumann

Licht in die Tiefen des menschlichen Herzens werfen – das ist die Berufung des Künstlers. R. Schumann

P. Tschaikowsky glaubte, dass zukünftige Generationen das XNUMX. Jahrhundert nennen würden. Schumanns Zeit in der Musikgeschichte. Und tatsächlich traf Schumanns Musik das Wesentliche in der Kunst seiner Zeit – ihr Inhalt waren die „geheimnisvoll tiefen Prozesse des Seelenlebens“ des Menschen, ihr Zweck – das Eindringen in die „Tiefen des menschlichen Herzens“.

R. Schumann wurde in der sächsischen Provinzstadt Zwickau in die Familie des früh verstorbenen Verlegers und Buchhändlers August Schumann (1826) geboren, konnte seinem Sohn jedoch eine ehrfürchtige Haltung gegenüber der Kunst vermitteln und ihn zum Musikstudium anregen mit dem dortigen Organisten I. Kuntsch. Schumann liebte es schon früh, am Klavier zu improvisieren, mit 13 Jahren schrieb er einen Psalm für Chor und Orchester, aber nicht weniger als die Musik zog es ihn zur Literatur, in deren Studium er während seiner Jahre am Klavier große Fortschritte machte Das Gymnasium. Der romantisch veranlagte junge Mann interessierte sich überhaupt nicht für Rechtswissenschaften, die er an den Universitäten Leipzig und Heidelberg (1828-30) studierte.

Unterricht bei dem berühmten Klavierlehrer F. Wieck, Konzertbesuche in Leipzig, Bekanntschaft mit den Werken von F. Schubert trugen zu der Entscheidung bei, sich der Musik zu widmen. Mühsam den Widerstand seiner Angehörigen überwindend, begann Schumann mit intensivem Klavierunterricht, doch eine Krankheit in der rechten Hand (durch mechanisches Training der Finger) beendete für ihn seine Laufbahn als Pianist. Mit umso größerer Begeisterung widmet sich Schumann dem Komponieren, nimmt Kompositionsunterricht bei G. Dorn, studiert das Werk von JS Bach und L. Beethoven. Bereits die ersten veröffentlichten Klavierwerke (Variationen über ein Thema von Abegg, „Schmetterlinge“, 1830-31) zeigten die Eigenständigkeit des jungen Autors.

Seit 1834 war Schumann Herausgeber und dann Herausgeber der Neuen Musikalischen Zeitschrift, die gegen die oberflächlichen Werke virtuoser Komponisten, die damals die Konzertbühnen mit handwerklicher Nachahmung der Klassik überschwemmten, für eine neue, tiefe Kunst kämpfen wollte , erleuchtet von poetischer Inspiration . In seinen in künstlerischer Originalform verfassten Artikeln – oft in Form von Szenen, Dialogen, Aphorismen etc. – stellt Schumann dem Leser das Ideal wahrer Kunst vor, das er in den Werken von F. Schubert und F. Mendelssohn sieht , F. Chopin und G. Berlioz, in der Musik der Wiener Klassik, im Spiel von N. Paganini und der jungen Pianistin Clara Wieck, der Tochter ihres Lehrers. Schumann gelang es, Gleichgesinnte um sich zu scharen, die auf den Seiten des Magazins als Davidsbündler auftauchten – Mitglieder der „David Brotherhood“ („Davidsbund“), einer Art geistiger Vereinigung echter Musiker. Schumann selbst signierte seine Rezensionen oft mit den Namen der fiktiven Davidsbündler Florestan und Eusebius. Florestan neigt zu heftigen Höhen und Tiefen der Fantasie, zu Paradoxien, die Urteile des verträumten Eusebius sind weicher. In der Charakterstückfolge „Karneval“ (1834-35) schafft Schumann musikalische Porträts der Davidsbündler – Chopin, Paganini, Clara (unter dem Namen Chiarina), Eusebius, Florestan.

Die höchste Spannung geistiger Kraft und die höchsten Höhen schöpferischer Genialität („Phantastische Stücke“, „Tänze der Davidsbündler“, Fantasie in C-Dur, „Kreisleriana“, „Novelettes“, „Humoresque“, „Wiener Fasching“) brachten Schumann zweite Hälfte der 30er Jahre. , die im Zeichen des Kampfes um das Vereinigungsrecht mit Clara Wieck verlief (F. Wieck verhinderte diese Heirat auf jede erdenkliche Weise). Schumann verbringt die Saison 1838/39 in dem Bemühen, seinen musikalischen und journalistischen Aktivitäten eine breitere Arena zu bieten. in Wien, aber die Metternich-Verwaltung und die Zensur verhinderten, dass die Zeitschrift dort veröffentlicht wurde. Schumann entdeckte in Wien das Manuskript von Schuberts „großer“ C-Dur-Symphonie, einem Höhepunkt der romantischen Symphonie.

1840 – das Jahr der lang ersehnten Vereinigung mit Clara – wurde für Schumann zum Liedjahr. Eine außergewöhnliche Sensibilität für Poesie, eine tiefe Kenntnis des Schaffens von Zeitgenossen trugen dazu bei, in zahlreichen Liedzyklen und Einzelliedern eine wahre Vereinigung mit der Poesie zu verwirklichen, die exakte musikalische Verkörperung der individuellen poetischen Intonation von G. Heine („Circle of Lieder“ op. 24, „Die Liebe des Dichters“), I. Eichendorff („Kreis der Lieder“, op. 39), A. Chamisso („Liebe und Leben einer Frau“), R. Burns, F. Rückert, J. Byron, GX Andersen und andere. Und in der Folge wuchsen auf dem Gebiet der vokalen Kreativität weiterhin wunderbare Werke („Sechs Gedichte von N. Lenau“ und Requiem – 1850, „Lieder aus „Wilhelm Meister“ von IV Goethe“ – 1849 usw.).

Leben und Werk Schumanns in den 40-50er Jahren. floss in einem Wechselspiel von Höhen und Tiefen, meist verbunden mit Anfällen von Geisteskrankheiten, deren erste Anzeichen sich bereits 1833 zeigten. Ein Aufschwung der Schaffenskraft markierte den Beginn der 40er Jahre, das Ende der Dresdner Zeit (die Schumanns lebten in Hauptstadt von Sachsen 1845-50. ), zeitgleich mit den revolutionären Ereignissen in Europa und dem Beginn des Lebens in Düsseldorf (1850). Schumann komponiert viel, unterrichtet am 1843 eröffneten Leipziger Konservatorium und tritt ab demselben Jahr als Dirigent auf. In Dresden und Düsseldorf leitet er auch den Chor und widmet sich dieser Arbeit mit Begeisterung. Von den wenigen Reisen mit Clara war die längste und beeindruckendste eine Reise nach Russland (1844). Seit den 60-70er Jahren. Schumanns Musik wurde sehr schnell zu einem festen Bestandteil der russischen Musikkultur. Sie wurde von M. Balakirev und M. Mussorgsky, A. Borodin und besonders Tschaikowsky geliebt, der Schumann als den herausragendsten modernen Komponisten betrachtete. A. Rubinstein war ein brillanter Interpret von Schumanns Klavierwerken.

Kreativität der 40-50er Jahre. gekennzeichnet durch eine deutliche Erweiterung des Genrespektrums. Schumann schreibt Symphonien (Erste – „Frühling“, 1841, Zweite, 1845-46; Dritte – „Rhein“, 1850; Vierte, 1841 – 1. Auflage, 1851 – 2. Auflage), Kammerensembles (3 Streichquartette – 1842, 3 Trios , Klavierquartett und -quintett, Ensembles mit Beteiligung der Klarinette – darunter „Fabelhafte Erzählungen“ für Klarinette, Viola und Klavier, 2 Sonaten für Violine und Klavier etc.); Konzerte für Klavier (1841-45), Cello (1850), Violine (1853); Programm Konzertouvertüren („Die Braut von Messina“ nach Schiller, 1851; „Hermann und Dorothea“ nach Goethe und „Julius Cäsar“ nach Shakespeare – 1851), die den meisterhaften Umgang mit klassischen Formen demonstrieren. Das Klavierkonzert und die Vierte Symphonie zeichnen sich durch Kühnheit in ihrer Erneuerung aus, das Quintett in Es-Dur durch die außergewöhnliche Harmonie der Verkörperung und die Inspiration musikalischer Gedanken. Einer der Höhepunkte des gesamten Schaffens des Komponisten war die Musik zu Byrons dramatischem Gedicht „Manfred“ (1848) – dem wichtigsten Meilenstein in der Entwicklung des romantischen Symphonismus auf dem Weg von Beethoven zu Liszt, Tschaikowsky, Brahms. Schumann verrät auch sein geliebtes Klavier nicht (Waldszenen, 1848-49 und andere Stücke) – es ist sein Klang, der seinen Kammerensembles und Vokaltexten besondere Ausdruckskraft verleiht. Die Suche nach dem Komponisten im Bereich der Vokal- und Schauspielmusik war unermüdlich (das Oratorium „Paradise and Peri“ von T. Moore – 1843; Szenen aus Goethes „Faust“, 1844-53; Balladen für Soli, Chor und Orchester; Werke sakraler Gattungen usw.) . Die Inszenierung von Schumanns einziger Oper Genoveva (1847-48) nach F. Gobbel und L. Tieck in Leipzig, ähnlich den deutschen romantischen „ritterlichen“ Opern von KM Weber und R. Wagner, brachte ihm keinen Erfolg.

Das große Ereignis der letzten Lebensjahre Schumanns war seine Begegnung mit dem zwanzigjährigen Brahms. Der Artikel „Neue Wege“, in dem Schumann seinem geistigen Erben eine große Zukunft prophezeite (jungen Komponisten begegnete er stets mit außerordentlicher Sensibilität), rundete seine publizistische Tätigkeit ab. Im Februar 1854 führte ein schwerer Krankheitsanfall zu einem Selbstmordversuch. Nach 2 Jahren Krankenhausaufenthalt (Endenich bei Bonn) verstarb Schumann. Die meisten Manuskripte und Dokumente werden in seinem Haus-Museum in Zwickau (Deutschland) aufbewahrt, wo regelmäßig nach dem Komponisten benannte Wettbewerbe von Pianisten, Sängern und Kammerensembles stattfinden.

Schumanns Werk markierte das reife Stadium der musikalischen Romantik mit seiner erhöhten Aufmerksamkeit für die Verkörperung der komplexen psychologischen Prozesse des menschlichen Lebens. Schumanns Klavier- und Gesangszyklen, viele der kammerinstrumentalen, symphonischen Werke eröffneten eine neue künstlerische Welt, neue Formen des musikalischen Ausdrucks. Schumanns Musik kann man sich als eine Reihe von überraschend weiten musikalischen Momenten vorstellen, die die wechselnden und sehr fein differenzierten Befindlichkeiten eines Menschen einfangen. Das können auch musikalische Porträts sein, die sowohl den äußeren Charakter als auch das innere Wesen des Dargestellten treffend einfangen.

Schumann gab vielen seiner Werke programmatische Titel, die die Fantasie des Zuhörers und Interpreten anregen sollten. Sein Werk ist sehr eng mit der Literatur verbunden – mit dem Werk von Jean Paul (JP Richter), TA Hoffmann, G. Heine und anderen. Schumanns Miniaturen sind vergleichbar mit lyrischen Gedichten, ausführlicheren Theaterstücken – mit Gedichten, romantischen Geschichten, wo verschiedene Handlungsstränge manchmal skurril miteinander verflochten werden, das Reale ins Phantastische gerät, lyrische Abschweifungen entstehen etc. Kreaturen. In diesem Zyklus von Klavierphantasiestücken sowie im Vokalzyklus zu Heines Gedichten „Die Liebe eines Dichters“ entsteht das Bild eines romantischen Künstlers, eines wahren Dichters, der sich unendlich scharf, „stark, feurig und zart“ fühlen kann “, manchmal gezwungen, sein wahres Wesen unter einer Maske von Ironie und Possenreißer zu verbergen, um es später noch aufrichtiger und herzlicher zu offenbaren oder in tiefe Gedanken zu versinken … Byrons Manfred ist von Schumann mit Schärfe und Gefühlsstärke ausgestattet, dem Wahnsinn eines rebellischer Impuls, in dessen Bild sich auch philosophische und tragische Züge finden. Lyrisch animierte Naturbilder, phantastische Träume, alte Sagen und Sagen, Bilder der Kindheit („Kinderszenen“ – 1838; Klavier (1848) und Gesang (1849) „Alben für die Jugend“) ergänzen die künstlerische Welt des großen Musikers, „ ein Dichter par excellence“, wie V. Stasov es nannte.

E. Zareva

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Schumans Worte „die Tiefen des menschlichen Herzens erleuchten – das ist die Bestimmung des Künstlers“ – ein direkter Weg zur Erkenntnis seiner Kunst. Kaum jemand kann sich mit Schumann an der Eindringlichkeit messen, mit der er die feinsten Nuancen des menschlichen Seelenlebens mit Klängen vermittelt. Die Welt der Gefühle ist eine unerschöpfliche Quelle seiner musikalischen und poetischen Bilder.

Nicht minder bemerkenswert ist eine weitere Aussage von Schumann: „Man sollte sich nicht zu sehr in sich vertiefen, dabei verliert man leicht den scharfen Blick auf die Welt um sich herum.“ Und Schumann folgte seinem eigenen Rat. Mit zwanzig Jahren nahm er den Kampf gegen Trägheit und Philistertum auf. (Spießbürger ist ein deutsches Sammelwort, das einen Kaufmann, eine Person mit rückständigen spießbürgerlichen Ansichten über das Leben, die Politik, die Kunst verkörpert) in Kunst. Ein Kampfgeist, rebellisch und leidenschaftlich, erfüllte seine musikalischen Werke und seine kühnen, gewagten kritischen Artikel, die den Weg für neue fortschrittliche Phänomene der Kunst ebneten.

Unversöhnlichkeit mit Routine, Vulgarität, die Schumann sein ganzes Leben lang getragen hat. Aber die von Jahr zu Jahr stärker werdende Krankheit verschlimmerte die Nervosität und romantische Sensibilität seines Wesens, behinderte oft die Begeisterung und Energie, mit der er sich musikalischen und sozialen Aktivitäten widmete. Auch die Komplexität der weltanschaulich-gesellschaftspolitischen Situation in Deutschland wirkte sich damals aus. Trotzdem gelang es Schumann, unter den Bedingungen einer halbfeudalen reaktionären Staatsstruktur die Reinheit der moralischen Ideale zu bewahren, sich ständig zu bewahren und bei anderen kreatives Brennen zu wecken.

„Ohne Enthusiasmus entsteht in der Kunst nichts Wirkliches“, diese wunderbaren Worte des Komponisten offenbaren die Essenz seines schöpferischen Strebens. Als sensibler und tief denkender Künstler konnte er nicht umhin, dem Ruf der Zeit zu folgen, dem inspirierenden Einfluss der Ära der Revolutionen und nationalen Befreiungskriege zu erliegen, die Europa in der ersten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts erschütterten.

Die romantische Ungewöhnlichkeit musikalischer Bilder und Kompositionen, die Leidenschaft, die Schumann in all seine Aktivitäten einfließen ließ, störte die schläfrige Ruhe der deutschen Spießer. Nicht umsonst wurde Schumanns Wirken von der Presse totgeschwiegen und fand in seiner Heimat lange keine Anerkennung. Schumanns Lebensweg war schwierig. Von Anfang an bestimmte der Kampf um das Recht, Musiker zu werden, die angespannte und manchmal nervöse Atmosphäre seines Lebens. Der Zusammenbruch von Träumen wurde manchmal durch eine plötzliche Verwirklichung von Hoffnungen ersetzt, Momente akuter Freude – tiefe Depression. All dies hat sich in die zitternden Seiten von Schumanns Musik eingeprägt.

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Schumanns Zeitgenossen erschien sein Werk geheimnisvoll und unzugänglich. Eine eigentümliche Tonsprache, neue Bilder, neue Formen – all das erforderte zu viel Hinhören und Anspannung, ungewohnt für das Publikum von Konzertsälen.

Die Erfahrung von Liszt, der versuchte, Schumanns Musik zu fördern, endete ziemlich traurig. In einem Brief an Schumanns Biographen schrieb Liszt: „Viele Male hatte ich mit Schumanns Stücken sowohl in Privathäusern als auch bei öffentlichen Konzerten einen solchen Misserfolg, dass ich den Mut verlor, sie auf meine Plakate zu bringen.“

Aber auch unter Musikern hat sich Schumanns Kunst nur schwer zum Verständnis durchgesetzt. Ganz zu schweigen von Mendelssohn, dem der rebellische Geist Schumanns zutiefst fremd war, derselbe Liszt – einer der einsichtigsten und sensibelsten Künstler – akzeptierte Schumann nur teilweise und erlaubte sich solche Freiheiten wie die Aufführung von „Karneval“ mit Kürzungen.

Erst seit den 50er Jahren begann Schumanns Musik im Musik- und Konzertleben Fuß zu fassen und immer größere Kreise von Anhängern und Bewunderern zu erobern. Zu den ersten Menschen, die seinen wahren Wert erkannten, gehörten führende russische Musiker. Anton Grigoryevich Rubinshtein spielte Schumann viel und bereitwillig, und gerade mit der Aufführung von „Karneval“ und „Symphonischen Etüden“ hinterließ er großen Eindruck beim Publikum.

Die Liebe zu Schumann wurde wiederholt von Tschaikowsky und den Führern der Mächtigen Handvoll bezeugt. Tschaikowsky sprach besonders eindringlich über Schumann, bemerkte die aufregende Modernität von Schumanns Werk, die Neuheit des Inhalts, die Neuheit des eigenen musikalischen Denkens des Komponisten. „Schumanns Musik“, schrieb Tschaikowsky, „die sich organisch an Beethovens Werk anschließt und sich gleichzeitig scharf von ihm trennt, eröffnet uns eine ganze Welt neuer musikalischer Formen, berührt Saiten, die seine großen Vorgänger noch nicht berührt haben. Darin finden wir ein Echo jener geheimnisvollen spirituellen Prozesse unseres spirituellen Lebens, jener Zweifel, Verzweiflungen und Impulse zum Ideal, die das Herz des modernen Menschen überwältigen.

Schumann gehört zur zweiten Generation romantischer Musiker, die Weber, Schubert abgelöst haben. Schumann ging in vielerlei Hinsicht vom späten Schubert aus, von jener Linie seines Schaffens, in der lyrisch-dramatische und psychologische Elemente eine entscheidende Rolle spielten.

Schumanns kreatives Hauptthema ist die Welt der inneren Zustände eines Menschen, sein Seelenleben. Es gibt Züge im Erscheinungsbild von Schumanns Helden, die denen Schuberts ähneln, es gibt aber auch vieles Neues, das einem Künstler einer anderen Generation innewohnt, mit einem komplizierten und widersprüchlichen Gedanken- und Gefühlssystem. Künstlerische und poetische Bilder von Schumann, zerbrechlicher und raffinierter, wurden im Kopf geboren und nahmen die ständig wachsenden Widersprüche der Zeit scharf wahr. Es war diese gesteigerte Reaktionsschärfe auf die Phänomene des Lebens, die eine außergewöhnliche Spannung und Stärke der „Wirkung von Schumanns Gefühlsglut“ (Asafjew) erzeugte. Keiner der westeuropäischen Zeitgenossen Schumanns, außer Chopin, hat eine solche Leidenschaft und eine Vielfalt an emotionalen Nuancen.

In der nervös empfänglichen Natur Schumanns wird das Gefühl einer Kluft zwischen einer denkenden, tief empfindenden Persönlichkeit und den realen Bedingungen der umgebenden Realität, die von den führenden Künstlern der Epoche erlebt wurden, aufs Äußerste gesteigert. Er sucht die Unvollständigkeit des Daseins mit seiner eigenen Fantasie zu füllen, einem unschönen Leben eine heile Welt, das Reich der Träume und poetische Fiktion entgegenzusetzen. Dies führte letztlich dazu, dass die Vielfalt der Lebenserscheinungen an die Grenzen der persönlichen Sphäre, des Innenlebens, zu schrumpfen begann. Selbstvertiefung, Konzentration auf die eigenen Gefühle, die eigenen Erfahrungen verstärkten das Wachstum des psychologischen Prinzips in Schumanns Werk.

Die Natur, der Alltag, gleichsam die ganze gegenständliche Welt hängen von der jeweiligen Befindlichkeit des Künstlers ab, färben sich in den Tönen seiner persönlichen Stimmung. Die Natur existiert bei Schumann nicht außerhalb seiner Erfahrungen; es spiegelt immer seine eigenen Emotionen wider, nimmt eine ihnen entsprechende Farbe an. Dasselbe gilt für die fabelhaft-fantastischen Bilder. Im Werk Schumanns schwächt sich im Vergleich mit dem Werk Webers oder Mendelssohns die Verbindung mit der Fabelhaftigkeit volkstümlicher Ideen merklich ab. Schumanns Fantasie ist eher eine Fantasie seiner eigenen Visionen, manchmal skurril und kapriziös, verursacht durch das Spiel der künstlerischen Vorstellungskraft.

Die Stärkung von Subjektivität und psychologischen Motiven, die oft autobiografische Natur des Schaffens schmälern nicht den außergewöhnlichen universellen Wert von Schumanns Musik, denn diese Phänomene sind zutiefst typisch für die Schumann-Ära. Belinsky sprach bemerkenswert über die Bedeutung des subjektiven Prinzips in der Kunst: „Bei einem großen Talent ist ein Übermaß an einem inneren, subjektiven Element ein Zeichen von Menschlichkeit. Fürchte dich nicht vor dieser Richtung: Sie wird dich nicht täuschen, sie wird dich nicht irreführen. Der große Dichter, von sich selbst sprechend, von ihm яEr spricht vom Allgemeinen – von Humanität, denn in seiner Natur liegt alles, wovon die Menschheit lebt. Und deshalb erkennt jeder in seiner Traurigkeit, in seiner Seele, das Seine und sieht nicht nur in ihm DichterJedoch müssen auch befähigensein Bruder in der Menschheit. Ihn als ein unvergleichlich höheres Wesen erkennend, erkennt jeder zugleich seine Verwandtschaft mit ihm.

Neben der Vertiefung in die innere Welt im Schaffen Schumanns vollzieht sich ein weiterer, ebenso wichtiger Prozess: Der Umfang des vitalen Gehalts der Musik erweitert sich. Das Leben selbst, das das Werk des Komponisten mit den unterschiedlichsten Phänomenen füttert, bringt Elemente des Publizismus, der scharfen Charakterisierung und der Konkretheit hinein. Zum ersten Mal in der Instrumentalmusik erscheinen Porträts, Skizzen, Szenen, die in ihrer Charakteristik so genau sind. So dringt die lebendige Realität manchmal sehr kühn und ungewöhnlich in die lyrischen Seiten von Schumanns Musik ein. Schumann selbst gibt zu, dass er „alles begeistert, was in der Welt passiert – Politik, Literatur, Menschen; Ich denke über all das auf meine eigene Art nach, und dann will alles herauskommen, auf der Suche nach Ausdruck in der Musik.

Das unaufhörliche Wechselspiel von Außen und Innen durchtränkt Schumanns Musik mit scharfen Kontrasten. Aber sein Held selbst ist ziemlich widersprüchlich. Immerhin hat Schumann sein eigenes Wesen mit unterschiedlichen Charakteren von Florestan und Eusebius ausgestattet.

Rebellion, Anspannung des Suchens, Unzufriedenheit mit dem Leben führen zu schnellen Übergängen emotionaler Zustände – von stürmischer Verzweiflung zu Inspiration und aktiver Begeisterung – oder werden von stiller Nachdenklichkeit, sanftem Tagträumen abgelöst.

Natürlich erforderte diese aus Widersprüchen und Kontrasten gewobene Welt besondere Mittel und Formen für ihre Umsetzung. Schumann offenbarte es am organischsten und unmittelbarsten in seinen Klavier- und Vokalwerken. Dort fand er Formen, die es ihm ermöglichten, sich frei dem skurrilen Spiel der Fantasie hinzugeben, ohne durch die vorgegebenen Schemata bereits etablierter Formen eingeschränkt zu werden. Aber in weit angelegten Werken, zum Beispiel in Symphonien, widersprach die lyrische Improvisation manchmal dem eigentlichen Konzept der Gattung Symphonie mit ihrer inhärenten Forderung nach einer logischen und konsequenten Entwicklung einer Idee. Andererseits inspirierte ihn in der einsätzigen Ouvertüre zu Manfred die Nähe einiger Züge von Byrons Helden zur inneren Welt des Komponisten zu einem zutiefst individuellen, leidenschaftlichen dramatischen Werk. Akademiker Asafjew ​​charakterisiert Schumanns „Manfred“ als „einen tragischen Monolog einer desillusionierten, gesellschaftlich verlorenen „stolzen Persönlichkeit“.

Viele Seiten Musik von unsäglicher Schönheit enthalten Schumanns Kammermusik. Das gilt besonders für das Klavierquintett mit der leidenschaftlichen Intensität seines ersten Satzes, den lyrisch-tragischen Bildern des zweiten und den glanzvoll festlichen Schlusssätzen.

Das Neue an Schumanns Denken drückte sich in der musikalischen Sprache aus – originell und originell. Melodie, Harmonie, Rhythmus scheinen der kleinsten Bewegung skurriler Bilder zu gehorchen, Stimmungsschwankungen. Der Rhythmus wird ungewöhnlich flexibel und elastisch und verleiht dem musikalischen Gewebe der Werke eine einzigartig scharfe Charakteristik. Ein tiefes „Hören“ auf die „geheimnisvollen Vorgänge des spirituellen Lebens“ führt zu einer besonders intensiven Aufmerksamkeit für die Harmonie. Nicht umsonst heißt es in einem der Aphorismen der Davidsbündler: „In der Musik, wie im Schach, ist die Dame (Melodie) von größter Bedeutung, aber der König (Harmonie) entscheidet die Sache.“

Alles Charakteristische, rein „Schumannsche“, war in seiner Klaviermusik mit größter Leuchtkraft verkörpert. Die Neuartigkeit von Schumanns Tonsprache findet ihre Fortsetzung und Weiterentwicklung in seinen Gesangstexten.

V. Galatskaya

Schumanns Werk ist einer der Höhepunkte der Weltmusikkunst des XNUMX. Jahrhunderts.

Die avancierten ästhetischen Tendenzen der deutschen Kultur der 20er und 40er Jahre fanden in seiner Musik einen lebendigen Ausdruck. Die Widersprüche, die Schumanns Werk innewohnen, spiegeln die komplexen Widersprüche des gesellschaftlichen Lebens seiner Zeit wider.

Schumanns Kunst ist von jenem rastlosen, rebellischen Geist durchdrungen, der ihn mit Byron, Heine, Hugo, Berlioz, Wagner und anderen herausragenden romantischen Künstlern verwandt macht.

Oh, lass mich bluten, aber gib mir bald Raum. Ich habe Angst, hier zu ersticken In der verdammten Welt der Kaufleute… Nein, besser übles Laster Raub, Gewalt, Raub, Als Buchhaltungsmoral Und die Tugend wohlgenährter Gesichter. Hey Wolke, nimm mich mit auf eine lange Reise nach Lappland, oder nach Afrika, oder zumindest nach Stettin – irgendwohin! — (Übersetzt von V. Levik)

Heine schrieb über die Tragödie eines denkenden Zeitgenossen. Unter diese Verse konnte sich Schumann einschreiben. In seiner leidenschaftlichen, aufgewühlten Musik hört man unweigerlich den Protest einer unzufriedenen und rastlosen Persönlichkeit. Schumanns Arbeit war eine Herausforderung an die verhasste „Händlerwelt“, ihren dummen Konservatismus und ihre selbstgefällige Engstirnigkeit. Vom Geist des Protests angefacht, drückte Schumanns Musik sachlich die Bestrebungen und Bestrebungen der besten Menschen aus.

Als Denker mit fortschrittlichen politischen Ansichten, mit revolutionären Bewegungen sympathisierend, eine bedeutende Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, ein leidenschaftlicher Propagandist des ethischen Zwecks der Kunst, geißelte Schumann wütend die geistige Leere, den kleinbürgerlichen Muff des modernen Kunstlebens. Seine musikalischen Sympathien standen auf der Seite von Beethoven, Schubert, Bach, deren Kunst ihm als höchstes künstlerisches Maß diente. In seiner Arbeit suchte er die Anlehnung an volkstümliche Traditionen, an demokratische Gattungen des deutschen Lebens.

Schumann forderte mit seiner ihm innewohnenden Leidenschaft eine Erneuerung des ethischen Gehalts der Musik, ihrer figurativ-emotionalen Struktur.

Aber das Thema der Rebellion erhielt von ihm eine Art lyrische und psychologische Interpretation. Im Gegensatz zu Heine, Hugo, Berlioz und einigen anderen romantischen Künstlern war bürgerliches Pathos für ihn nicht sehr charakteristisch. Schumann ist auf andere Weise großartig. Der beste Teil seines vielfältigen Vermächtnisses ist das „Bekenntnis des Sohnes der Zeit“. Dieses Thema beschäftigte viele von Schumanns herausragenden Zeitgenossen und wurde in Byrons Manfred, Müller-Schuberts Die Winterreise und Berlioz' Fantastischer Symphonie verkörpert. Die reiche innere Welt des Künstlers als Spiegel der komplexen Phänomene des realen Lebens ist der Hauptinhalt von Schumanns Kunst. Hier erreicht der Komponist große ideologische Tiefe und Ausdruckskraft. Schumann war der erste, der ein so breites Spektrum an Erfahrungen seines Altersgenossen, die Vielfalt ihrer Schattierungen, die subtilsten Übergänge seelischer Zustände in Musik widerspiegelte. Die Dramatik der Epoche, ihre Vielschichtigkeit und Widersprüchlichkeit erhielt in den psychologischen Bildern der Musik Schumanns eine eigentümliche Brechung.

Dabei ist das Werk des Komponisten nicht nur von einem rebellischen Impuls, sondern auch von poetischer Verträumtheit durchdrungen. Schumann schuf in seinen literarischen und musikalischen Werken autobiografische Bilder von Florestan und Eusebius und verkörperte in ihnen im Wesentlichen zwei extreme Ausdrucksformen romantischer Disharmonie mit der Realität. In obigem Heine-Gedicht erkennt man Schumanns Helden – den protestierend-ironischen Florestan (er raubt lieber die „Rechnungsmoral der wohlgenährten Gesichter“) und den Träumer Eusebius (zusammen mit einer in unbekannte Länder entführten Wolke). Das Thema eines romantischen Traums zieht sich wie ein roter Faden durch sein gesamtes Werk. Dass Schumann eines seiner beliebtesten und künstlerisch bedeutsamsten Werke mit dem Bildnis von Hoffmanns Kapellmeister Kreisler verband, hat etwas tief Bedeutsames. Stürmische Impulse bis unerreichbar Schönes machen Schumann mit diesem impulsiven, unausgeglichenen Musiker verwandt.

Aber anders als sein literarisches Vorbild „erhebt“ sich Schumann nicht so sehr über die Realität, als dass er sie poetisiert. Er verstand es, ihre poetische Essenz unter der alltäglichen Hülle des Lebens zu sehen, er verstand es, das Schöne aus realen Eindrücken herauszufiltern. Schumann bringt neue, festlich funkelnde Töne in die Musik und gibt ihr viele bunte Schattierungen.

In Bezug auf die Neuheit künstlerischer Themen und Bilder, in Bezug auf ihre psychologische Subtilität und Wahrhaftigkeit ist Schumanns Musik ein Phänomen, das die Grenzen der Musikkunst des XNUMX. Jahrhunderts erheblich erweitert hat.

Schumanns Werk, insbesondere Klavierwerke und Gesangstexte, hatte einen großen Einfluss auf die Musik der zweiten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts. Die Klavierstücke und Symphonien von Brahms, viele Vokal- und Instrumentalwerke von Grieg, die Werke von Wolf, Frank und vielen anderen Komponisten gehen auf Schumanns Musik zurück. Russische Komponisten schätzten Schumanns Talent sehr. Sein Einfluss spiegelte sich in den Werken von Balakirev, Borodin, Cui und insbesondere Tschaikowsky wider, die nicht nur im Kammermusik-, sondern auch im symphonischen Bereich viele der charakteristischen Merkmale von Schumanns Ästhetik entwickelten und verallgemeinerten.

„Man kann mit Sicherheit sagen“, schrieb PI Tschaikowsky, „dass die Musik der zweiten Jahrhunderthälfte des laufenden Jahrhunderts eine Epoche der zukünftigen Kunstgeschichte darstellen wird, die künftige Generationen Schumanns nennen werden. Schumanns Musik, die organisch an Beethovens Werk angrenzt und sich zugleich scharf von ihm trennt, eröffnet eine ganze Welt neuer musikalischer Formen, berührt Saiten, die seine großen Vorgänger noch nicht berührt haben. Darin finden wir ein Echo jener … tiefen Prozesse unseres spirituellen Lebens, jener Zweifel, Verzweiflungen und Impulse zum Ideal hin, die das Herz des modernen Menschen überwältigen.

V. Konen

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