Jules Massenet |

Jules Massenet

Massenet. Elegie (F. Schaljapin / 1931)

Niemals zeigte M. Massenet so gut wie in „Werther“ die bezaubernden Qualitäten des Talents, das ihn zu einem musikalischen Historiker der weiblichen Seele machte. C. Debussy

Oh, wie Übelkeit Massent!!! Und was am ärgerlichsten ist, ist das hier Übelkeit Ich fühle etwas mit mir verbunden. P. Tschaikowsky

Debussy überraschte mich mit der Verteidigung dieses Konfekts (Massenets Manon). I. Strawinsky

Jeder französische Musiker hat ein bisschen Massenet im Herzen, genauso wie jeder Italiener ein bisschen Verdi und Puccini hat. F. Poulenc

Unterschiedliche Meinungen der Zeitgenossen! Sie enthalten nicht nur einen Kampf zwischen Geschmack und Anspruch, sondern auch die Mehrdeutigkeit von J. Massenets Werk. Der Hauptvorteil seiner Musik liegt in den Melodien, die, so der Komponist A. Bruno, „Sie werden unter Tausenden erkennen“. Meistens sind sie eng mit dem Wort verbunden, daher ihre außergewöhnliche Flexibilität und Ausdruckskraft. Die Grenze zwischen Melodie und Rezitativ ist kaum wahrnehmbar, weshalb Massenets Opernszenen nicht wie bei seinen Vorgängern – Ch. Gounod, A. Thomas, F. Halevi. Die Erfordernisse der Querschnittshandlung, des musikalischen Realismus waren die eigentlichen Erfordernisse der Zeit. Massenet verkörperte sie auf sehr französische Weise und belebte in vielerlei Hinsicht Traditionen, die auf JB Lully zurückgehen. Allerdings basiert Massenets Rezitation nicht auf der feierlichen, leicht pompösen Rezitation tragischer Schauspieler, sondern auf der schlichten Alltagssprache eines einfachen Menschen. Dies ist die Hauptstärke und Originalität von Massenets Texten, dies ist auch der Grund für sein Scheitern, als er sich der Tragödie des klassischen Typs zuwandte („The Sid“ nach P. Corneille). Als geborener Lyriker, Sänger intimer Seelenbewegungen, der Frauenbildern besondere Poesie verleihen kann, nimmt er sich oft der tragischen und pompösen Handlung der „großen“ Oper an. Das Theater der Opera Comique genügt ihm nicht, er muss auch in der Grand Opera regieren, wofür er sich fast wie Meyerbeer bemüht. So fügt Massenet bei einem Konzert aus der Musik verschiedener Komponisten heimlich von seinen Kollegen eine große Blaskapelle zu seiner Partitur hinzu und entpuppt sich unter ohrenbetäubendem Publikum als Held des Tages. Massenet nimmt einige der Errungenschaften von C. Debussy und M. Ravel (Rezitativstil in der Oper, Akkord-Highlights, Stilisierung der frühen französischen Musik) vorweg, bleibt aber parallel zu ihnen in der Ästhetik des XNUMX. Jahrhunderts.

Massenets musikalische Laufbahn begann mit seiner Zulassung zum Konservatorium im Alter von zehn Jahren. Bald zieht die Familie nach Chambéry, doch Jules kann auf Paris nicht verzichten und rennt zweimal von zu Hause weg. Erst der zweite Versuch war erfolgreich, aber der Vierzehnjährige kannte das ganze unstete Leben der künstlerischen Bohème, beschrieben in Szenen … von A. Murger (den er persönlich kannte, ebenso wie die Prototypen von Schoenard und Musetta). Nachdem er jahrelange Armut überwunden hat, erhält Massenet als Ergebnis harter Arbeit den Großen Rom-Preis, der ihm das Recht auf eine vierjährige Reise nach Italien einräumt. Aus dem Ausland kehrt er 1866 mit zwei Franken in der Tasche und einer Klavierschülerin zurück, die dann seine Frau wird. Die weitere Biographie von Massenet ist eine kontinuierliche Kette von immer größer werdenden Erfolgen. 1867 wurde seine erste Oper Die Großtante aufgeführt, ein Jahr später bekam er einen festen Verleger und seine Orchestersuiten waren ein Erfolg. Und dann schuf Massenet immer reifere und bedeutendere Werke: die Opern Don Cesar de Bazan (1872), The King of Lahore (1877), die Oratorien-Oper Mary Magdalene (1873), Musik für die Erinnyen von C. Leconte de Lily (1873) mit der berühmten „Elegie“, deren Melodie bereits 1866 als eines der Zehn Klavierstücke erschien – Massenets erstes veröffentlichtes Werk. 1878 wurde Massenet Professor am Pariser Konservatorium und zum Mitglied des Institute of France gewählt. Er steht im Mittelpunkt der öffentlichen Aufmerksamkeit, genießt die Liebe des Publikums, ist bekannt für seine immerwährende Höflichkeit und seinen Witz. Die Krönung von Massenets Schaffen sind die Opern Manon (1883) und Werther (1886), die bis heute auf den Bühnen vieler Theater weltweit erklingen. Bis zu seinem Lebensende bremste der Komponist seine kreative Tätigkeit nicht: Ohne sich selbst oder seinen Zuhörern Ruhe zu gönnen, schrieb er Oper um Oper. Das Können wächst, aber die Zeiten ändern sich und sein Stil bleibt unverändert. Die kreative Begabung lässt vor allem im letzten Jahrzehnt merklich nach, obwohl Massenet immer noch Respekt, Ehre und alle weltlichen Segnungen genießt. In diesen Jahren entstanden die Opern Thais (1894) mit der berühmten Meditation, The Jongleur of Our Lady (1902) und Don Quijote (1910, nach J. Lorrain), die speziell für F. Chaliapin geschaffen wurden.

Massenet ist oberflächlich, gilt als sein ständiger Feind und Rivale K. Saint-Saens, „aber es spielt keine Rolle.“ „… Kunst braucht Künstler aller Art … Er hatte Charme, Charme und ein nervöses, wenn auch seichtes Temperament … Theoretisch mag ich diese Art von Musik nicht … Aber wie kann man widerstehen, wenn man Manon zu Füßen hört von de Grieux in der Sakristei von Saint-Sulpice? Wie kann man nicht bis in die Tiefen der Seele von diesen Liebesschluchzern gefangen genommen werden? Wie soll man denken und analysieren, wenn man berührt wird?

E. Hemd

Als Sohn eines Eisenminenbesitzers erhält Massenet seinen ersten Musikunterricht von seiner Mutter; am Pariser Konservatorium studierte er bei Savard, Lauren, Bazin, Reber und Thomas. 1863 wurde ihm der Rom-Preis verliehen. Er hat sich verschiedenen Genres verschrieben und arbeitet auch fleißig im Theaterbereich. Nach dem Erfolg von The King of Lahore wurde er 1878 zum Professor für Komposition am Konservatorium ernannt, eine Position, die er bis 1896 innehatte, als er, nachdem er Weltruhm erlangt hatte, alle Ämter aufgab, einschließlich des Direktors des Institut de France.

„Massenet hat sich voll und ganz verwirklicht, und derjenige, der ihn stechen wollte und heimlich von ihm als Schüler des modischen Songwriters Paul Delmay sprach, begann einen geschmacklosen Witz. Massenet hingegen wurde viel nachgeahmt, das stimmt… seine Harmonien sind wie Umarmungen, und seine Melodien sind wie gebogene Hälse… Offenbar wurde Massenet ein Opfer seiner schönen Zuhörer, deren Fans ihn lange Zeit begeistert umflatterten Auftritte… Ich gestehe, ich verstehe nicht, warum es besser ist, alte Damen, Wagner-Liebhaber und weltoffene Frauen zu mögen, als parfümierte junge Damen, die nicht sehr gut Klavier spielen. Diese Behauptungen von Debussy, ironischerweise beiseite gelassen, sind ein guter Hinweis auf Massenets Werk und seine Bedeutung für die französische Kultur.

Als Manon geschaffen wurde, hatten bereits andere Komponisten im Laufe des Jahrhunderts den Charakter der französischen Oper geprägt. Betrachten wir Gounods Faust (1859), Berlioz’ unvollendetes Les Troyens (1863), Meyerbeers The African Woman (1865), Thomas’ Mignon (1866), Bizets Carmen (1875), Saint-Saens’ Samson and Delilah (1877), „The Tales von Hoffmann“ von Offenbach (1881), „Lakme“ von Delibes (1883). Neben der Opernproduktion sind die bedeutendsten Werke von César Franck zu erwähnen, die zwischen 1880 und 1886 entstanden sind und die eine so wichtige Rolle bei der Schaffung einer sinnlich-mystischen Atmosphäre in der Musik des ausgehenden Jahrhunderts spielten. Gleichzeitig beschäftigte sich Lalo sorgfältig mit Folklore, und Debussy, der 1884 mit dem Rom-Preis ausgezeichnet wurde, stand kurz vor der endgültigen Formung seines Stils.

Wie bei anderen Kunstformen hat der Impressionismus in der Malerei seine Nützlichkeit bereits überlebt, und Künstler wandten sich sowohl der naturalistischen als auch der neoklassischen, neuen und dramatischen Darstellung von Formen zu, wie Cezanne. Degas und Renoir bewegten sich entschiedener zu einer naturalistischen Darstellung des menschlichen Körpers, während Seurat 1883 sein Gemälde „Baden“ ausstellte, in dem die Unbeweglichkeit der Figuren eine Wende zu einer neuen plastischen Struktur markierte, vielleicht symbolistisch, aber immer noch konkret und klar . Die Symbolik begann gerade in den ersten Werken von Gauguin durchzublicken. Die naturalistische Richtung (mit symbolischen Zügen auf sozialem Hintergrund) hingegen ist zu dieser Zeit in der Literatur sehr deutlich, insbesondere in den Romanen von Zola (1880 erschien Nana, ein Roman aus dem Leben einer Kurtisane). Um den Schriftsteller bildet sich eine Gruppe, die sich dem Bild einer eher unansehnlichen oder zumindest ungewöhnlichen Realität für die Literatur zuwendet: Zwischen 1880 und 1881 wählt Maupassant ein Bordell als Schauplatz für seine Geschichten aus der Sammlung „The House of Tellier“.

All diese Ideen, Absichten und Tendenzen lassen sich leicht in Manon finden, dank denen der Komponist seinen Beitrag zur Opernkunst geleistet hat. Diesem turbulenten Start folgte ein langer Dienst an der Oper, bei dem nicht immer geeignetes Material gefunden wurde, um die Verdienste des Komponisten zu offenbaren und die Einheit des gestalterischen Konzepts nicht immer gewahrt blieb. Als Konsequenz werden auf der Ebene des Stils verschiedene Arten von Widersprüchen beobachtet. Gleichzeitig bewegte sich Massenet vom Verismo zur Dekadenz, vom Märchen zur historischen oder exotischen Geschichte mit einem abwechslungsreichen Einsatz von Gesangsparts und einem Orchester und enttäuschte sein Publikum nie, sei es nur dank exzellent gemachtem Klangmaterial. In jeder seiner Opern, auch wenn sie als Ganzes nicht erfolgreich waren, gibt es eine denkwürdige Seite, die außerhalb des allgemeinen Zusammenhangs ein eigenständiges Leben führt. All diese Umstände sicherten den großen Erfolg von Massenet auf dem diskografischen Markt. Seine besten Beispiele sind schließlich die, in denen der Komponist sich selbst treu bleibt: lyrisch und leidenschaftlich, zärtlich und sinnlich, seine Ehrfurcht vor den Partien der Hauptfiguren vermittelnd, die am besten zu ihm passen, Liebhaber, deren Eigenschaften der Raffinesse nicht fremd sind von symphonischen Lösungen, mit Leichtigkeit erreicht und frei von schulischen Beschränkungen.

G. Marchesi (übersetzt von E. Greceanii)

Als Autor von fünfundzwanzig Opern, drei Balletten, populären Orchestersuiten (Neapolitanisch, Elsässisch, Malerische Szenen) und vielen anderen Werken in allen Genres der Musikkunst ist Massenet einer jener Komponisten, deren Leben keine ernsthaften Prüfungen kannte. Großes Talent, hohes fachliches Können und subtiles künstlerisches Flair verhalfen ihm Anfang der 70er Jahre zu öffentlicher Anerkennung.

Er entdeckte früh, was zu seiner Persönlichkeit passte; Nachdem er sein Thema gewählt hatte, hatte er keine Angst, sich zu wiederholen; Er schrieb leicht, ohne zu zögern, und um des Erfolgs willen war er bereit, einen kreativen Kompromiss mit dem vorherrschenden Geschmack des bürgerlichen Publikums einzugehen.

Jules Massenet wurde am 12. Mai 1842 geboren, als Kind trat er in das Pariser Conservatoire ein, das er 1863 abschloss. Nachdem er drei Jahre als Preisträger in Italien verbracht hatte, kehrte er 1866 nach Paris zurück. Eine beharrliche Suche nach Wegen zum Ruhm beginnt. Massenet schreibt sowohl Opern als auch Suiten für Orchester. Seine Individualität manifestierte sich jedoch deutlicher in Vokalspielen („Pastoral Poem“, „Poem of Winter“, „April Poem“, „October Poem“, „Love Poem“, „Memories Poem“). Diese Stücke wurden unter dem Einfluss von Schumann geschrieben; sie skizzieren das charakteristische Warenlager von Massenets lebhaftem Gesangsstil.

1873 gewinnt er schließlich Anerkennung – zuerst mit Musik zur Tragödie des Aischylos „Erinnia“ (frei übersetzt von Leconte de Lisle), dann – „Heiliges Drama“ „Maria Magdalena“, konzertant aufgeführt. Mit herzlichen Worten gratulierte Bizet Massenet zu seinem Erfolg: „So etwas hat unsere neue Schule noch nie geschaffen. Du hast mich ins Fieber getrieben, Schurke! Oh, du, ein kräftiger Musiker … Verdammt, du belästigst mich mit etwas! ..». „Wir müssen auf diesen Burschen achten“, schrieb Bizet an einen seiner Freunde. "Schau, er wird uns in den Gürtel stecken."

Bizet sah die Zukunft voraus: Bald beendete er selbst ein kurzes Leben, und Massenet nahm in den kommenden Jahrzehnten eine führende Position unter den zeitgenössischen französischen Musikern ein. Die 70er und 80er Jahre waren die glänzendsten und fruchtbarsten Jahre seines Schaffens.

„Maria Magdalena“, die diese Periode eröffnet, hat eher den Charakter einer Oper als eines Oratoriums, und die Heldin, eine reuige und an Christus glaubende Sünderin, die in der Musik des Komponisten als moderne Pariserin auftaucht, wurde in denselben Farben gemalt als Kurtisane Manon. In diesem Werk wurde Massenets bevorzugter Bild- und Ausdrucksmittelkreis bestimmt.

Beginnend mit Dumas Sohn und später den Goncourts hat sich in der französischen Literatur eine Galerie weiblicher Typen etabliert, anmutig und nervös, beeinflussbar und zerbrechlich, sensibel und impulsiv. Oft sind es verführerische reumütige Sünderinnen, „Damen der halben Welt“, die von der Gemütlichkeit eines familiären Herdes, von idyllischem Glück träumen, aber gebrochen im Kampf gegen die heuchlerische bürgerliche Realität, gezwungen sind, Träume, von einem geliebten Menschen, aufzugeben Leben … (Dies ist der Inhalt der Romane und Theaterstücke von Dumas Sohn: Die Kameliendame (Roman – 1848, Theaterinszenierung – 1852), Diana de Liz (1853), Die Dame der halben Welt (1855); siehe auch die Romane der Gebrüder Goncourt „René Mauprin“ (1864), Daudet „Sappho“ (1884) und andere.) Doch ungeachtet der Handlungen, Epochen und Länder (echte oder fiktive), stellte Massenet eine Frau seines bürgerlichen Kreises dar, charakterisierte feinfühlig ihre Innenwelt.

Zeitgenossen nannten Massenet „den Dichter der weiblichen Seele“.

Nach Gounod, der ihn stark beeinflusste, kann Massenet mit noch größerem Recht in die „Schule der nervösen Sensibilität“ eingeordnet werden. Aber im Gegensatz zu demselben Gounod, der in seinen besten Werken sattere und vielfältigere Farben verwendete, die einen objektiven Hintergrund für das Leben schufen (insbesondere in Faust), ist Massenet raffinierter, elegischer, subjektiver. Er ist dem Bild weiblicher Weichheit, Anmut, sinnlicher Anmut näher. Dementsprechend entwickelt Massenet einen eigenen, schwungvollen Stil, im Kern deklamatorisch, den Inhalt des Textes subtil, aber sehr melodisch transportierend, und unerwartet auftauchende emotionale „Explosionen“ von Gefühlen werden durch Phrasen mit weitem melodischem Atem gekennzeichnet:

Der Orchesterpart zeichnet sich auch durch die Subtilität des Finishs aus. Oft entwickelt sich darin das melodische Prinzip, das zur Vereinigung des intermittierenden, zarten und fragilen Gesangsparts beiträgt:

Eine ähnliche Weise wird bald für die Opern der italienischen Veristen (Leoncavallo, Puccini) typisch sein; nur ihre Gefühlsausbrüche sind temperamentvoller und leidenschaftlicher. In Frankreich wurde diese Interpretation der Gesangsstimme von vielen Komponisten des späten XNUMX. und frühen XNUMX. Jahrhunderts übernommen.

Aber zurück in die 70er.

Die unerwartet gewonnene Anerkennung inspirierte Massenet. Seine Werke werden oft in Konzerten aufgeführt (Malerische Szenen, die Phaedra-Ouvertüre, die dritte Orchestersuite, das heilige Drama Eva und andere), und die Grand Opera führt die Oper King Lagorsky (1877, aus dem indischen Leben; religiöser Streit dient als Hintergrund) auf ). Wieder ein großer Erfolg: Massenet wurde mit den Lorbeeren eines Akademikers gekrönt – im Alter von XNUMX Jahren wurde er Mitglied des Institute of France und bald darauf als Professor ans Konservatorium berufen.

Doch in „König von Lagorsk“ wie auch in dem später entstandenen „Esclarmonde“ (1889) steckt noch viel vom Alltag der „Grand Opera“ – dieser traditionellen Gattung des französischen Musiktheaters, die ihre künstlerischen Möglichkeiten längst erschöpft hat. Massenet fand sich voll und ganz in seinen besten Werken – „Manon“ (1881-1884) und „Werther“ (1886, uraufgeführt 1892 in Wien) wieder.

So erlangte Massenet im Alter von 1894 Jahren den gewünschten Ruhm. In den nächsten 1894 Jahren seines Lebens erweiterte er mit gleicher Intensität nicht nur seinen ideologischen und künstlerischen Horizont, sondern wandte seine zuvor entwickelten theatralischen Effekte und Ausdrucksmittel auf verschiedene Opernhandlungen an. Und obwohl die Uraufführungen dieser Werke mit ständigem Pomp ausgestattet waren, sind die meisten zu Recht in Vergessenheit geraten. Von unzweifelhaftem Interesse sind dennoch die folgenden vier Opern: „Thais“ (1897, die Handlung des Romans von A. France wird verwendet), die sich in der Subtilität des melodischen Musters an „Manon“ annähert; „Navarreca“ (1910) und „Sappho“ (XNUMX), die veristische Einflüsse widerspiegeln (die letzte Oper wurde nach dem Roman von A. Daudet geschrieben, die Handlung nah an „Die Kameliendame“ ​​von Dumas Sohn, und damit Verdis „ La Traviata“; in „Sappho“ viele Seiten spannender, wahrhaftiger Musik); „Don Quixote“ (XNUMX), wo Schaljapin in der Titelrolle das Publikum schockierte.

Massenet starb am 13. August 1912.

Achtzehn Jahre lang (1878-1896) unterrichtete er eine Kompositionsklasse am Pariser Konservatorium und bildete viele Studenten aus. Unter ihnen waren die Komponisten Alfred Bruno, Gustave Charpentier, Florent Schmitt, Charles Kouklin, der Klassiker der rumänischen Musik, George Enescu und andere, die später in Frankreich berühmt wurden. Aber auch diejenigen, die nicht bei Massenet studierten (z. B. Debussy), waren von seinem nervös-sensiblen, in der Ausdruckskraft flexiblen, aufmunternd-deklamatorischen Gesangsstil geprägt.

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Die Integrität des lyrisch-dramatischen Ausdrucks, die Aufrichtigkeit, die Wahrhaftigkeit in der Übermittlung zitternder Gefühle – das sind die Vorzüge von Massenets Opern, die sich am deutlichsten in Werther und Manon zeigen. Dem Komponisten fehlte es jedoch oft an männlicher Kraft, um Lebensleidenschaften, dramatische Situationen, Konfliktinhalte zu vermitteln, und dann brach etwas Raffinesse, manchmal Salonsüße in seiner Musik durch.

Dies sind symptomatische Zeichen der Krise der kurzlebigen Gattung der französischen „Lyrischen Oper“, die in den 60er Jahren Gestalt annahm und in den 70er Jahren neue, progressive Strömungen aus der modernen Literatur, Malerei, Theater intensiv aufnahm. Dennoch offenbarten sich schon damals die Züge der Begrenzung an ihm, die oben (in dem Gounod gewidmeten Aufsatz) erwähnt wurden.

Das Genie Bizets überwand die engen Grenzen der „lyrischen Oper“. Indem er den Inhalt seiner frühen musikalischen und theatralischen Kompositionen dramatisierte und erweiterte, indem er die Widersprüche der Realität wahrheitsgemäßer und tiefer reflektierte, erreichte er in Carmen die Höhe des Realismus.

Aber die französische Opernkultur blieb nicht auf diesem Niveau, weil ihre prominentesten Meister der letzten Jahrzehnte des 60. Jahrhunderts nicht Bizets kompromisslose Prinzipientreue bei der Durchsetzung ihrer künstlerischen Ideale hatten. Seit Ende der 1877er Jahre entfernte sich Gounod aufgrund der Stärkung reaktionärer Züge in der Weltanschauung nach der Schaffung von Faust, Mireil und Romeo und Julia von fortschrittlichen nationalen Traditionen. Saint-Saëns seinerseits zeigte keine gebührende Konsequenz in seiner kreativen Suche, war eklektisch, und nur in Samson und Delilah (1883) erzielte er bedeutende, wenn auch nicht vollständige Erfolge. Einige Errungenschaften auf dem Gebiet der Oper waren bis zu einem gewissen Grad auch einseitig: Delibes (Lakme, 1880), Lalo (König der Stadt Is, 1886), Chabrier (Gwendoline, XNUMX). Alle diese Werke verkörperten unterschiedliche Handlungen, aber in ihrer musikalischen Interpretation kreuzten sich die Einflüsse sowohl der „großen“ als auch der „lyrischen“ Oper bis zu einem gewissen Grad.

Auch Massenet versuchte sich an beiden Gattungen und versuchte vergeblich, den veralteten Stil der „großen Oper“ mit direkten Texten, Verständlichkeit der Ausdrucksmittel zu aktualisieren. Am meisten reizte ihn, was Gounod im Faust festhielt, der Massenet als unzugängliches künstlerisches Vorbild diente.

Das gesellschaftliche Leben Frankreichs nach der Pariser Kommune stellte Komponisten jedoch vor neue Aufgaben – es war notwendig, die realen Konflikte der Realität schärfer aufzuzeigen. Bizet gelang es, sie in Carmen zu fangen, aber Massenet wich dem aus. Er schloss sich in die Gattung der lyrischen Oper ein und engte deren Thematik weiter ein. Als bedeutender Künstler hat der Autor von Manon und Werther natürlich teilweise die Erfahrungen und Gedanken seiner Zeitgenossen in seinen Werken reflektiert. Dies betraf insbesondere die Entwicklung von Ausdrucksmitteln für nervös sensible musikalische Sprache, die eher dem Geist der Moderne entspricht; Seine Leistungen sind sowohl in der Konstruktion der „durchgehenden“ lyrischen Szenen der Oper als auch in der subtilen psychologischen Interpretation des Orchesters von Bedeutung.

In den 90er Jahren hatte sich dieses Lieblingsgenre von Massenet erschöpft. Der Einfluss des italienischen Opern-Verismo macht sich bemerkbar (auch im Werk von Massenet selbst). Heutzutage werden moderne Themen im französischen Musiktheater aktiver geltend gemacht. Bezeichnend dafür sind die nicht ohne naturalistische Züge stehenden Opern Alfred Brunos (Der Traum nach dem Roman von Zola, 1891; Die Belagerung der Mühle nach Maupassant, 1893 u. a.), insbesondere Charpentiers Oper Louise (1900), in der eine in vielerlei Hinsicht gelungene, wenn auch etwas vage, zu wenig dramatische Darstellung der Bilder des modernen Pariser Lebens.

Die Inszenierung von Claude Debussys Pelléas et Mélisande im Jahr 1902 eröffnet eine neue Epoche in der Musik- und Theaterkultur Frankreichs – der Impressionismus wird zur dominierenden Stilrichtung.

M. Druskin

Kompositionen:

Opern (insgesamt 25) Mit Ausnahme der Opern „Manon“ und „Werther“ sind in Klammern nur die Uraufführungsdaten angegeben. „Grandmother“, Libretto von Adeny und Granvallet (1867) „Ful King's Cup“, Libretto von Galle und Blo (1867) „Don Cesar de Bazan“, Libretto von d'Ennery, Dumanois und Chantepie (1872) „King of Lahore“ , Libretto von Galle (1877) Herodias, Libretto von Millet, Gremont und Zamadini (1881) Manon, Libretto von Méliac und Gilles (1881-1884) „Werther“, Libretto von Blo, Mille und Gartmann (1886, Uraufführung — 1892) „ The Sid“, Libretto von d'Ennery, Blo und Galle (1885) „Ésclarmonde“, Libretto von Blo und Gremont (1889) The Magician, Libretto von Richpin (1891) „Thais“, Libretto von Galle (1894) „Portrait of Manon“, Libretto von Boyer (1894) „Navarreca“, Libretto von Clarty und Ken (1894) Sappho, Libretto von Kena und Berneda (1897) Cinderella, Libretto von Ken (1899) Griselda, Libretto von Sylvester und Moran (1901) „ The Juggler of Our Lady“, Libretto von Len (1902) Cherub, Libretto von Croisset und Ken (1905) Ariana, Libretto von Mendes (1906) Teresa, Libretto von Clarty (1907) „Vakh“ (1910) Don Quijote, Libretto b y Ken (1910) Rome, Libretto von Ken (1912) „Amadis“ (posthum) „Cleopatra“, Libretto von Payen (posthum)

Andere musiktheatralische und kantatenoratorische Werke Musik zur Tragödie des Aischylos „Erinnia“ (1873) „Maria Magdalena“, Sakrales Drama Halle (1873) Eva, ein Sakraldrama Halle (1875) Narziss, antikes Idyll von Collin (1878) „Die Unbefleckte Jungfrau“, die heilige Legende von Grandmougins (1880) „Carillon“, Mimik- und Tanzlegende (1892) „Promised Land“, Oratorium (1900) Dragonfly, Ballett (1904) „Spanien“, Ballett (1908)

Symphonische Werke Pompeji, Suite für Orchester (1866) Erste Suite für Orchester (1867) „Ungarische Szenen“ (Zweite Suite für Orchester) (1871) „Malerische Szenen“ (1871) Dritte Suite für Orchester (1873) Ouvertüre „Phädra“ (1874) „ Dramatische Szenen nach Shakespeare“ (1875) „Neapolitanische Szenen“ (1882) „Elsässische Szenen“ (1882) „Bezaubernde Szenen“ (1883) und andere

Darüber hinaus gibt es viele verschiedene Kompositionen für Klavier, etwa 200 Romanzen („Intimate Songs“, „Pastoral Poem“, „Poem of Winter“, „Poem of Love“, „Poem of Memories“ und andere), Werke für Kammerinstrumentalmusik Ensembles.

Literarische Schriften „Meine Erinnerungen“ (1912)