Instrumentierung |

Darbietung von Musik zur Aufführung durch einen beliebigen Teil eines Orchesters oder Instrumentalensembles. Die Darbietung von Musik für Orchester wird oft auch Orchestrierung genannt. In der Vergangenheit pl. die Autoren gaben die Begriffe „ich“ an. und „Orchestrierung“ Dez. Bedeutung. So definierte zB F. Gewart I. als Lehre vom Technischen. und ausdrücken. Gelegenheiten Instrumente und Orchestrierung – als eine Kunst ihrer gemeinsamen Anwendung, und F. Busoni schrieb der Orchestrierung eine Präsentation für ein Orchester der Musik zu, die vom Autor von Anfang an als orchestral gedacht wurde, und I. – eine Präsentation für ein Orchester von Werken, die geschrieben wurden, ohne auf k.- l. eine bestimmte Zusammensetzung oder für andere Zusammensetzungen. Im Laufe der Zeit sind diese Begriffe fast identisch geworden. Der Begriff „Ich“, der eine universellere Bedeutung hat, drückt in größerem Maße das eigentliche Wesen der Kreativität aus. der Prozess des Komponierens von Musik für viele (mehrere) Interpreten. Daher wird es zunehmend im Bereich der mehrstimmigen Chormusik eingesetzt, insbesondere bei unterschiedlichen Arrangements.

I. ist kein äußeres „Outfit“ eines Werkes, sondern eine der Seiten seines Wesens, denn es ist unmöglich, sich irgendeine Art von Musik außerhalb ihres konkreten Klangs, also außerhalb des Definierten, vorzustellen. Klangfarben und ihre Kombinationen. Der Prozess von I. findet seinen endgültigen Ausdruck im Schreiben einer Partitur, die die Stimmen aller an der Aufführung eines bestimmten Werkes beteiligten Instrumente und Stimmen vereint. (Die vom Autor für diese Komposition bereitgestellten außermusikalischen Effekte und Geräusche sind ebenfalls in der Partitur festgehalten.)

Erste Ideen zu I. könnten bereits entstanden sein, als der Unterschied zwischen den Musen erstmals erkannt wurde. Phrase, gesungener Mensch. Stimme, und von ihr, gespielt auf c.-l. Werkzeug. Allerdings für eine lange Zeit, einschließlich der Blütezeit der vielen Tore. kontrapunktische Buchstaben, Klangfarben, deren Kontrast und Dynamik. Chancen spielten in der Musik keine sinnvolle Rolle. Rollen. Komponisten beschränkten sich auf das ungefähre Gleichgewicht der Melodielinien, während die Wahl der Instrumente oft nicht festgelegt war und zufällig sein konnte.

Der Entwicklungsprozess des I. als prägender Faktor lässt sich nachvollziehen, beginnend mit der Zustimmung zum homophonen Stil des Notenschreibens. Es waren besondere Mittel erforderlich, um die führenden Melodien von der Begleitumgebung zu isolieren; Ihre Verwendung führte zu größerer Ausdruckskraft, Spannung und Spezifität des Klangs.

Eine wichtige Rolle für das Verständnis von Dramaturgie. Die Rolle der Instrumente des Orchesters spielte das Opernhaus, das Ende des 16. – Anfang des 17. Jahrhunderts entstand. XNUMX. Jahrhundert In den Opern von C. Monteverdi finden sich zum ersten Mal das störende Tremolo und das wachsame Pizzicato von Bogensaiten. KV Gluck und später WA Mozart setzten erfolgreich Posaunen ein, um gewaltige, beängstigende Situationen darzustellen („Orpheus und Eurydike“, „Don Juan“). Mozart nutzte erfolgreich den naiven Klang der damals primitiven kleinen Flöte, um Papageno („Die Zauberflöte“) zu charakterisieren. Bei Opernkompositionen griffen Komponisten auf Sakramente zurück. den Klang geschlossener Blechblasinstrumente und nutzte auch die Klangfülle von Schlaginstrumenten, die nach Europa kamen. Orchester der sog. „Janitscharenmusik“. Recherchen im Bereich I. blieben jedoch im Mittel. zumindest ungeordnet, bis (aufgrund der Auswahl und Verbesserung von Musikinstrumenten sowie unter dem Einfluss des dringenden Bedarfs an gedruckter Propaganda für Musikwerke) der Prozess zur Symphonie abgeschlossen war. ein Orchester, das aus vier, wenn auch ungleichen Instrumentengruppen besteht: Streicher, Holz, Blech und Schlagzeug. Die Typisierung der Zusammensetzung des Orchesters wurde durch den gesamten Verlauf der bisherigen Entwicklung der Musen vorbereitet. Kultur.

Die früheste stammt aus dem 17. Jahrhundert. – stabilisierte sich die Streichergruppe, bestehend aus Spielarten von Streichinstrumenten der kurz zuvor entstandenen Geigenfamilie: Geigen, Bratschen, Celli und Kontrabässe, die diese verdoppelten und die Bratschen ersetzten – kammerklingende Instrumente und begrenzte technische Möglichkeiten.

Auch die alte Flöte, Oboe und das Fagott waren zu dieser Zeit so weit verbessert worden, dass sie in Stimmung und Beweglichkeit den Anforderungen des Ensemblespiels zu genügen begannen und bald (trotz relativ begrenztem Gesamtumfang) die 2. bilden konnten Gruppe im Orchester. Wenn in Ser. Im 18. Jahrhundert gesellte sich auch die Klarinette dazu (deren Konstruktion etwas später verbessert wurde als die Konstruktionen anderer hölzerner Blasinstrumente), dann wurde diese Gruppe fast so monolithisch wie die Streichinstrumente, indem sie ihr an Einheitlichkeit nachgab, sie aber an Vielfalt übertraf von Klangfarben.

Es dauerte viel länger, sich zu einem gleichberechtigten Ork zu formen. Kupfergeistgruppe. Werkzeug. Zur Zeit von JS Bach enthielten kleine Kammerorchester oft eine Naturtrompete, die von den meisten verwendet wurde. im oberen Register, wo seine Skala es erlaubte, diatonisch zu extrahieren. zweite Folgen. Um diese Melodie zu ersetzen, wurde eine Pfeife (der sogenannte „Clarino“-Stil) aus dem 2. Stock verwendet. Im 18. Jahrhundert kam eine neue Interpretation von Kupfer. Komponisten griffen zunehmend auf Naturpfeifen und -hörner für Mundharmonikas zurück. Ork füllen. Stoffen sowie zur Betonung von Akzenten und zur Betonung von Dekompression. Rhythmusformeln. Aufgrund begrenzter Möglichkeiten fungierten Blechblasinstrumente nur dann als gleichberechtigte Gruppe, wenn Musik für sie komponiert wurde, DOS. auf die Natur. Skalen, die für Militärfanfaren, Jagdhörner, Posthörner und andere Signalinstrumente für besondere Zwecke charakteristisch sind – die Gründer der Orchesterbläsergruppe.

Endlich zuschlagen. Instrumente in Orchestern des 17. – 18. Jahrhunderts. am häufigsten wurden sie durch zwei auf Tonika und Dominante gestimmte Pauken dargestellt, die normalerweise in Kombination mit einer Blechbläsergruppe verwendet wurden.

Ende 18 – früh. Das 19. Jahrhundert bildete einen „Klassiker“. Orchester. Die wichtigste Rolle bei der Begründung seiner Komposition kommt J. Haydn zu, jedoch nahm es eine vollständig vollendete Form bei L. Beethoven an (in Verbindung damit wird es manchmal „Beethovenian“ genannt). Es umfasste 8–10 erste Geigen, 4–6 zweite Geigen, 2–4 Bratschen, 3–4 Celli und 2–3 Kontrabässe (vor Beethoven spielten sie überwiegend in einer Oktave mit Celli). Diese Streicherzusammensetzung entsprach 1-2 Flöten, 2 Oboen, 2 Klarinetten, 2 Fagotten, 2 Hörnern (manchmal 3 oder sogar 4, wenn Hörner in verschiedenen Stimmungen benötigt wurden), 2 Trompeten und 2 Pauken. Ein solches Orchester bot genügend Möglichkeiten zur Verwirklichung der Ideen von Komponisten, die es zu großer Virtuosität im Umgang mit Musen gebracht hatten. Werkzeuge, insbesondere Kupfer, deren Konstruktion noch sehr primitiv war. So finden sich im Schaffen von J. Haydn, WA Mozart und besonders L. Beethoven oft Beispiele für die geniale Überwindung der Grenzen ihrer zeitgenössischen Besetzung und der Wunsch, das Sinfonieorchester der damaligen Zeit zu erweitern und zu verbessern, ist ständig vorhanden erraten.

In der 3. Sinfonie hat Beethoven ein Thema geschaffen, das das heroische Prinzip mit großer Vollständigkeit verkörpert und gleichzeitig dem Wesen der Naturhörner ideal entspricht:

Im langsamen Satz seiner 5. Symphonie werden die Hörner und Trompeten mit triumphalen Ausrufen betraut:

Das jubelnde Thema des Finales dieser Symphonie erforderte auch die Teilnahme von Posaunen:

Bei der Bearbeitung des Themas der Schlusshymne der 9. Sinfonie hat Beethoven zweifellos darauf geachtet, dass es auf natürlichen Blechblasinstrumenten gespielt werden kann:

Der Einsatz der Pauke im Scherzo derselben Symphonie zeugt zweifellos von der Absicht, sich dem Takt dramatisch entgegenzustellen. Instrument – ​​Pauken für den Rest des Orchesters:

Schon zu Lebzeiten Beethovens gab es eine echte Revolution im Design von Messingspirituosen. Werkzeuge im Zusammenhang mit der Erfindung des Ventilmechanismus.

Komponisten waren nicht länger durch die begrenzten Möglichkeiten der Natur eingeschränkt. Blechblasinstrumente und bekamen darüber hinaus die Möglichkeit, über eine breitere Tonalitätspalette sicher zu verfügen. Die neuen, „chromatischen“ Pfeifen und Hörner fanden jedoch nicht sofort allgemeine Anerkennung – sie klangen zunächst schlechter als natürliche und sorgten oft nicht für die nötige Reinheit des Systems. Und zu einem späteren Zeitpunkt kehrten einige Komponisten (R. Wagner, I. Brahms, NA Rimsky-Korsakov) manchmal zur Interpretation von Hörnern und Trompeten als Naturen zurück. Instrumente, die vorschreiben, dass sie ohne die Verwendung von Ventilen spielen. Überhaupt eröffnete das Aufkommen von Ventilinstrumenten breite Perspektiven für die Weiterentwicklung der Musen. Kreativität, da die Kupfergruppe in kürzester Zeit die Saite und das Holz vollständig eingeholt hat und die Möglichkeit erhalten hat, unabhängig die komplexeste Musik zu präsentieren.

Ein wichtiges Ereignis war die Erfindung der Basstuba, die nicht nur für die Blechbläsergruppe, sondern für das gesamte Orchester zu einer zuverlässigen Grundlage wurde.

Die Erlangung der Unabhängigkeit durch den Kupferkonzern bestimmte schließlich den Platz der Hörner, die zuvor (je nach Umständen) entweder an Kupfer- oder an Holzhörner grenzten. Als Blechblasinstrumente werden Hörner meist zusammen mit Trompeten (manchmal unterstützt von Pauken), also eben als Gruppe, gespielt.

In anderen Fällen verschmolzen sie perfekt mit Holzinstrumenten, insbesondere Fagotten, und bildeten ein Mundharmonikapedal (es ist kein Zufall, dass in alten Partituren und später bei R. Wagner, G. Spontini, manchmal bei G. Berlioz, eine Reihe von Hörnern war über den Fagotten platziert, dh zwischen Holz). Spuren dieser Dualität sind bis heute sichtbar, denn die Hörner sind die einzigen Instrumente, die in der Partitur keinen Platz in der Reihenfolge der Tessitura einnehmen, sondern gleichsam als „Verbindungsglied“ zwischen Holz- und Blechblasinstrumenten.

Einige moderne Komponisten (z. B. SS Prokofjew, DD Schostakowitsch) in vielen anderen. Partituren nahmen den Hornpart zwischen Trompeten und Posaunen auf. Die Methode, Hörner nach ihrer Stimmlage zu notieren, hat sich jedoch aufgrund der Zweckmäßigkeit, Posaunen und Pfeifen in der Partitur nebeneinander zu stellen, die oft gemeinsam als Vertreter des „schweren“ („harten“) Kupfers wirken, nicht durchgesetzt.

Gruppe Holzgeister. Instrumente, deren Designs sich immer weiter verbesserten, begannen, durch Sorten intensiv bereichert zu werden: kleine und Altflöten, engl. Horn, kleine und Bassklarinette, Kontrafagott. Im 2. Stock. 19. Jahrhundert Allmählich entstand eine bunte Holzgruppe, die der Saite in ihrer Lautstärke nicht nur nicht nachstand, sondern diese sogar übertraf.

Auch die Zahl der Schlaginstrumente nimmt zu. Zu 3-4 Pauken gesellen sich kleine und große Trommeln, Becken, eine Triangel, ein Tamburin. Zunehmend treten im Orchester Glocken, Xylophon, Fp., später Celesta auf. Neue Farben brachte die zu Beginn des 19. Jahrhunderts erfundene und später von S. Erar verbesserte siebenpedalige Harfe mit doppeltem Stimmmechanismus.

Saiten wiederum bleiben dem Wachstum benachbarter Gruppen nicht gleichgültig. Um die richtigen akustischen Proportionen beizubehalten, war es notwendig, die Anzahl der Interpreten auf diesen Instrumenten auf 14-16 erste Violinen, 12-14 zweite Violinen, 10-12 Bratschen, 8-12 Celli, 6-8 Kontrabässe, wodurch die Möglichkeit einer breiten Anwendung von decomp geschaffen wurde. geteilt.

Basierend auf dem klassischen Orchester des 19. Jahrhunderts entwickelt sich nach und nach ein von den Ideen der Musen generiertes Orchester. Romantik (und damit die Suche nach neuen Farben und hellen Kontrasten, Eigenschaften, Programm-symphonische und theatralische Musik) das Orchester von G. Berlioz und R. Wagner, KM Weber und G. Verdi, PI Tchaikovsky und NA Rimsky-Korsakov.

Komplett in der 2. Etage ausgebildet. 19. Jahrhundert, seit fast hundert Jahren unverändert existierend, befriedigt es (mit kleinen Abweichungen) immer noch die Künste. die Bedürfnisse von Komponisten verschiedener Richtungen und Individualitäten, die sich hin zu Pittoreskheit, Farbigkeit, Muse hingezogen fühlen. Soundwriting und diejenigen, die nach der psychologischen Tiefe musikalischer Bilder streben.

Parallel zur Stabilisierung des Orchesters wurde intensiv nach neuen Ork-Techniken gesucht. Schreiben, eine Neuinterpretation der Instrumente des Orchesters. Klassische akustische Theorie. Balance, formuliert in Bezug auf die große Symphonie. Orchester von NA Rimsky-Korsakov, ging davon aus, dass eine Trompete (oder Posaune oder Tuba) forte in ihrer ausdrucksstärksten Form spielt. Register entspricht es klanglich zwei Hörnern, von denen jedes wiederum zwei Holzgeistern gleicht. Instrumente oder der Unisono einer beliebigen Untergruppe von Streichern.

PI Tschaikowski. Symphonie 6, Satz I. Die Flöten und Klarinetten wiederholen den zuvor von den Divisi Bratschen und Celli gespielten Satz.

Gleichzeitig wurden gewisse Korrekturen für den Unterschied in der Intensität der Register und für die Dynamik vorgenommen. Schattierungen, die das Verhältnis innerhalb von Orc ändern können. Stoffe. Eine wichtige Technik der klassischen I. war das für homophone Musik so charakteristische harmonische oder melodische (kontrapunktierte) Pedal.

Main in Übereinstimmung mit dem akustischen Gleichgewicht, I. könnte nicht universell sein. Sie erfüllte die Anforderungen an strenge Proportionen und Denkvermögen gut, war aber weniger geeignet, starke Ausdrücke zu vermitteln. In diesen Fällen sind die Methoden von I., osn. auf kraftvolle Verdopplungen (Triples, Quadruples) einiger Stimmen im Vergleich zu anderen, auf ständige Veränderungen in Klangfarben und Dynamik.

Solche Techniken sind charakteristisch für die Arbeit einer Reihe von Komponisten des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. (zum Beispiel AN Skrjabin).

Zusammen mit der Verwendung von „reinen“ (Solo-) Klangfarben begannen Komponisten, Spezialeffekte zu erzielen, indem sie kühn unterschiedliche Farben mischten, Stimmen über 2, 3 oder mehr Oktaven verdoppelten und komplexe Mischungen verwendeten.

PI Tschaikowski. Sinfonie Nr. 6, Teil I. Die Ausrufe der Blechblasinstrumente werden jedes Mal von Unisonos von Saiten- und Holzinstrumenten beantwortet.

Die reinen Klangfarben selbst waren, wie sich herausstellte, voller Zusätze. Dramaturgie. Möglichkeiten, z. Vergleich von hohen und tiefen Registern bei Holzinstrumenten, Verwendung von Mute decomp. Zuweisungen für Blechbläser, die Verwendung hoher Basslagen für Streicher usw. Instrumente, die früher nur zum Schlagen des Rhythmus oder zum Füllen und Färben von Harmonien verwendet wurden, werden zunehmend als Träger der Thematisierung verwendet.

Auf der Suche nach Expansion wird sich ausdrücken. und darstellen. Chancen formten das Orchester des 20. Jahrhunderts. – Orchester von G. Mahler und R. Strauss, C. Debussy und M. Ravel, IF Strawinsky und V. Britten, SS Prokofjew und DD Schostakowitsch. Mit all der Vielfalt an kreativen Richtungen und Persönlichkeiten dieser und einer Reihe anderer herausragender Meister des Orchesterschreibens dec. Ländern der Welt sind sie verbunden durch die Virtuosität der vielfältigen Techniken von I., osn. auf eine ausgeprägte auditive Vorstellungskraft, ein echtes Gespür für die Natur der Instrumente und eine hervorragende Kenntnis ihrer Technik. Gelegenheiten.

Meint. in der Musik des 20. Jahrhunderts den Leittimbres zugeordnet, wenn jedes Instrument gleichsam zum Charakter des gespielten Instruments wird. Leistung. So nimmt das von Wagner erfundene Leitmotivsystem neue Formen an. Daher die intensive Suche nach neuen Klangfarben. Streicher spielen zunehmend sul ponticello, col legno, mit Obertönen; Blasinstrumente verwenden die Frullato-Technik; Das Harfenspiel wird durch komplexe Kombinationen von Obertönen und Schlägen auf die Saiten mit der Handfläche bereichert. Es erscheinen neue Instrumentendesigns, die es ermöglichen, ungewöhnliche Effekte zu erzielen (zB Glissando auf Pedalpauken). Völlig neue Instrumente werden erfunden (insbesondere Schlagzeug), inkl. und elektronisch. Schließlich in Symph. Das Orchester führt zunehmend Instrumente aus anderen Kompositionen ein (Saxophone, Zupfinstrumente).

Neue Anforderungen an den Einsatz bekannter Werkzeuge stellen Vertreter avantgardistischer Bewegungen in der Neuzeit vor. Musik. Ihre Partituren werden vom Beat dominiert. Instrumente mit bestimmter Tonhöhe (Xylophon, Glocken, Vibraphon, Trommeln unterschiedlicher Tonhöhe, Pauken, Röhrenglocken) sowie Celesta, fp. und verschiedene Elektrowerkzeuge. Auch Streichinstrumente bedeuten. am wenigsten von diesen Komponisten für Zupfinstrumente und Schlagzeug verwendet. Klangerzeugung bis hin zum Klopfen mit Bögen auf den Decks von Instrumenten. Auch Effekte wie das Knacken von Nägeln auf dem Resonanzboden eines Harfenresonators oder das Klopfen von Ventilen auf Holzresonatoren werden immer häufiger. Zunehmend werden die extremsten, intensivsten Register von Instrumenten verwendet. Darüber hinaus ist das Schaffen von Avantgarde-Künstlern von dem Wunsch geprägt, die Orchester-Uraufführung zu interpretieren. als Treffen von Solisten; Die Zusammensetzung des Orchesters selbst wird tendenziell reduziert, hauptsächlich aufgrund einer Verringerung der Anzahl der Gruppeninstrumente.

NA Rimski-Korsakow. „Scheherazade“. Teil II. Streicher, die non divisi spielen, unter Verwendung von Doppelnoten und drei- und vierstimmigen Akkorden, legen melodisch-harmonische mit großer Fülle dar. Textur, die nur leicht von Blasinstrumenten unterstützt wird.

Obwohl im 20. Jahrhundert viele Werke geschrieben wurden. für spezielle (Varianten-) Kompositionen von symph. Orchester, keiner von ihnen wurde typisch, wie zuvor das Streichbogenorchester, für das viele Werke geschaffen wurden, die große Popularität erlangten (z. B. „Serenade für Streichorchester“ von PI Tschaikowsky).

Entwicklung der Orks. musik demonstriert deutlich die interdependenz von kreativität und ihrer materiellen basis. Notiz. Fortschritte in der Gestaltung der komplexen Mechanik von Holzgeistern. Werkzeugen oder im Bereich der Herstellung von am genauesten kalibrierten Kupferwerkzeugen und vielem mehr. andere Verbesserungen an Musikinstrumenten waren schließlich das Ergebnis der dringenden Forderungen der ideologischen Kunst. bestellen. Die Verbesserung der materiellen Grundlagen der Kunst wiederum eröffnete Komponisten und Interpreten neue Horizonte, erweckte ihre Kreativität. Fantasie und schuf damit die Voraussetzungen für die Weiterentwicklung der Tonkunst.

Wenn ein Komponist an einem Orchesterwerk arbeitet, ist (oder sollte) es direkt für das Orchester geschrieben, wenn nicht in allen Einzelheiten, so doch in seinen Grundzügen. In diesem Fall wird sie zunächst in Form einer Skizze auf mehreren Zeilen aufgezeichnet – ein Prototyp der zukünftigen Partitur. Je weniger Details der Orchestertextur die Skizze enthält, desto näher kommt sie der üblichen zweizeiligen EP. Präsentation, desto mehr Arbeit am eigentlichen I. ist im Prozess des Partiturschreibens zu leisten.

M.Ravel. "Bolero". Allein durch die Instrumentierung wird ein enormes Wachstum erzielt. Von einer Soloflöte vor dem Hintergrund einer kaum hörbaren Begleitfigur, über das Unisono der Holzbläser, dann durch eine von Bläsern verdoppelte Streichermischung…

Im Wesentlichen ist die Instrumentierung von fp. Theaterstücke – eigene oder fremde – erfordern Kreativität. sich nähern. Das Stück ist dabei immer nur ein Prototyp der zukünftigen Orchesterarbeit, da der Instrumentalist ständig die Textur ändern muss, und oft auch gezwungen ist, Register zu wechseln, Stimmen zu verdoppeln, Pedale hinzuzufügen, Figurationen neu zu komponieren, die Akustik zu ergänzen . Leerstellen, enge Akkorde in breite umwandeln usw. Netzwerk. fp übertragen. Präsentation vor dem Orchester (manchmal in der musikalischen Praxis anzutreffen) führt in der Regel zu künstlerisch unbefriedigendem Ergebnis. Ergebnisse – ein solches I. erweist sich als klangarm und macht einen ungünstigen Eindruck.

Die wichtigste Kunst. Die Aufgabe des Instrumentators besteht darin, decomp anzuwenden. je nach Charakteristik und Spannung der Klangfarben, die die Dramaturgie des Orks am eindringlichsten offenbaren. Musik; Haupttechnik Gleichzeitig besteht die Aufgabe darin, ein gutes Hören von Stimmen und das richtige Verhältnis zwischen der ersten und der zweiten (dritten) Ebene zu erreichen, was die Erleichterung und Tiefe des Orks gewährleistet. Klang.

Mit I. zB fp. Spiele können entstehen und eine Reihe wird sich ergänzen. Aufgaben, angefangen bei der Tonartwahl, die nicht immer mit der Tonart des Originals übereinstimmt, insbesondere wenn es darum geht, den hellen Klang offener Saiten oder die brillanten ventillosen Klänge von Blechblasinstrumenten zu nutzen. Es ist auch sehr wichtig, das Problem aller Fälle der Übertragung von Musen richtig zu lösen. Phrasen in andere Lagen als das Original zu bringen und schließlich auf der Grundlage des allgemeinen Entwicklungsplans festzulegen, in wie vielen „Schichten“ der eine oder andere Abschnitt der instrumentierten Produktion aufgeführt werden muss.

Vielleicht mehrere. I. Lösungen von fast jedem Produkt. (natürlich, wenn es nicht eigens als Orchesterstück konzipiert und nicht in Form einer Partiturskizze niedergeschrieben wurde). Jede dieser Entscheidungen lässt sich auf ihre Weise künstlerisch begründen. Allerdings werden dies schon teilweise andere Orks sein. Produkte, die sich in Farbe, Spannung und Kontrastgrad zwischen den Abschnitten voneinander unterscheiden. Dies bestätigt, dass I. ein kreativer Prozess ist, der untrennbar mit dem Wesen der Arbeit verbunden ist.

Der Anspruch von Modern I. erfordert präzise Formulierungsanweisungen. Bei einer sinnvollen Phrasierung geht es nicht nur darum, dem vorgeschriebenen Tempo zu folgen und den allgemeinen Bezeichnungen der Dynamik zu folgen. und agogisch. Ordnung, sondern auch die Anwendung bestimmter Spielweisen, die für jedes Instrument charakteristisch sind. Also, wenn man auf den Saiten spielt. Instrumente können Sie den Bogen auf und ab bewegen, an der Spitze oder am Schaft, sanft oder abrupt, die Saite fest drücken oder den Bogen federn lassen, einen Ton für jeden Bogen oder mehrere Töne spielen usw.

Spirituelle Darsteller. Werkzeuge können diff verwenden. Methoden, einen Luftstrahl zu blasen – vom Streben. doppelte und dreifache „Sprache“ zu einem weiten melodiösen Legato, das sie im Interesse einer ausdrucksstarken Phrasierung einsetzt. Gleiches gilt für andere moderne Instrumente. Orchester. All diese Feinheiten muss der Instrumentalist genau kennen, um seine Absichten den Interpreten mit größter Vollständigkeit zur Kenntnis bringen zu können. Daher sind moderne Partituren (im Gegensatz zu den Partituren jener Zeit, als der Bestand an allgemein anerkannten Aufführungstechniken sehr begrenzt war und vieles als selbstverständlich galt) meist buchstäblich mit einer Vielzahl präzisester Angaben übersät, ohne dass die Musik wird konturlos und verliert ihren lebendigen, zitternden Atem.

Bekannte Beispiele für den Einsatz von Klangfarben in der Dramaturgie. und darstellen. Zwecke sind: Flötenspiel im Vorspiel „Afternoon of a Faun“ von Debussy; das Spielen der Oboe und dann des Fagotts am Ende der 2. Szene der Oper Eugen Onegin (The Shepherd Plays); die durch den ganzen Tonumfang fallende Hornphrase und die Schreie der kleinen Klarinette in R. Strauss' Gedicht „Til Ulenspiegel“; der düstere Klang der Bassklarinette in der 5. Szene der Oper Pique Dame (Im Schlafzimmer der Gräfin); Kontrabass-Solo vor der Todesszene Desdemonas (Otello von G. Verdi); frullato Geist. Instrumente, die das Blöken von Widdern in der Symphonie darstellen. das Gedicht „Don Quijote“ von R. Strauss; sul ponticello saiten. Instrumente, die den Beginn der Schlacht auf dem Peipussee darstellen (Alexander-Newski-Kantate von Prokofjew).

Hervorzuheben sind auch das Viola-Solo in Berlioz' Symphonie „Harold in Italy“ und das Solo-Cello in Strauss' „Don Quijote“, die Violinkadenz in der Symphonie. Rimski-Korsakows Suite „Scheherazade“. Diese sind personifiziert. Die Leittimbres leisten bei aller Unterschiedlichkeit eine wichtige programmatische Dramaturgie. Funktionen.

Die Prinzipien von I., entwickelt bei der Erstellung von Stücken für Symphonien. Orchester, hauptsächlich gültig für viele andere Orks. Kompositionen, die letztlich nach dem Bild und Gleichnis der Symphonie entstehen. und umfassen immer zwei oder drei Gruppen homogener Instrumente. Es ist kein Zufall, dass der Geist. Orchester, sowie Dez. nein. Nat. Orchester führen oft Transkriptionen von Werken auf, die für Symphonien geschrieben wurden. Orchester. Solche Vereinbarungen sind eine der Arten von Vereinbarungen. Grundsätze I. bis. – l. funktioniert ohne Wesen. Änderungen werden ihnen von einer Komposition des Orchesters auf eine andere übertragen. Weit verbreitet Dez. Orchesterbibliotheken, die es kleinen Ensembles ermöglichen, Werke aufzuführen, die für große Orchester geschrieben wurden.

Einen besonderen Platz nimmt das I. des Autors ein, vor allem fi. Aufsätze. Einige Produkte existieren in zwei gleichen Versionen – in Form von Ork. Partituren und in fp. Präsentation (einige Rhapsodien von F. Liszt, Suiten aus der Musik zu „Peer Gynt“ von E. Grieg, einzelne Stücke von AK Lyadov, I. Brahms, C. Debussy, Suiten aus „Petruschka“ von IF Strawinsky, Ballettsuiten „Romeo und Julia“ von SS Prokofjew usw.). Unter den Partituren, die auf der Grundlage bekannter FP erstellt wurden. Werke großer Meister I., Mussorgsky-Ravels Bilder einer Ausstellung ragen heraus, aufgeführt so oft wie ihre fp. Prototyp. Zu den bedeutendsten Werken im Bereich I. zählen die Editionen der Opern Boris Godunov und Chovanshchina von Mussorgsky und The Stone Guest von Dargomyzhsky, aufgeführt von NA Rimsky-Korsakov, sowie die neue I. der Opern Boris Godunov und Chovanshchina von Mussorgsky, ausgeführt von DD Schostakowitsch.

Zu I. gibt es eine umfangreiche Literatur für Sinfonieorchester, die den reichen Erfahrungsschatz der Sinfoniemusik zusammenfasst. Zur Stiftung. Zu den Werken gehören Berlioz' „Great Treatise on Modern Instrumentation and Orchestration“ und Rimsky-Korsakovs „Fundamentals of Orchestration with Score Samples from His Own Compositions“. Die Autoren dieser Werke waren hervorragende praktische Komponisten, denen es gelang, umfassend auf die dringenden Bedürfnisse von Musikern einzugehen und Bücher zu schaffen, die ihre überragende Bedeutung nicht verloren haben. Zahlreiche Auflagen zeugen davon. Abhandlung von Berlioz, geschrieben in den 40er Jahren. 19. Jahrhundert, wurde von R. Strauss in Anlehnung an den Ork überarbeitet und ergänzt. Anfang üben. 20. Jahrhundert

In der Musik uch. Institutionen durchlaufen den Spezialkurs I., der in der Regel aus zwei Hauptfächern besteht. Abschnitte: Instrumentierung und eigentlich I. Der erste von ihnen (einleitend) stellt die Instrumente, ihre Struktur, Eigenschaften, Entwicklungsgeschichte jedes von ihnen vor. Der I. Kurs widmet sich den Regeln der Instrumentenkombination, der Übertragung von Spannungsauf- und -abbau mittels I., dem Schreiben von Einzel- (Gruppen-) und Orchestertutti. Bei der Untersuchung der Methoden der Kunst geht man letztlich von der Idee der Kunst aus. das gesamte erstellte (orchestrierte) Produkt.

Techniken I. werden im Rahmen des Praktikums erworben. Klassen, in denen die Schüler unter Anleitung eines Lehrers die Uraufführung für das Orchester transkribieren. fp. Werke, lernen Sie die Geschichte des Orchesters kennen. Stile und analysieren die besten Partiturbeispiele; Dirigenten, Komponisten und Musikwissenschaftler üben außerdem das Lesen von Partituren und geben sie in der Regel auf dem Klavier wieder. Aber die beste Vorgehensweise für einen unerfahrenen Instrumentalisten ist es, sich seine Arbeit in einem Orchester anzuhören und sich während der Proben Ratschläge von erfahrenen Musikern zu holen.

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MI Chulaki