György Ligeti |

György Ligeti

Die Klangwelt von Ligeti, die sich wie ein Fächer öffnet, das Gefühl seiner Musik, kaum in Worte zu fassen, die kosmische Kraft, die schreckliche Tragödien für ein oder zwei Momente hervorhebt, verleiht seinen Werken schon auf den ersten Blick einen tiefen und intensiven Inhalt , sie sind weit entfernt von dem, was oder Ereignis. M. Pandey

D. Ligeti ist einer der bekanntesten westeuropäischen Komponisten der zweiten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts. Festivals und Kongresse, zahlreiche Studien auf der ganzen Welt sind seinem Werk gewidmet. Ligeti ist Inhaber vieler Ehrentitel und Auszeichnungen.

Der Komponist studierte an der Musikhochschule Budapest (1945-49). Seit 1956 lebt er im Westen, unterrichtet in verschiedenen Ländern, seit 1973 ist er ständig an der Hamburger Musikhochschule tätig. Ligeti begann seine Karriere als überzeugter Bartokianer mit umfassenden Kenntnissen der klassischen Musik. Er würdigte Bartok immer wieder und schuf 1977 mit dem Stück „Monument“ (Drei Stücke für zwei Klaviere) eine Art musikalisches Porträt des Komponisten.

In den 50er Jahren. Ligeti arbeitete im Kölner Elektronikstudio – seine ersten Experimente nannte er später „Fingergymnastik“ und erklärte erst kürzlich: „Ich werde nie mit einem Computer arbeiten.“ Ligeti war der erste maßgebliche Kritiker bestimmter Arten von Kompositionstechniken, die in den 50er Jahren üblich waren. im Westen (Serialismus, Aleatorik), widmete sich der Musik von A. Webern, P. Boulez und anderen. Bis Anfang der 60er Jahre. Ligeti wählte einen unabhängigen Weg, verkündete eine Rückkehr zum offenen musikalischen Ausdruck und betonte den Wert von Klang und Farbe. In den „nicht-impressionistischen“ Orchesterkompositionen „Visions“ (1958-59), „Atmospheres“ (1961), die ihm weltweite Berühmtheit einbrachten, entdeckte Ligeti klangfarbenfarbene, räumliche Orchesterlösungen, die auf einem originellen Verständnis polyphoner Technik beruhen der Komponist nannte „Mikropolyphonie“. Die genetischen Wurzeln von Ligetis Konzept liegen in der Musik von C. Debussy und R. Wagner, B. Bartok und A. Schönberg. Der Komponist beschrieb die Mikropolyphonie wie folgt: „Polyphonie komponiert und in der Partitur fixiert, die nicht gehört werden soll, wir hören nicht die Polyphonie, sondern was sie erzeugt … Ich gebe ein Beispiel: Nur ein sehr kleiner Teil eines Eisbergs ist sichtbar, die meisten davon ist unter Wasser verborgen. Aber wie dieser Eisberg aussieht, wie er sich bewegt, wie er von verschiedenen Meeresströmungen umspült wird – all das gilt nicht nur für seinen sichtbaren, sondern auch für seinen unsichtbaren Teil. Deshalb sage ich: Meine Kompositionen und die Art der Aufnahme sind unökonomisch, sie sind Verschwendung. Ich weise auf viele Details hin, die an sich nicht hörbar sind. Aber gerade die Angabe dieser Details ist wesentlich für den Gesamteindruck …“

Ich dachte jetzt an ein riesiges Gebäude, wo viele Details unsichtbar sind. Sie spielen jedoch im Allgemeinen eine Rolle, um den Gesamteindruck zu erzeugen. Ligetis statische Kompositionen basieren auf Veränderungen in der Dichte von Klangmaterie, gegenseitigen Übergängen von farbigen Volumen, Flächen, Flecken und Massen, auf Schwankungen zwischen Klang- und Geräuscheffekten: „Die ursprünglichen Ideen waren, so der Komponist, „um weit verzweigte Labyrinthe gefüllt mit Klänge und sanfte Geräusche.“ Allmähliche und plötzliche Zuflüsse, räumliche Transformationen werden zum Hauptfaktor in der Organisation des Musikalischen (Zeit – Sättigung oder Leichtigkeit, Dichte oder Spärlichkeit, Unbeweglichkeit oder Geschwindigkeit ihres Flusses sind direkt abhängig von Veränderungen in den „musikalischen Labyrinthen“. Andere Kompositionen von Ligeti der 60er Jahre sind auch mit klangbunten Jahren verbunden: einzelne Teile seines Requiems (1963-65), das Orchesterwerk „Lontano“ (1967), das einige Vorstellungen von „Romantik heute“ bricht auf Synästhesie, dem Meister innewohnend.

Die nächste Stufe in Ligetis Werk markierte einen allmählichen Übergang zur Dynamik. Die Sucherei verbindet sich mit der völlig rastlosen Musik in Adventures and New Adventures (1962-65) – Kompositionen für Solisten und Instrumentalensemble. Diese Erfahrungen im absurden Theater ebneten den Weg für große traditionelle Genres. Die wichtigste Errungenschaft dieser Zeit war das Requiem, das die Ideen der statischen und dynamischen Komposition und Dramaturgie vereinte.

In der zweiten Hälfte der 60er Jahre. Ligeti beginnt mit „subtilerer und zerbrechlicherer Polyphonie“ zu arbeiten und tendiert zu größerer Einfachheit und Intimität der Äußerung. Diese Periode umfasst Branches für Streichorchester oder 12 Solisten (1968-69), Melodies für Orchester (1971), Kammerkonzert (1969-70), Doppelkonzert für Flöte, Oboe und Orchester (1972). Zu dieser Zeit war der Komponist fasziniert von der Musik von C. Ives, unter deren Eindruck das Orchesterwerk „San Francisco Polyphony“ (1973-74) entstand. Ligeti denkt viel nach und äußert sich bereitwillig zu den Problemen der Polystilistik und der musikalischen Collage. Die Collage-Technik erweist sich als ziemlich fremd für ihn – Ligeti selbst bevorzugt „Reflexionen, keine Zitate, Anspielungen, keine Zitate“. Das Ergebnis dieser Suche ist die Oper The Great Dead Man (1978), die erfolgreich in Stockholm, Hamburg, Bologna, Paris und London aufgeführt wurde.

Werke der 80er Jahre entdecken verschiedene Richtungen: Trio für Violine, Horn und Klavier (1982) – eine Art Widmung an I. Brahms, indirekt verbunden mit dem romantischen Thema Drei Fantasien über Verse von F. Hölderlin für sechzehnstimmigen gemischten Chor u cappella (1982) wird die Treue zu den Traditionen der ungarischen Musik durch die „ungarischen Etüden“ zu den Versen von Ch. Veresh für einen gemischten sechzehnstimmigen Chor a cappella (1982).

Einen neuen Blick auf den Pianismus zeigen Klavieretüden (Erstes Notizbuch – 1985, Etüden Nr. 7 und Nr. 8 – 1988), die verschiedene Ideen brechen – vom impressionistischen Pianismus bis zur afrikanischen Musik, und das Klavierkonzert (1985-88).

Ligetis kreative Vorstellungskraft wird von Musik aus vielen Epochen und Traditionen genährt. Die unvermeidlichen Assoziationen, die Konvergenz entfernter Ideen und Ideen sind die Grundlage seiner Kompositionen, die illusorische und sinnliche Konkretheit verbinden.

M. Lobanowa