Georgi Wassiljewitsch Swiridow |

Georgi Swiridow

… In bewegten Zeiten entstehen besonders harmonische Kunstnaturen, die das höchste Streben des Menschen verkörpern, das Streben nach innerer Harmonie der menschlichen Persönlichkeit im Gegensatz zum Chaos der Welt … Diese Harmonie der inneren Welt ist verbunden mit dem Verstehen und Fühlen der Tragödie des Lebens, aber gleichzeitig überwindet sie diese Tragödie. Die Sehnsucht nach innerer Harmonie, das Bewusstsein der hohen Bestimmung des Menschen – das klingt mir jetzt besonders in Puschkin. G. Swiridow

Die geistige Nähe zwischen dem Komponisten und dem Dichter ist kein Zufall. Sviridovs Kunst zeichnet sich auch durch eine seltene innere Harmonie aus, ein leidenschaftliches Streben nach dem Guten und Wahren und gleichzeitig ein Gefühl der Tragik, das aus einem tiefen Verständnis für die Größe und Dramatik der erlebten Epoche stammt. Als Musiker und Komponist von enormem, originellem Talent fühlt er sich vor allem als Sohn seines Landes, geboren und aufgewachsen unter seinem Himmel. Im Leben von Sviridov gibt es direkte Verbindungen zu volkstümlichen Ursprüngen und zu den Höhen der russischen Kultur.

Als Schüler von D. Schostakowitsch, ausgebildet am Leningrader Konservatorium (1936-41), ein bemerkenswerter Kenner der Poesie und Malerei, der selbst eine hervorragende poetische Begabung besaß, wurde er in der kleinen Stadt Fatezh in der Provinz Kursk in die Familie von geboren Postbeamter und Lehrer. Sowohl Vater als auch Mutter von Sviridov waren Einheimische, sie stammten von Bauern in der Nähe von Fatezh-Dörfern. Die direkte Kommunikation mit der ländlichen Umgebung, wie der Gesang der Jungen im Kirchenchor, war natürlich und organisch. Es sind diese beiden Eckpfeiler der russischen Musikkultur – Volkslieder und spirituelle Kunst – die in der musikalischen Erinnerung des Kindes von Kindheit an lebten und die zur Hauptstütze des Meisters in der reifen Periode des Schaffens wurden.

Frühe Kindheitserinnerungen verbinden sich mit Bildern der südrussischen Natur – Auen, Felder und Wäldchen. Und dann – die Tragödie des Bürgerkriegs 1919, als Denikins Soldaten, die in die Stadt eindrangen, den jungen Kommunisten Wassili Swiridow töteten. Es ist kein Zufall, dass der Komponist immer wieder zur Poesie der russischen Landschaft zurückkehrt (der Vokalzyklus „I Have a Peasant Father“ – 1957; die Kantaten „Kursk Songs“, „Wooden Russia“ – 1964, „The Baptist Man“ – 1985; Chorkompositionen) und zu schrecklichen Umwälzungen der Revolutionsjahre („1919“ – Teil 7 von „Yesenins Erinnerungsgedicht“, Sololieder „Der Sohn traf seinen Vater“, „Tod des Kommissars“).

Das ursprüngliche Datum von Sviridovs Kunst lässt sich ziemlich genau angeben: Vom Sommer bis Dezember 1935, in weniger als 20 Jahren, schrieb der zukünftige Meister der sowjetischen Musik den heute bekannten Romanzenzyklus nach Gedichten von Puschkin („Approaching Izhora“, „Winter Road“, „The Forest Drops …“, „To the Nanny“ usw.) ist ein Werk, das fest unter den sowjetischen Musikklassikern steht und die Liste von Sviridovs Meisterwerken eröffnet. Sicher, es lagen noch Jahre des Studiums, des Krieges, der Evakuierung, des kreativen Wachstums und der Beherrschung der Höhen der Fähigkeiten vor ihm. Seine volle kreative Reife und Unabhängigkeit erreichte er am Rande der 40er und 50er Jahre, als sein eigenes Genre des vokalen zyklischen Gedichts gefunden und sein großes episches Thema (der Dichter und die Heimat) verwirklicht wurde. Dem Erstgeborenen dieses Genres („Land of the Fathers“ auf der Straße. A. Isahakyan – 1950) folgten Songs zu den Versen von Robert Burns (1955), das Oratorium „The Poem in Memory of Yesenin“ (1956 ) und „Pathetic“ (auf dem st. V. Mayakovsky – 1959 ).

„… Viele russische Schriftsteller stellten sich Russland gern als die Verkörperung von Stille und Schlaf vor“, schrieb A. Blok am Vorabend der Revolution, „aber dieser Traum endet; die Stille wird durch ein entferntes Grollen ersetzt … „Und der Dichter ruft dazu auf, dem „schrecklichen und ohrenbetäubenden Grollen der Revolution“ zu lauschen, und bemerkt, dass „dieses Grollen sowieso immer von den Großen handelt“. Mit einer solchen „Blokian“-Tonart näherte sich Sviridov dem Thema der Großen Oktoberrevolution, aber er übernahm den Text von einem anderen Dichter: Der Komponist wählte den Weg des größten Widerstands und wandte sich der Poesie von Majakowski zu. Übrigens war dies die erste melodische Verarbeitung seiner Gedichte in der Musikgeschichte. Davon zeugt zum Beispiel die inspirierte Melodie „Let's go, poet, let's look, sing“ im Finale des „Pathetic Oratorio“, wo die sehr figurative Struktur berühmter Gedichte ebenso transformiert wird wie die Weite, Fröhliche singen „Ich weiß, die Stadt wird sein“. Wirklich unerschöpfliche melodische, ja sogar hymnische Möglichkeiten offenbarte Sviridov in Mayakovsky. Und das „Grollen der Revolution“ liegt im grandiosen, formidablen Marsch des 1. Teils („Kehrt um auf dem Marsch!“), im „kosmischen“ Umfang des Finales („Glanz und keine Nägel!“) …

Nur in den frühen Jahren seines Studiums und seiner kreativen Entwicklung schrieb Sviridov viel Instrumentalmusik. Ende der 30er – Anfang der 40er Jahre. gehören Sinfonie; Klavierkonzert; Kammerensembles (Quintett, Trio); 2 Sonaten, 2 Partiten, Kinderalbum für Klavier. Einige dieser Kompositionen in neuen Autorenausgaben erlangten Berühmtheit und nahmen ihren Platz auf der Konzertbühne ein.

Aber die Hauptsache in Sviridovs Werk ist Vokalmusik (Lieder, Romanzen, Vokalzyklen, Kantaten, Oratorien, Chorwerke). Hier wurden sein erstaunlicher Sinn für Verse, das tiefe Verständnis von Poesie und sein reiches melodisches Talent glücklich kombiniert. Er „sang“ nicht nur die Zeilen von Mayakovsky (neben dem Oratorium – den musikalischen populären Druck „Die Geschichte von Bagels und der Frau, die die Republik nicht anerkennt“), B. Pasternak (die Kantate „Es schneit“) , N. Gogols Prosa (Chor „Über die verlorene Jugend“), aber auch musikalisch und stilistisch aktualisierte moderne Melodie. Neben den genannten Autoren vertonte er viele Zeilen von V. Shakespeare, P. Beranger, N. Nekrasov, F. Tyutchev, B. Kornilov, A. Prokofjew, A. Tvardovsky, F. Sologub, V. Khlebnikov und andere – von Dichtern - Dekabristen bis K. Kuliev.

In Sviridovs Musik kommen die spirituelle Kraft und philosophische Tiefe der Poesie in Melodien von durchdringender, kristallklarer Klarheit, im Reichtum der Orchesterfarben, in der ursprünglichen modalen Struktur zum Ausdruck. Beginnend mit „The Poem in Memory of Sergei Yesenin“ verwendet der Komponist in seiner Musik die intonationsmodalen Elemente des alten orthodoxen Znamenny-Gesangs. Das Vertrauen in die Welt der alten spirituellen Kunst des russischen Volkes lässt sich in solchen Chorkompositionen wie „Die Seele ist traurig über den Himmel“ in den Chorkonzerten „In Erinnerung an AA Yurlov“ und „Pushkin's Wreath“ nachvollziehen Chorbilder, die in der Musik zum Drama A. K. Tolstoi „Zar Fjodor Ioannovich“ („Gebet“, „Heilige Liebe“, „Reueverse“) enthalten sind. Die Musik dieser Werke ist rein und erhaben, sie enthält eine große ethische Bedeutung. Es gibt eine Episode im Dokumentarfilm „Georgy Sviridov“, in der der Komponist vor einem Gemälde in Bloks Wohnungsmuseum (Leningrad) stehen bleibt, von dem sich der Dichter selbst fast nie getrennt hat. Dies ist eine Reproduktion des Gemäldes Salome mit dem Kopf Johannes des Täufers (Anfang 1963. Jahrhundert) des niederländischen Künstlers K. Massis, auf dem die Bilder des Tyrannen Herodes und des für die Wahrheit gestorbenen Propheten deutlich kontrastiert werden. „Der Prophet ist ein Symbol des Dichters, seines Schicksals!“ sagt Sviridov. Diese Parallele ist kein Zufall. Blok hatte eine verblüffende Vorahnung der feurigen, stürmischen und tragischen Zukunft des kommenden 40. Jahrhunderts. Und zu den Worten von Bloks beeindruckender Prophezeiung schuf Sviridov eines seiner Meisterwerke „Voice from the Choir“ (1963). Blok inspirierte wiederholt den Komponisten, der etwa 1962 Lieder nach seinen Gedichten schrieb: Dies sind Solo-Miniaturen und der Kammerzyklus „Petersburg Songs“ (1967) und kleine Kantaten „Sad Songs“ (1979), „Five Songs about Russia“. (1980) und zyklische Chorgedichte Night Clouds (XNUMX), Songs of Timelessness (XNUMX).

… Zwei weitere Dichter, die ebenfalls prophetische Züge besaßen, nehmen einen zentralen Platz in Sviridovs Werk ein. Das sind Puschkin und Yesenin. Zu den Versen von Puschkin, der sich und die gesamte zukünftige russische Literatur der Stimme der Wahrheit und des Gewissens unterordnete, der den Menschen selbstlos mit seiner Kunst diente, schrieb Sviridov neben einzelnen Liedern und jugendlichen Romanzen 10 großartige Chöre von „Puschkins Kranz “ (1979), wo durch Harmonie und Lebensfreude die strenge Reflexion des Dichters allein mit der Ewigkeit bricht („They beat the dawn“). Yesenin ist der engste und in jeder Hinsicht der wichtigste Dichter von Sviridov (etwa 50 Solo- und Chorkompositionen). Seltsamerweise lernte der Komponist seine Gedichte erst 1956 kennen. Die Zeile „Ich bin der letzte Dichter des Dorfes“ schockierte und wurde sofort zur Musik, der Spross, aus dem das „Gedicht zum Gedenken an Sergei Yesenin“ wuchs – ein wegweisendes Werk für Sviridov, für die sowjetische Musik und im Allgemeinen für unsere Gesellschaft, viele Aspekte des russischen Lebens in jenen Jahren zu verstehen. Yesenin hatte, wie andere wichtige „Co-Autoren“ von Sviridov, eine prophetische Gabe – damals, in der Mitte der 20er Jahre. er prophezeite das schreckliche Schicksal der russischen Landschaft. Der „eiserne Gast“, der „auf dem Weg des blauen Feldes“ kommt, ist kein Auto, vor dem Yesenin angeblich Angst hatte (wie früher angenommen wurde), dies ist ein apokalyptisches, beeindruckendes Bild. Der Gedanke des Dichters wurde vom Komponisten gefühlt und in Musik offenbart. Zu seinen Werken von Yesenin gehören Chöre, magisch in ihrem poetischen Reichtum („Die Seele ist traurig für den Himmel“, „Am blauen Abend“, „Tabun“), Kantaten, Lieder verschiedener Genres bis hin zum Kammervokalgedicht „Departed Russland“ (1977).

Sviridov verspürte mit seiner charakteristischen Weitsicht, früher und tiefer als viele andere Persönlichkeiten der sowjetischen Kultur, die Notwendigkeit, die russische poetische und musikalische Sprache zu bewahren, unbezahlbare Schätze der antiken Kunst, die über Jahrhunderte geschaffen wurden, denn über all diesen nationalen Reichtum in unserem totalen Zeitalter Bruch von Fundamenten und Traditionen, im Zeitalter erlebter Missbräuche, es bestand wirklich die Gefahr der Zerstörung. Und wenn unsere moderne Literatur, besonders durch die Lippen von V. Astafiev, V. Belov, V. Rasputin, N. Rubtsov, mit lauter Stimme dazu aufruft, zu retten, was noch zu retten ist, dann sprach Sviridov darüber bereits Mitte 50er.

Ein wichtiges Merkmal von Sviridovs Kunst ist ihre „Superhistorizität“. Es geht um Russland als Ganzes, seine Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Der Komponist versteht es stets, das Wesentlichste und Unvergänglichste hervorzuheben. Die Chorkunst von Sviridov basiert auf Quellen wie geistlichen orthodoxen Gesängen und russischer Folklore, sie schließt in den Bereich ihrer Verallgemeinerung die Intonationssprache eines revolutionären Liedes, Marschs, oratorischer Reden ein – also das Klangmaterial des russischen XNUMX. Jahrhunderts , und auf dieser Grundlage ein neues Phänomen wie Kraft und Schönheit, geistige Kraft und Durchdringung, das die Chorkunst unserer Zeit auf eine neue Ebene hebt. Es gab eine Blütezeit der russischen klassischen Oper, es gab einen Aufstieg der sowjetischen Symphonie. Heute ist die neue harmonische und erhabene sowjetische Chorkunst, die weder in der Vergangenheit noch in der modernen ausländischen Musik Analoga hat, ein wesentlicher Ausdruck des geistigen Reichtums und der Vitalität unseres Volkes. Und das ist die kreative Leistung von Sviridov. Was er fand, wurde mit großem Erfolg von anderen sowjetischen Komponisten entwickelt: V. Gavrilin, V. Tormis, V. Rubin, Yu. Butsko, K. Wolkow. A. Nikolaev, A. Cholminov und andere.

Sviridovs Musik wurde zu einem Klassiker der sowjetischen Kunst des XNUMX. Jahrhunderts. dank seiner Tiefe, Harmonie und engen Verbindung mit den reichen Traditionen der russischen Musikkultur.

L. Polyakova