Dinu Lipatti (Dinu Lipatti) |

Dino Lipatti

Sein Name ist längst in die Geschichte eingegangen: Seit dem Tod des Künstlers sind etwa fünf Jahrzehnte vergangen. In dieser Zeit sind viele Stars auf den Konzertbühnen der Welt auf- und untergegangen, mehrere Generationen herausragender Pianisten herangewachsen, neue Strömungen in der darstellenden Kunst entstanden – jene, die gemeinhin als „moderner Aufführungsstil“ bezeichnet werden. Und mittlerweile ist das Vermächtnis von Dinu Lipatti, anders als das Vermächtnis vieler anderer bedeutender Künstler der ersten Hälfte unseres Jahrhunderts, nicht mit „musealem Flair“ überzogen, hat seinen Charme, seine Frische nicht verloren: es stellte sich heraus jenseits der Mode zu sein und darüber hinaus nicht nur die Zuhörer zu begeistern, sondern auch neue Generationen von Pianisten zu beeinflussen. Seine Aufnahmen sind für Sammler alter Schallplatten kein Grund zum Stolz – sie werden immer wieder neu aufgelegt und sind sofort ausverkauft. All dies geschieht nicht, weil Lipatti immer noch unter uns sein könnte, in seinen besten Jahren, wenn nicht wegen einer rücksichtslosen Krankheit. Die Gründe liegen tiefer – in der Essenz seiner zeitlosen Kunst, in der tiefen Wahrhaftigkeit des Gefühls, wie gereinigt von allem Äußeren, Vergänglichen, die Macht des Einflusses des Musikertalents und zu dieser Zeit Distanz multipliziert.

Nur wenige Künstler haben es geschafft, in so kurzer Zeit, die ihnen das Schicksal zugeteilt hat, eine so lebendige Spur im Gedächtnis der Menschen zu hinterlassen. Vor allem, wenn man bedenkt, dass Lipatti keineswegs ein Wunderkind im allgemein anerkannten Sinne des Wortes war und erst relativ spät mit einer umfangreichen Konzerttätigkeit begann. Er wuchs und entwickelte sich in einer musikalischen Atmosphäre: seine Großmutter und Mutter waren ausgezeichnete Pianisten, sein Vater ein leidenschaftlicher Geiger (er nahm sogar Unterricht bei P. Sarasate und K. Flesch). Mit einem Wort, es ist nicht verwunderlich, dass der zukünftige Musiker, der das Alphabet noch nicht kannte, frei auf dem Klavier improvisierte. Kindliche Fröhlichkeit verband sich in seinen unkomplizierten Kompositionen auf bizarre Weise mit überraschendem Ernst; eine solche Kombination von Unmittelbarkeit des Gefühls und Gedankentiefe blieb später erhalten und wurde zu einem charakteristischen Merkmal eines reifen Künstlers.

Der erste Lehrer des achtjährigen Lipatti war der Komponist M. Zhora. Nachdem er bei einem Schüler außergewöhnliche pianistische Fähigkeiten entdeckt hatte, übergab er ihn 1928 an die berühmte Lehrerin Florika Muzychesk. In denselben Jahren hatte er einen weiteren Mentor und Förderer – George Enescu, der zum „Pate“ des jungen Musikers wurde, der seine Entwicklung genau verfolgte und ihm half. Im Alter von 15 Jahren schloss Lipatti das Konservatorium in Bukarest mit Auszeichnung ab und gewann bald den Enescu-Preis für sein erstes Hauptwerk, die symphonischen Gemälde „Chetrari“. Gleichzeitig entschied sich der Musiker für die Teilnahme am Internationalen Klavierwettbewerb in Wien, einem der „massivsten“ Teilnehmerzahlen in der Geschichte der Wettbewerbe: Damals kamen rund 250 Künstler in die österreichische Hauptstadt. Lipatti wurde Zweiter (nach B. Kohn), aber viele Jurymitglieder nannten ihn den eigentlichen Sieger. A. Cortot verließ sogar die Jury aus Protest; jedenfalls lud er die rumänische Jugend sofort nach Paris ein.

Lipatti lebte fünf Jahre in der Hauptstadt Frankreichs. Er verbesserte sich bei A. Cortot und I. Lefebur, besuchte die Klasse von Nadia Boulanger, nahm Dirigierunterricht bei C. Munsch, Komposition bei I. Strawinsky und P. Duke. Boulanger, der Dutzende bedeutender Komponisten großgezogen hat, sagte über Lipatti: „Ein echter Musiker im wahrsten Sinne des Wortes kann als jemand angesehen werden, der sich ganz der Musik widmet und sich selbst vergisst. Ich kann mit Sicherheit sagen, dass Lipatti einer dieser Künstler ist. Und das ist die beste Erklärung für meinen Glauben an ihn.“ Mit Boulanger machte Lipatti 1937 seine erste Aufnahme: Brahms' vierhändige Tänze.

Gleichzeitig begann die Konzerttätigkeit des Künstlers. Bereits seine ersten Auftritte in Berlin und den Städten Italiens zogen alle Blicke auf sich. Nach seinem Pariser Debüt verglichen ihn Kritiker mit Horowitz und sagten ihm einhellig eine glänzende Zukunft voraus. Lipatti besuchte Schweden, Finnland, Österreich, die Schweiz und überall war er erfolgreich. Mit jedem Konzert erschloss sich sein Talent mit neuen Facetten. Begünstigt wurde dies durch seine Selbstkritik, seine kreative Methode: Bevor er seine Interpretation auf die Bühne brachte, gelang ihm nicht nur eine perfekte Beherrschung des Textes, sondern auch eine vollständige Verschmelzung mit der Musik, die zu einem tiefsten Eindringen in die des Autors führte Absicht.

Bezeichnend ist, dass er sich erst in den letzten Jahren dem Erbe Beethovens zuwandte und sich früher dafür noch nicht bereit hielt. Eines Tages bemerkte er, dass er vier Jahre gebraucht habe, um Beethovens Fünftes Konzert oder Tschaikowskys Erstes vorzubereiten. Das spricht natürlich nicht für seine begrenzten Fähigkeiten, sondern nur für seine extremen Ansprüche an sich selbst. Aber jeder seiner Auftritte ist die Entdeckung von etwas Neuem. Dem Text des Autors gewissenhaft treu bleibend, setzte der Pianist die Interpretation stets mit den „Farben“ seiner Individualität in Szene.

Eines dieser Zeichen seiner Individualität war die verblüffende Natürlichkeit der Phrasierung: äußerliche Einfachheit, Klarheit der Begriffe. Gleichzeitig fand er für jeden Komponisten spezielle Klavierfarben, die seinem eigenen Weltbild entsprachen. Sein Bach klang wie ein Protest gegen die magere „Museums“-Reproduktion des großen Klassikers. „Wer wagt es, an das Cembalo zu denken, während er die von Lipatti aufgeführte Erste Partita hört, die von so nervöser Kraft, so melodiösem Legato und so aristokratischer Anmut erfüllt ist?“ rief einer der Kritiker aus. Mozart zog ihn vor allem nicht mit Anmut und Leichtigkeit an, sondern mit Erregung, ja Dramatik und Tapferkeit. „Keine Zugeständnisse an den galanten Stil“, scheint sein Spiel zu sagen. Dies wird durch rhythmische Strenge, gemeines Treten, energischen Anschlag betont. Sein Verständnis von Chopin liegt auf derselben Ebene: keine Sentimentalität, strenge Einfachheit und gleichzeitig – eine enorme Gefühlskraft …

Der Zweite Weltkrieg fand den Künstler in der Schweiz, auf einer weiteren Tournee. Er kehrte in seine Heimat zurück, trat weiter auf, komponierte Musik. Aber die erstickende Atmosphäre des faschistischen Rumäniens unterdrückte ihn, und 1943 gelang ihm die Ausreise nach Stockholm und von dort in die Schweiz, die seine letzte Zuflucht wurde. Er leitete die Aufführungsabteilung und die Klavierklasse am Genfer Konservatorium. Doch gerade in dem Moment, als der Krieg endete und sich glänzende Aussichten für den Künstler auftaten, zeigten sich die ersten Anzeichen einer unheilbaren Krankheit – Leukämie. Er schreibt bitter an seinen Lehrer M. Zhora: „Als ich gesund war, war der Kampf gegen Mangel ermüdend. Jetzt, wo ich krank bin, gibt es Einladungen aus allen Ländern. Ich habe Verträge mit Australien, Süd- und Nordamerika unterzeichnet. Was für eine Ironie des Schicksals! Aber ich gebe nicht auf. Ich werde kämpfen, egal was passiert.“

Der Kampf dauerte Jahre. Lange Tourneen mussten abgesagt werden. In der zweiten Hälfte der 40er Jahre verließ er die Schweiz kaum; die Ausnahme waren seine Reisen nach London, wo er 1946 zusammen mit G. Karajan debütierte und unter seiner Leitung Schumanns Konzert spielte. Lipatti reiste später noch mehrmals nach England, um Aufnahmen zu machen. Doch 1950 hielt er selbst eine solche Reise nicht mehr aus, und die Firma I-am-a schickte ihr „Team“ zu ihm nach Genf: In wenigen Tagen unter größter Anstrengung 14 Chopin-Walzer, Mozarts Sonate (Nr. 8) wurden aufgenommen, Bachs Partita (B-Dur), Chopins 32. Mazurka. Im August trat er zum letzten Mal mit dem Orchester auf: Mozarts Konzert (Nr. 21) erklang, G. Karayan stand am Pult. Und am 16. September verabschiedete sich Dinu Lipatti vom Publikum in Besançon. Das Konzertprogramm umfasste Bachs Partita in B-Dur, Mozarts Sonate, zwei Impromptu von Schubert und alle 14 Walzer von Chopin. Er spielte nur 13 – der letzte war nicht mehr stark genug. Aber stattdessen, als der Künstler erkannte, dass er nie wieder auf der Bühne stehen würde, spielte er den Bach-Choral, arrangiert für Klavier von Myra Hess … Die Aufnahme dieses Konzerts wurde zu einem der aufregendsten, dramatischsten Dokumente in der Musikgeschichte unseres Jahrhunderts …

Nach Lipattis Tod schrieb sein Lehrer und Freund A. Cortot: „Lieber Dinu, dein vorübergehender Aufenthalt unter uns hat dich nicht nur einvernehmlich auf den ersten Platz unter den Pianisten deiner Generation gebracht. In der Erinnerung an diejenigen, die Ihnen zugehört haben, hinterlassen Sie die Zuversicht, dass Ihr Name zur Legende geworden wäre, wenn das Schicksal nicht so grausam zu Ihnen gewesen wäre, ein Beispiel für selbstlosen Dienst an der Kunst. Die seitdem vergangene Zeit hat gezeigt, dass Lipattis Kunst bis heute ein solches Beispiel ist. Sein klanglicher Nachlass ist vergleichsweise gering – nur etwa neun Stunden Aufnahmen (wenn man die Wiederholungen mitzählt). Neben den oben genannten Kompositionen gelang es ihm, solche Konzerte von Bach (Nr. 1), Chopin (Nr. 1), Grieg, Schumann, Stücke von Bach, Mozart, Scarlatti, Liszt, Ravel, seine eigenen auf Schallplatten festzuhalten Kompositionen – Concertino im klassischen Stil und Sonata für die linke Hand … Das ist fast alles. Aber jeder, der diese Platten kennenlernt, wird sicherlich den Worten von Florica Muzycescu zustimmen: „Die künstlerische Sprache, mit der er die Menschen ansprach, hat immer das Publikum gefangen, sie fängt auch diejenigen ein, die seinem Spiel auf der Platte zuhören.“

Grigoriev L., Platek Ya.