Boris Yoffe |

Boris Yoffe

Das Werk des Komponisten, Geigers, Dirigenten und Lehrers Boris Yoffe verdient natürlich besondere Aufmerksamkeit der Bewunderer der akademischen Musik, es gehört zu den besten Beispielen des modernen Komponistendenkens. Joffes Erfolg als Komponist kann daran gemessen werden, wer seine Musik aufführt und aufnimmt. Hier ist eine unvollständige Liste bekannter Interpreten von Yoffes Musik: Hilliard Ensemble, Rosamunde Quartet, Patricia Kopachinskaya, Konstantin Lifshits, Ivan Sokolov, Kolya Lessing, Reto Bieri, Augustine Wiedemann und viele andere. Manfred Aicher veröffentlichte auf seinem ECM-Label Boris Yoffes CD Song of Songs, aufgeführt vom Hilliard Ensemble und dem Rosamunde Quartett. Wolfgang Rihm hat Joffes Arbeit immer wieder gelobt und einen Teil des Textes für das Booklet der Song of Songs-CD geschrieben. Im Juli dieses Jahres erschien im Wolke-Verlag auf Deutsch ein Buch mit Artikeln und einem Essay von Boris Joffe „Musikalischer Sinn“.

Es scheint, dass Joffe als recht erfolgreicher Komponist gelten kann, man könnte meinen, dass seine Musik oft gehört wird und vielen bekannt ist. Werfen wir einen Blick auf den wahren Stand der Dinge. Wird Yoffes Musik oft auf Festivals für zeitgenössische Musik gespielt? Nein, es klingt überhaupt nicht. Warum, werde ich versuchen, im Folgenden zu beantworten. Wie oft läuft es im Radio? Ja, manchmal in Europa – insbesondere „Song of Songs“ – aber es gab fast keine Programme, die sich vollständig dem Werk von Boris Yoffe widmeten (mit Ausnahme von Israel). Gibt es viele Konzerte? Sie finden und finden in verschiedenen Ländern statt – in Deutschland, der Schweiz, Frankreich, Österreich, den USA, Israel, Russland – dank jener Musiker, die Yoffes Musik zu schätzen wussten. Allerdings mussten diese Musiker selbst als „Produzenten“ fungieren.

Die Musik von Boris Yoffe ist noch nicht sehr bekannt und vielleicht erst auf dem Weg zum Ruhm (man muss nur hoffen und „vielleicht“ sagen, denn es gab viele Beispiele in der Geschichte, als selbst das Beste seiner Zeit nicht gewürdigt wurde von Zeitgenossen). Musiker, die Joffes Musik und Persönlichkeit leidenschaftlich schätzen – insbesondere die Geigerin Patricia Kopatchinskaya, der Pianist Konstantin Lifshitz und der Gitarrist Augustin Wiedenman – beanspruchen seine Musik mit ihrer Kunst in Konzerten und Aufnahmen, aber dies ist nur ein Tropfen auf den heißen Stein von Tausenden von Konzerten.

Ich möchte versuchen, die Frage zu beantworten, warum die Musik von Boris Yoffe auf Festivals für zeitgenössische Musik besonders selten zu hören ist.

Das Problem ist, dass Yoffes Arbeit in keinen Rahmen und keine Richtung passt. Hier ist es notwendig, gleich über das Hauptwerk und die kreative Entdeckung von Boris Yoffe zu sprechen – sein „Buch der Quartette“. Seit Mitte der 90er Jahre schreibt er täglich ein Quartettstück ab, das ohne Tempo-, Dynamik- oder Agogikangaben auf ein Notenblatt passt. Das Genre dieser Stücke kann als „Gedicht“ definiert werden. Wie ein Gedicht muss jedes Stück gelesen werden (mit anderen Worten, der Musiker muss das Tempo, die Agogik und die Dynamik aus der Musik bestimmen) und nicht nur gespielt werden. Ich kenne nichts dergleichen in der modernen Musik (Aleatorik zählt nicht), aber in der alten Musik ist es die ganze Zeit (in Bachs Kunst der Fuge gibt es nicht einmal Symbole für Instrumente, geschweige denn Tempo und Dynamik) . Außerdem ist es schwierig, Yoffes Musik in einen eindeutigen stilistischen Rahmen zu „schieben“. Einige Kritiker schreiben über die Traditionen von Reger und Schönberg (englischer Schriftsteller und Librettist Paul Griffiths), was natürlich sehr seltsam erscheint! – andere erinnern an Cage und Feldman – letzteres fällt besonders in der amerikanischen Kritik (Stephen Smolyar) auf, die in Yoff etwas Nahes und Persönliches sieht. Einer der Kritiker schrieb Folgendes: „Diese Musik ist sowohl tonal als auch atonal“ – solche ungewöhnlichen und nicht standardmäßigen Empfindungen werden von Zuhörern erlebt. Diese Musik ist von der „neuen Einfachheit“ und „Armut“ von Pärt und Silvestrov so weit entfernt wie von Lachenman oder Fernyhow. Das Gleiche gilt für den Minimalismus. Dennoch kann man in Joffes Musik ihre Einfachheit, ihre Neuheit und sogar eine Art „Minimalismus“ erkennen. Wenn man diese Musik einmal gehört hat, kann man sie nicht mehr mit einer anderen verwechseln; es ist so einzigartig wie die Persönlichkeit, Stimme und das Gesicht eines Menschen.

Was steckt nicht in der Musik von Boris Yoffe? Es gibt keine Politik, es gibt keine „aktuellen Probleme“, es gibt nichts Zeitung und Augenblickliches. Es gibt keine Geräusche und reichlich Dreiklänge darin. Solche Musik diktiert sein Format und sein Denken. Ich wiederhole: Ein Musiker, der Joffes Musik spielt, muss Noten lesen können, nicht spielen, denn solche Musik erfordert Komplizenschaft. Aber auch der Zuhörer muss mitmachen. Es stellt sich als ein solches Paradoxon heraus: Musik scheint nicht gezwungen zu sein und mit normalen Tönen zu atmen, aber man sollte Musik besonders aufmerksam hören und sich nicht ablenken lassen – zumindest während eines einminütigen Quartetts. Es ist nicht so schwierig: Sie müssen kein großer Experte sein, Sie müssen nicht über eine Technik oder ein Konzept nachdenken. Um die Musik von Boris Yoffe zu verstehen und zu lieben, muss man direkt und sensibel auf die Musik hören und von ihr ausgehen können.

Der eine verglich Joffes Musik mit Wasser, der andere mit Brot, mit dem, was zum Leben erst einmal notwendig ist. Jetzt gibt es so viele Exzesse, so viele Köstlichkeiten, aber warum hast du Durst, warum fühlst du dich wie Saint-Exupéry in der Wüste? Das „Buch der Quartette“, das Tausende von „Gedichten“ enthält, ist nicht nur das Zentrum von Boris Yoffes Schaffen, sondern auch die Quelle für viele seiner anderen Werke – Orchester-, Kammer- und Gesangswerke.

Zwei Opern ragen auch heraus: „Die Geschichte des Rabbi und seines Sohnes“ nach Rabbi Nachman auf Jiddisch (der berühmte Dichter und Übersetzer Anri Volokhonsky hat am Libretto mitgewirkt) und „Esther Racine“ nach dem Originaltext der großen Französin Dramatiker. Beide Opern für Kammerensemble. Der (bis auf die Introduktion) nie aufgeführte „Rabbi“ vereint moderne und antike Instrumente – in unterschiedlichen Stimmungen. Esther wurde für vier Solisten und ein kleines Barockensemble geschrieben. Es wurde 2006 in Basel aufgeführt und sollte gesondert erwähnt werden.

„Esther Racina“ ist eine Hommage (Hommage) an Rameau, aber gleichzeitig ist die Oper keine Stilisierung und in ihrer eigenen erkennbaren Weise geschrieben. Seit Strawinskys Oedipus Rex, mit dem Esther verglichen werden kann, scheint nichts dergleichen passiert zu sein. Wie Strawinskys Opernoratorium ist Esther nicht auf eine Musikepoche beschränkt – es ist keine unpersönliche Pastiche. In beiden Fällen sind die Autoren, ihre Ästhetik und Vorstellung von Musik perfekt erkennbar. Hier beginnen jedoch die Unterschiede. Strawinskys Oper berücksichtigt im Allgemeinen wenig die Musik von Nicht-Strawinsky; Interessanter daran ist, was an seiner Harmonie und Rhythmik liegt als das Verständnis der Gattung der barocken Tradition. Vielmehr verwendet Strawinsky Klischees, „Fossilien“ von Gattungen und Formen so, dass sie aus diesen Fragmenten gebrochen und aufgebaut werden können (wie es Picasso in der Malerei getan hat). Boris Yoffe macht nichts kaputt, denn für ihn sind diese Genres und Formen der Barockmusik keine Fossilien, und beim Hören seiner Musik können wir uns auch davon überzeugen, dass die musikalische Tradition lebendig ist. Erinnert Sie das nicht an … das Wunder der Auferstehung der Toten? Nur, wie Sie sehen, liegt der Begriff (und noch mehr das Gefühl) eines Wunders außerhalb der Lebenssphäre des modernen Menschen. Das eingefangene Wunder in Horowitz' Notizen erweist sich jetzt als Vulgarität, und die Wunder von Chagall sind naive Schmierereien. Und trotz allem: Schubert lebt in Horowitz' Schriften weiter, und Licht erfüllt die Stephanskirche durch Chagalls Buntglasfenster. Der jüdische Geist und die europäische Musik existieren trotz allem in Joffes Kunst. „Esther“ ist völlig frei von jeglichen Effekten eines äußeren Charakters oder „glänzender“ Schönheit. Wie Racines Verse ist die Musik streng und anmutig, aber innerhalb dieser anmutigen Strenge wird einer Reihe von Ausdrucksformen und Charakteren Freiheit gegeben. Die Kurven von Esthers Stimmpartie können nur der schönen Kaiserin gehören, ihren zarten und prächtigen Schultern … Wie Mandelstam: „… Alle singen gesegnete Frauen mit steilen Schultern …“ Gleichzeitig hören wir in diesen Kurven Schmerzen, Zittern, all das Macht der Sanftmut, des Glaubens und der Liebe, des Betrugs, der Arroganz und des Hasses. Wahrscheinlich nicht so im Leben, aber zumindest in der Kunst werden wir es sehen und hören. Und das ist kein Betrug, keine Flucht vor der Realität: Sanftmut, Glaube, Liebe – das ist das Menschliche, das Beste, was in uns Menschen steckt. Wer Kunst liebt, will darin nur das Wertvollste und Reinste sehen, und Dreck und Zeitungen gibt es sowieso genug auf der Welt. Und es spielt keine Rolle, ob dieses Wertvolle Sanftmut oder Stärke oder vielleicht beides zugleich heißt. Boris Yoffe hat mit seiner Kunst seine Vorstellung von Schönheit in Esthers Monolog aus dem 3. Akt direkt zum Ausdruck gebracht. Nicht zufällig stammen Material und musikalische Ästhetik des Monologs aus dem „Buch der Quartette“, dem Hauptwerk des Komponisten, in dem er nur das tut, was er für sich selbst für notwendig hält.

Boris Yoffe wurde am 21. Dezember 1968 in Leningrad als Sohn einer Ingenieursfamilie geboren. Die Kunst nahm einen wichtigen Platz im Leben der Familie Yoffe ein, und der kleine Boris konnte schon früh Literatur und Musik (durch Schallplattenaufnahmen) verbinden. Mit 9 Jahren begann er selbst Geige zu spielen, besuchte eine Musikschule, mit 11 Jahren komponierte er sein erstes 40-minütiges Quartett, dessen Musik durch seine Aussagekraft überraschte. Nach der 8. Klasse trat Boris Yoffe in die Musikschule in die Geigenklasse (Ped. Zaitsev) ein. Etwa zur gleichen Zeit fand ein wichtiges Treffen für Joffe statt: Er begann Privatunterricht in Theorie bei Adam Stratievsky zu nehmen. Stratievsky brachte den jungen Musiker auf eine neue Ebene des Musikverständnisses und brachte ihm viele praktische Dinge bei. Joffe selbst war durch seine kolossale Musikalität (ein sensibles absolutes Ohr, Gedächtnis und vor allem eine unstillbare Liebe zur Musik, Denken mit Musik) bereit für dieses Treffen.

Dann kam der Dienst in der Sowjetarmee und die Emigration nach Israel 1990. In Tel Aviv trat Boris Yoffe in die Musikakademie ein. Rubin und setzte seine Studien bei A. Stratievsky fort. 1995 wurden die ersten Stücke des Book of Quartets geschrieben. Ihre Ästhetik wurde in einem kurzen Stück für Streichtrio definiert, das noch in der Armee geschrieben wurde. Einige Jahre später wurde die erste CD mit Quartetten aufgenommen. 1997 zog Boris Joffe mit seiner Frau und seiner ersten Tochter nach Karlsruhe. Dort studierte er bei Wolfgang Rihm, zwei Opern wurden dort geschrieben und vier weitere Platten veröffentlicht. Joffe lebt und arbeitet bis heute in Karlsruhe.