Avet Rubenovich Terterian (Avet Terterian) |

Terterian Avet

… Avet Terteryan ist ein Komponist, für den der Symphonismus ein natürliches Ausdrucksmittel ist. K.Meyer

Wahrlich, es gibt Tage und Momente, die viele und viele Jahre psychologisch und emotional überwiegen, zu einer Art Wendepunkt im Leben eines Menschen werden, sein Schicksal und seinen Beruf bestimmen. Für einen zwölfjährigen Jungen, den späteren berühmten sowjetischen Komponisten Avet Terteryan, wurden die Tage des Aufenthalts von Sergej Prokofjew und seinen Freunden Ende 1941 im Haus von Avets Eltern in Baku so kurz, aber intensiv . Prokofjews Art, sich zu halten, zu reden, seine Meinung offen zu äußern, ist auf jeden Fall klar und beginnt jeden Tag mit der Arbeit. Und dann komponierte er gerade die Oper „Krieg und Frieden“, und am Morgen drang die überwältigende, brillante Musik aus dem Wohnzimmer, wo das Klavier stand.

Die Gäste gingen, doch einige Jahre später, als sich die Frage der Berufswahl stellte – ob in die Fußstapfen des Vaters auf ein Medizinstudium oder etwas anderes – entschied sich der junge Mann fest – für eine Musikschule. Avet erhielt seine musikalische Grundausbildung in einer äußerst musikalischen Familie – sein Vater, ein bekannter Laryngologe in Baku, wurde von Zeit zu Zeit eingeladen, die Titelrollen in den Opern von P. Tschaikowsky und seiner Mutter G. Verdi zu singen hatte einen hervorragenden dramatischen Sopran, sein jüngerer Bruder Herman wurde später Dirigent.

Der armenische Komponist A. Satyan, der Autor weit verbreiteter Lieder in Armenien, sowie der bekannte Lehrer G. Litinsky rieten Terterian in Baku dringend, nach Eriwan zu gehen und ernsthaft Komposition zu studieren. Und bald trat Avet in die Kompositionsklasse von E. Mirzoyan in das Eriwaner Konservatorium ein. Während seines Studiums schrieb er die Sonate für Cello und Klavier, die beim republikanischen Wettbewerb und bei der All-Union Review of Young Composers ausgezeichnet wurde, Romanzen über die Worte russischer und armenischer Dichter, das Quartett in C-Dur, die vokalsymphonischer Zyklus „Mutterland“ – ein Werk, das ihm einen echten Erfolg bringt, der 1962 mit dem All-Union-Preis beim Wettbewerb junger Komponisten ausgezeichnet wurde und ein Jahr später unter der Leitung von A. Zhuraitis in der Halle erklingt Säulen.

Dem ersten Erfolg folgten die ersten Versuche im Zusammenhang mit dem vokalsymphonischen Zyklus „Revolution“. Die Uraufführung des Werkes war auch die letzte. Die Arbeit war jedoch nicht umsonst. Die bemerkenswerten Verse des armenischen Dichters, des Sängers der Revolution, Yeghishe Charents, fesselten die Fantasie des Komponisten mit ihrer kraftvollen Kraft, ihrem historischen Klang und ihrer publizistischen Intensität. Es war dann, während der Zeit des kreativen Scheiterns, dass eine intensive Anhäufung von Kräften stattfand und das Hauptthema der Kreativität geformt wurde. Dann, im Alter von 35 Jahren, war dem Komponisten klar – wer es nicht hat, sollte gar nicht erst komponieren, und in Zukunft wird er den Vorteil dieser Ansicht beweisen: sein eigenes Hauptthema … Es entstand in der Verschmelzung der Begriffe – Mutterland und Revolution, das dialektische Bewusstsein dieser Größen, die dramatische Natur ihres Zusammenspiels. Die Idee, eine Oper zu schreiben, die von den hohen moralischen Motiven der Poesie von Charents durchdrungen ist, schickte den Komponisten auf die Suche nach einer scharfsinnigen revolutionären Handlung. Der Journalist V. Shakhnazaryan, der sich für die Arbeit als Librrittist interessierte, schlug bald vor – B. Lavrenevs Geschichte „Forty-First“. Die Handlung der Oper wurde nach Armenien verlegt, wo in denselben Jahren revolutionäre Kämpfe in den Bergen von Zangezur stattfanden. Die Helden waren ein Bauernmädchen und ein Leutnant der ehemaligen vorrevolutionären Truppen. Charents' leidenschaftliche Verse erklangen in der Oper vom Vorleser, im Chor und in Solopartien.

Die Oper erhielt eine breite Resonanz, wurde als helles, talentiertes, innovatives Werk anerkannt. Wenige Jahre nach der Uraufführung in Eriwan (1967) wurde es auf der Bühne des Theaters in Halle (DDR) aufgeführt und eröffnete 1978 das Internationale Festival von GF Händel, das alljährlich in der Heimat des Komponisten stattfindet.

Nach der Schaffung der Oper schreibt der Komponist 6 Symphonien. Die Möglichkeit des philosophischen Verstehens in den symphonischen Räumen der gleichen Bilder, der gleichen Themen reizt ihn besonders. Dann erscheinen das Ballett „Richard III“ nach W. Shakespeare, die Oper „Erdbeben“ nach der Geschichte des deutschen Schriftstellers G. Kleist „Erdbeben in Chile“ und wieder die Symphonien – Siebte, Achte – erscheinen. Jeder, der mindestens einmal eine Symphonie von Terteryaia aufmerksam gehört hat, wird seine Musik später leicht wiedererkennen. Es ist spezifisch, räumlich, erfordert konzentrierte Aufmerksamkeit. Hier ist jeder entstehende Ton ein Bild für sich, eine Idee, und wir verfolgen mit unermüdlicher Aufmerksamkeit seine weitere Bewegung als Heldenschicksal. Die Klangbilder der Symphonien erreichen fast bühnenhafte Ausdruckskraft: die Klangmaske, der Klangschauspieler, der auch eine poetische Metapher ist, und wir enträtseln seine Bedeutung. Terteryans Werke regen den Zuhörer an, den inneren Blick auf die wahren Werte des Lebens zu richten, auf seine ewigen Quellen, über die Zerbrechlichkeit der Welt und ihre Schönheit nachzudenken. Daher erweisen sich die poetischen Höhepunkte von Terterians Sinfonien und Opern immer als die einfachsten melodischen Phrasen volkstümlichen Ursprungs, die entweder von der Stimme, dem natürlichsten der Instrumente, oder von Volksinstrumenten ausgeführt werden. So klingt der 2. Teil der Zweiten Symphonie – eine monophone Bariton-Improvisation; eine Episode aus der Dritten Symphonie – ein Ensemble aus zwei Duduks und zwei Zurns; die Melodie der Kamancha, die den gesamten Zyklus der Fünften Symphonie durchdringt; dapa-Partei im Siebten; Auf dem sechsten Gipfel wird es einen Chor geben, wo anstelle von Worten die Klänge des armenischen Alphabets „ayb, ben, gim, dan“ usw. als eine Art Symbol für Erleuchtung und Spiritualität zu hören sind. Die einfachsten, so scheint es, Symbole, aber sie haben eine tiefe Bedeutung. Darin spiegelt Terterjans Werk die Kunst von Künstlern wie A. Tarkovsky und S. Parajanov wider. Worum geht es in Ihren Symphonien? Zuhörer fragen Terterian. „Über alles“, antwortet der Komponist und überlässt es jedem, ihren Inhalt zu verstehen.

Terterians Symphonien werden auf den renommiertesten internationalen Musikfestivals aufgeführt – in Zagreb, wo alljährlich im Frühjahr eine Revue zeitgenössischer Musik stattfindet, beim „Warschauer Herbst“ in West-Berlin. Sie erklingen auch in unserem Land – in Eriwan, Moskau, Leningrad, Tiflis, Minsk, Tallinn, Nowosibirsk, Saratow, Taschkent … Für einen Dirigenten eröffnet Terterjans Musik die Möglichkeit, sein kreatives Potenzial als Musiker sehr breit zu nutzen. Der Performer hier scheint in die Co-Autorenschaft einbezogen zu sein. Ein interessantes Detail: Symphonien können je nach Interpretation, auf die Fähigkeit, wie der Komponist sagt, „auf den Klang zu hören“, unterschiedlich lange dauern. Seine Vierte Symphonie erklang sowohl 22 als auch 30 Minuten, die Siebte – und 27 und 38! Zu solch einer aktiven, kreativen Zusammenarbeit mit dem Komponisten gehörte D. Khanjyan, ein wunderbarer Interpret seiner ersten 4 Symphonien. G. Rozhdestvensky, in dessen brillanter Aufführung die Vierte und Fünfte erklangen, A. Lazarev, in dessen Aufführung die Sechste Symphonie eindrucksvoll erklang, geschrieben für Kammerorchester, Kammerchor und 9 Tonträger mit Aufnahme eines großen Symphonieorchesters, Cembali und Glocke Glockenspiel.

Auch die Musik von Terterian lädt den Zuhörer zur Komplizenschaft ein. Sein Hauptziel ist es, die spirituellen Bemühungen sowohl des Komponisten, des Interpreten als auch des Zuhörers in einer unermüdlichen und schwierigen Erkenntnis des Lebens zu vereinen.

M. Rukhkyan