Andrej Jakowlewitsch Eschpay |

Andrej Eshpay

Eine einzige Harmonie – eine sich verändernde Welt … Die Stimme jeder Nation soll in der Polyphonie des Planeten erklingen, und dies ist möglich, wenn ein Künstler – Schriftsteller, Maler, Komponist – seine Gedanken und Gefühle in seiner muttersprachlichen Bildsprache ausdrückt. Je nationaler ein Künstler ist, desto individueller ist er. A. Eshpay

In vielerlei Hinsicht hat die Biographie des Künstlers selbst eine ehrfürchtige Berührung mit dem Original in der Kunst vorgegeben. Der Vater des Komponisten, Y. Eshpay, einer der Gründer der professionellen Mari-Musik, brachte seinem Sohn mit seiner selbstlosen Arbeit die Liebe zur Volkskunst bei. Laut A. Eshpay war „Vater bedeutend, tiefsinnig, intelligent und taktvoll, sehr bescheiden – ein wahrer Musiker, der zur Selbstverleugnung fähig war. Als großer Kenner der Folklore schien er als Autor beiseite zu treten und sah seine Pflicht darin, den Menschen die Schönheit und Erhabenheit des Volksgedankens zu vermitteln. Er erkannte, dass es unmöglich war, die Mari-Pentatonik an ein anderes harmonisches und unabhängiges, aber der Volkskunst fremdes System anzupassen. Ich kann immer das Original aus der Arbeit meines Vaters erkennen.“

A. Eshpay nahm von Kindheit an die Folklore verschiedener Völker der Wolga-Region auf, das gesamte lyrisch-epische System der rauen ugrischen Region. Der Krieg wurde zu einem besonderen tragischen Thema im Leben und Werk des Komponisten – er verlor seinen älteren Bruder, dessen Andenken dem schönen Lied „Moskowiter“ („Ohrring mit Malaya Bronna“) gewidmet ist, Freunde. Im Aufklärungszug nahm Eshpay an der Befreiung Warschaus an der Berliner Operation teil. Der durch den Krieg unterbrochene Musikunterricht wurde am Moskauer Konservatorium wieder aufgenommen, wo Eshpay Komposition bei N. Rakov, N. Myaskovsky, E. Golubev und Klavier bei V. Sofronitsky studierte. 1956 schloss er sein Postgraduiertenstudium unter der Leitung von A. Khachaturian ab.

Zu dieser Zeit entstanden Symphonic Dances on Mari Themes (1951), Hungarian Melodies for Violin and Orchestra (1952), First Piano Concerto (1954, 2. Auflage – 1987), First Violin Concerto (1956). Diese Werke brachten dem Komponisten weitreichenden Ruhm, eröffneten die Hauptthemen seines Schaffens und brachen die Vorschriften seiner Lehrer kreativ. Es ist bezeichnend, dass Khachaturian, der ihm laut dem Komponisten einen „Geschmack für Skaleneffekte“ einflößte, Eshpais Vorstellungen über das Konzertgenre maßgeblich beeinflusste.

Besonders bezeichnend ist das Erste Violinkonzert mit seiner temperamentvollen Brisanz, Frische, Unmittelbarkeit im Ausdruck von Gefühlen, offenem Appell an Volks- und Genrevokabular. Eshpay steht Khachaturian auch mit seiner Liebe zum Stil von M. Ravel nahe, die in seinem Klavierwerk besonders ausgeprägt war (Erstes Klavierkonzert, Erste Klaviersonatine – 1948). Harmonie, Frische, emotionale Ansteckung und koloristische Großzügigkeit eint auch diese Meister.

Das Thema Myaskovsky ist ein besonderer Teil der Arbeit von Eshpay. Ethische Positionen, das Image eines herausragenden sowjetischen Musikers, eines wahren Bewahrers und Reformators der Tradition, erwiesen sich als Ideal für seine Anhänger. Der Komponist bleibt Myaskovskys Gebot treu: „der Kunst gegenüber aufrichtig und leidenschaftlich zu sein und seine eigene Linie zu führen.“ Gedenkwerke in Erinnerung an Mjaskowski sind mit dem Namen des Lehrers verbunden: Orgelpassacaglia (1950), Variationen für Orchester über ein Thema aus Mjaskowskis Sechzehnter Symphonie (1966), Zweites Violinkonzert (1977), Bratschenkonzert (1987-88), in der das Material der Orgel Passacaglia verwendet wurde. Myaskovskys Einfluss auf Eshpays Einstellung zur Folklore war sehr bedeutsam: Der Komponist kam seinem Lehrer folgend zu einer symbolischen Interpretation von Volksliedern, zu einer Annäherung verschiedener traditioneller Schichten in der Kultur. Der Name Myaskovsky ist auch mit einer Berufung auf eine andere sehr wichtige Tradition für Eshpay verbunden, die sich in vielen Kompositionen wiederholt, beginnend mit dem Ballett „Circle“ („Remember!“ – 1979), – Znamenny-Gesang. Vor allem in der Vierten (1980), Fünften (1986), Sechsten („Liturgische“ Symphonie (1988), Chorkonzert (1988)) verkörpert es vor allem das harmonische, erleuchtete Ethosprinzip, die ursprünglichen Eigenschaften von nationales Selbstbewusstsein, die Grundprinzipien der russischen Kultur Besondere Bedeutung erlangt ein weiteres wichtiges Thema in Eshpays Werk – lyrisch.In der Tradition verwurzelt, wird es nie zu individualistischer Willkür, seine unveräußerlichen Eigenschaften werden betont, Zurückhaltung und Strenge, Objektivität im Ausdruck und oft eine direkte Verbindung mit bürgerlichen Intonationen.

Die Lösung des militärischen Themas, die Genres des Denkmals, die Berufung auf wechselnde Ereignisse – sei es Krieg, historische denkwürdige Daten – sind eigenartig, und die Texte sind in ihrem Verständnis immer präsent. Solche Werke wie die Erste (1959), Zweite (1962) Symphonie, die von Licht durchdrungen sind (die Inschrift der Ersten – die Worte von V. Mayakovsky „Wir müssen den kommenden Tagen Freude entreißen“, die Inschrift der Zweiten – „Lob zum Licht“) legte die Kantate „Lenin mit uns“ (1968), die sich durch plakative Eingängigkeit, rhetorische Ausdruckshelligkeit und zugleich feinste lyrische Landschaft auszeichnet, den Grundstein für eine originelle Stilverschmelzung oratorisch und lyrisch, sachlich und persönlich, bedeutsam für die Hauptwerke des Komponisten. Die für die altrussische Kultur so bedeutsame Einheit von „Weinen und Ruhm, Mitleid und Lob“ (D. Likhachev) wird in verschiedenen Genres fortgeführt. Besonders hervorzuheben sind die Dritte Symphonie (In Memory of My Father, 1964), das Zweite Violin- und Bratschenkonzert, eine Art großer Zyklus – die Vierte, Fünfte und Sechste Symphonie, das Chorkonzert. Im Laufe der Jahre erhält die Bedeutung des lyrischen Themas symbolische und philosophische Obertöne, immer mehr Reinigung von allem Äußeren, Subjektiv-Oberflächlichen, das Denkmal wird in die Form einer Parabel gekleidet. Es ist bezeichnend, das lyrische Thema von der märchenhaften Folklore und romantisch-heroischen Erzählung im Ballett Angara (1975) auf die verallgemeinerte Bildsprache des warnenden Balletts Circle (Remember!) umzustellen. Die universelle Bedeutung von Werkwidmungen mit einer tragischen, manchmal traurigen Bedeutung wird immer offensichtlicher. Die gesteigerte Wahrnehmung des Konfliktcharakters der modernen Welt und die Sensibilität der künstlerischen Reaktion auf diese Qualität stehen im Einklang mit der Verantwortung des Komponisten für Erbe und Kultur. Die Quintessenz der Bildsprache ist „Songs of the Mountain and Meadow Mari“ (1983). Diese Komposition wurde zusammen mit dem Konzert für Oboe und Orchester (1982) mit dem Lenin-Preis ausgezeichnet.

Sachlich-lyrische Intonation und „choraler“ Klang färben die Interpretation der Konzertgattung, die das individuelle Prinzip verkörpert. Dieses Thema, das in verschiedenen Formen zum Ausdruck kommt – als Mahnmal, als meditative Aktion, in der Wiederbelebung von Folklore, in einem Appell an ein neu gedachtes Modell eines alten Concerto grosso – wird vom Komponisten konsequent verteidigt. Gleichzeitig entwickelt der Komponist im Konzertgenre wie in anderen Kompositionen spielerische Motive, Festlichkeit, Theatralik, Leichtigkeit der Farbe und die mutige Energie des Rhythmus. Dies ist besonders deutlich in den Konzerten Concerto for Orchestra (1966), Second Piano (1972), Oboe (1982) und Concerto for Saxophone (1985-86), das als „Porträt der Improvisation“ bezeichnet werden kann. „Eine Harmonie – eine Welt im Wandel“ – diese Worte aus dem Ballett „Circle“ könnten als Motto für das Werk des Meisters dienen. Die Übertragung von harmonischem, festlichem in eine widersprüchliche und komplizierte Welt ist spezifisch für den Komponisten.

Gleichzeitig mit der Verkörperung des Themas Traditionen wendet sich Eshpay stets dem Neuen und Unbekannten zu. Die organische Verbindung von Traditionellem und Innovativem ist sowohl der Sicht auf den Kompositionsprozess als auch dem Werk des Komponisten selbst innewohnend. Die Breite und Freiheit im Verständnis kreativer Aufgaben spiegeln sich in der Herangehensweise an Genrematerial wider. Es ist bekannt, dass das Thema und Vokabular des Jazz einen besonderen Platz im Werk des Komponisten einnehmen. Jazz ist für ihn in gewisser Weise der Hüter der Musik selbst sowie der Folklore. Der Komponist widmete dem Massenlied und seinen Problemen, der Unterhaltungsmusik, der Filmkunst, die in Bezug auf dramatisches und expressives Potenzial wichtig ist, eine Quelle eigenständiger Ideen, große Aufmerksamkeit. Die Welt der Musik und die lebendige Wirklichkeit stehen in einem organischen Verhältnis: „Die wunderbare Welt der Musik ist nicht abgeschlossen, nicht isoliert, sondern nur ein Teil des Universums, dessen Name Leben ist“, so der Komponist.

M. Lobanowa