Analyse eines Musikstücks nach Fachgebiet

In diesem Artikel sprechen wir darüber, wie man sich auf eine Spezialstunde an einer Musikschule vorbereitet und was der Lehrer von einem Schüler erwartet, wenn er die Analyse eines Musikstücks als Hausaufgabe aufgibt.

Was bedeutet es also, ein Musikstück zu zerlegen? Das bedeutet, dass Sie damit beginnen, es ruhig und ohne zu zögern gemäß den Noten zu spielen. Dazu reicht es natürlich nicht aus, das Stück nur einmal vom Blatt zu lesen, man muss sich auch etwas durcharbeiten. Wo beginnt alles?

Schritt 1. Vorläufige Bekanntschaft

Zunächst müssen wir uns mit der Komposition, die wir spielen werden, allgemein vertraut machen. Normalerweise zählen Studierende zuerst die Seiten – das ist lustig, aber andererseits ist das auch eine geschäftliche Herangehensweise an die Arbeit. Wenn Sie es also gewohnt sind, Seiten zu zählen, zählen Sie sie, aber die erste Bekanntschaft ist nicht darauf beschränkt.

Während Sie durch die Noten blättern, können Sie auch schauen, ob es Wiederholungen im Stück gibt (die Notengrafiken ähneln denen ganz am Anfang). In den meisten Stücken kommt es in der Regel zu Wiederholungen, die allerdings nicht immer sofort auffallen. Wenn wir wissen, dass es in einem Stück eine Wiederholung gibt, wird unser Leben einfacher und unsere Stimmung verbessert sich spürbar. Das ist natürlich ein Witz! Du solltest immer gute Laune haben!

Schritt 2. Bestimmen Sie Stimmung, Bild und Genre

Als nächstes müssen Sie besonders auf den Titel und den Nachnamen des Autors achten. Und du brauchst jetzt nicht zu lachen! Leider sind zu viele junge Musiker fassungslos, wenn man sie bittet, zu benennen, was sie spielen. Nein, es heißt, es sei eine Etüde, eine Sonate oder ein Theaterstück. Aber einige Komponisten haben Sonaten, Etüden und Theaterstücke geschrieben, und diese Sonaten, Etüden mit Theaterstücken haben manchmal Titel.

Und der Titel verrät uns als Musikern, welche Musik sich hinter den Noten verbirgt. Anhand des Namens können wir beispielsweise die Hauptstimmung, sein Thema sowie den figurativen und künstlerischen Inhalt bestimmen. Unter den Titeln „Herbstregen“ und „Blumen auf der Wiese“ verstehen wir beispielsweise, dass es sich um Werke über die Natur handelt. Aber wenn das Stück „Der Reiter“ oder „Das Schneewittchen“ heißt, dann handelt es sich hier eindeutig um eine Art musikalisches Porträt.

Manchmal enthält der Titel oft einen Hinweis auf ein Musikgenre. Näheres zu den Genres können Sie im Artikel „Hauptmusikgenres“ nachlesen, aber jetzt antworten Sie: Ein Soldatenmarsch und ein lyrischer Walzer sind nicht die gleiche Musik, oder?

Marsch und Walzer sind nur Beispiele für Genres (Sonate und Etüde sind übrigens auch Genres) mit eigenen Merkmalen. Sie haben wahrscheinlich eine gute Vorstellung davon, wie sich Marschmusik von Walzermusik unterscheidet. Ohne auch nur eine einzige Note zu spielen, können Sie durch einfaches Lesen des Titels bereits etwas über das Stück sagen, das Sie spielen möchten.

Um die Natur eines Musikstücks und seine Stimmung genauer zu bestimmen und einige Genremerkmale zu spüren, empfiehlt es sich, eine Aufnahme dieser Musik zu finden und sie mit oder ohne Noten in der Hand anzuhören. Gleichzeitig erfahren Sie, wie ein bestimmtes Stück klingen soll.

Schritt 3. Elementare Analyse des Notentextes

Hier ist alles einfach. Hier sind drei grundlegende Dinge, die Sie immer tun sollten: Schauen Sie auf die Tasten; bestimmen Sie die Tonalität anhand der Schlüsselzeichen; Schauen Sie sich das Tempo und die Taktarten an.

Es gibt nur solche Amateure, selbst unter erfahrenen Profis, die alles vom Blatt lesen und kritzeln, aber nur die Noten selbst sehen und weder auf die Tasten noch auf die Zeichen achten ... Und dann fragen sie sich, warum sie das nicht getan haben Es sind keine schönen Melodien, die einem aus den Fingern kommen, sondern eine Art kontinuierliche Kakophonie. Tu das nicht, okay?

Übrigens können Ihnen erstens Ihre eigenen musiktheoretischen Kenntnisse und Erfahrungen im Solfeggio bei der Bestimmung der Tonalität anhand von Tonarten helfen, und zweitens so nützliche Spickzettel wie der Quartfünftelzirkel oder ein Tonalitätsthermometer. Lass uns weitermachen.

Schritt 4. Wir spielen das Stück so gut es geht aus der Sicht

Ich wiederhole: Spielen Sie so gut Sie können, vom Notenblatt aus, gerade mit beiden Händen (wenn Sie Pianist sind). Die Hauptsache ist, bis zum Ende zu kommen, ohne etwas zu verpassen. Lassen Sie Fehler, Pausen, Wiederholungen und andere Probleme zu, Ihr Ziel ist es, einfach alle Noten dumm zu spielen.

Das ist so ein magisches Ritual! Der Fall wird auf jeden Fall erfolgreich sein, aber der Erfolg beginnt erst, wenn Sie das gesamte Stück von Anfang bis Ende durchgespielt haben, auch wenn es hässlich ausfällt. Es ist okay – das zweite Mal wird besser sein!

Es ist notwendig, vom Anfang bis zum Ende zu verlieren, aber Sie müssen nicht dabei aufhören, wie es die meisten Schüler tun. Diese „Studenten“ denken, dass sie das Stück gerade durchgespielt haben und es irgendwie herausgefunden haben. Nichts dergleichen! Obwohl auch nur eine geduldige Wiedergabe nützlich ist, müssen Sie verstehen, dass hier die Hauptarbeit beginnt.

Schritt 5. Bestimmen Sie die Art der Textur und lernen Sie das Stück in Chargen

Textur ist eine Möglichkeit, ein Werk zu präsentieren. Diese Frage ist rein technischer Natur. Wenn wir das Werk mit den Händen berühren, wird uns klar, dass mit der Textur diese und jene Schwierigkeiten verbunden sind.

Gängige Texturtypen: Polyphonie (Polyphonie ist furchtbar schwierig, Sie müssen nicht nur mit getrennten Händen spielen, sondern auch jede Stimme einzeln lernen); akkordisch (Akkorde müssen ebenfalls gelernt werden, insbesondere wenn sie schnell gehen); Passagen (in der Etüde gibt es zum Beispiel schnelle Tonleitern oder Arpeggios – wir betrachten auch jede Passage einzeln); Melodie + Begleitung (die Melodie lernen wir selbstverständlich separat, auch die Begleitung, was auch immer sie sein mag, schauen wir uns separat an).

Vernachlässigen Sie niemals das Spielen mit einzelnen Händen. Es ist sehr wichtig, getrennt mit der rechten Hand und getrennt mit der linken Hand zu spielen (wiederum, wenn Sie Pianist sind). Erst wenn wir die Details ausarbeiten, bekommen wir ein gutes Ergebnis.

Schritt 6. Fingersätze und technische Übungen

Was bei einer normalen, „durchschnittlichen“ Analyse eines Musikstücks in einem Fachgebiet niemals fehlen darf, ist die Fingersatzanalyse. Sofort Daumen hoch (der Versuchung nicht nachgeben). Der richtige Fingersatz hilft Ihnen, den Text schneller auswendig zu lernen und mit weniger Stopps zu spielen.

Wir ermitteln die richtigen Finger für alle schwierigen Stellen – insbesondere dort, wo es tonleiterartige und arpeggioartige Verläufe gibt. Hier ist es wichtig, einfach das Prinzip zu verstehen – wie eine bestimmte Passage strukturiert ist (durch die Klänge welcher Tonleiter oder durch die Klänge welchen Akkords – zum Beispiel durch die Klänge eines Dreiklangs). Als nächstes muss die gesamte Passage in Segmente unterteilt werden (jedes Segment – ​​bevor der Zeigefinger bewegt wird, wenn wir über das Klavier sprechen) und lernen, diese Segmentpositionen auf der Tastatur zu sehen. Übrigens lässt sich der Text so leichter merken!

Ja, worum geht es uns Pianisten? Und andere Musiker müssen etwas Ähnliches tun. Beispielsweise nutzen Blechbläser im Unterricht oft die Technik der Spielsimulation – sie lernen den Fingersatz, drücken die richtigen Ventile zur richtigen Zeit, blasen aber keine Luft in das Mundstück ihres Instruments. Dies hilft erheblich bei der Bewältigung technischer Schwierigkeiten. Dennoch muss schnelles und sauberes Spiel geübt werden.

Schritt 7. Arbeiten Sie am Rhythmus

Nun, es ist unmöglich, ein Stück im falschen Rhythmus zu spielen – der Lehrer wird trotzdem schwören, ob man es will oder nicht, man muss lernen, richtig zu spielen. Wir können Ihnen Folgendes raten: Klassiker – lautes Vorzählen (wie in der ersten Klasse – es hilft immer); Spielen Sie mit einem Metronom (legen Sie sich ein rhythmisches Raster auf und weichen Sie nicht davon ab); Wählen Sie für sich einen kleinen rhythmischen Impuls (z. B. Achtelnoten – Ta-Ta oder Sechzehntelnoten – Ta-Ta-Ta-Ta) und spielen Sie das gesamte Stück mit dem Gefühl, wie dieser Impuls es durchdringt, wie er alles ausfüllt Noten, deren Dauer größer als diese gewählte Einheit ist; Spielen Sie mit Betonung auf den starken Takt; Spielen Sie, dehnen Sie sich ein wenig, wie ein Gummiband, den letzten Schlag; Seien Sie nicht faul, alle möglichen Triolen, punktierten Rhythmen und Synkopen zu berechnen.

Schritt 8. Arbeiten Sie an Melodie und Phrasierung

Die Melodie muss ausdrucksstark gespielt werden. Wenn Ihnen die Melodie seltsam vorkommt (in den Werken einiger Komponisten des 20. Jahrhunderts) – ist das in Ordnung, Sie sollten sie lieben und Süßigkeiten daraus machen. Sie ist wunderschön – einfach ungewöhnlich.

Es ist wichtig, dass Sie die Melodie nicht als Ansammlung von Klängen spielen, sondern als Melodie, also als Abfolge bedeutungsvoller Phrasen. Achten Sie darauf, ob der Text Phrasenzeilen enthält. An ihnen können wir oft den Anfang und das Ende einer Phrase erkennen. Wenn Ihr Gehör jedoch gut ist, können Sie sie leicht mit Ihrem eigenen Gehör identifizieren.

Hier ließe sich noch viel mehr sagen, aber Sie wissen selbst sehr gut, dass Phrasen in der Musik wie Menschen sind, die reden. Frage und Antwort, Frage und Wiederholung einer Frage, eine Frage ohne Antwort, die Geschichte einer Person, Ermahnungen und Rechtfertigungen, ein kurzes „Nein“ und ein langatmiges „Ja“ – all das findet sich in vielen Musikwerken ( wenn sie eine Melodie haben). Ihre Aufgabe besteht darin, herauszufinden, was der Komponist in den musikalischen Text seines Werkes eingefügt hat.

Schritt 9. Zusammenbau des Teils

Es gab zu viele Schritte und zu viele Aufgaben. Tatsächlich, und das wissen Sie natürlich, gibt es keine Grenzen für Verbesserungen … Aber irgendwann muss man damit Schluss machen. Wenn Sie zumindest ein wenig an dem Stück gearbeitet haben, bevor Sie es zum Unterricht bringen, ist das eine gute Sache.

Die Hauptaufgabe bei der Analyse eines Musikstücks besteht darin, zu lernen, wie man es hintereinander spielt. Ihr letzter Schritt besteht also immer darin, das Stück zusammenzusetzen und von Anfang bis Ende zu spielen.

Deshalb! Wir spielen das gesamte Stück von Anfang bis Ende noch mehrmals! Ist Ihnen aufgefallen, dass das Spielen jetzt spürbar einfacher ist? Das bedeutet, dass Ihr Ziel erreicht wurde. Du kannst es zum Unterricht mitnehmen!

Schritt 10. Kunstflug

Für diese Aufgabe gibt es zwei Kunstflugoptionen: Die erste besteht darin, den Text auswendig zu lernen (Sie müssen nicht denken, dass dieser nicht real ist, denn er ist real) – und die zweite besteht darin, die Form des Werkes festzulegen. Form ist die Struktur eines Werkes. Den Hauptformen widmen wir einen eigenen Artikel – „Die häufigsten Formen musikalischer Werke“.

Es ist besonders nützlich, an der Form zu arbeiten, wenn Sie eine Sonate spielen. Warum? Denn in der Sonatensatzform gibt es einen Haupt- und einen Nebenteil – zwei figurative Sphären in einem Werk. Sie müssen lernen, sie zu finden, ihren Anfang und ihr Ende zu bestimmen und das Verhalten jedes einzelnen in der Ausstellung und in der Reprise in Beziehung zu setzen.

Es ist auch immer sinnvoll, die Durchführung oder den Mittelteil eines Stückes in Teile zu unterteilen. Nehmen wir an, es kann aus zwei oder drei Abschnitten bestehen, die nach unterschiedlichen Prinzipien aufgebaut sind – in einem kann es eine neue Melodie geben, in einem anderen – der Entwicklung bereits gehörter Melodien, im dritten – kann es vollständig aus Tonleitern und Arpeggios bestehen, usw.

Daher haben wir ein Problem wie die Analyse eines Musikstücks aus der Perspektive der Aufführung betrachtet. Der Einfachheit halber haben wir uns den gesamten Prozess als 10 Schritte zum Ziel vorgestellt. Auch im nächsten Artikel geht es um die Analyse musikalischer Werke, allerdings auf eine andere Art und Weise – als Vorbereitung auf eine Unterrichtsstunde über Musikliteratur.