Musikkultur des Klassizismus: ästhetische Fragen, Wiener Musikklassiker, Hauptgenres

In der Musik hat der Begriff „Klassik“ wie in keiner anderen Kunstform einen mehrdeutigen Inhalt. Alles ist relativ, und alle Hits von gestern, die sich bewährt haben – seien es Meisterwerke von Bach, Mozart, Chopin, Prokofjew oder, sagen wir, der Beatles – können als klassische Werke eingestuft werden.

Liebhaber alter Musik mögen mir das frivole Wort „Hit“ verzeihen, aber große Komponisten haben einst populäre Musik für ihre Zeitgenossen geschrieben, ohne die Ewigkeit anzustreben.

Wofür ist das alles? Zu dem einen, dem Es ist wichtig, das weite Konzept der klassischen Musik und des Klassizismus als Richtung in der Musikkunst zu trennen.

Die Ära des Klassizismus

Der Klassizismus, der in mehreren Etappen die Renaissance ablöste, nahm in Frankreich Ende des 17. Jahrhunderts Gestalt an und spiegelte in seiner Kunst teils den gravierenden Aufstieg der absoluten Monarchie, teils den Wandel der Weltanschauung von religiös zu säkular wider.

Im 18. Jahrhundert begann eine neue Runde der Entwicklung des gesellschaftlichen Bewusstseins – das Zeitalter der Aufklärung. Der Prunk und die Erhabenheit des Barock, dem unmittelbaren Vorläufer des Klassizismus, wurde durch einen Stil ersetzt, der auf Einfachheit und Natürlichkeit basiert.

Ästhetische Prinzipien des Klassizismus

Die Kunst des Klassizismus basiert auf -. Der Name „Klassizismus“ ist ursprünglich mit dem lateinischen Wort „classicus“ verbunden, was „vorbildlich“ bedeutet. Das ideale Vorbild für Künstler dieser Richtung war die antike Ästhetik mit ihrer harmonischen Logik und Harmonie. Im Klassizismus hat die Vernunft Vorrang vor den Gefühlen, Individualismus ist nicht erwünscht und bei jedem Phänomen gewinnen allgemeine, typologische Merkmale an erster Stelle. Jedes Kunstwerk muss nach strengen Regeln gebaut werden. Die Forderung der Ära des Klassizismus ist die Ausgewogenheit der Proportionen, die alles Überflüssige und Nebensächliche ausschließt.

Der Klassizismus zeichnet sich durch eine strikte Einteilung in aus. „Hohe“ Werke sind Werke, die sich auf antike und religiöse Themen beziehen und in feierlicher Sprache (Tragödie, Hymne, Ode) verfasst sind. Und „niedrige“ Genres sind jene Werke, die in der Landessprache präsentiert werden und das Volksleben widerspiegeln (Fabel, Komödie). Eine Vermischung von Genres war inakzeptabel.

Klassizismus in der Musik – Wiener Klassiker

Die Entwicklung einer neuen Musikkultur in der Mitte des 18. Jahrhunderts führte zur Entstehung zahlreicher privater Salons, Musikvereine und Orchester sowie zur Durchführung öffentlicher Konzerte und Opernaufführungen.

Die Hauptstadt der Musikwelt war damals Wien. Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven sind drei große Namen, die als in die Geschichte eingegangen sind Wiener Klassiker.

Komponisten der Wiener Schule beherrschten meisterhaft eine Vielzahl von Musikgenres – vom Alltagslied bis zur Symphonie. Der hohe Musikstil, in dem reiche figurative Inhalte in einer einfachen, aber vollendeten künstlerischen Form verkörpert werden, ist das Hauptmerkmal des Schaffens der Wiener Klassiker.

Die Musikkultur des Klassizismus verherrlicht ebenso wie die Literatur und die bildende Kunst die Handlungen des Menschen, seine Emotionen und Gefühle, über die die Vernunft herrscht. Kreative Künstler zeichnen sich in ihren Werken durch logisches Denken, Harmonie und Klarheit der Form aus. Die Einfachheit und Leichtigkeit der Aussagen klassischer Komponisten könnte dem modernen Ohr (natürlich in manchen Fällen) banal erscheinen, wenn ihre Musik nicht so brillant wäre.

Jeder der Wiener Klassiker hatte eine helle, einzigartige Persönlichkeit. Haydn und Beethoven tendierten eher zur Instrumentalmusik – Sonaten, Konzerten und Symphonien. Mozart war in allem universell – er schuf mit Leichtigkeit in jedem Genre. Er hatte großen Einfluss auf die Entwicklung der Oper und schuf und verbesserte ihre verschiedenen Gattungen – von der Opera Buffa bis zum Musikdrama.

Was die Vorlieben der Komponisten für bestimmte figurative Sphären betrifft, so ist Haydn eher typisch für objektive Volksgenre-Skizzen, Pastoralismus und Galanterie; Beethoven steht dem Heldentum und dem Drama ebenso nahe wie der Philosophie und natürlich der Natur und in geringem Maße auch der raffinierten Lyrik. Mozart deckte vielleicht alle existierenden figurativen Sphären ab.

Genres des musikalischen Klassizismus

Die Musikkultur des Klassizismus ist mit der Entstehung vieler Genres der Instrumentalmusik verbunden – wie Sonate, Symphonie, Konzert. Es entstand eine mehrstimmige Sonaten-Sinfonieform (ein 4-stimmiger Zyklus), die bis heute die Grundlage vieler Instrumentalwerke ist.

Im Zeitalter des Klassizismus entstanden die Haupttypen von Kammerensembles – Trios und Streichquartette. Das von der Wiener Schule entwickelte Formensystem ist auch heute noch aktuell – auf ihm schichtet sich moderner „Schnickschnack“ auf.

Lassen Sie uns kurz auf die für den Klassizismus charakteristischen Innovationen eingehen.

Sonatenform

Die Sonatengattung existierte zu Beginn des 17. Jahrhunderts, doch die Sonatenform wurde schließlich in den Werken von Haydn und Mozart geformt, und Beethoven perfektionierte sie und begann sogar, die strengen Kanons der Gattung zu brechen.

Die klassische Sonatenform basiert auf dem Gegensatz zweier Themen (oft gegensätzlich, manchmal widersprüchlich) – dem Haupt- und dem Nebenthema – und ihrer Entwicklung.

Die Sonatenform umfasst drei Hauptabschnitte:

1. erster Abschnitt – (Durchführung der Hauptthemen),
2. zweitens – (Entwicklung und Vergleich von Themen)
3. und das dritte – (eine modifizierte Wiederholung der Exposition, in der es normalerweise zu einer tonalen Konvergenz zuvor gegensätzlicher Themen kommt).

In der Regel wurden die ersten, schnellen Teile einer Sonate oder eines symphonischen Zyklus in Sonatenform geschrieben, weshalb ihnen der Name Sonata Allegro zugewiesen wurde.

Sonaten-Sinfoniezyklus

Sinfonien und Sonaten sind sich hinsichtlich der Struktur und der Logik der Stimmenfolge sehr ähnlich, daher der gebräuchliche Name für ihre integrale musikalische Form – Sonaten-Sinfonie-Zyklus.

Eine klassische Symphonie besteht fast immer aus 4 Sätzen:

• I – schneller aktiver Teil in seiner traditionellen Sonaten-Allegro-Form;
• II – langsamer Satz (seine Form ist in der Regel nicht streng geregelt – Variationen sind hier möglich, und dreistimmige komplexe oder einfache Formen sowie Rondosonaten und langsame Sonatenform);
• III – Menuett (manchmal Scherzo), der sogenannte Genresatz – fast immer komplexe dreistimmige Form;
• IV ist der letzte und letzte schnelle Satz, für den auch oft die Sonatenform gewählt wurde, manchmal auch die Rondo- oder Rondosonatenform.

Konzert

Der Name des Konzertgenres leitet sich vom lateinischen Wort Concertare – „Wettbewerb“ ab. Dies ist ein Stück für Orchester und Soloinstrument. Das in der Renaissance entstandene Instrumentalkonzert, das in der Musikkultur des Barock eine geradezu grandiose Entwicklung erfuhr, erhielt im Werk der Wiener Klassiker eine sonatensinfonische Form.

Streichquartett

Zur Besetzung eines Streichquartetts gehören in der Regel zwei Violinen, eine Bratsche und ein Cello. Die Form des Quartetts, ähnlich dem Sonaten-Symphonie-Zyklus, wurde bereits von Haydn festgelegt. Auch Mozart und Beethoven leisteten große Beiträge und ebneten den Weg für die Weiterentwicklung dieser Gattung.

Die Musikkultur des Klassizismus wurde zu einer Art „Wiege“ des Streichquartetts; In der Folgezeit und bis heute hören Komponisten nicht auf, immer mehr neue Werke im Konzertgenre zu schreiben – diese Art von Werken ist so gefragt geworden.

Die Musik des Klassizismus verbindet auf erstaunliche Weise äußere Einfachheit und Klarheit mit tiefem inneren Inhalt, dem starke Gefühle und Dramatik nicht fremd sind. Darüber hinaus ist der Klassizismus der Stil einer bestimmten historischen Epoche, und dieser Stil ist nicht vergessen, sondern hat ernsthafte Verbindungen zur Musik unserer Zeit (Neoklassizismus, Polystilistik).