Glenn Gould (Glenn Gould) |

Glenn Gold

Am Abend des 7. Mai 1957 versammelten sich nur sehr wenige Menschen zu einem Konzert im Großen Saal des Moskauer Konservatoriums. Der Name des Interpreten war keinem der Moskauer Musikliebhaber bekannt, und kaum einer der Anwesenden setzte große Hoffnungen in diesen Abend. Aber was dann geschah, wird allen sicher noch lange in Erinnerung bleiben.

Professor GM Kogan beschrieb seine Eindrücke so: „Schon in den ersten Takten der ersten Fuge aus Bachs Art of Fugue, mit der der kanadische Pianist Glen Gould sein Konzert begann, wurde deutlich, dass wir es mit einem herausragenden Phänomen der Musik zu tun hatten Bereich der künstlerischen Darbietung am Klavier. Dieser Eindruck hat sich im Laufe des Konzerts nicht verändert, sondern nur verstärkt. Glen Gould ist noch sehr jung (er ist 109 Jahre alt). Trotzdem ist er bereits ein reifer Künstler und ein perfekter Meister mit einer klar definierten, scharf definierten Persönlichkeit. Diese Individualität spiegelt sich entscheidend in allem wider – sowohl im Repertoire als auch in der Interpretation, in den technischen Spielweisen und sogar in der äußeren Aufführungsweise. Die Grundlage von Goulds Repertoire sind große Werke von Bach (zum Beispiel die sechste Partita, Goldberg-Variationen), Beethoven (zum Beispiel Sonate op. XNUMX, viertes Konzert) sowie deutsche Expressionisten des XNUMX. Jahrhunderts (Sonaten von Hindemith , Alban Berg). Die Werke von Komponisten wie Chopin, Liszt, Rachmaninow, ganz zu schweigen von Werken rein virtuosen oder salonartigen Charakters, reizen den kanadischen Pianisten offenbar überhaupt nicht.

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Die gleiche Verschmelzung klassischer und expressionistischer Tendenzen kennzeichnet auch Goulds Interpretation. Es ist bemerkenswert durch die enorme Spannung von Gedanken und Willen, erstaunlich geprägt in Rhythmus, Phrasierung, dynamischen Zusammenhängen, sehr ausdrucksstark auf seine Art; aber diese Ausdruckskraft, betont expressiv, ist zugleich irgendwie asketisch. Die Konzentration, mit der sich der Pianist von seiner Umgebung „löst“, in die Musik eintaucht, die Energie, mit der er seine Aufführungsabsichten zum Ausdruck bringt und dem Publikum „aufzwingt“, ist erstaunlich. Diese Absichten sind vielleicht in gewisser Weise umstritten; man muss jedoch der beeindruckenden Überzeugung des Interpreten Tribut zollen, man kommt nicht umhin, das Vertrauen, die Klarheit, die Gewissheit ihrer Darstellung, das präzise und makellose pianistische Können zu bewundern – eine so gleichmäßige Klanglinie (besonders in Klavier und Pianissimo), eine solche deutliche Passagen, so ein durchbrochenes, durch und durch „durchblicken“ der Polyphonie. Alles in Goulds Klavierspiel ist einzigartig, bis hin zu den Techniken. Seine extrem niedrige Landung ist eigenartig. Seine Art, während der Aufführung mit der freien Hand zu dirigieren, ist eigentümlich… Glen Gould steht noch ganz am Anfang seines künstlerischen Weges. Es besteht kein Zweifel, dass ihn eine strahlende Zukunft erwartet.“

Wir haben diese kurze Rezension fast vollständig zitiert, nicht nur, weil sie die erste ernsthafte Reaktion auf den Auftritt des kanadischen Pianisten war, sondern vor allem, weil das mit solcher Einsicht gezeichnete Porträt des ehrwürdigen sowjetischen Musikers paradoxerweise seine Authentizität bewahrt hat, hauptsächlich und später, obwohl die Zeit natürlich einige Anpassungen daran vorgenommen hat. Dies beweist übrigens, was für ein reifer, wohlgeformter Meister junger Gould vor uns erschienen ist.

Seinen ersten Musikunterricht erhielt er in der Heimatstadt seiner Mutter Toronto, ab seinem 11. Lebensjahr besuchte er das dortige Royal Conservatory, wo er Klavier in der Klasse von Alberto Guerrero und Komposition bei Leo Smith studierte, sowie bei den besten Organisten der Welt Stadt. Gould debütierte 1947 als Pianist und Organist und machte erst 1952 seinen Abschluss am Konservatorium. Nichts deutete auf einen kometenhaften Aufstieg hin, selbst nachdem er 1955 erfolgreich in New York, Washington und anderen US-Städten aufgetreten war. Das Hauptergebnis dieser Auftritte war ein Vertrag mit der Plattenfirma CBS, die lange Zeit ihre Stärke behielt. Bald entstand die erste ernsthafte Schallplatte – „Goldberg“-Variationen von Bach – die später sehr populär wurden (zuvor hatte er jedoch bereits mehrere Werke von Haydn, Mozart und zeitgenössischen Autoren in Kanada aufgenommen). Und es war dieser Abend in Moskau, der den Grundstein für Goulds Weltruhm legte.

Nachdem Gould eine herausragende Position in der Kohorte führender Pianisten eingenommen hatte, führte er mehrere Jahre lang eine aktive Konzerttätigkeit. Er wurde zwar schnell nicht nur für seine künstlerischen Leistungen berühmt, sondern auch für sein extravagantes Verhalten und seinen eigensinnigen Charakter. Entweder er forderte von den Konzertveranstaltern im Saal eine bestimmte Temperatur, ging mit Handschuhen auf die Bühne, dann weigerte er sich zu spielen, bis ein Glas Wasser auf dem Klavier stand, dann startete er skandalöse Klagen, sagte Konzerte ab, dann äußerte er sich Unzufriedenheit mit dem Publikum, geriet in Konflikt mit Dirigenten.

In der Weltpresse ging vor allem die Geschichte um, wie Gould bei der Probe des Brahms-Konzerts in d-Moll in New York mit dem Dirigenten L. Bernstein in der Interpretation des Werkes so uneins war, dass die Aufführung fast auseinanderfiel. Am Ende wandte sich Bernstein vor Beginn des Konzerts an das Publikum und warnte, er könne nicht „keine Verantwortung für alles übernehmen, was passieren würde“, aber er werde trotzdem dirigieren, da Goulds Darbietung „hörenswert“ sei …

Ja, Gould nahm von Anfang an einen besonderen Platz unter den zeitgenössischen Künstlern ein, und ihm wurde gerade wegen seiner Ungewöhnlichkeit, der Einzigartigkeit seiner Kunst viel verziehen. Mit traditionellen Maßstäben konnte man sich ihm nicht nähern, und das war ihm selbst bewusst. Es ist bezeichnend, dass er nach seiner Rückkehr aus der UdSSR zunächst am Tschaikowsky-Wettbewerb teilnehmen wollte, diese Idee aber nach einiger Überlegung aufgab; Es ist unwahrscheinlich, dass solch originelle Kunstwerke in den Wettbewerbsrahmen passen. Allerdings nicht nur originell, sondern auch einseitig. Und je weiter Gould konzertant auftrat, desto deutlicher wurden nicht nur seine Stärken, sondern auch seine Grenzen – sowohl im Repertoire als auch in der Stilistik. Erhielt seine Interpretation der Musik Bachs oder zeitgenössischer Autoren – bei aller Originalität – ausnahmslos höchste Anerkennung, so sorgten seine „Streifzüge“ in andere musikalische Sphären für endlosen Streit, Unzufriedenheit und manchmal sogar Zweifel an der Ernsthaftigkeit der Absichten des Pianisten.

So exzentrisch Glen Gould sich auch verhielt, seine Entscheidung, den Konzertbetrieb endgültig zu verlassen, traf wie ein Donnerschlag. Seit 1964 trat Gould nicht mehr auf der Konzertbühne auf, und 1967 hatte er seinen letzten öffentlichen Auftritt in Chicago. Daraufhin erklärte er öffentlich, dass er nicht mehr auftreten wolle und sich ganz der Aufnahme widmen wolle. Es wurde gemunkelt, dass der Grund, der das Fass zum Überlaufen brachte, der sehr unfreundliche Empfang war, den ihm das italienische Publikum nach der Aufführung von Schönbergs Stücken bereitete. Aber der Künstler selbst begründete seine Entscheidung mit theoretischen Erwägungen. Er erklärte, dass im Zeitalter der Technik das Konzertleben generell dem Untergang geweiht sei, dass nur eine Schallplatte dem Künstler die Möglichkeit zu einer idealen Darbietung und dem Publikum die Voraussetzungen für eine ideale Musikwahrnehmung ohne störende Nachbarn gebe den Konzertsaal, ohne Unfälle. „Konzertsäle werden verschwinden“, sagte Gould voraus. „Aufzeichnungen werden sie ersetzen.“

Goulds Entscheidung und seine Beweggründe lösten bei Fachleuten und in der Öffentlichkeit heftige Reaktionen aus. Einige spotteten, andere protestierten ernsthaft, andere – einige wenige – stimmten vorsichtig zu. Tatsache bleibt jedoch, dass Glen Gould etwa anderthalb Jahrzehnte lang nur in Abwesenheit, nur mit Hilfe von Aufzeichnungen, mit der Öffentlichkeit kommunizierte.

Zu Beginn dieser Zeit arbeitete er fruchtbar und intensiv; Sein Name tauchte nicht mehr in der Überschrift der skandalösen Chronik auf, erregte aber immer noch die Aufmerksamkeit von Musikern, Kritikern und Musikliebhabern. Fast jedes Jahr erschienen neue Gould-Platten, aber ihre Gesamtzahl ist gering. Ein wesentlicher Teil seiner Aufnahmen sind Werke von Bach: sechs Partiten, Konzerte in D-Dur, f-Moll, g-Moll, „Goldberg“-Variationen und „Wohltemperiertes Klavier“, zwei- und dreistimmige Inventionen, Französische Suite, Italienisches Konzert , „The Art of Fugue“ … Hier tritt Gould immer wieder als einzigartiger Musiker auf, der wie kein anderer das komplexe polyphone Gewebe von Bachs Musik mit großer Intensität, Ausdruckskraft und hoher Spiritualität hört und neu erschafft. Mit jeder seiner Aufnahmen beweist er aufs Neue die Möglichkeit einer modernen Lektüre von Bachs Musik – ohne Rückgriff auf historische Vorbilder, ohne Rückgriff auf Stil und Instrumentierung der fernen Vergangenheit, beweist also die tiefe Vitalität und Modernität von Bachs Musik heute.

Ein weiterer wichtiger Teil von Goulds Repertoire ist das Werk von Beethoven. Schon früher (von 1957 bis 1965) nahm er alle Konzerte auf und fügte dann seiner Aufnahmeliste viele Sonaten und drei große Variationszyklen hinzu. Auch hier besticht er durch die Frische seiner Ideen, aber nicht immer – durch deren Organizität und Überzeugungskraft; manchmal stehen seine Interpretationen völlig im Widerspruch, wie der sowjetische Musikwissenschaftler und Pianist D. Blagoy feststellte, „nicht nur mit den Traditionen, sondern auch mit den Grundlagen von Beethovens Denken“. Unwillkürlich entsteht manchmal der Verdacht, dass Abweichungen vom akzeptierten Tempo, rhythmischen Muster, dynamischen Proportionen nicht durch ein durchdachtes Konzept verursacht werden, sondern durch den Wunsch, alles anders zu machen als andere. „Goulds neueste Aufnahmen von Beethovens Sonaten aus Opus 31“, schrieb einer der ausländischen Kritiker Mitte der 70er Jahre, „werden kaum sowohl seine Bewunderer als auch seine Gegner zufrieden stellen. Wer ihn liebt, weil er nur dann ins Studio geht, wenn er bereit ist, etwas Neues zu sagen, was andere noch nicht gesagt haben, wird feststellen, dass diesen drei Sonaten gerade die kreative Herausforderung fehlt; auf andere wirkt alles, was er anders macht als seine Kollegen, nicht besonders originell.

Diese Meinung bringt uns zurück zu den Worten von Gould selbst, der sein Ziel einst wie folgt definierte: „Zuallererst strebe ich danach, die goldene Mitte zu vermeiden, die von vielen hervorragenden Pianisten auf der Platte verewigt wurde. Ich finde es sehr wichtig, jene Aspekte der Aufnahme hervorzuheben, die das Stück aus einer ganz anderen Perspektive beleuchten. Die Ausführung muss so nah wie möglich am kreativen Akt sein – das ist der Schlüssel, das ist die Lösung des Problems. Manchmal führte dieses Prinzip zu herausragenden Leistungen, aber in Fällen, in denen das kreative Potenzial seiner Persönlichkeit mit dem Wesen der Musik in Konflikt geriet, zum Scheitern. Plattenkäufer haben sich daran gewöhnt, dass jede neue Aufnahme von Gould eine Überraschung enthielt, es möglich machte, ein bekanntes Werk in einem neuen Licht zu hören. Aber, wie einer der Kritiker zu Recht feststellte, in permanent verblüffenden Interpretationen, im ewigen Streben nach Originalität, lauert auch die Gefahr der Routine – sowohl der Interpret als auch der Zuhörer gewöhnen sich daran, und dann werden sie zu „Stempeln der Originalität“.

Goulds Repertoire war schon immer klar profiliert, aber nicht so eng. Er spielte kaum Schubert, Chopin, Schumann, Liszt, spielte viel Musik des 3. Jahrhunderts – Sonaten von Skrjabin (Nr. 7), Prokofjew (Nr. 7), A. Berg, E. Ksheneck, P. Hindemith, alle die Werke von A. Schönberg, an denen das Klavier beteiligt war; er ließ die Werke antiker Autoren wieder aufleben – Byrd und Gibbons, überraschte Fans der Klaviermusik mit einer unerwarteten Anziehungskraft auf Liszts Transkription von Beethovens Fünfter Symphonie (erzeugte den vollblütigen Klang des Orchesters am Klavier) und Fragmente aus Wagner-Opern; Er nahm unerwartet vergessene Beispiele romantischer Musik auf – Griegs Sonate (op. XNUMX), Wieses Nocturne und Chromatic Variations und manchmal sogar Sibelius-Sonaten. Gould komponierte auch eigene Kadenzen zu Beethovens Konzerten und spielte den Klavierpart in R. Strauss' Monodrama Enoch Arden, und schließlich nahm er Bachs Kunst der Fuge auf der Orgel auf und gab seinen Bewunderern zum ersten Mal am Cembalo sitzend eine Freude ausgezeichnete Interpretation von Händels Suite. Zu all dem fungierte Gould aktiv als Publizist, Autor von Fernsehprogrammen, Artikeln und Anmerkungen zu seinen eigenen Aufnahmen, sowohl schriftlich als auch mündlich; manchmal enthielten seine Äußerungen auch Angriffe, die ernsthafte Musiker empörten, manchmal im Gegenteil tiefe, wenn auch paradoxe Gedanken. Es kam aber auch vor, dass er seine literarischen und polemischen Äußerungen mit seiner eigenen Interpretation widerlegte.

Diese vielseitige und zielgerichtete Tätigkeit ließ hoffen, dass der Künstler noch nicht das letzte Wort gesprochen hatte; dass seine Suche in Zukunft zu bedeutenden künstlerischen Ergebnissen führen wird. In einigen seiner Aufnahmen war, wenn auch nur sehr vage, doch eine Tendenz zu erkennen, sich von den Extremen zu entfernen, die ihn bisher geprägt haben. Elemente einer neuen Schlichtheit, Abkehr von Manierismus und Extravaganz, eine Rückbesinnung auf die ursprüngliche Schönheit des Klavierklangs sind am deutlichsten in seinen Aufnahmen mehrerer Sonaten von Mozart und 10 Intermezzi von Brahms zu erkennen; die Performance des Künstlers hat dabei keineswegs an inspirierender Frische und Originalität eingebüßt.

Es ist natürlich schwer zu sagen, inwieweit sich dieser Trend entwickeln würde. Einer der ausländischen Beobachter, der Glenn Goulds zukünftige Entwicklung „voraussah“, schlug vor, dass er entweder irgendwann ein „normaler Musiker“ werden würde, oder er würde mit einem anderen „Unruhestifter“ – Friedrich Gulda – im Duett spielen. Beide Möglichkeiten erschienen nicht unwahrscheinlich.

In den letzten Jahren hielt sich Gould – dieser „musikalische Fischer“, wie ihn Journalisten nannten – vom künstlerischen Leben fern. Er ließ sich in Toronto in einem Hotelzimmer nieder, wo er ein kleines Aufnahmestudio ausstattete. Von hier aus verbreiteten sich seine Aufzeichnungen um die ganze Welt. Er selbst habe seine Wohnung lange nicht verlassen und sei nur nachts mit dem Auto spazieren gegangen. Hier, in diesem Hotel, ereilte den Künstler ein unerwarteter Tod. Aber natürlich lebt Goulds Vermächtnis weiter, und sein Spiel beeindruckt heute durch seine Originalität und Unähnlichkeit mit allen bekannten Beispielen. Von großem Interesse sind seine literarischen Werke, die von T. Page gesammelt und kommentiert und in vielen Sprachen veröffentlicht wurden.

Grigoriev L., Platek Ya.