Gioachino Rossini |

Gioachino Rossini

Aber der blaue Abend wird dunkel, Es ist bald Zeit für uns in die Oper; Da ist der entzückende Rossini, Europas Liebling – Orpheus. Harte Kritik ignorierend, ist er ewig derselbe; für immer neu. Er gießt Klänge – sie kochen. Sie fließen, sie brennen. Wie junge Küsse ist alles in Glückseligkeit, in der Flamme der Liebe, Wie ein zischendes ai Ein Strom und Spritzer von Gold … A. Puschkin

Unter den italienischen Komponisten des XNUMX. Jahrhunderts. Rossini nimmt einen besonderen Platz ein. Der Beginn seines Schaffens fällt in eine Zeit, in der die Opernkunst Italiens, die vor nicht allzu langer Zeit Europa dominierte, an Boden zu verlieren begann. Opera-buffa ertrank in sinnloser Unterhaltung, und Opera-seria degenerierte zu einer gestelzten und bedeutungslosen Aufführung. Rossini hat nicht nur die italienische Oper wiederbelebt und reformiert, sondern hatte auch einen enormen Einfluss auf die Entwicklung der gesamten europäischen Opernkunst des letzten Jahrhunderts. „Göttlicher Maestro“ – so nannte sich der große italienische Komponist G. Heine, der in Rossini „die Sonne Italiens sah, die ihre klangvollen Strahlen um die Welt verschwendet“.

Rossini wurde in die Familie eines armen Orchestermusikers und eines Provinzopernsängers hineingeboren. Mit einer reisenden Truppe wanderten die Eltern durch verschiedene Städte des Landes, und der zukünftige Komponist war bereits von Kindesbeinen an mit dem Leben und den Bräuchen vertraut, die die italienischen Opernhäuser beherrschten. Ein feuriges Temperament, ein spöttischer Verstand, eine scharfe Zunge koexistierten in der Natur des kleinen Gioacchino mit subtiler Musikalität, ausgezeichnetem Gehör und einem außergewöhnlichen Gedächtnis.

1806, nach mehreren Jahren unsystematischer Musik- und Gesangsstudien, trat Rossini in das Bologna Music Lyceum ein. Dort studierte der spätere Komponist Cello, Violine und Klavier. Unterricht beim berühmten Kirchenkomponisten S. Mattei in Theorie und Komposition, intensive Selbstbildung, begeistertes Studium der Musik von J. Haydn und WA Mozart – all dies ließ Rossini das Lyzeum als kultivierter Musiker verlassen, der das Handwerk beherrschte gut zu komponieren.

Schon zu Beginn seiner Karriere zeigte Rossini einen besonders ausgeprägten Hang zum Musiktheater. Mit 14 Jahren schrieb er seine erste Oper Demetrio und Polibio. Seit 1810 komponiert der Komponist jährlich mehrere Opern unterschiedlicher Genres, erlangt nach und nach Berühmtheit in weiten Opernkreisen und erobert die Bühnen der größten italienischen Theater: Fenice in Venedig , San Carlo in Neapel, La Scala in Mailand.

Das Jahr 1813 war ein Wendepunkt in der Opernarbeit des Komponisten, 2 in diesem Jahr aufgeführte Kompositionen – „Italienisch in Algier“ (onepa-buffa) und „Tancred“ (heroische Oper) – bestimmten die Hauptwege seines weiteren Schaffens. Der Erfolg der Werke wurde nicht nur durch die hervorragende Musik verursacht, sondern auch durch den Inhalt des Librettos, das von patriotischen Gefühlen durchdrungen ist und so im Einklang mit der nationalen Befreiungsbewegung für die Wiedervereinigung Italiens steht, die sich zu dieser Zeit entfaltete. Der öffentliche Aufschrei durch Rossinis Opern, die Schaffung der „Hymne der Unabhängigkeit“ auf Wunsch der Patrioten von Bologna sowie die Teilnahme an den Demonstrationen der Freiheitskämpfer in Italien – all dies führte zu einer langjährigen Geheimpolizei Aufsicht, die für den Komponisten eingerichtet wurde. Er hielt sich keineswegs für einen politisch denkenden Menschen und schrieb in einem seiner Briefe: „Ich habe mich nie in die Politik eingemischt. Ich war Musiker, und es kam mir nie in den Sinn, jemand anderes zu werden, auch wenn ich am Weltgeschehen und vor allem am Schicksal meiner Heimat die lebhafteste Anteilnahme erlebte.

Nach „Italienisch in Algier“ und „Tancred“ geht es mit Rossinis Werk schnell bergauf und erreicht nach 3 Jahren einen der Höhepunkte. Anfang 1816 fand in Rom die Uraufführung von Der Barbier von Sevilla statt. Diese Oper, die in nur 20 Tagen geschrieben wurde, war nicht nur die höchste Errungenschaft von Rossinis komödiantisch-satirischem Genie, sondern auch der Höhepunkt in fast einem Jahrhundert der Entwicklung des Opera-Buifa-Genres.

Mit Der Barbier von Sevilla ging der Ruhm des Komponisten über Italien hinaus. Brillanter Rossini-Stil erfrischte die Kunst Europas mit überschäumender Fröhlichkeit, sprühendem Witz, schäumender Leidenschaft. „Mein The Barber wird von Tag zu Tag erfolgreicher“, schrieb Rossini, „und selbst den hartnäckigsten Gegnern der neuen Schule gelang es ihm, sich einzuschleimen, so dass sie gegen ihren Willen diesen cleveren Kerl immer mehr zu lieben beginnen mehr." Die fanatisch begeisterte und oberflächliche Haltung des aristokratischen Publikums und des bürgerlichen Adels gegenüber Rossinis Musik trug dazu bei, dass viele Gegner für den Komponisten auftauchten. Unter der europäischen künstlerischen Intelligenz gab es jedoch auch ernsthafte Kenner seiner Arbeit. E. Delacroix, O. Balzac, A. Musset, F. Hegel, L. Beethoven, F. Schubert, M. Glinka waren von Rossins Musik verzaubert. Und selbst KM Weber und G. Berlioz, die gegenüber Rossini eine kritische Position einnahmen, zweifelten nicht an seiner Genialität. „Nach dem Tod Napoleons gab es eine andere Person, über die überall ständig gesprochen wurde: in Moskau und Neapel, in London und Wien, in Paris und Kalkutta“, schrieb Stendhal über Rossini.

Allmählich verliert der Komponist das Interesse an Onepe-Buffa. Bald in diesem Genre geschrieben, zeigt „Cinderella“ den Zuhörern keine neuen kreativen Offenbarungen des Komponisten. Die 1817 komponierte Oper „Die diebische Elster“ sprengt die Grenzen des Komödiengenres gänzlich und wird zu einem Musterbeispiel für das realistische Alltagsdrama. Seit dieser Zeit widmete sich Rossini vermehrt heroisch-dramatischen Opern. Nach Othello erscheinen legendäre historische Werke: Moses, The Lady of the Lake, Mohammed II.

Nach der ersten italienischen Revolution (1820-21) und ihrer brutalen Niederschlagung durch die österreichischen Truppen ging Rossini mit einer neapolitanischen Operntruppe auf Tournee nach Wien. Die Wiener Triumphe stärkten den europäischen Ruhm des Komponisten weiter. Rossini kehrte für die Produktion von Semiramide (1823) für kurze Zeit nach Italien zurück und ging nach London und dann nach Paris. Dort lebt er bis 1836. In Paris leitet der Komponist das italienische Opernhaus und lockt seine jungen Landsleute an, dort zu arbeiten; überarbeitet für die Grand Opera die Opern Moses und Mohammed II (letztere wurde in Paris unter dem Titel Die Belagerung von Korinth aufgeführt); schreibt im Auftrag der Opera Comique die elegante Oper Le Comte Ory; und schließlich bringt er im August 1829 sein letztes Meisterwerk auf die Bühne der Großen Oper – die Oper „Wilhelm Tell“, die einen großen Einfluss auf die spätere Entwicklung des Genres der italienischen Heldenoper im Werk von V. Bellini hatte , G. Donizetti und G. Verdi.

„Wilhelm Tell“ vervollständigte das musikalische Bühnenwerk Rossinis. Das Opernstille des ihm folgenden brillanten Maestro, der rund 40 Opern hinter sich hatte, wurde von Zeitgenossen als das Mysterium des Jahrhunderts bezeichnet und umrankten diesen Umstand mit allerlei Mutmaßungen. Der Komponist selbst schrieb später: „Wie früh, als kaum reifer junger Mann, habe ich zu komponieren begonnen, genauso früh, früher als irgendjemand es hätte ahnen können, habe ich aufgehört zu schreiben. Es passiert immer im Leben: Wer früh anfängt, muss nach den Naturgesetzen früh aufhören.

Doch auch nachdem er aufgehört hatte, Opern zu schreiben, blieb Rossini weiterhin im Zentrum der Aufmerksamkeit der europäischen Musikgemeinschaft. Ganz Paris hörte auf die treffend kritischen Worte des Komponisten, seine Persönlichkeit zog Musiker, Dichter und Künstler wie ein Magnet an. R. Wagner traf sich mit ihm, C. Saint-Saens war stolz auf seine Kommunikation mit Rossini, Liszt zeigte dem italienischen Maestro seine Werke, V. Stasov sprach begeistert von einem Treffen mit ihm.

In den Jahren nach Wilhelm Tell schuf Rossini das großartige geistliche Werk Stabat mater, die Kleine feierliche Messe und das Lied der Titanen, eine originelle Sammlung von Vokalwerken mit dem Titel Evenings Musical und einen Zyklus von Klavierstücken mit dem spielerischen Titel Sins of Old Das Alter. . Von 1836 bis 1856 lebte Rossini, umgeben von Ruhm und Ehre, in Italien. Dort leitete er das Bologna Musical Lyceum und war in der Lehrtätigkeit tätig. Als er dann nach Paris zurückkehrte, blieb er dort bis zum Ende seiner Tage.

12 Jahre nach dem Tod des Komponisten wurde seine Asche in seine Heimat überführt und im Pantheon der Kirche Santa Croce in Florenz neben den Überresten von Michelangelo und Galileo beigesetzt.

Rossini vermachte sein gesamtes Vermögen zugunsten der Kultur und Kunst seiner Geburtsstadt Pesaro. Heutzutage finden hier regelmäßig Rossini-Opernfestivals statt, unter deren Teilnehmern man die Namen der größten zeitgenössischen Musiker treffen kann.

I. Wetlitzyna

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Geboren in eine Musikerfamilie: Sein Vater war Trompeter, seine Mutter Sängerin. Lernt, verschiedene Musikinstrumente zu spielen, zu singen. Er studiert Komposition an der Bologna School of Music unter der Leitung von Padre Mattei; hat den Kurs nicht abgeschlossen. Von 1812 bis 1815 arbeitete er für die Theater von Venedig und Mailand: Besonderen Erfolg hatte der „Italiener in Algier“. Im Auftrag des Impresarios Barbaia (Rossini heiratet seine Freundin, die Sopranistin Isabella Colbran) schafft er bis 1823 sechzehn Opern. Er zieht nach Paris, wo er Direktor des Théâtre d'Italien wird, erster Komponist des Königs und Generalinspektor des Singens in Frankreich. Verabschiedet sich 1829 nach der Inszenierung von „Wilhelm Tell“ von den Aktivitäten des Opernkomponisten. Nach der Trennung von Colbrand heiratet er Olympia Pelissier, organisiert das Bologna Music Lyceum neu und bleibt bis 1848 in Italien, als ihn politische Stürme erneut nach Paris führen: Seine Villa in Passy wird zu einem der Zentren des künstlerischen Lebens.

Derjenige, der als „letzter Klassiker“ bezeichnet wurde und dem das Publikum als König des komischen Genres applaudierte, demonstrierte in den allerersten Opern die Anmut und Brillanz der melodischen Inspiration, die Natürlichkeit und Leichtigkeit des Rhythmus, der Gesang gab, in dem die Traditionen des XNUMX. Jahrhunderts geschwächt wurden, ein aufrichtigerer und menschlicherer Charakter. Der Komponist, der vorgab, sich modernen Theatergepflogenheiten anzupassen, konnte sich dagegen auflehnen, indem er beispielsweise die virtuose Willkür der Darsteller behinderte oder moderierte.

Die bedeutendste Neuerung für Italien war damals die wichtige Rolle des Orchesters, das dank Rossini lebendig, beweglich und brillant wurde (wir bemerken die großartige Form der Ouvertüren, die sich wirklich auf eine bestimmte Wahrnehmung einstimmen). Ein heiterer Hang zu einer Art orchestralem Hedonismus rührt daher, dass jedes Instrument, seinen technischen Möglichkeiten entsprechend eingesetzt, mit Gesang und sogar mit Sprache identifiziert wird. Gleichzeitig kann Rossini mit Sicherheit behaupten, dass die Worte der Musik dienen sollen und nicht umgekehrt, ohne die Bedeutung des Textes zu schmälern, sondern ihn im Gegenteil neu, frisch und oft ins Typische zu verschieben rhythmische Muster – während das Orchester die Sprache frei begleitet, ein klares melodisches und symphonisches Relief schafft und expressive oder bildliche Funktionen ausführt.

Rossinis Genialität zeigte sich in der Gattung der Opera seria sofort mit der Inszenierung von Tancredi im Jahr 1813, die dem Autor dank melodischer Entdeckungen mit ihrer erhabenen und sanften Lyrik sowie der ungezwungenen instrumentalen Entwicklung seinen ersten großen Publikumserfolg bescherte seinen Ursprung im Comic-Genre. Die Verbindungen zwischen diesen beiden Operngattungen sind bei Rossini tatsächlich sehr eng und bestimmen sogar die erstaunliche Prunkhaftigkeit seiner ernsten Gattung. Im selben Jahr 1813 präsentierte er auch ein Meisterwerk, aber im komischen Genre, im Geiste der alten neapolitanischen komischen Oper – „Italienisch in Algier“. Eine Oper, die reich an Anklängen an Cimarosa ist, aber wie belebt von der stürmischen Energie der Charaktere, die sich besonders im abschließenden Crescendo manifestiert, dem ersten von Rossini, der sie dann als Aphrodisiakum verwendet, wenn er paradoxe oder hemmungslos fröhliche Situationen schafft.

Der bissige, irdische Geist des Komponisten findet im Spaß ein Ventil für seine Karikatursucht und seinen gesunden Enthusiasmus, der ihn weder in den Konservatismus des Klassizismus noch in die Extreme der Romantik verfallen lässt.

Er wird in Der Barbier von Sevilla ein sehr gründliches komisches Ergebnis erzielen, und ein Jahrzehnt später wird er zu der Eleganz von The Comte Ory kommen. Darüber hinaus wird sich Rossini im ernsten Genre mit großen Schritten auf eine Oper von immer größerer Perfektion und Tiefe zubewegen: von der heterogenen, aber feurigen und nostalgischen „Lady of the Lake“ bis zur Tragödie „Semiramide“, die die italienische Zeit beendet des Komponisten, voll schwindelerregender Vokalisationen und geheimnisvoller Phänomene im barocken Geschmack, über die „Belagerung von Korinth“ mit ihren Chören, über die feierliche Anschaulichkeit und sakrale Monumentalität von „Moses“ bis hin zu „Wilhelm Tell“.

Wenn es immer noch überrascht, dass Rossini diese Errungenschaften auf dem Gebiet der Oper in nur zwanzig Jahren erzielt hat, ist es ebenso bemerkenswert, dass die Stille, die auf eine so fruchtbare Zeit folgte und vierzig Jahre andauerte, die als einer der unverständlichsten Fälle in der Welt gilt Kulturgeschichte, – entweder durch eine geradezu demonstrative Distanziertheit, die jedoch diesem mysteriösen Geist würdig ist, oder durch Zeugnisse seiner sagenumwobenen Faulheit, freilich eher fiktiv als real angesichts der Arbeitsfähigkeit des Komponisten in seinen besten Jahren. Nur wenige bemerkten, dass er zunehmend von einem neurotischen Verlangen nach Einsamkeit erfasst wurde, das seinen Hang zum Spaß verdrängte.

Rossini hörte jedoch nicht auf zu komponieren, obwohl er jeden Kontakt mit der Öffentlichkeit abbrach und sich hauptsächlich an eine kleine Gruppe von Gästen wandte, Stammgäste an seinen Hausabenden. Die Inspiration der neuesten geistlichen und kammermusikalischen Werke ist in unseren Tagen nach und nach entstanden und hat das Interesse nicht nur von Kennern geweckt: Es wurden wahre Meisterwerke entdeckt. Der brillanteste Teil von Rossinis Vermächtnis sind immer noch Opern, in denen er der Gesetzgeber der zukünftigen italienischen Schule war und eine große Anzahl von Modellen schuf, die von nachfolgenden Komponisten verwendet wurden.

Um die charakteristischen Merkmale eines so großen Talents besser hervorzuheben, wurde auf Initiative des Zentrums für das Studium von Rossini in Pesaro eine neue kritische Ausgabe seiner Opern erstellt.

G. Marchesi (übersetzt von E. Greceanii)

Kompositionen von Rossini:

Opern – Demetrio und Polibio (Demetrio e Polibio, 1806, post. 1812, übersetzt. „Balle“, Rom), Schuldschein für die Eheschließung (La cambiale di matrimonio, 1810, tr. „San Moise“, Venedig), Seltsamer Fall (L'equivoco stravagante, 1811, „Teatro del Corso“, Bologna), Glückliche Täuschung (L'inganno felice, 1812, tr „San Moise“, Venedig), Cyrus in Babylon ( Ciro in Babilonia, 1812, Ü „Municipale“, Ferrara), Seidentreppe (La scala di seta, 1812, Ü „San Moise“, Venedig), Prüfstein (La pietra del parugone, 1812, Ü „La Scala“, Mailand) , Der Zufall macht einen Dieb, oder Gemischte Koffer (L'occasione fa il ladro, ossia Il cambio della valigia, 1812, tr San Moise, Venedig), Signor Bruschino, oder Accidental Son (Il signor Bruschino, ossia Il figlio per azzardo, 1813 , ebd.), Tancredi , 1813, über Fenice, Venedig), Italienisch in Algerien (L'italiana in Algeri, 1813, über San Benedetto, Venedig), Aurelian in Palmyra (Aureliano in Palmira, 1813, über "La Scala", Mailand), Türken in Italien (Il turco in Italia, 1814, ebd.), Sigismondo (Sigismondo, 1814, Ü „Fenice“, Venedig), Elisabeth, Königin von England (Elisabetta, regina d’Inghilterra, 1815, Ü „San Carlo“, Neapel), Torvaldo und Dorliska (Torvaldo eDorliska, 1815, tr „Balle“, Rom), Almaviva oder Vergebliche Vorsichtsmaßnahme (Almaviva, ossia L'inutile precauzione; bekannt unter dem Namen Der Barbier von Sevilla – Il barbiere di Siviglia, 1816, tr Argentinien, Rom), Zeitung oder Ehe durch Konkurrenz (La gazzetta, ossia Il matrimonio per concorso, 1816, tr Fiorentini, Neapel), Othello, oder die Venezianischer Mohr (Otello, ossia Il toro di Venezia, 1816, tr „Del Fondo“, Neapel), Aschenputtel oder der Triumph der Tugend (Cenerentola, ossia La bonta in trionfo, 1817, tr „Balle“, Rom), Elsterdieb (La gazza ladra, 1817, Ü „La Scala“, Mailand), Armida (Armida, 1817, Ü „San Carlo“, Neapel), Adelaide von Burgund (Adelaide di Borgogna, 1817, Ü -r „Argentina“, Rom) , Moses in Ägypten (Mosè in Egitto, 1818, tr „San Carlo“, Neapel; franz. Ed – unter dem Titel Moses and Pharaoh, or Crossing the Red Sea – Moïse et Pharaon, ou Le passage de la mer rouge, 1827, „König. Akademie für Musik und Tanz, Paris), Adina oder Kalif von Bagdad (Adina, ossia Il califfo di Bagdad, 1818, post. 1826, über „San Carlo“, Lissabon), Ricciardo und Zoraida (Ricciardo e Zoraide, 1818, über „San Carlo“, Neapel), Hermine (Ermione, 1819, ebenda), Eduardo und Christina (Eduardo e Cristina, 1819, übers San Benedetto, Venedig), Lady of the Lake (La donna del lago, 1819, tr San Carlo, Neapel), Bianca und Faliero oder der Rat der Drei (Bianca e Faliero, ossia II consiglio dei tre, 1819, La Scala shopping). Einkaufszentrum, Mailand), Mohammed II (Maometto II, 1820, Einkaufszentrum San Carlo, Neapel; Französisch. Ed – unter dem Titel Die Belagerung von Korinth – Le siège de Corinthe, 1826, „König. pasticcio (aus Auszügen aus Rossinis Opern) – Ivanhoe (Ivanhoe, 1826, Ü „Odeon“, Paris), Testament (Le testament, 1827, ebd.), Cinderella (1830, Ü „Covent Garden“, London), Robert Bruce (1846 , King's Academy of Music and Dance, Paris), We're Going to Paris (Andremo a Parigi, 1848, Theatre Italien, Paris), Funny Accident (Un curioso accidente, 1859, ebd.); für Soli, Chor und Orchester – Hymne der Unabhängigkeit (Inno dell`Indipendenza, 1815, tr „Contavalli“, Bologna), Kantaten – Aurora (1815, ed. 1955, Moskau), The Wedding of Thetis and Peleus (Le nozze di Teti e di Peleo, 1816, Einkaufszentrum Del Fondo, Neapel), Sincere tribute (Il vero omaggio, 1822, Verona) , A glückliches Omen (L'augurio felice, 1822, ebenda), Barde (Il bardo, 1822), Heilige Allianz (La Santa alleanza, 1822), Klage der Musen über den Tod von Lord Byron (Il pianto delie Muse in morte di Lord Byron, 1824, Almack Hall, London), Chor der Stadtwache von Bologna (Coro dedicato alla guardia civica di Bologna, instrumentiert von D. Liverani, 1848, Bologna), Hymne an Napoleon III. und sein tapferes Volk (Hymne b Napoleon et a son vaillant peuple, 1867, Industriepalast, Paris), Nationalhymne (Die Nationalhymne, englische Nationalhymne, 1867, Birmingham); für Orchester – Symphonien (D-dur, 1808; Es-dur, 1809, verwendet als Ouvertüre zur Farce Ein Schuldschein für die Ehe), Serenade (1829), Militärmarsch (Marcia militare, 1853); für Instrumente und Orchester – Variationen für obligate Instrumente F-dur (Variazioni a piu strumenti obligati, für Klarinette, 2 Violinen, Gambe, Cello, 1809), Variationen C-dur (für Klarinette, 1810); für Blaskapelle – Fanfare für 4 Trompeten (1827), 3 Märsche (1837, Fontainebleau), Krone von Italien (La corona d'Italia, Fanfare für Militärorchester, Opfergabe an Victor Emmanuel II, 1868); Kammermusikensembles – Duette für Hörner (1805), 12 Walzer für 2 Flöten (1827), 6 Sonaten für 2 Skr., vlc. und K-Bass (1804), 5 Saiten. Quartette (1806-08), 6 Quartette für Flöte, Klarinette, Horn und Fagott (1808-09), Thema und Variationen für Flöte, Trompete, Horn und Fagott (1812); für Klavier – Walzer (1823), Kongress von Verona (Il congresso di Verona, 4 hands, 1823), Neptunpalast (La reggia di Nettuno, 4 hands, 1823), Seele des Fegefeuers (L'vme du Purgatoire, 1832); für Solisten und Chor – Kantate Klage der Harmonie über den Tod des Orpheus (Il pianto d'Armonia sulla morte di Orfeo, für Tenor, 1808), Tod der Dido (La morte di Didone, Bühnenmonolog, 1811, spanisch 1818, tr „San Benedetto“ , Venedig), Kantate (für 3 Solisten, 1819, tr „San Carlo“, Neapel), Partenope und Higea (für 3 Solisten, 1819, ebd.), Dankbarkeit (La riconoscenza, für 4 Solisten, 1821, ebd. selbige); für Stimme und Orchester – Kantate The Shepherd's Offering (Omaggio pastorale, für 3 Stimmen, zur feierlichen Eröffnung der Büste von Antonio Canova, 1823, Treviso), Song of the Titans (Le chant des Titans, für 4 unisono Bässe, 1859, spanisch 1861, Paris); für Gesang und Klavier – Kantaten Elie und Irene (für 2 Stimmen, 1814) und Jeanne d’Arc (1832), Musikalische Abende (Soirees musicales, 8 Arietten und 4 Duette, 1835); 3 Wok-Quartett (1826-27); Sopranübungen (Gorgheggi e solfeggi per soprano. Vocalizzi e solfeggi per rendere la voce agile ed apprendere a cantare secondo il gusto moderno, 1827); 14 Wok-Alben. und Instr. Stücke und Ensembles, vereint unter dem Namen. Alterssünden (Péchés de vieillesse: Album italienischer Lieder – Album per canto italiano, französisches Album – Album francais, Zurückhaltende Stücke – Morceaux-Reserven, Vier Vorspeisen und vier Desserts – Quatre hors d'oeuvres et quatre mendiants, für fp., Album für fp., skr., vlch., Harmonium und Horn; viele andere, 1855-68, Paris, unveröffentlicht); spirituelle Musik – Graduate (für 3 Männerstimmen, 1808), Messe (für Männerstimmen, 1808, Spanisch in Ravenna), Laudamus (um 1808), Qui tollis (um 1808), Feierliche Messe (Messa solenne, gemein. mit P. Raimondi, 1819, spanisch 1820, Kirche San Fernando, Neapel), Cantemus Domino (für 8 Stimmen mit Klavier oder Orgel, 1832, spanisch 1873), Ave Maria (für 4 Stimmen, 1832, spanisch 1873), Quoniam (für Bass u Orchester, 1832), Stabat mater (für 4 Stimmen, Chor und Orchester, 1831-32, 2. Aufl. 1841-42, herausgegeben 1842, Ventadour Hall, Paris), 3 Chöre – Faith, Hope, Mercy (La foi, L' esperance, La charite, für Frauenchor und Klavier, 1844), Tantum ergo (für 2 Tenöre und Bass), 1847, Kirche San Francesco dei Minori Conventuali, Bologna), About Salutaris Hostia (für 4 Stimmen 1857), Kleine feierliche Messe (Petite messe solennelle, für 4 Stimmen, Chor, Harmonium und Klavier, 1863, spanisch 1864, im Haus des Grafen Pilet-Ville, Paris), das gleiche (für Solisten, Chor und Orchester., 1864, spanisch 1869, „Italien Theater“, Paris), Requ iem Melody (Chant de Requiem, für Alt und Klavier, 1864); Musik für Schauspielaufführungen – Ödipus in Colon (zur Tragödie des Sophokles, 14 Nummern für Soli, Chor und Orchester, 1815-16?).