Filmmusik |
Filmmusik ist Bestandteil eines Filmwerks, eines seiner wichtigen Ausdrucksmittel. In der Entwicklung von Kunst-va-Musen. Die Gestaltung des Films unterscheidet zwischen der Zeit des Stummfilms und der Zeit des Tonkinos.
Im Stummfilm war die Musik noch nicht Teil des Films. Sie trat nicht während der Dreharbeiten des Films auf, sondern während seiner Vorführung – die Filmvorführung wurde von Pianisten-Illustratoren, Trios und manchmal Orchestern begleitet. Trotzdem das absolute Bedürfnis nach Musik. schon in diesem frühen stadium der kinematografischen entwicklung offenbarte die begleitung ihren ton-visuellen charakter. Musik ist zu einem unverzichtbaren Begleiter des Stummfilms geworden. Es wurden Alben mit Musik veröffentlicht, die zur Begleitung von Filmen empfohlen wurden. funktioniert. Sie erleichterten die Arbeit der Musiker-Illustratoren und führten gleichzeitig zu der Gefahr der Standardisierung, der Unterordnung verschiedener Künste. Ideen zu einem einzigen Prinzip der direkten Anschaulichkeit. So wurde zum Beispiel Melodram von hysterischer Liebesmusik, Comic begleitet. Filme – Humoresken, Scherzos, Abenteuerfilme – im Galopp usw. Versuche, originelle Musik für Filme zu schaffen, reichen bis in die ersten Jahre des Bestehens des Kinos zurück. 1908 komponierte C. Saint-Saens Musik (eine Suite für Streicher, Instrumente, Klavier und Harmonium in 5 Stimmen) für die Premiere des Films Die Ermordung des Herzogs von Guise. Ähnliche Experimente wurden in Deutschland, den USA durchgeführt.
In der Sov. Zusammen mit dem Aufkommen einer neuen, revolutionären Filmkunst entstand eine andere Herangehensweise an die Kinematographie – es begannen originale Claviers und Partituren zu entstehen. Begleitung bestimmter Filme. Zu den bekanntesten gehört die Musik von DD Schostakowitsch zum Film „New Babylon“ (1929). 1928 es. Komponist E. Meisel schrieb Musik, um Eulen zu demonstrieren. Film „Panzerkreuzer Potemkin“ in Berlin. Komponisten suchten nach einer einzigartigen, eigenständigen und konkreten musikalischen Lösung, die von der Dramaturgie der Kinematografie bestimmt wurde. Produktion, ihre interne Organisation.
Mit der Erfindung der Tonaufnahmegeräte erhielt jeder Film seinen eigenen einzigartigen Soundtrack. Sein Klangspektrum umfasste ein klingendes Wort und Geräusche.
Seit der Geburtsstunde des Tonkinos, bereits in den 1930er Jahren. Es gab eine Aufteilung der Kinematographie in Intraframe – konkret, motiviert, begründet durch den Klang eines im Rahmen abgebildeten Instruments, einen Radiolautsprecher, den Gesang einer Figur usw. und Offscreen – „autorenhaft“, „bedingt“. Off-Screen-Musik ist gleichsam aus der Handlung herausgelöst und prägt gleichzeitig das Geschehen des Films, bringt den verborgenen Fluss der Handlung zum Ausdruck.
In den Filmen der 30er Jahre, die sich durch scharfe Dramatisierung der Handlung auszeichneten, gewann der klingende Text große Bedeutung; Wort und Tat sind zu den wichtigsten Arten geworden, einen Charakter zu charakterisieren. Eine solche filmische Struktur erforderte eine große Menge an Intraframe-Musik, die Zeit und Ort der Handlung direkt konkretisierte. Komponisten versuchten, ihre eigene Interpretation der Musen zu geben. Bilder; In-Frame-Musik wurde außerhalb des Bildschirms angezeigt. Anfang 30er. geprägt von der Suche nach dem semantischen Einbezug von Musik in den Film als sinnvollem und wichtigem Film. Komponente. Eine der beliebtesten Formen der musikalischen Charakterisierung der Charaktere und Ereignisse des Films ist das Lied. Musik ist in dieser Zeit weit verbreitet. eine Filmkomödie, die auf einem bekannten Lied basiert.
Klassische Proben von K. dieser Art wurden von IO Dunaevsky erstellt. Seine Musik, Lieder für Filme („Merry Fellows“, 1934, „Circus“, 1936, „Wolga-Wolga“, 1938, Regie: GA Alexandrov; „Rich Bride“, 1938, „Kuban Cossacks“, 1950, Regie: IA Pyriev), durchdrungen von einer fröhlichen Haltung, gekennzeichnet durch das Leitmotiv der Merkmale, thematisch. Einfachheit, Aufrichtigkeit, gewann immense Popularität.
Zusammen mit Dunayevsky wurde die Liedtradition des Filmdesigns von den Komponisten br entwickelt. Pokrass, TN Khrennikov und andere, später, in den 50er Jahren-Anfang. NV Bogoslovsky, A. Ya. Eshpay, A. Ya. Lepin, AN Pakhmutova, AP Petrov, VE Basner, MG Fradkin und andere Der Film „Chapaev“ (70, Bruder des Regisseurs Vasiliev, Comp. GN Popov) zeichnet sich durch die Konsistenz und Genauigkeit der Auswahl der Intra-Frame-Musik aus. Die Lied-Intonationsstruktur des Films (Basis der dramatischen Entwicklung ist das Volkslied), die eine einzige Leittonation hat, prägt direkt das Bild von Chapaev.
In Filmen der 30er Jahre. die Beziehung zwischen Bild und Musik basierte auf Kap. Arr. basierend auf den Prinzipien des Parallelismus: Musik verstärkt diese oder jene Emotion, die vom Autor des Films geschaffene Stimmung, seine Einstellung zur Figur, Situation usw. vertiefen sie. Von größtem Interesse war in dieser Hinsicht DD Schostakowitschs innovative Musik für die Filme „Allein“ (1931, Regie: GM Kozintsev), „Die goldenen Berge“ (1931, Regie: SI Yutkevich), „The Counter“ (1932, Regie: FM Ermler, SI Yutkevich). Neben Schostakowitsch kommen große Eulen ins Kino. symphonische Komponisten – SS Prokofiev, Yu. A. Shaporin, AI Khachaturian, DB Kabalevsky und andere. Viele von ihnen arbeiten während ihres gesamten kreativen Lebens mit dem Kino zusammen. Oft wurden die in K. entstandenen Bilder zur Grundlage eigenständiger Sinfonien. oder Vokalsymphonie. Prod. (Kantate „Alexander Newski“ von Prokofjew und anderen). Gemeinsam mit den Regisseuren suchen die Komponisten nach grundlegenden Musen. Entscheidungen des Films, bemühen sich, das Problem des Platzes und Zwecks der Musik im Kino zu verstehen. Eine wirklich kreative Gemeinschaft verband den Computer. SS Prokofjew und dir. SM Eisenstein, der sich mit dem Problem der klanglich-visuellen Struktur des Films beschäftigte. Eisenstein und Prokofjew fanden originelle Formen der Interaktion zwischen Musik und bildender Kunst. Prokofjews Musik zu Eisensteins Filmen „Alexander Newski“ (1938) und „Iwan der Schreckliche“ (1. Serie – 1945; Veröffentlichung auf der Leinwand 2. – 1958) zeichnet sich durch Prägnanz, skulpturale Konvexität der Musen aus. Bilder, deren genaue Übereinstimmung mit dem Rhythmus und der Dynamik darstellen. Lösungen (innovativ entwickelter klanglich-visueller Kontrapunkt erreicht eine besondere Perfektion in der Szene der Schlacht auf dem Eis aus dem Film „Alexander Newski“). Die gemeinsame Arbeit im Kino, die kreative Suche nach Eisenstein und Prokofjew trugen zur Entstehung des Kinos als wichtiges Kunstmittel bei. Ausdruckskraft. Diese Tradition wurde später von den Komponisten der 50er Jahre übernommen – früh. 70er Die Lust am Experiment, die Entdeckung neuer Möglichkeiten der Kombination von Musik und Bild zeichnet die Arbeit von EV Denisov, RK Shchedrin, ML Tariverdiev, NN Karetnikov, AG Schnittke, BA Tchaikovsky und anderen aus.
Großes Maß an Kunst. Allgemeinheit, charakteristisch für Musik als Kunst im Allgemeinen, bestimmte ihre Rolle in einer Filmarbeit: K. erfüllt „… die Funktion eines verallgemeinerten Bildes in Bezug auf das dargestellte Phänomen …“ (SM Eisenstein), lässt Sie das Wichtigste zum Ausdruck bringen Gedanke oder Idee für den Film. Das moderne tonvisuelle Kino sorgt für die Anwesenheit von Musen im Film. Konzepte. Es basiert auf der Verwendung von motivierter Musik sowohl außerhalb als auch innerhalb des Bildes, die oft zu einem unauffälligen, aber tiefen und subtilen Einblick in die Essenz menschlicher Charaktere wird. Neben der weiten Verbreitung der Methode der direkten Parallelität von Musik und Bild spielt der „kontrapunktische“ Musikeinsatz eine immer wichtigere Rolle (dessen Bedeutung von SM Eisenstein noch vor dem Tonkino analysiert wurde). Aufbauend auf einer kontrastierenden Gegenüberstellung von Musik und Bildern verstärkt diese Technik die Dramatik der gezeigten Ereignisse (die Erschießung von Geiseln im italienischen Film Die lange Nacht von 1943, 1960 wird von der fröhlichen Musik des faschistischen Aufmarsches begleitet; das fröhliche Finale Episoden des italienischen Films Divorce in Italian, 1961, gehen zum Klang eines Trauermarsches über). Bedeutet. Musik hat sich weiterentwickelt. ein Leitmotiv, das oft die allgemeine, wichtigste Idee des Films offenbart (z. B. das Thema Gelsomina im italienischen Film The Road, 1954, Regie: F. Fellini, Komiker N. Rota). Manchmal wird in modernen Filmen Musik nicht verwendet, um Emotionen zu verstärken, sondern um sie einzudämmen. So bemühen sich Regisseur F. Truffaut und Komponist A. Constantin im Film „400 Blows“ (1959) um die Strenge der Musik. Themen, die den Betrachter zu einer rationalen Einschätzung des Bildschirmgeschehens anregen sollen.
Musen. das Konzept des Films ist dem allgemeinen Autorenkonzept direkt untergeordnet. So zum Beispiel in Japan. Im Film „The Naked Island“ (1960, Regie: K. Shindo, Comp. X. Hayashi), der vom harten, schwierigen, aber zutiefst bedeutungsvollen Leben der Menschen erzählt, die sich im Kampf ums Dasein mit der Natur duellieren, taucht immer Musik auf in Aufnahmen, die die tägliche Arbeit dieser Menschen zeigen, und verschwindet sofort, wenn wichtige Ereignisse in ihr Leben eintreten. In dem Film „Die Ballade eines Soldaten“ (1959, Regie. G. Chukhrai, Comp. M. Ziv), inszeniert als Texter. Geschichte, Musikbilder haben adv. Basis; Die vom Komponisten gefundene Intonation der Musik bestätigt die ewige und unveränderliche Schönheit einfacher und freundlicher menschlicher Beziehungen.
Die Filmmusik kann entweder eigens für diesen Film geschrieben oder aus bekannten Melodien, Liedern oder klassischer Musik zusammengesetzt sein. Musik funktioniert. Im modernen Kino wird oft die Musik der Klassiker verwendet – J. Haydn, JS Bach, WA Mozart und andere, die den Filmemachern helfen, die Geschichte der Moderne zu verbinden. Welt mit hohem humanistischen. Traditionen.
Musik nimmt den wichtigsten Platz in der Musik ein. Filme, gewidmete Geschichte über Komponisten, Sänger, Musiker. Sie führt entweder eine gewisse Dramaturgie durch. funktioniert (wenn es sich um eine Geschichte über die Entstehung eines bestimmten Musikstücks handelt) oder als Insert-Nummer in den Film eingefügt wird. Die Hauptrolle der Musik in Verfilmungen von Opern- oder Ballettaufführungen sowie in unabhängigen, die auf der Grundlage von Opern und Balletten erstellt wurden. Filmproduktionen. Der Wert dieser Art der Kinematografie liegt vor allem in der breiten Popularisierung der besten Werke des Klassikers. und moderne Musik. In den 60er Jahren. in Frankreich wurde versucht, ein Genre der Original-Filmoper zu schaffen (The Umbrellas of Cherbourg, 1964, Regie: J. Demy, Comp.: M. Legrand).
Musik ist in Animations-, Dokumentar- und populärwissenschaftlichen Filmen enthalten. Im Animationsfilm haben sich eigene Methoden der Musik entwickelt. Design. Die gebräuchlichste davon ist die Technik der exakten Parallelität von Musik und Bild: Die Melodie wiederholt oder imitiert buchstäblich die Bewegung auf dem Bildschirm (außerdem kann der resultierende Effekt sowohl parodistisch als auch lyrisch sein). Bedeutet. Interessant sind in diesem Zusammenhang die Filme von Amer. dir. W. Disney, und besonders seine Gemälde aus der Serie „Funny Symphonies“, die berühmte Musen in visuellen Bildern verkörpern. Prod. (z. B. „Tanz der Skelette“ zur Musik der symphonischen Dichtung von C. Saint-Saens „Tanz des Todes“ usw.).
Moderne musikalische Entwicklungsstufe. Die Gestaltung des Films zeichnet sich durch die gleichberechtigte Bedeutung der Musik neben anderen Komponenten der Filmarbeit aus. Filmmusik ist eine der wichtigsten Stimmen der Kinematographie. Polyphonie, die oft zum Schlüssel wird, um den Inhalt des Films zu enthüllen.
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IM Shilova
