Felix Mendelssohn Bartholdy (Felix Mendelssohn Bartholdy) |

Felix Mendelssohn Bartholdy

Das ist Mozart des XNUMX. Jahrhunderts, das hellste musikalische Talent, das die Widersprüche der Zeit am klarsten begreift und am besten versöhnt. R. Schumann

F. Mendelssohn-Bartholdy ist ein deutscher Komponist der Schumann-Generation, Dirigent, Pädagoge, Pianist und Musikpädagoge. Seine vielfältige Tätigkeit war den edelsten und ernsthaftesten Zielen untergeordnet – sie trug zum Aufstieg des Musiklebens Deutschlands, zur Stärkung seiner nationalen Traditionen, zur Bildung eines aufgeklärten Publikums und gebildeter Fachleute bei.

Mendelssohn wurde in eine Familie mit langer kultureller Tradition hineingeboren. Der Großvater des zukünftigen Komponisten ist ein berühmter Philosoph; Vater – der Chef des Bankhauses, ein aufgeklärter Mann, ein feiner Kenner der Künste – gab seinem Sohn eine hervorragende Ausbildung. 1811 zog die Familie nach Berlin, wo Mendelssohn Unterricht bei den angesehensten Lehrern – L. Berger (Klavier), K. Zelter (Komposition) – nahm. G. Heine, F. Hegel, TA Hoffmann, die Gebrüder Humboldt, KM Weber besuchten das Mendelssohn-Haus. JW Goethe lauschte dem Spiel des zwölfjährigen Pianisten. Begegnungen mit dem großen Dichter in Weimar blieben die schönsten Erinnerungen meiner Jugend.

Die Kommunikation mit ernsthaften Künstlern, vielfältige musikalische Eindrücke, der Besuch von Vorlesungen an der Universität Berlin, das hochaufgeklärte Umfeld, in dem Mendelssohn aufwuchs – all das trug zu seiner schnellen beruflichen und geistigen Entwicklung bei. Seit seinem 9. Lebensjahr steht Mendelssohn Anfang der 20er Jahre auf der Konzertbühne. seine ersten Schriften erscheinen. Bereits in seiner Jugend begann Mendelssohns pädagogische Tätigkeit. Die Aufführung von JS Bachs Matthäus-Passion (1829) unter seiner Leitung wurde zu einem historischen Ereignis im Musikleben Deutschlands, diente als Impuls für die Wiederbelebung von Bachs Werk. 1833-36. Mendelssohn bekleidet das Amt des Musikdirektors in Düsseldorf. Der Wunsch, das Leistungsniveau zu heben, das Repertoire mit klassischen Werken (Oratorien von GF Händel und I. Haydn, Opern von WA ​​Mozart, L. Cherubini) aufzufüllen, stieß auf die Gleichgültigkeit der Stadtbehörden, die Trägheit der Deutsche Bürger.

Mendelssohns Tätigkeit in Leipzig (seit 1836) als Dirigent des Gewandhausorchesters trug bereits im 100. Jahrhundert zu einer neuen Blüte des Musiklebens der Stadt bei. berühmt für seine kulturellen Traditionen. Mendelssohn versuchte, die Aufmerksamkeit der Zuhörer auf die größten Kunstwerke der Vergangenheit (die Oratorien von Bach, Händel, Haydn, die Feierliche Messe und Beethovens Neunte Symphonie) zu lenken. Pädagogische Ziele verfolgte auch ein Zyklus historischer Konzerte – eine Art Panorama der musikalischen Entwicklung von Bach bis zu den zeitgenössischen Komponisten Mendelssohn. In Leipzig gibt Mendelssohn Konzerte mit Klaviermusik, führt Bachs Orgelwerke in der Thomaskirche auf, wo der „große Kantor“ vor 1843 Jahren wirkte. 38 wurde auf Initiative Mendelssohns in Leipzig das erste Konservatorium Deutschlands eröffnet, nach dessen Vorbild Konservatorien in anderen deutschen Städten entstanden. In den Leipziger Jahren erreichte Mendelssohns Werk seine höchste Blüte, Reife, Meisterschaft (Violinkonzert, Schottische Symphonie, Musik zu Shakespeares Ein Sommernachtstraum, die letzten Hefte von Lieder ohne Worte, Oratorium Elia usw.). Die ständige Anspannung, die Intensität der Aufführungs- und Unterrichtstätigkeit untergruben allmählich die Kräfte des Komponisten. Schwere Überarbeitung, der Verlust geliebter Menschen (der plötzliche Tod von Fannys Schwester) brachten den Tod näher. Mendelssohn starb im Alter von XNUMX Jahren.

Mendelssohn wurde von verschiedenen Genres und Formen, darstellenden Mitteln angezogen. Mit gleichem Können schrieb er für Symphonieorchester und Klavier, Chor und Orgel, Kammerensemble und Stimme und offenbarte die wahre Vielseitigkeit des Talents, die höchste Professionalität. Ganz am Anfang seiner Karriere, im Alter von 17 Jahren, schuf Mendelssohn die Ouvertüre „Ein Sommernachtstraum“ – ein Werk, das seine Zeitgenossen durch die organische Konzeption und Verkörperung, die Reife der Komponistentechnik und die Frische und den Reichtum der Vorstellungskraft beeindruckte . „Das Aufblühen der Jugend ist hier zu spüren, wie vielleicht in keinem anderen Werk des Komponisten der vollendete Meister in einem glücklichen Moment seinen ersten Abflug machte.“ In der einsätzigen Programmouvertüre, inspiriert von Shakespeares Komödie, wurden die Grenzen der musikalischen und poetischen Welt des Komponisten definiert. Dies ist leichte Fantasie mit einem Hauch von Scherzo, Flug, bizarrem Spiel (phantastische Elfentänze); lyrische Bilder, die romantische Begeisterung, Aufregung und Klarheit, Adel des Ausdrucks vereinen; Folk-Genre und malerische, epische Bilder. Die von Mendelssohn geschaffene Gattung der Konzertprogramm-Ouvertüre wurde in der symphonischen Musik des 40. Jahrhunderts entwickelt. (G. Berlioz, F. Liszt, M. Glinka, P. Tschaikowsky). In den frühen XNUMXer Jahren. Mendelssohn kehrte zur Shakespeare-Komödie zurück und schrieb Musik für das Stück. Die besten Nummern bildeten eine im Konzertrepertoire fest etablierte Orchestersuite (Ouvertüre, Scherzo, Intermezzo, Nocturne, Hochzeitsmarsch).

Inhaltlich verbinden sich viele Werke Mendelssohns mit unmittelbaren Lebenseindrücken von Reisen nach Italien (sonnig, von südlichem Licht und Wärme durchdrungen „Italienische Symphonie“ – 1833) sowie in die nördlichen Länder – England und Schottland (Meeresbilder Element, das nordische Epos in den Ouvertüren „Fingal's Cave“ („The Hebrides“), „Sea Silence and Happy Sailing“ (beide 1832), in der „Scottish“ Symphony (1830-42).

Grundlage von Mendelssohns Klavierwerk waren „Lieder ohne Worte“ (48 Stücke, 1830-45) – wunderbare Beispiele lyrischer Miniaturen, einer neuen Gattung romantischer Klaviermusik. Im Gegensatz zu dem damals weit verbreiteten spektakulären Bravour-Pianismus schuf Mendelssohn Stücke im Kammerstil, die vor allem die Kantilene, die melodiösen Möglichkeiten des Instruments, offenlegten. Auch die Elemente des Konzertspiels reizten den Komponisten – virtuose Brillanz, Festlichkeit, Hochgefühl entsprachen seiner künstlerischen Natur (2 Konzerte für Klavier und Orchester, Brillantes Capriccio, Brillantes Rondo etc.). Das berühmte Violinkonzert in e-Moll (1844) wurde zusammen mit Konzerten von P. Tschaikowsky, I. Brahms, A. Glasunow und J. Sibelius in den klassischen Fundus der Gattung aufgenommen. Die Oratorien „Paul“, „Elia“, die Kantate „Die erste Walpurgisnacht“ (nach Goethe) leisteten einen bedeutenden Beitrag zur Geschichte der Kantaten-Oratorien-Genres. Die Entwicklung der ursprünglichen Traditionen der deutschen Musik wurde durch Mendelssohns Präludien und Fugen für Orgel fortgesetzt.

Der Komponist hatte viele Chorwerke für Laiengesangsvereine in Berlin, Düsseldorf und Leipzig vorgesehen; und Kammermusik (Lieder, Vokal- und Instrumentalensembles) – für das Amateur-Heimmusizieren, in Deutschland seit jeher äußerst beliebt. Die Schaffung einer solchen Musik, die sich an aufgeklärte Amateure und nicht nur an Profis richtete, trug zur Umsetzung von Mendelssohns kreativem Hauptziel bei – den Geschmack des Publikums zu erziehen und es aktiv an ein ernsthaftes, hochkünstlerisches Erbe heranzuführen.

I. Okhalova

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Ort und Stellung Mendelssohns in der deutschen Musikgeschichte wurden von PI Tschaikowsky richtig erkannt. Mendelssohn, so seine Worte, „wird immer ein Vorbild makelloser Stilreinheit bleiben, und hinter ihm wird eine scharf umrissene musikalische Individualität zu erkennen sein, blass vor dem Glanz solcher Genies wie Beethoven – aber weit fortgeschritten aus der Menge zahlreicher handwerklicher Musiker der deutschen Schule“.

Mendelssohn gehört zu den Künstlern, deren Konzeption und Umsetzung eine Einheitlichkeit und Integrität erreicht haben, die manche seiner Zeitgenossen mit einem helleren und größeren Talent nicht immer erreichen konnten.

Der Schaffensweg Mendelssohns kennt keine plötzlichen Brüche und gewagten Neuerungen, Krisenzustände und steile Anstiege. Das bedeutet nicht, dass sie gedankenlos und wolkenlos vorgegangen ist. Seine erste individuelle „Bewerbung“ für einen Meister und freien Schöpfer – die Ouvertüre „Ein Sommernachtstraum“ – ist eine Perle der symphonischen Musik, das Ergebnis einer großen und zielstrebigen Arbeit, vorbereitet durch jahrelanges professionelles Training.

Die Ernsthaftigkeit des von Kindheit an erworbenen Spezialwissens, die vielseitige geistige Entwicklung halfen Mendelssohn am Beginn seines Schaffenslebens, den Kreis der Bilder, die ihn faszinierten und die ihn lange, wenn nicht für immer beflügelten, genau zu skizzieren. In der Welt eines fesselnden Märchens schien er sich selbst gefunden zu haben. Mendelssohn zeichnete ein magisches Spiel aus illusorischen Bildern und drückte seine poetische Vision der realen Welt metaphorisch aus. Lebenserfahrung, Wissen über Jahrhunderte angesammelte kulturelle Werte sättigten den Intellekt, führten „Korrekturen“ in den Prozess der künstlerischen Verbesserung ein, vertieften den Inhalt der Musik erheblich und ergänzten sie mit neuen Motiven und Schattierungen.

Die harmonische Integrität von Mendelssohns musikalischer Begabung verband sich jedoch mit der Enge seiner kreativen Bandbreite. Mendelssohn ist weit entfernt von der leidenschaftlichen Impulsivität eines Schumann, der aufgeregten Begeisterung eines Berlioz, der Tragödie und den nationalpatriotischen Heldentaten eines Chopin. Starke Emotionen, der Geist des Protests, die beharrliche Suche nach neuen Formen widersetzte er der Ruhe des Denkens und der Wärme des menschlichen Gefühls, der strengen Ordnung der Formen.

Dabei gehen Mendelssohns figuratives Denken, die Inhalte seiner Musik sowie die Genres, in denen er kreiert, nicht über den Mainstream der romantischen Kunst hinaus.

Ein Sommernachtstraum oder die Hebriden sind nicht weniger romantisch als die Werke von Schumann oder Chopin, Schubert oder Berlioz. Das ist typisch für die vielseitige musikalische Romantik, in der sich verschiedene Strömungen auf den ersten Blick polar kreuzten.

Mendelssohn grenzt an den von Weber ausgehenden Flügel der deutschen Romantik. Die für Weber charakteristische Fabelhaftigkeit und Phantasie, die belebte Welt der Natur, die Poesie ferner Sagen und Erzählungen, aktualisiert und erweitert, schimmert in Mendelssohns Musik mit neu gefundenen Farbtönen.

Von der großen Bandbreite romantischer Themen, die Mendelssohn berührte, erhielten die Themen, die sich auf das Reich der Fantasie beziehen, die künstlerisch vollendetste Verkörperung. In Mendelssohns Fantasie ist nichts Düsteres oder Dämonisches. Dies sind helle Naturbilder, die aus der Volksphantasie geboren und in vielen Märchen, Mythen oder epischen und historischen Legenden verstreut sind, wo Realität und Fantasie, Realität und poetische Fiktion eng miteinander verflochten sind.

Von den volkstümlichen Ursprüngen der Bildlichkeit – der unverhüllten Farbigkeit, mit der die Leichtigkeit und Anmut, die sanften Texte und der Flug von Mendelssohns „fantastischer“ Musik so selbstverständlich harmonieren.

Das romantische Thema Natur ist für diesen Künstler nicht weniger nah und selbstverständlich. Relativ selten auf äußerliche Anschaulichkeit zurückgreifend, vermittelt Mendelssohn mit feinsten Ausdruckstechniken eine bestimmte „Stimmung“ der Landschaft und evoziert deren lebendiges Gefühlsempfinden.

Mendelssohn, ein herausragender Meister der lyrischen Landschaft, hinterließ in Werken wie „Die Hebriden“, „Ein Sommernachtstraum“ und „Die Schottische Symphonie“ großartige Seiten bildhafter Musik. Aber die Bilder der Natur, der Fantasie (oft sind sie untrennbar miteinander verwoben) sind von sanfter Lyrik durchdrungen. Die Lyrik – die wesentlichste Eigenschaft von Mendelssohns Talent – ​​prägt sein gesamtes Werk.

Trotz seines Engagements für die Kunst der Vergangenheit ist Mendelssohn der Sohn seines Alters. Der lyrische Aspekt der Welt, das lyrische Element bestimmte die Richtung seiner künstlerischen Suche. Mit diesem allgemeinen Trend in der romantischen Musik fällt Mendelssohns ständige Faszination für Instrumentalminiaturen zusammen. Im Gegensatz zur Kunst des Klassizismus und Beethovens, die entsprechend der philosophischen Verallgemeinerung von Lebensvorgängen komplexe monumentale Formen kultivierten, steht in der Kunst der Romantik das Lied, eine kleine instrumentale Miniatur, im Vordergrund. Um die subtilsten und vergänglichsten Gefühlsschattierungen einzufangen, erwiesen sich kleine Formen als die organischsten.

Eine starke Verbindung zur demokratischen Alltagskunst sicherte die „Stärke“ einer neuen Art musikalischer Kreativität, verhalf ihr zu einer gewissen Tradition. Seit Anfang des XNUMX. Jahrhunderts hat die lyrische Instrumentalminiatur die Position eines der führenden Genres eingenommen. Das Genre der instrumentalen Miniatur, das in den Werken von Weber, Field und insbesondere Schubert weit verbreitet ist, hat sich bewährt und unter den neuen Bedingungen des XNUMX. Jahrhunderts fortbestehen und sich weiterentwickeln. Mendelssohn ist der direkte Nachfolger von Schubert. Charmante Miniaturen gesellen sich zu Schuberts Impromptu – den Pianoforte-Liedern ohne Worte. Diese Stücke bestechen durch ihre echte Aufrichtigkeit, Einfachheit und Aufrichtigkeit, Vollständigkeit der Formen, außergewöhnliche Anmut und Geschicklichkeit.

Eine genaue Beschreibung von Mendelssohns Werk gibt Anton Grigorievich Rubinshtein: „… im Vergleich mit anderen großen Schriftstellern, er (Mendelssohn. – VG) fehlte es an Tiefe, Ernsthaftigkeit, Erhabenheit…“, aber „…alle seine Kreationen sind ein Musterbeispiel an Perfektion in Form, Technik und Harmonie… Seine „Lieder ohne Worte“ sind ein Schatz an Texten und Klaviercharme… Seine „Violin Concerto“ ist einzigartig in Frische, Schönheit und edler Virtuosität … Diese Werke (darunter Rubinsteins A Midsummer Night’s Dream und Fingal’s Cave. – VG) … ihn mit den höchsten Repräsentanten der Tonkunst gleichzusetzen …“

Mendelssohn hat eine Vielzahl von Werken in verschiedenen Genres geschrieben. Darunter sind viele Werke großer Formen: Oratorien, Sinfonien, Konzertouvertüren, Sonaten, Konzerte (Klavier und Violine), viel instrumentale Kammermusik: Trios, Quartette, Quintette, Oktette. Es gibt geistliche und weltliche Vokal- und Instrumentalkompositionen sowie Musik für dramatische Theaterstücke. Mendelssohn zollte dem populären Genre des Vokalensembles eine bedeutende Hommage; er schrieb viele Solostücke für einzelne Instrumente (hauptsächlich für Klavier) und für Gesang.

Wertvolles und Interessantes ist in jedem Bereich von Mendelssohns Werk enthalten, in jedem der aufgeführten Genres. Gleichwohl manifestierten sich die typischsten und stärksten Züge des Komponisten in zwei scheinbar nicht zusammenhängenden Bereichen – in den Texten der Klavierminiaturen und in der Fantasie seiner Orchesterwerke.

V. Galatskaya

Das Werk Mendelssohns gehört zu den bedeutendsten Phänomenen der deutschen Kultur des 19. Jahrhunderts. Zusammen mit den Werken von Künstlern wie Heine, Schumann, dem jungen Wagner spiegelte es den künstlerischen Aufschwung und die gesellschaftlichen Veränderungen wider, die zwischen den beiden Revolutionen (1830 und 1848) stattfanden.

Das kulturelle Leben Deutschlands, mit dem alle Aktivitäten Mendelssohns untrennbar verbunden sind, war in den 30er und 40er Jahren von einer deutlichen Wiederbelebung demokratischer Kräfte geprägt. Die Opposition radikaler Kreise, unversöhnlich gegen die reaktionäre absolutistische Regierung, nahm immer offenere politische Formen an und drang in verschiedene Sphären des geistigen Lebens des Volkes ein. Sozial anklagende Tendenzen in der Literatur (Heine, Bern, Lenau, Gutskov, Immermann) wurden deutlich, eine Schule der „politischen Poesie“ wurde gebildet (Weert, Herweg, Freiligrat), wissenschaftliches Denken blühte auf, das auf das Studium der nationalen Kultur abzielte (Studien über die Geschichte der deutschen Sprache, Mythologie und Literatur von Grimm, Gervinus, Hagen).

Die Organisation der ersten deutschen Musikfeste, die Inszenierung nationaler Opern von Weber, Spohr, Marschner, dem jungen Wagner, die Verbreitung musikpädagogischer Publizistik, in der der Kampf um fortschrittliche Kunst geführt wurde (Schumanns Zeitung in Leipzig, A. Marx in Berlin) – all dies und viele andere ähnliche Tatsachen sprachen vom Wachstum des nationalen Selbstbewusstseins. Mendelssohn lebte und arbeitete in jener Atmosphäre des Protests und der intellektuellen Gärung, die die deutsche Kultur der 30er und 40er Jahre prägte.

Im Kampf gegen die Enge des bürgerlichen Interessenkreises, gegen den Verfall der ideologischen Rolle der Kunst gingen die fortschrittlichen Künstler jener Zeit andere Wege. Mendelssohn sah seine Berufung in der Wiederbelebung der hohen Ideale der klassischen Musik.

Gleichgültig gegenüber den politischen Formen des Kampfes und im Gegensatz zu vielen seiner Zeitgenossen bewusst die Waffe des musikalischen Journalismus vernachlässigend, war Mendelssohn dennoch ein herausragender Künstler-Erzieher.

Seine vielseitige Tätigkeit als Komponist, Dirigent, Pianist, Organisator, Lehrer war von pädagogischen Ideen durchdrungen. In der demokratischen Kunst von Beethoven, Händel, Bach, Gluck sah er den höchsten Ausdruck geistiger Kultur und kämpfte mit unerschöpflicher Energie dafür, ihre Prinzipien im modernen Musikleben Deutschlands zu etablieren.

Mendelssohns fortschrittliche Bestrebungen bestimmten die Art seiner eigenen Arbeit. Vor dem Hintergrund der modischen Leichtgewichtsmusik der bürgerlichen Salons, des populären Bühnen- und Unterhaltungstheaters überzeugten Mendelssohns Werke durch Ernsthaftigkeit, Keuschheit, „tadellose Stilreinheit“ (Tschaikowski).

Ein bemerkenswertes Merkmal von Mendelssohns Musik war ihre breite Verfügbarkeit. Insofern nahm der Komponist unter seinen Zeitgenossen eine Ausnahmestellung ein. Mendelssohns Kunst entsprach dem Kunstgeschmack eines breiten demokratischen Umfelds (insbesondere des deutschen). Seine Themen, Bilder und Genres waren eng mit der zeitgenössischen deutschen Kultur verbunden. Die Werke von Mendelssohn spiegelten weitgehend die Bilder der nationalen poetischen Folklore, der neuesten russischen Poesie und Literatur wider. Dabei setzte er konsequent auf die Musikrichtungen, die es im deutschen demokratischen Umfeld schon lange gibt.

Die großen Chorwerke Mendelssohns sind organisch mit den alten nationalen Traditionen verbunden, die nicht nur bis zu Beethoven, Mozart, Haydn zurückreichen, sondern noch weiter in die Tiefen der Geschichte – bis zu Bach, Händel (und sogar Schütz). Die moderne, weit verbreitete „Leaderthafel“-Bewegung fand ihren Niederschlag nicht nur in den zahlreichen Chören Mendelssohns, sondern auch in vielen Instrumentalkompositionen, insbesondere in den berühmten „Liedern ohne Ruhm“. Ihn haben immer wieder alltägliche Formen der deutschen Stadtmusik angezogen – Romanze, Kammerensemble, verschiedene Arten von Klaviermusik zu Hause. Der charakteristische Stil moderner Alltagsgattungen drang sogar in die monumental-klassizistisch geschriebenen Werke des Komponisten ein.

Schließlich zeigte Mendelssohn großes Interesse am Volkslied. In vielen Werken, besonders in Romanzen, suchte er die Annäherung an die Intonationen der deutschen Folklore.

Mendelssohns Festhalten an den klassizistischen Traditionen brachte ihm von Seiten der radikalen jungen Komponisten Konservativismusvorwürfe ein. Inzwischen war Mendelssohn unendlich weit entfernt von jenen zahlreichen Epigonen, die unter dem Deckmantel der Treue zu den Klassikern die Musik mit mittelmäßigen Wiederaufwärmungen der Werke einer vergangenen Epoche übersäten.

Mendelssohn ahmte die Klassiker nicht nach, er versuchte, ihre tragfähigen und fortschrittlichen Prinzipien wiederzubeleben. Als Lyriker par excellence schuf Mendelssohn in seinen Werken typisch romantische Bilder. Es sind „musikalische Momente“, die den Zustand der inneren Welt des Künstlers widerspiegeln, und subtile, vergeistigte Natur- und Lebensbilder. Gleichzeitig gibt es in Mendelssohns Musik keine Spuren von Mystik, Nebel, die so charakteristisch für die reaktionären Strömungen der deutschen Romantik sind. In der Kunst Mendelssohns ist alles klar, nüchtern, lebendig.

„Überall betritt man festen Boden, auf blühenden deutschen Boden“, sagte Schumann über Mendelssohns Musik. Auch in ihrer anmutigen, transparenten Erscheinung liegt etwas Mozartisches.

Der Musikstil von Mendelssohn ist sicherlich individuell. Die klare Melodik verbunden mit alltäglichem Liedstil, Genre- und Tanzelementen, die Tendenz zur Motivation zur Entwicklung und schließlich ausgewogene, ausgefeilte Formen bringen Mendelssohns Musik näher an die Kunst der deutschen Klassik. Doch die klassizistische Denkweise verbindet sich in seinem Werk mit romantischen Zügen. Seine harmonische Sprache und Instrumentierung sind geprägt von einem gesteigerten Interesse an Farbigkeit. Mendelssohn steht den für die deutsche Romantik typischen Kammergenres besonders nahe. Er denkt an die Klänge eines neuen Klaviers, eines neuen Orchesters.

Bei aller Ernsthaftigkeit, Noblesse und Demokratisierung seiner Musik erreichte Mendelssohn dennoch nicht die schöpferische Tiefe und Kraft seiner großen Vorgänger. Das kleinbürgerliche Umfeld, gegen das er ankämpfte, prägte seine eigene Arbeit spürbar. Zum größten Teil fehlt es an Leidenschaft, echtem Heldentum, es fehlt an philosophischer und psychologischer Tiefe, und es gibt einen merklichen Mangel an dramatischen Konflikten. Das Bild des modernen Helden mit seinem komplizierteren Geistes- und Gefühlsleben spiegelte sich nicht in den Werken des Komponisten wider. Mendelssohn zeigt vor allem die hellen Seiten des Lebens. Seine Musik ist überwiegend elegisch, sensibel, mit viel jugendlich unbeschwerter Spielfreude.

Aber vor dem Hintergrund einer angespannten, widersprüchlichen Zeit, die die Kunst mit der rebellischen Romantik von Byron, Berlioz, Schumann bereicherte, spricht die Ruhe von Mendelssohns Musik von einer gewissen Begrenztheit. Der Komponist reflektierte nicht nur die Stärke, sondern auch die Schwäche seines sozialgeschichtlichen Umfelds. Diese Dualität bestimmte das eigentümliche Schicksal seines kreativen Erbes.

Zu seinen Lebzeiten und noch einige Zeit nach seinem Tod neigte die öffentliche Meinung dazu, den Komponisten als den wichtigsten Musiker der Nach-Beethoven-Ära zu bewerten. In der zweiten Hälfte des Jahrhunderts tauchte eine verächtliche Haltung gegenüber dem Erbe Mendelssohns auf. Dies wurde wesentlich durch seine Epigonen erleichtert, in deren Werken die klassischen Züge von Mendelssohns Musik in Akademismus und ihr lyrischer Inhalt, der sich zu Sensibilität hingezogen hat, zu offener Sentimentalität entarteten.

Und doch kann man zwischen Mendelssohn und „Mendelssohnismus“ kein Gleichheitszeichen setzen, obwohl man die bekannten emotionalen Grenzen seiner Kunst nicht leugnen kann. Der Ernst der Idee, die klassische Perfektion der Form mit der Frische und Neuartigkeit der künstlerischen Mittel – all das macht Mendelssohns Werk zu Werken, die fest und tief in das Leben des deutschen Volkes, in seine nationale Kultur eingedrungen sind.

V. Konen

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