David Fjodorowitsch Oistrach |

David Oistrach

Die Sowjetunion ist seit langem berühmt für Geiger. Bereits in den 30er Jahren versetzten die brillanten Siege unserer Interpreten bei internationalen Wettbewerben die Weltmusikwelt in Erstaunen. Die sowjetische Geigenschule galt als die beste der Welt. In der Konstellation brillanter Talente gehörte die Palme bereits David Oistrach. Seine Position hat er bis heute behalten.

Viele Artikel wurden über Oistrach geschrieben, vielleicht in den Sprachen der meisten Völker der Welt; Monographien und Essays wurden über ihn geschrieben, und es scheint, dass es keine Worte gibt, die Bewunderer seines wunderbaren Talents nicht über den Künstler sagen würden. Und doch möchte ich immer wieder darüber sprechen. Vielleicht spiegelte keiner der Geiger so vollständig die Geschichte der Geigenkunst unseres Landes wider. Oistrach entwickelte sich zusammen mit der sowjetischen Musikkultur und nahm ihre Ideale, ihre Ästhetik tief in sich auf. Er wurde von unserer Welt als Künstler „geschaffen“, indem er die Entwicklung des großen Talents des Künstlers sorgfältig leitete.

Es gibt Kunst, die unterdrückt, Angst macht, die Tragödien des Lebens miterleben lässt; aber es gibt Kunst anderer Art, die Frieden, Freude bringt, seelische Wunden heilt, den Aufbau des Glaubens an das Leben fördert, an die Zukunft. Letzteres ist sehr charakteristisch für Oistrach. Oistrachs Kunst zeugt von der erstaunlichen Harmonie seines Wesens, seiner geistigen Welt, von einer hellen und klaren Wahrnehmung des Lebens. Oistrach ist ein suchender Künstler, ewig unzufrieden mit dem, was er erreicht hat. Jede Phase seiner kreativen Biographie ist ein „neues Oistrach“. In den 30er Jahren war er ein Meister der Miniaturen, mit Schwerpunkt auf weicher, charmanter, leichter Lyrik. Damals besticht sein Spiel durch subtile Anmut, durchdringende lyrische Nuancen, raffinierte Vollständigkeit jedes Details. Die Jahre vergingen und Oistrach wurde zu einem Meister großer, monumentaler Formen, wobei er seine früheren Qualitäten beibehielt.

In der ersten Phase dominierten „Aquarelltöne“ sein Spiel mit einer Tendenz zu einer irisierenden, silbrigen Farbpalette mit unmerklichen Übergängen. Im Khachaturian-Konzert zeigte er sich jedoch plötzlich in einer neuen Funktion. Er schien ein berauschendes, farbenfrohes Bild mit tiefen, „samtigen“ Klangfarben zu schaffen. Und wenn er in den Konzerten von Mendelssohn, Tschaikowsky, in den Miniaturen von Kreisler, Skrjabin, Debussy als ein Interpret von rein lyrischem Talent wahrgenommen wurde, dann trat er in Khachaturians Konzert als großartiger Genremaler auf; seine Interpretation dieses Konzerts ist zum Klassiker geworden.

Eine neue Bühne, ein neuer Höhepunkt der kreativen Entwicklung eines erstaunlichen Künstlers – Schostakowitschs Konzert. Unvergesslich ist der Eindruck, den die Uraufführung des Konzerts von Oistrach hinterlassen hat. Er verwandelte sich buchstäblich; Sein Spiel erlangte eine „symphonische“ Skala, tragische Kraft, „Weisheit des Herzens“ und Schmerz für eine Person, die der Musik des großen sowjetischen Komponisten so innewohnen.

Bei der Beschreibung von Oistrachs Leistung ist es unmöglich, seine hohe instrumentale Begabung nicht zu übersehen. Es scheint, dass die Natur noch nie eine so vollständige Verschmelzung von Mensch und Instrument geschaffen hat. Gleichzeitig ist die Virtuosität von Oistrachs Darbietung besonders. Es hat sowohl Brillanz als auch Glanz, wenn die Musik es erfordert, aber sie sind nicht die Hauptsache, sondern Plastizität. Die verblüffende Leichtigkeit und Leichtigkeit, mit der der Künstler die rätselhaftesten Passagen vorträgt, sucht ihresgleichen. Die Perfektion seines Aufführungsapparates ist so groß, dass Sie ein wahres ästhetisches Vergnügen bekommen, wenn Sie ihm beim Spielen zuschauen. Mit unfassbarer Geschicklichkeit fährt die linke Hand am Hals entlang. Es gibt keine scharfen Stöße oder eckige Übergänge. Jeder Sprung wird mit absoluter Freiheit bewältigt, jede Streckung der Finger – mit höchster Elastizität. Der Bogen ist so mit den Saiten „verbunden“, dass das bebende, schmeichelnde Timbre von Oistrachs Violine nicht so schnell in Vergessenheit gerät.

Im Laufe der Jahre fügt er seiner Kunst immer mehr Facetten hinzu. Es wird tiefer und… leichter. Aber sich entwickelnd, sich ständig vorwärts bewegend, bleibt Oistrach „er selbst“ – ein Künstler aus Licht und Sonne, der lyrischste Geiger unserer Zeit.

Oistrach wurde am 30. September 1908 in Odessa geboren. Sein Vater, ein bescheidener Büroangestellter, spielte Mandoline, Geige und war ein großer Musikliebhaber; Mutter, eine professionelle Sängerin, sang im Chor des Opernhauses von Odessa. Ab seinem vierten Lebensjahr hörte der kleine David mit Begeisterung Opern, in denen seine Mutter sang, und zu Hause spielte er Aufführungen und „dirigierte“ ein imaginäres Orchester. Seine Musikalität war so offensichtlich, dass er sich für einen bekannten Lehrer interessierte, der durch seine Arbeit mit Kindern berühmt wurde, den Geiger P. Stolyarsky. Ab seinem fünften Lebensjahr begann Oistrach bei ihm zu studieren.

Der Erste Weltkrieg brach aus. Oistrachs Vater ging an die Front, aber Stolyarsky arbeitete weiterhin kostenlos mit dem Jungen zusammen. Er hatte damals eine private Musikschule, die in Odessa als „Talentfabrik“ bezeichnet wurde. „Er hatte eine große, leidenschaftliche Seele als Künstler und eine außergewöhnliche Liebe zu Kindern“, erinnert sich Oistrach. Stolyarsky hat ihm die Liebe zur Kammermusik beigebracht und ihn gezwungen, in Schulensembles auf der Viola oder Violine zu musizieren.

Nach der Revolution und dem Bürgerkrieg wurde in Odessa das Institut für Musik und Theater eröffnet. 1923 trat Oistrach hier ein und natürlich in die Klasse von Stolyarsky. 1924 gab er sein erstes Solokonzert und beherrschte schnell die zentralen Werke des Violinrepertoires (Konzerte von Bach, Tschaikowsky, Glasunow). 1925 unternahm er seine erste Konzertreise nach Elizavetgrad, Nikolaev, Cherson. Im Frühjahr 1926 schloss Oistrach das Institut mit Bravour ab, nachdem er Prokofjews erstes Konzert, Tartinis Sonate „Teufelstriller“, A. Rubinsteins Sonate für Bratsche und Klavier aufgeführt hatte.

Beachten wir, dass das Konzert von Prokofjew als Hauptprüfungswerk ausgewählt wurde. Damals konnte nicht jeder einen so mutigen Schritt wagen. Prokofjews Musik wurde von einigen wenigen wahrgenommen, es war schwierig, Anerkennung von Musikern zu finden, die mit den Klassikern des XNUMX.-XNUMX. Jahrhunderts aufgewachsen sind. Der Wunsch nach Neuem, nach schnellem und tiefem Erfassen des Neuen blieb charakteristisch für Oistrach, mit dessen Aufführungsentwicklung die Geschichte der sowjetischen Violinmusik geschrieben werden kann. Man kann ohne Übertreibung sagen, dass die meisten Violinkonzerte, Sonaten, Werke großer und kleiner Form, die von sowjetischen Komponisten geschaffen wurden, von Oistrach uraufgeführt wurden. Ja, und aus der ausländischen Geigenliteratur des XNUMX. Jahrhunderts war es Oistrach, der den sowjetischen Zuhörern viele wichtige Phänomene vorstellte; zum Beispiel mit Konzerten von Szymanowski, Chausson, Bartóks Erstem Konzert usw.

Natürlich konnte Oistrach in seiner Jugend die Musik des Prokofjew-Konzerts nicht tief genug verstehen, wie sich der Künstler selbst erinnert. Kurz nachdem Oistrach das Institut abgeschlossen hatte, kam Prokofjew mit Autorenkonzerten nach Odessa. An einem ihm zu Ehren organisierten Abend führte der 18-jährige Oistrach das Scherzo aus dem Ersten Konzert auf. Der Komponist saß neben der Bühne. „Während meines Auftritts“, erinnert sich Oistrach, „wurde sein Gesicht immer düsterer. Als der Applaus losbrach, beteiligte er sich nicht daran. Er näherte sich der Bühne, ignorierte den Lärm und die Aufregung des Publikums, bat den Pianisten, ihm Platz zu machen, und wandte sich mit den Worten an mich: „Junger Mann, Sie spielen überhaupt nicht so, wie Sie sollten“, begann er mir das Wesen seiner Musik zu zeigen und zu erklären. . Viele Jahre später erinnerte Oistrach Prokofjew an diesen Vorfall, und es war ihm sichtlich peinlich, als er erfuhr, wer der „unglückliche junge Mann“ war, der so sehr unter ihm gelitten hatte.

In den 20er Jahren hatte F. Kreisler einen großen Einfluss auf Oistrach. Oistrach lernte seine Darbietung durch Aufnahmen kennen und war von der Originalität seines Stils fasziniert. Kreislers enormer Einfluss auf die Geigergeneration der 20er und 30er Jahre wird meist sowohl positiv als auch negativ gesehen. Anscheinend war Kreisler „schuld“ an Oistrachs Faszination für eine kleine Form – Miniaturen und Transkriptionen, in denen Kreislers Arrangements und Originalstücke einen bedeutenden Platz einnahmen.

Die Leidenschaft für Kreisler war universell und nur wenige blieben seinem Stil und seiner Kreativität gleichgültig. Von Kreisler übernahm Oistrach einige Spieltechniken – charakteristisches Glissando, Vibrato, Portamento. Vielleicht verdankt Oistrach der „Kreisler-Schule“ die Eleganz, Leichtigkeit, Weichheit und den Reichtum an „Kammer“-Tönen, die uns in seinem Spiel fesseln. Alles, was er sich entlehnte, wurde jedoch schon damals von ihm ungewöhnlich organisch verarbeitet. Die Individualität des jungen Künstlers erwies sich als so hell, dass sie jede „Erwerbung“ veränderte. In seiner reifen Zeit verließ Oistrach Kreisler und stellte die Ausdruckstechniken, die er einst von ihm übernommen hatte, in den Dienst ganz anderer Ziele. Die Sehnsucht nach Psychologismus, der Wiedergabe einer komplexen Welt tiefer Gefühle führte ihn zu den Methoden der deklamatorischen Intonation, deren Wesen der eleganten, stilisierten Lyrik Kreislers direkt entgegengesetzt ist.

Im Sommer 1927 wurde Oistrach auf Initiative des Kiewer Pianisten K. Mikhailov AK Glasunow vorgestellt, der nach Kiew gekommen war, um mehrere Konzerte zu dirigieren. In dem Hotel, in das Oistrach gebracht wurde, begleitete Glasunow den jungen Geiger in seinem Konzert auf dem Klavier. Unter der Leitung von Glasunow führte Oistrach das Konzert zweimal öffentlich mit dem Orchester auf. In Odessa, wohin Oistrach mit Glasunow zurückkehrte, traf er Polyakin, der dort tourte, und nach einer Weile den Dirigenten N. Malko, der ihn zu seiner ersten Reise nach Leningrad einlud. Am 10. Oktober 1928 gab Oistrach ein erfolgreiches Debüt in Leningrad; Der junge Künstler gewann an Popularität.

1928 zog Oistrach nach Moskau. Seit einiger Zeit führt er das Leben eines Gastkünstlers, der mit Konzerten durch die Ukraine reist. Von großer Bedeutung in seiner künstlerischen Tätigkeit war der Sieg beim Allukrainischen Violinwettbewerb 1930. Er gewann den ersten Preis.

P. Kogan, Direktor des Konzertbüros der staatlichen Orchester und Ensembles der Ukraine, interessierte sich für den jungen Musiker. Als ausgezeichneter Organisator war er eine bemerkenswerte Figur des „sowjetischen Impresario-Erziehers“, wie er je nach Richtung und Art seiner Tätigkeit genannt werden kann. Er war ein echter Propagandist der klassischen Kunst unter den Massen, und viele sowjetische Musiker haben eine gute Erinnerung an ihn. Kogan hat viel getan, um Oistrach bekannt zu machen, aber das Hauptkonzertgebiet des Geigers lag immer noch außerhalb von Moskau und Leningrad. Erst 1933 begann Oistrach, sich auch in Moskau durchzusetzen. Sein Auftritt mit einem Programm aus Konzerten von Mozart, Mendelssohn und Tschaikowsky, aufgeführt an einem Abend, war ein Ereignis, über das das musikalische Moskau sprach. Über Oistrach werden Rezensionen geschrieben, in denen festgestellt wird, dass sein Spiel die besten Qualitäten der jungen Generation sowjetischer Interpreten trägt, dass diese Kunst gesund, verständlich, fröhlich und willensstark ist. Kritiker bemerken treffend die Hauptmerkmale seines Aufführungsstils, die für ihn in jenen Jahren charakteristisch waren – außergewöhnliche Fähigkeiten in der Aufführung von Werken kleiner Form.

Gleichzeitig finden wir in einem der Artikel folgende Zeilen: „Es ist jedoch verfrüht zu glauben, dass die Miniatur sein Genre ist. Nein, Oistrachs Sphäre ist Musik der plastischen, anmutigen Formen, vollblütige, optimistische Musik.

1934 wurde Oistrach auf Initiative von A. Goldenweiser an das Konservatorium eingeladen. Hier begann seine Lehrtätigkeit, die bis heute andauert.

Die 30er Jahre waren die Zeit von Oistrachs glänzenden Triumphen auf der Unions- und Weltbühne. 1935 – Erster Preis beim II. Allunionswettbewerb der darstellenden Musiker in Leningrad; im selben Jahr, wenige Monate später – der zweite Preis beim Internationalen Henryk-Wieniawski-Violinwettbewerb in Warschau (der erste Preis ging an Ginette Neve, die Schülerin von Thibaut); 1937 – Erster Preis beim Internationalen Violinwettbewerb Eugene Ysaye in Brüssel.

Der letzte Wettbewerb, bei dem sechs der sieben ersten Preise von den sowjetischen Geigern D. Oistrach, B. Goldstein, E. Gilels, M. Kozolupova und M. Fikhtengolts gewonnen wurden, wurde von der Weltpresse als Triumph der sowjetischen Violine gewertet Schule. Wettbewerbsjurymitglied Jacques Thibault schrieb: „Das sind wunderbare Talente. Die UdSSR ist das einzige Land, das sich um seine jungen Künstler gekümmert und volle Entwicklungsmöglichkeiten geboten hat. Von heute an erlangt Oistrach weltweite Berühmtheit. Sie wollen ihn in allen Ländern hören.“

Nach dem Wettbewerb traten seine Teilnehmer in Paris auf. Der Wettbewerb öffnete Oistrach den Weg zu breiten internationalen Aktivitäten. Zu Hause wird Oistrach zum beliebtesten Geiger und konkurriert in dieser Hinsicht erfolgreich mit Miron Polyakin. Aber die Hauptsache ist, dass seine charmante Kunst die Aufmerksamkeit der Komponisten auf sich zieht und ihre Kreativität anregt. 1939 entstand das Myaskovsky-Konzert, 1940 – Chatschaturjan. Beide Konzerte sind Oistrach gewidmet. Die Aufführung der Konzerte von Mjaskowski und Khachaturian wurde als ein bedeutendes Ereignis im Musikleben des Landes wahrgenommen, war das Ergebnis und der Höhepunkt der Vorkriegszeit der bemerkenswerten Künstlertätigkeit.

Während des Krieges gab Oistrach ununterbrochen Konzerte, spielte in Krankenhäusern, im Hinterland und an der Front. Wie die meisten sowjetischen Künstler ist er voller patriotischer Begeisterung, 1942 tritt er im belagerten Leningrad auf. Soldaten und Arbeiter, Matrosen und Einwohner der Stadt hören ihm zu. „Die Oki kamen nach einem harten Arbeitstag hierher, um Oistrach, einem Künstler vom Festland, aus Moskau zuzuhören. Das Konzert war noch nicht zu Ende, als der Fliegeralarm verkündet wurde. Niemand verließ den Raum. Nach dem Ende des Konzerts wurde der Künstler herzlich begrüßt. Die Ovationen verstärkten sich besonders, als das Dekret über die Verleihung des Staatspreises an D. Oistrach verkündet wurde … “.

Der Krieg ist vorbei. 1945 kam Yehudi Menuhin nach Moskau. Oistrach spielt mit ihm ein Doppelkonzert von Bach. In der Saison 1946/47 führte er in Moskau einen grandiosen Zyklus auf, der der Geschichte des Violinkonzerts gewidmet war. Dieser Akt erinnert an die berühmten historischen Konzerte von A. Rubinstein. Der Zyklus umfasste Werke wie Konzerte von Elgar, Sibelius und Walton. Er definierte etwas Neues in Oistrachs kreativem Image, das seitdem zu seiner unveräußerlichen Qualität geworden ist – Universalismus, der Wunsch nach einer breiten Abdeckung der Violinliteratur aller Zeiten und Völker, einschließlich der Moderne.

Nach dem Krieg eröffnete Oistrach Perspektiven für umfangreiche internationale Aktivitäten. Seine erste Reise fand 1945 in Wien statt. Bemerkenswert ist der Rückblick auf seine Leistung: „… Erst die geistige Reife seines stets stilvollen Spiels macht ihn zu einem Boten hoher Menschlichkeit, zu einem wahrhaft bedeutenden Musiker, dessen Platz in der ersten Reihe steht Geiger der Welt.“

1945-1947 traf sich Oistrach mit Enescu in Bukarest und mit Menuhin in Prag; 1951 wurde er in die Jury des Belgischen Königin-Elisabeth-Wettbewerbs in Brüssel berufen. In den 50er Jahren wurde er von der gesamten ausländischen Presse als einer der größten Geiger der Welt bezeichnet. Während seines Aufenthalts in Brüssel tritt er mit Thibault auf, der das Orchester in seinem Konzert dirigiert und Konzerte von Bach, Mozart und Beethoven spielt. Thiebaud ist voller tiefer Bewunderung für Oistrachs Talent. Rezensionen seines Auftritts in Düsseldorf 1954 betonen die durchdringende Menschlichkeit und Spiritualität seines Auftritts. „Dieser Mann liebt Menschen, dieser Künstler liebt das Schöne, das Edle; Menschen dabei zu helfen, dies zu erfahren, ist sein Beruf.“

In diesen Rezensionen erscheint Oistrach als ein Interpret, der die Tiefen des humanistischen Prinzips in der Musik erreicht. Die Emotionalität und Lyrik seiner Kunst sind psychologisch, und das berührt die Zuhörer. „Wie kann man die Eindrücke des Spiels von David Oistrach zusammenfassen? – schrieb E. Jourdan-Morrange. – Gemeine Definitionen, so dithyrambisch sie auch sein mögen, sind seiner reinen Kunst unwürdig. Oistrach ist der perfekteste Geiger, den ich je gehört habe, nicht nur in Bezug auf seine Technik, die der von Heifetz ebenbürtig ist, sondern vor allem, weil diese Technik ganz in den Dienst der Musik gestellt wird. Welche Ehrlichkeit, welcher Adel in der Ausführung!

1955 ging Oistrach nach Japan und in die Vereinigten Staaten. In Japan schrieben sie: „Das Publikum hierzulande weiß Kunst zu schätzen, neigt aber zur Zurückhaltung in der Manifestation von Gefühlen. Hier wurde sie buchstäblich verrückt. Atemberaubender Applaus mischte sich mit „Bravo!“-Rufen. und schien betäuben zu können. Oistrachs Erfolg in den USA grenzte an Triumph: „David Oistrach ist ein großartiger Geiger, einer der ganz großen Geiger unserer Zeit. Oistrach ist nicht nur großartig, weil er ein Virtuose ist, sondern ein echter spiritueller Musiker.“ F. Kreisler, C. Francescatti, M. Elman, I. Stern, N. Milstein, T. Spivakovsky, P. Robson, E. Schwarzkopf, P. Monte hörten Oistrach beim Konzert in der Carnegie Hall.

„Besonders bewegt hat mich die Anwesenheit von Kreisler im Saal. Als ich den großen Geiger sah, der aufmerksam meinem Spiel lauschte und mir dann im Stehen applaudierte, kam mir alles, was geschah, wie eine Art wunderbarer Traum vor. Oistrach lernte Kreisler bei seinem zweiten Besuch in den Vereinigten Staaten 1962-1963 kennen. Kreisler war damals schon ein sehr alter Mann. Unter den Treffen mit großen Musikern ist auch das Treffen mit P. Casals im Jahr 1961 zu erwähnen, das im Herzen von Oistrach tiefe Spuren hinterlassen hat.

Die hellste Linie in Oistrachs Auftritt ist die Kammermusik. Oistrach nahm an Kammerabenden in Odessa teil; später spielte er im Trio mit Igumnov und Knushevitsky und ersetzte in diesem Ensemble den Geiger Kalinovsky. 1935 gründete er mit L. Oborin ein Sonatenensemble. Laut Oistrach geschah es so: Sie gingen Anfang der 30er Jahre in die Türkei, und dort mussten sie einen Sonatenabend spielen. Ihr „Gefühl für Musik“ stellte sich als so verwandt heraus, dass die Idee aufkam, diese zufällige Assoziation fortzusetzen.

Zahlreiche Auftritte bei gemeinsamen Abenden brachten einen der größten sowjetischen Cellisten, Svyatoslav Knushevitsky, Oistrach und Oborin näher. Die Entscheidung, ein festes Trio zu gründen, fiel 1940. Der erste Auftritt dieses bemerkenswerten Ensembles fand 1941 statt, eine systematische Konzerttätigkeit begann jedoch 1943. Das Trio L. Oborin, D. Oistrach, S. Knushevitsky über viele Jahre (bis 1962, als Knushevitsky starb) war der Stolz der sowjetischen Kammermusik. Zahlreiche Konzerte dieses Ensembles lockten ausnahmslos volle Säle mit einem begeisterten Publikum. Seine Auftritte fanden in Moskau, Leningrad statt. 1952 reiste das Trio zu den Beethovenfesten nach Leipzig. Oborin und Oistrach führten den gesamten Zyklus von Beethovens Sonaten auf.

Das Spiel des Trios zeichnete sich durch eine seltene Geschlossenheit aus. Die bemerkenswert dichte Kantilene von Knushevitsky mit ihrem klangvollen, samtigen Timbre, perfekt kombiniert mit dem silbrigen Klang von Oistrach. Ihr Sound wurde durch Gesang auf dem Piano Oborin ergänzt. In der Musik offenbarten und betonten die Künstler ihre lyrische Seite, ihr Spiel zeichnete sich durch Aufrichtigkeit und Weichheit aus, die von Herzen kommen. Im Allgemeinen kann der Spielstil des Ensembles als lyrisch bezeichnet werden, jedoch mit klassischer Souveränität und Strenge.

Das Oborin-Oistrach-Ensemble existiert noch heute. Ihre Sonatenabende hinterlassen einen Eindruck von stilistischer Integrität und Vollständigkeit. Die Poesie, die Oborins Spiel innewohnt, verbindet sich mit der charakteristischen Logik musikalischen Denkens; Oistrach ist in dieser Hinsicht ein ausgezeichneter Partner. Dies ist ein Ensemble von exquisitem Geschmack und seltener musikalischer Intelligenz.

Oistrach ist auf der ganzen Welt bekannt. Er ist von vielen Titeln geprägt; 1959 wählte ihn die Royal Academy of Music in London zum Ehrenmitglied, 1960 wurde er Ehrenakademiker der St. Cecilia in Rom; 1961 – korrespondierendes Mitglied der Deutschen Akademie der Künste in Berlin, sowie Mitglied der American Academy of Sciences and Arts in Boston. Oistrach wurde mit dem Lenin-Orden und dem Ehrenabzeichen ausgezeichnet; Ihm wurde der Titel Volkskünstler der UdSSR verliehen. 1961 wurde ihm der Lenin-Preis verliehen, der erste unter den sowjetischen Musikern.

In Yampolskys Buch über Oistrach sind seine Charaktereigenschaften prägnant und kurz zusammengefasst: unbezwingbare Energie, harte Arbeit, ein scharfer kritischer Verstand, der in der Lage ist, alles zu bemerken, was charakteristisch ist. Das zeigt Oistrachs Urteil über das Spiel hervorragender Musiker. Er versteht es immer, das Wesentliche aufzuzeigen, ein genaues Porträt zu skizzieren, eine subtile Stilanalyse zu geben, das Typische im Auftreten eines Musikers zu erkennen. Auf seine Urteile kann man sich verlassen, da sie größtenteils unparteiisch sind.

Yampolsky bemerkt auch einen Sinn für Humor: „Er schätzt und liebt ein gezieltes, scharfes Wort, kann ansteckend lachen, wenn er eine lustige Geschichte erzählt oder einer Comic-Geschichte zuhört. Wie Heifetz kann er auf urkomische Weise das Spiel angehender Geiger kopieren.“ Mit der kolossalen Energie, die er jeden Tag aufwendet, ist er immer klug und zurückhaltend. Im Alltag liebt er Sport – in jungen Jahren spielte er Tennis; ein ausgezeichneter Autofahrer, der leidenschaftlich gerne Schach spielt. In den 30er Jahren war sein Schachpartner S. Prokofjew. Oistrach war vor dem Krieg mehrere Jahre Vorsitzender der Sportabteilung des Zentralhauses der Künstler und ein erstklassiger Schachmeister.

Auf der Bühne ist Oistrach frei; Er hat nicht die Aufregung, die die vielfältige Aktivität einer großen Anzahl von Musikern so überschattet. Erinnern wir uns, wie schmerzlich besorgt Joachim, Auer, Thiebaud, Huberman, Polyakin, wie viel nervöse Energie sie für jede Aufführung aufgewendet haben. Oistrach liebt die Bühne und, wie er zugibt, begeistern ihn nur nennenswerte Auftrittsunterbrechungen.

Oistrachs Arbeit geht über den Rahmen der direkten Aufführungstätigkeit hinaus. Als Herausgeber hat er viel zur Geigenliteratur beigetragen; zum Beispiel ist seine Version (zusammen mit K. Mostras) von Tschaikowskys Violinkonzert ausgezeichnet, bereichert und korrigiert Auers Version weitgehend. Lassen Sie uns auch auf Oistrachs Arbeit an den beiden Violinsonaten von Prokofjew hinweisen. Ihm verdanken die Geiger, dass die ursprünglich für Flöte und Violine geschriebene Zweite Sonate von Prokofjew für Violine umgearbeitet wurde.

Oistrach arbeitet ständig an neuen Werken und ist ihre erste Interpretin. Die Liste der neuen Werke sowjetischer Komponisten, die von Oistrach „veröffentlicht“ wurden, ist riesig. Um nur einige zu nennen: Sonaten von Prokofjew, Konzerte von Mjaskowski, Rakow, Chatschaturjan, Schostakowitsch. Oistrach schreibt manchmal Artikel über die Stücke, die er gespielt hat, und manche Musikwissenschaftler werden ihn um seine Analyse beneiden.

Großartig sind zum Beispiel die Analysen des Violinkonzerts von Mjaskowski und besonders von Schostakowitsch.

Oistrach ist ein hervorragender Lehrer. Unter seinen Schülern sind Preisträger internationaler Wettbewerbe V. Klimov; sein Sohn, derzeit ein prominenter Konzertsolist I. Oistrach, sowie O. Parkhomenko, V. Pikaizen, S. Snitkovetsky, J. Ter-Merkeryan, R. Fine, N. Beilina, O. Krysa. Viele ausländische Geiger streben danach, in Oistrachs Klasse aufgenommen zu werden. Bei ihm studierten der Franzose M. Bussino und D. Arthur, der Türke E. Erduran, der australische Geiger M. Beryl-Kimber, D. Bravnichar aus Jugoslawien, der Bulgare B. Lechev, die Rumänen I. Voicu, S. Georgiou. Oistrach liebt Pädagogik und arbeitet mit Leidenschaft im Unterricht. Seine Methode basiert hauptsächlich auf seiner eigenen Auftrittserfahrung. „Die Kommentare, die er über diese oder jene Aufführungsmethode macht, sind immer prägnant und äußerst wertvoll; In jedem Wort-Rat zeigt er ein tiefes Verständnis für die Natur des Instruments und die Techniken des Geigenspiels.

Er legt großen Wert auf die direkte Demonstration des Stückes, das der Schüler lernt, am Instrument durch den Lehrer. Aber nur das Zeigen ist seiner Meinung nach vor allem während der Zeit nützlich, in der der Student die Arbeit analysiert, weil es die Entwicklung der kreativen Individualität des Studenten weiter behindern kann.

Oistrach entwickelt gekonnt den technischen Apparat seiner Schüler. In den meisten Fällen zeichnen sich seine Haustiere durch die Freiheit des Instrumentenbesitzes aus. Dabei ist besonderes Augenmerk auf Technik keineswegs charakteristisch für den Lehrer Oistrach. Vielmehr interessieren ihn die Probleme der musikalischen und künstlerischen Ausbildung seiner Schüler.

In den letzten Jahren hat sich Oistrach für das Dirigieren interessiert. Sein erster Auftritt als Dirigent fand am 17. Februar 1962 in Moskau statt – er begleitete seinen Sohn Igor, der die Konzerte von Bach, Beethoven und Brahms aufführte. „Oistrachs Dirigierstil ist einfach und natürlich, genau wie seine Art, Geige zu spielen. Er ist ruhig, geizig mit unnötigen Bewegungen. Er unterdrückt das Orchester nicht mit der „Macht“ seines Dirigenten, sondern lässt dem ausführenden Team größtmögliche Gestaltungsfreiheit und vertraut dabei auf das künstlerische Gespür seiner Mitglieder. Der Charme und die Autorität eines großen Künstlers üben eine unwiderstehliche Wirkung auf die Musiker aus.“

1966 wurde Oistrach 58 Jahre alt. Er ist jedoch voller aktiver kreativer Energie. Sein Können zeichnet sich noch immer durch Freiheit, absolute Perfektion aus. Es wurde nur durch die künstlerische Erfahrung eines langen Lebens bereichert, das sich ganz seiner geliebten Kunst widmete.

L.Raaben, 1967