Darius Milhaud |

Darius Milhaud

Viele verliehen ihm den Titel eines Genies, und viele hielten ihn für einen Scharlatan, dessen Hauptziel darin bestand, „die Bourgeois zu schockieren“. Herr Bauer

Kreativität D. Milhaud hat in der französischen Musik des 20. Jahrhunderts eine leuchtende, farbenfrohe Seite geschrieben. Es drückte anschaulich und deutlich das Weltbild der Nachkriegs-XNUMXer Jahre aus, und der Name Milhaud stand im Zentrum der musikkritischen Kontroverse jener Zeit.

Milhaud wurde in Südfrankreich geboren; Die provenzalische Folklore und die Natur seines Heimatlandes waren für immer in die Seele des Komponisten eingeprägt und füllten seine Kunst mit dem einzigartigen Geschmack des Mittelmeers. Die ersten Schritte in der Musik waren mit der Violine verbunden, auf der Milhaud zunächst in Aix und ab 1909 am Pariser Konservatorium bei Bertelier studierte. Aber bald überwog die Leidenschaft für das Schreiben. Unter den Lehrern von Milhaud waren P. Dukas, A. Gedalzh, C. Vidor und auch V. d'Andy (in der Schola cantorum).

In den ersten Werken (Romanzen, Kammerensembles) macht sich der impressionistische Einfluss von C. Debussy bemerkbar. Milhaud entwickelte die französische Tradition (H. Berlioz, J. Bazet, Debussy) und erwies sich als sehr empfänglich für russische Musik – M. Mussorgsky, I. Strawinsky. Strawinskys Ballette (insbesondere Das Frühlingsopfer, das die gesamte Musikwelt schockierte) halfen dem jungen Komponisten, neue Horizonte zu sehen.

Noch während der Kriegsjahre entstanden die ersten 2 Teile der Opern-Oratorien-Trilogie „Oresteia: Agamemnon“ (1914) und „Choephors“ (1915); Teil 3 der Eumeniden wurde später geschrieben (1922). In der Trilogie verlässt der Komponist die impressionistische Raffinesse und findet eine neue, einfachere Sprache. Rhythmus wird zum wirkungsvollsten Ausdrucksmittel (so wird der Vortrag des Chores oft nur von Schlaginstrumenten begleitet). Einer der ersten Milhaud verwendete hier eine gleichzeitige Kombination verschiedener Tonarten (Polytonalität), um die Spannung des Klangs zu erhöhen. Der Text der Tragödie des Aischylos wurde von dem prominenten französischen Dramatiker P. Claudel, einem langjährigen Freund und Weggefährten Milhauds, übersetzt und bearbeitet. „Ich befand mich an der Schwelle zu einer vitalen und gesunden Kunst … in der man Kraft, Energie, Spiritualität und Zärtlichkeit von den Fesseln befreit spürt. Das ist die Kunst von Paul Claudel!“ erinnerte sich der Komponist später.

1916 wurde Claudel zum Botschafter in Brasilien ernannt und Milhaud als sein persönlicher Sekretär begleitete ihn. Milhaud verkörperte seine Bewunderung für die Helligkeit der Farben der tropischen Natur, die Exotik und den Reichtum der lateinamerikanischen Folklore in Brasilianischen Tänzen, wo polytonale Kombinationen von Melodie und Begleitung dem Klang eine besondere Schärfe und Würze verleihen. Das Ballett Man and His Desire (1918, Drehbuch von Claudel) wurde vom Tanz von V. Nijinsky inspiriert, der mit der russischen Balletttruppe von S. Diaghilev durch Rio de Janeiro tourte.

Nach seiner Rückkehr nach Paris (1919) schließt sich Milhaud der Gruppe „Six“ an, deren ideologische Inspiratoren der Komponist E. Satie und der Dichter J. Cocteau waren. Mitglieder dieser Gruppe widersetzten sich dem übertriebenen Ausdruck von Romantik und impressionistischen Schwankungen, für „irdische“ Kunst, die Kunst des „Alltags“. Die Klänge des XNUMX. Jahrhunderts dringen in die Musik junger Komponisten ein: die Rhythmen der Technologie und des Musiksaals.

Eine Reihe von Balletten, die Milhaud in den 20er Jahren geschaffen hat, vereinen den Geist der Exzentrik, eine Clown-Performance. Im Ballett Bull on the Roof (1920, Drehbuch von Cocteau), das eine amerikanische Bar in den Jahren der Prohibition zeigt, erklingen die Melodien moderner Tänze wie Tango. In The Creation of the World (1923) wendet sich Milhaud dem Jazzstil zu, wobei er sich das Orchester von Harlem (dem Negerviertel von New York) zum Vorbild nimmt, mit Orchestern dieser Art traf der Komponist während seiner USA-Tournee zusammen. Im Ballett „Salad“ (1924), das die Tradition der Maskenkomödie wieder aufleben lässt, erklingt alte italienische Musik.

Milhauds Recherchen sind auch im Operngenre vielfältig. Vor dem Hintergrund von Kammeropern (Die Leiden des Orpheus, Der arme Seemann usw.) erhebt sich das monumentale Drama Christoph Kolumbus (nach Claudel), der Höhepunkt des Schaffens des Komponisten. Die meisten Arbeiten für Musiktheater wurden in den 20er Jahren geschrieben. In dieser Zeit entstanden auch 6 Kammersymphonien, Sonaten, Quartette etc.

Der Komponist ist ausgiebig auf Tournee gegangen. 1926 besuchte er die UdSSR. Seine Auftritte in Moskau und Leningrad ließen niemanden gleichgültig. Augenzeugen zufolge „waren einige empört, andere ratlos, wieder andere positiv und junge Leute sogar begeistert.“

In den 30er Jahren nähert sich Milhauds Kunst den brennenden Problemen der modernen Welt. Zusammen mit R. Rolland. L. Aragon und seine Freunde, Mitglieder der Six-Gruppe, beteiligt sich Milhaud an der Arbeit der People's Musical Federation (seit 1936) und schreibt Lieder, Chöre und Kantaten für Laiengruppen und die breite Masse des Volkes. In Kantaten wendet er sich humanistischen Themen zu („Tod eines Tyrannen“, „Friedenskantate“, „Kriegskantate“ etc.). Der Komponist komponiert auch spannende Theaterstücke für Kinder, Musik für Filme.

Der Einmarsch der Nazi-Truppen in Frankreich zwang Milhaud zur Emigration in die Vereinigten Staaten (1940), wo er sich einer Lehrtätigkeit am Mills College (in der Nähe von Los Angeles) zuwandte. Nachdem Milhaud nach seiner Rückkehr in sein Heimatland Professor am Pariser Konservatorium (1947) geworden war, verließ er seine Arbeit in Amerika nicht und reiste regelmäßig dorthin.

Immer mehr zieht es ihn zur Instrumentalmusik. Nach sechs Sinfonien für Kammermusik (entstanden 1917-23) schrieb er 12 weitere Sinfonien. Milhaud ist Autor von 18 Quartetten, Orchestersuiten, Ouvertüren und zahlreichen Konzerten: für Klavier (5), Viola (2), Cello (2), Violine, Oboe, Harfe, Cembalo, Schlagzeug, Marimba und Vibraphon mit Orchester. Milhauds Interesse am Thema des Freiheitskampfes schwächt sich nicht ab (die Oper Bolivar – 1943; die Vierte Sinfonie, geschrieben zum hundertsten Jahrestag der Revolution von 1848; die Kantate Castle of Fire – 1954, die dem Gedenken an die Opfer gewidmet ist Faschismus, verbrannt in Konzentrationslagern).

Unter den Werken der letzten dreißig Jahre finden sich Kompositionen verschiedenster Genres: die monumentale epische Oper David (1952), geschrieben zur 3000-Jahr-Feier Jerusalems, das Opern-Oratorium St. Mutter“ (1970, nach P. Beaumarchais), eine Reihe von Balletten (einschließlich „The Bells“ von E. Poe), viele Instrumentalwerke.

Milhaud verbrachte die letzten Jahre in Genf, wo er weiter komponierte und an der Vollendung seines autobiografischen Buches My Happy Life arbeitete.

K.Zenkin

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