Claudio Monteverdi (Claudio Monteverdi) |

Claudio Monte

Monteverdi. Kantate Domino

Monteverdi verteidigt die Rechte der Gefühle und Freiheit in der Musik. Trotz der Proteste der Verteidiger der Regeln sprengt er die Fesseln, in die sich die Musik verstrickt hat, und will, dass sie fortan nur noch dem Diktat des Herzens folgt. R. Rollan

Das Werk des italienischen Opernkomponisten C. Monteverdi ist eines der einzigartigen Phänomene in der Musikkultur des XNUMX. Jahrhunderts. In seinem Interesse am Menschen, an seinen Leidenschaften und Leiden ist Monteverdi ein wahrer Renaissance-Künstler. Keiner der damaligen Komponisten hat es geschafft, das tragische Gefühl des Lebens in der Musik so auszudrücken, seiner Wahrheit näher zu kommen, die Urnatur menschlicher Charaktere so zu enthüllen.

Monteverdi wurde in eine Arztfamilie hineingeboren. Seine Musikstudien wurden von M. Ingenieri geleitet, einem erfahrenen Musiker, Kapellmeister der Kathedrale von Cremona. Er entwickelte die polyphone Technik des zukünftigen Komponisten und machte ihn mit den besten Chorwerken von G. Palestrina und O. Lasso bekannt. Moiteverdi begann früh zu komponieren. Bereits in den frühen 1580er Jahren. die ersten Sammlungen vokaler polyphoner Werke (Madrigale, Motetten, Kantaten) wurden veröffentlicht, und am Ende dieses Jahrzehnts wurde er ein berühmter Komponist in Italien, Mitglied der Akademie der Site Cecilia in Rom. Ab 1590 diente Monteverdi in der Hofkapelle des Herzogs von Mantua (zuerst als Orchestermitglied und Sänger, dann als Kapellmeister). Der üppige, reiche Hof Vincenzo Gonzaga zog die besten künstlerischen Kräfte der Zeit an. Aller Wahrscheinlichkeit nach könnte Monteverdi den großen italienischen Dichter T. Tasso, den flämischen Künstler P. Rubens, Mitglieder der berühmten Florentiner Camerata, die Autoren der ersten Opern – J. Peri, O. Rinuccini – treffen. Der Komponist begleitete den Herzog auf häufigen Reisen und Feldzügen und reiste nach Prag, Wien, Innsbruck und Antwerpen. Im Februar 1607 wurde Monteverdis erste Oper Orpheus (Libretto von A. Strigio) mit großem Erfolg in Mantua aufgeführt. Monteverdi machte aus einem für Palastfeste bestimmten Hirtenstück ein wahres Drama über das Leiden und tragische Schicksal des Orpheus, über die unsterbliche Schönheit seiner Kunst. (Monteverdi und Striggio behielten die tragische Version der Auflösung des Mythos bei – Orpheus, der das Totenreich verlässt, verstößt gegen das Verbot, blickt auf Eurydike zurück und verliert sie für immer.) „Orpheus“ zeichnet sich durch eine Fülle von Mitteln aus, die für einen frühen überraschend sind arbeiten. Expressive Deklamation und eine weite Kantilene, Chöre und Ensembles, Ballett, ein entwickelter Orchesterpart verkörpern eine zutiefst lyrische Idee. Nur eine Szene aus Monteverdis zweiter Oper Ariadne (1608) ist bis heute erhalten. Dies ist die berühmte „Lamento Ariadne“ („Lass mich sterben …“), die als Vorbild für viele Lamento-Arien (Klagearien) in der italienischen Oper diente. (Lament of Ariadne ist in zwei Versionen bekannt – für Solostimme und in Form eines fünfstimmigen Madrigals.)

1613 zog Monteverdi nach Venedig und blieb bis zu seinem Lebensende im Dienst des Kapellmeisters im Markusdom. Das reiche Musikleben Venedigs eröffnete dem Komponisten neue Möglichkeiten. Monteverdi schreibt Opern, Ballette, Zwischenspiele, Madrigale, Musik für kirchliche und höfische Feste. Eines der originellsten Werke dieser Jahre ist die dramatische Szene „Das Duell von Tancred und Clorinda“, die auf dem Text des Gedichts „Jerusalem befreit“ von T. Tasso basiert und das Lesen (die Rolle des Erzählers), das Schauspiel (die Rolle des Erzählers) kombiniert rezitativische Teile von Tancred und Clorinda) und ein Orchester, das den Verlauf des Duells darstellt, offenbart die emotionale Natur der Szene. Im Zusammenhang mit dem „Duell“ schrieb Monteverdi über den neuen Stil des concitato (aufgeregt, erregt) und kontrastierte ihn mit dem damals vorherrschenden „sanften, gemäßigten“ Stil.

Viele von Monteverdis Madrigalen zeichnen sich auch durch ihren scharf expressiven, dramatischen Charakter aus (die letzte, achte Sammlung von Madrigalen, 1638, wurde in Venedig geschaffen). In diesem Genre der polyphonen Vokalmusik wurde der Stil des Komponisten geformt und die Auswahl der Ausdrucksmittel vollzogen. Besonders originell ist die harmonische Sprache der Madrigale (kühne Tonvergleiche, chromatische, dissonante Akkorde etc.). Ende der 1630er – Anfang der 40er Jahre. das Opernwerk von Monteverdi erreicht seinen Höhepunkt („Rückkehr des Odysseus in seine Heimat“ – 1640, „Adonis“ – 1639, „Die Hochzeit von Aeneas und Lavinia“ – 1641; die letzten beiden Opern sind nicht erhalten).

1642 wurde Monteverdis Krönung der Poppea in Venedig aufgeführt (Libretto von F. Businello nach Tacitus' Annalen). Die letzte Oper des 75-jährigen Komponisten ist zu einem wahren Höhepunkt seines Schaffens geworden. Darin spielen konkrete historische Persönlichkeiten aus dem wirklichen Leben – der römische Kaiser Nero, bekannt für seine List und Grausamkeit, sein Lehrer – der Philosoph Seneca. Vieles in The Coronation legt Analogien zu den Tragödien des brillanten Zeitgenossen des Komponisten, W. Shakespeare, nahe. Offenheit und Intensität der Leidenschaften, scharfe, wirklich „shakespearesche“ Kontraste von erhabenen und Genreszenen, Komödie. So wird Senecas Abschied von den Schülern – der tragische Höhepunkt der Oera – durch ein fröhliches Zwischenspiel eines Pagen und eines Dienstmädchens ersetzt, und dann beginnt eine wahre Orgie – Nero und seine Freunde verspotten den Lehrer, feiern seinen Tod.

„Sein einziges Gesetz ist das Leben selbst“, schrieb R. Rolland über Monteverdi. Mit dem Mut zu Entdeckungen war Monteverdis Werk seiner Zeit weit voraus. Der Komponist sah eine sehr ferne Zukunft des Musiktheaters voraus: den Realismus der Operndramaturgie von WA ​​Mozart, G. Verdi, M. Mussorgsky. Vielleicht war das Schicksal seiner Werke deshalb so überraschend. Viele Jahre blieben sie in Vergessenheit und wurden erst in unserer Zeit wieder lebendig.

I. Okhalova

Der Sohn eines Arztes und der älteste von fünf Brüdern. Er studierte Musik mit MA Ingenieri. Im Alter von fünfzehn Jahren veröffentlichte er 1587 Spirituelle Melodien – das erste Madrigalbuch. 1590 wurde Vincenzo Gonzaga am Hof ​​des Herzogs von Mantua Bratschist und Sänger, dann Leiter der Kapelle. Begleitet den Herzog nach Ungarn (während des Türkenfeldzugs) und Flandern. 1595 heiratet er die Sängerin Claudia Cattaneo, die ihm drei Söhne schenken wird; sie wird 1607 kurz nach dem Triumph des Orpheus sterben. Seit 1613 – ein lebenslanges Amt des Leiters der Kapelle in der Republik Venedig; die Komposition geistlicher Musik, die letzten Madrigalbücher, dramatische Werke, meist verschollen. Um 1632 übernahm er das Priesteramt.

Monteverdis Opernwerk hat ein sehr solides Fundament, da es das Ergebnis früherer Erfahrungen in der Komposition von Madrigalen und geistlicher Musik ist, Genres, in denen der Cremoneser Meister unvergleichliche Ergebnisse erzielte. Die Hauptetappen seiner Theatertätigkeit scheinen – zumindest nach dem, was uns überliefert ist – zwei klar voneinander abgegrenzte Perioden zu sein: das Mantua zu Beginn des Jahrhunderts und das Venezianische, das in seine Mitte fällt.

Zweifellos ist „Orpheus“ das auffälligste Zeugnis des vokalen und dramatischen Stils des frühen XNUMX. Jahrhunderts in Italien. Seine Bedeutung wird durch die Theatralik bestimmt, eine große Effektsättigung, darunter orchestrale, einfühlsame Appelle und Beschwörungsformeln, in denen die florentinische Gesangsrezitation (sehr angereichert mit emotionalen Höhen und Tiefen) mit zahlreichen Madrigaleinlagen zu kämpfen scheint, damit der Gesang von Orpheus ist ein fast klassisches Beispiel für ihre Konkurrenz.

In den letzten Opern der venezianischen Zeit, die mehr als dreißig Jahre später geschrieben wurden, kann man die verschiedenen stilistischen Veränderungen spüren, die im italienischen Melodrama (insbesondere nach der Blüte der römischen Schule) stattgefunden haben, und die entsprechenden Änderungen in den Ausdrucksmitteln, die alle vorgestellt wurden und kombiniert mit großer Freiheit in einer sehr weiten, sogar verschwenderischen dramatischen Leinwand. Chorepisoden werden entfernt oder stark reduziert, Ariose und Rezitativ werden flexibel und funktional je nach Bedarf des Dramas kombiniert, während andere, weiter entwickelte und symmetrische Formen mit klareren rhythmischen Bewegungen in die Theaterarchitektur eingeführt werden und die spätere Technik der Autonomisierung vorwegnehmen die Opernsprache, Einleitung sozusagen, formale Modelle und Schemata, unabhängiger von den ständig wechselnden Anforderungen des poetischen Dialogs.

Allerdings lief Monteverdi natürlich nicht Gefahr, sich vom poetischen Text zu entfernen, da er seinen Vorstellungen über das Wesen und den Zweck der Musik als Dienerin der Poesie stets treu blieb und dieser in ihrer außergewöhnlichen Ausdrucksfähigkeit half menschliche Gefühle.

Wir dürfen nicht vergessen, dass der Komponist in Venedig eine günstige Atmosphäre für ein Libretto mit historischen Handlungen gefunden hat, die auf dem Weg der Suche nach „Wahrheit“ voranschreiten, oder jedenfalls mit Handlungen, die der psychologischen Forschung förderlich sind.

Einprägsam ist Monteverdis kleine Kammeroper „Das Duell von Tancred und Clorinda“ zum Text von Torquato Tasso – eigentlich ein Madrigal im Bildstil; Während des Karnevals von 1624 im Haus des Grafen Girolamo Mocenigo aufgestellt, begeisterte er das Publikum und „brach ihr fast die Tränen weg“. Es handelt sich um eine Mischung aus Oratorium und Ballett (das Geschehen wird pantomimisch dargestellt), in der der große Komponist im Stil reinster melodiöser Rezitation eine enge, beharrliche und präzise Verbindung zwischen Poesie und Musik herstellt. Das größte Beispiel für vertonte Poesie, fast Konversationsmusik, „Duell“ enthält großartige und erhabene, mystische und sinnliche Momente, in denen der Klang fast zu einer figurativen Geste wird. Im Finale geht eine kurze Akkordfolge in ein strahlendes „Dur“ über, in dem die Modulation ohne den nötigen Leitton ausklingt, während die Stimme eine Kadenz auf eine im Akkord nicht enthaltene Note spielt, da in diesem Moment ein Bild einer anderen, neuen Welt tut sich auf. Die Blässe der sterbenden Clorinda bedeutet Glückseligkeit.

G. Marchesi (übersetzt von E. Greceanii)