Sergej Wassiljewitsch Rachmaninoff |

Sergej Rachmaninow

Und ich hatte ein Heimatland; Er ist wundervoll! A. Pleshcheev (von G. Heine)

Rachmaninov wurde aus Stahl und Gold geschaffen; Stahl in seinen Händen, Gold in seinem Herzen. I. Hoffmann

„Ich bin ein russischer Komponist, und meine Heimat hat meinen Charakter und meine Ansichten geprägt.“ Diese Worte gehören S. Rachmaninov, dem großen Komponisten, brillanten Pianisten und Dirigenten. Alle wichtigen Ereignisse des russischen sozialen und künstlerischen Lebens spiegelten sich in seinem kreativen Leben wider und hinterließen unauslöschliche Spuren. Die Entstehung und Blüte von Rachmaninovs Werk fällt in die Jahre 1890-1900, eine Zeit, in der die komplexesten Prozesse in der russischen Kultur stattfanden, der spirituelle Puls fieberhaft und nervös schlug. Das äußerst lyrische Gefühl Rachmaninows dieser Ära war unweigerlich mit dem Bild seines geliebten Mutterlandes verbunden, mit der Unendlichkeit seiner Weiten, der Kraft und Gewalt seiner elementaren Kräfte, der sanften Zerbrechlichkeit der blühenden Frühlingsnatur.

Rachmaninovs Talent zeigte sich früh und hell, obwohl er bis zum Alter von zwölf Jahren nicht viel Eifer für systematischen Musikunterricht zeigte. Mit 4 Jahren begann er mit dem Klavierspielen, 1882 wurde er am St. Petersburger Konservatorium aufgenommen, wo er, sich selbst überlassen, ziemlich herumbastelte, und 1885 wurde er an das Moskauer Konservatorium versetzt. Hier studierte Rachmaninoff Klavier bei N. Zverev, dann bei A. Siloti; in theoretischen Fächern und Komposition – bei S. Taneyev und A. Arensky. Er lebte mit Zverev (1885-89) in einer Pension und durchlief eine harte, aber sehr vernünftige Schule der Arbeitsdisziplin, die ihn von einer verzweifelten, faulen und ungezogenen Person zu einer außergewöhnlich gesammelten und willensstarken Person machte. „Das Beste, was in mir steckt, verdanke ich ihm“, – so sagte Rachmaninov später über Zverev. Am Konservatorium wurde Rachmaninoff stark von der Persönlichkeit P. Tschaikowskys beeinflusst, der seinerseits die Entwicklung seines Lieblings Seryozha verfolgte und nach seinem Abschluss am Konservatorium half, die Oper Aleko am Bolschoi-Theater zu inszenieren eigene traurige Erfahrung, wie schwierig es für einen unerfahrenen Musiker ist, seinen eigenen Weg zu finden.

Rachmaninow schloss das Konservatorium in Klavier (1891) und Komposition (1892) mit einer Großen Goldmedaille ab. Zu dieser Zeit war er bereits Autor mehrerer Kompositionen, darunter das berühmte Präludium in cis-Moll, die Romanze „In der Stille der geheimen Nacht“, das Erste Klavierkonzert, die als Abschlussarbeit entstandene Oper „Aleko“. in nur 17 Tagen! Die folgenden Fantasiestücke op. 3 (1892), Elegisches Trio „In Erinnerung an einen großen Künstler“ (1893), Suite für zwei Klaviere (1893), Momente der Musik op. 16 (1896), Romanzen, symphonische Werke – „The Cliff“ (1893), Capriccio on Gypsy Themes (1894) – bestätigten die Meinung von Rachmaninov als starkes, tiefes, originelles Talent. Die für Rachmaninoff charakteristischen Bilder und Stimmungen tauchen in diesen Werken in einem breiten Spektrum auf – von der tragischen Trauer des „Musikalischen Moments“ in h-Moll bis zur hymnischen Apotheose der Romanze „Quellwasser“, vom harten spontan-willkürlichen Druck der „Musikalischer Moment“ in e-Moll zum feinsten Aquarell der Romanze „Insel“.

Das Leben in diesen Jahren war schwierig. Rachmaninoff war von Natur aus ein verletzlicher Mensch, der oft Selbstzweifel hatte und entschlossen und kraftvoll in Leistung und Kreativität war. Gestört durch materielle Schwierigkeiten, weltliche Unordnung, Wandern in fremden Ecken. Und obwohl er von nahestehenden Menschen unterstützt wurde, vor allem von der Familie Satin, fühlte er sich einsam. Der starke Schock durch das Scheitern seiner im März 1897 in St. Petersburg uraufgeführten Ersten Sinfonie führte zu einer Schaffenskrise. Mehrere Jahre lang komponierte Rachmaninoff nichts, aber seine Konzerttätigkeit als Pianist intensivierte sich und er debütierte als Dirigent an der Moskauer Privatoper (1897). In diesen Jahren traf er L. Tolstoi, A. Tschechow, Künstler des Kunsttheaters, begann eine Freundschaft mit Fjodor Schaljapin, die Rachmaninow als eine der „stärksten, tiefsten und subtilsten künstlerischen Erfahrungen“ betrachtete. 1899 trat Rachmaninoff zum ersten Mal im Ausland auf (in London), und 1900 besuchte er Italien, wo Skizzen der zukünftigen Oper Francesca da Rimini erschienen. Ein freudiges Ereignis war die Inszenierung der Oper Aleko in St. Petersburg anlässlich des 100. Geburtstags von A. Puschkin mit Chaliapin als Aleko. So wurde allmählich und in den frühen 1900er Jahren ein interner Wendepunkt vorbereitet. Es gab eine Rückkehr zur Kreativität. Das neue Jahrhundert begann mit dem Zweiten Klavierkonzert, das wie ein gewaltiger Alarm klang. Zeitgenossen hörten in ihm die Stimme der Zeit mit ihrer Spannung, Explosivität und einem Gefühl für bevorstehende Veränderungen. Jetzt wird das Genre des Konzerts zum führenden, darin werden die Hauptideen mit der größten Vollständigkeit und Inklusivität verkörpert. Eine neue Etappe beginnt im Leben von Rachmaninow.

Allgemeine Anerkennung in Russland und im Ausland erhält seine pianistische und Dirigententätigkeit. 2 Jahre (1904-06) arbeitete Rachmaninow als Dirigent am Bolschoi-Theater und hinterließ in seiner Geschichte die Erinnerung an die wunderbaren Produktionen russischer Opern. 1907 nahm er an den von S. Diaghilev organisierten Russischen Historischen Konzerten in Paris teil, 1909 trat er zum ersten Mal in Amerika auf, wo er sein Drittes Klavierkonzert unter der Leitung von G. Mahler spielte. Intensive Konzerttätigkeit in den Städten Russlands und im Ausland wurde mit nicht weniger intensiver Kreativität kombiniert, und in der Musik dieses Jahrzehnts (in der Kantate „Frühling“ – 1902, in den Präludien op. 23, in den Finals der Zweiten Symphonie und das dritte Konzert) gibt es viel glühenden Enthusiasmus und Enthusiasmus. Und in Kompositionen wie den Romanzen „Flieder“, „Hier ist es gut“, in den Präludien in D-Dur und G-Dur erklang „die Musik der singenden Naturgewalten“ mit erstaunlicher Durchdringung.

Aber in den gleichen Jahren sind auch andere Stimmungen zu spüren. Traurige Gedanken über das Vaterland und sein zukünftiges Schicksal, philosophische Reflexionen über Leben und Tod lassen tragische Bilder der Ersten Klaviersonate entstehen, inspiriert von Goethes Faust, der symphonischen Dichtung „Die Insel der Toten“ nach dem Gemälde des Schweizer Künstlers A. Böcklin (1909), viele Seiten des Dritten Konzerts, Romanzen op. 26. Innere Veränderungen machten sich besonders nach 1910 bemerkbar. Wenn im Dritten Konzert die Tragödie endgültig überwunden ist und das Konzert mit einer jubelnden Apotheose endet, dann vertieft es sich in den darauffolgenden Werken kontinuierlich und erweckt aggressive, feindselige Bilder, düstere, depressive Stimmungen. Die Musiksprache wird komplexer, der für Rachmaninow so charakteristische weite melodische Atem verschwindet. Dies sind die vokalsymphonischen Gedichte „The Bells“ (über St. E. Poe, übersetzt von K. Balmont – 1913); Romanzen op. 34 (1912) und op. 38 (1916); Etüden-Gemälde op. 39 (1917). Zu dieser Zeit schuf Rachmaninow jedoch Werke voller hoher ethischer Bedeutung, die zur Verkörperung dauerhafter spiritueller Schönheit wurden, zum Höhepunkt von Rachmaninows Melodie – „Vocalise“ und „All-Night Vigil“ für Chor a cappella (1915). „Seit meiner Kindheit bin ich fasziniert von den großartigen Melodien von Oktoikh. Ich habe immer gespürt, dass für ihre Chorverarbeitung ein besonderer, besonderer Stil benötigt wird, und wie mir scheint, habe ich ihn in der Vesper gefunden. Ich kann nicht umhin, es zu gestehen. dass die Uraufführung durch den Moskauer Synodenchor mir eine Stunde lang das glücklichste Vergnügen bereitete“, erinnerte sich Rachmaninow.

Am 24. Dezember 1917 verließen Rachmaninow und seine Familie Russland, wie sich herausstellte, für immer. Mehr als ein Vierteljahrhundert lebte er in einem fremden Land, in den USA, und diese Zeit war meist erfüllt von anstrengender Konzerttätigkeit, den grausamen Gesetzen des Musikbusiness unterworfen. Rachmaninov verwendete einen erheblichen Teil seiner Gagen, um seine Landsleute im Ausland und in Russland materiell zu unterstützen. So wurde die gesamte Sammlung für die Aufführung im April 1922 zugunsten der Hungernden in Russland übertragen, und im Herbst 1941 schickte Rachmaninow mehr als viertausend Dollar an den Hilfsfonds der Roten Armee.

Im Ausland lebte Rachmaninoff isoliert und beschränkte seinen Freundeskreis auf Einwanderer aus Russland. Eine Ausnahme wurde nur für die Familie von F. Steinway gemacht, dem Leiter der Klavierfirma, mit der Rachmaninow freundschaftliche Beziehungen unterhielt.

In den ersten Jahren seines Auslandsaufenthalts ließ Rachmaninov den Gedanken an den Verlust der kreativen Inspiration nicht los. „Nachdem ich Russland verlassen hatte, verlor ich die Lust am Komponieren. Nachdem ich meine Heimat verloren hatte, verlor ich mich selbst.“ Nur 8 Jahre nach seiner Abreise ins Ausland kehrt Rachmaninow zur Kreativität zurück, kreiert das Vierte Klavierkonzert (1926), Drei russische Lieder für Chor und Orchester (1926), Variationen über ein Thema von Corelli für Klavier (1931), Rhapsodie über ein Thema von Paganini (1934), Dritte Sinfonie (1936), „Symphonische Tänze“ (1940). Diese Werke sind der letzte, höchste Aufstieg Rachmaninoffs. Ein trauriges Gefühl des unwiederbringlichen Verlustes, eine brennende Sehnsucht nach Russland lässt eine Kunst von enormer tragischer Kraft entstehen, die in den Symphonischen Tänzen ihren Höhepunkt erreicht. Und in der brillanten Dritten Symphonie verkörpert Rachmaninoff zum letzten Mal das zentrale Thema seines Schaffens – das Bild des Mutterlandes. Der streng konzentrierte intensive Gedanke des Künstlers ruft ihn aus den Tiefen der Jahrhunderte hervor, er erhebt sich als unendlich liebe Erinnerung. In einer komplexen Verflechtung verschiedenster Themen, Episoden entsteht eine weite Perspektive, ein dramatisches Epos vom Schicksal des Vaterlandes wird nachempfunden, das mit einer siegreichen Lebensbejahung endet. So trägt er durch alle Werke von Rachmaninoff die Unantastbarkeit seiner ethischen Prinzipien, hohe Spiritualität, Treue und unausweichliche Liebe zum Mutterland, dessen Personifikation seine Kunst war.

O. Awerjanowa

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Merkmale der Kreativität

Sergej Wassiljewitsch Rachmaninow ist neben Skrjabin eine der zentralen Figuren der russischen Musik des 1900. Jahrhunderts. Das Werk dieser beiden Komponisten zog die Aufmerksamkeit der Zeitgenossen besonders auf sich, sie stritten sich heftig darüber, es begannen scharfe gedruckte Diskussionen um ihre einzelnen Werke. Bei aller Verschiedenartigkeit des individuellen Erscheinungsbildes und figurativen Aufbaus der Musik von Rachmaninow und Skrjabin tauchten ihre Namen in diesen Auseinandersetzungen oft nebeneinander auf und wurden miteinander verglichen. Für einen solchen Vergleich gab es rein äußere Gründe: Beide waren Schüler des Moskauer Konservatoriums, die fast gleichzeitig ihren Abschluss machten und bei denselben Lehrern studierten. Beide hoben sich sofort durch die Stärke und Helligkeit ihres Talents von ihren Altersgenossen ab und erhielten keine Anerkennung nicht nur als hochbegabte Komponisten, sondern auch als herausragende Pianisten.

Aber es gab auch viele Dinge, die sie trennten und sie manchmal an unterschiedliche Flanken des Musiklebens brachten. Dem kühnen Erneuerer Skrjabin, der neue musikalische Welten erschloss, stand Rachmaninow als eher traditionell denkender Künstler gegenüber, der seine Arbeit auf den soliden Grundlagen des nationalen klassischen Erbes aufbaute. "G. Rachmaninoff, schrieb einer der Kritiker, ist die Säule, um die sich alle Verfechter der wirklichen Richtung gruppieren, all jene, die die von Mussorgsky, Borodin, Rimski-Korsakow und Tschaikowsky gelegten Grundlagen hochschätzen.

Doch trotz aller Unterschiede in den Positionen von Rachmaninov und Scriabin in ihrer zeitgenössischen musikalischen Realität wurden sie nicht nur durch die allgemeinen Bedingungen für die Erziehung und das Wachstum einer kreativen Persönlichkeit in ihrer Jugend zusammengebracht, sondern auch durch einige tiefere Gemeinsamkeiten . „Ein rebellisches, rastloses Talent“ – so wurde Rachmaninow einst in der Presse charakterisiert. Es war diese unruhige Impulsivität, die Erregung des emotionalen Tons, die für das Werk beider Komponisten charakteristisch ist, die es zu Beginn des XNUMX. Jahrhunderts mit ihren ängstlichen Erwartungen, Bestrebungen und Hoffnungen weiten Kreisen der russischen Gesellschaft besonders lieb und nahe machte .

„Skrjabin und Rachmaninoff sind die beiden ‚Herrscher des musikalischen Denkens' der modernen russischen Musikwelt <...> Jetzt teilen sie untereinander die Hegemonie in der Musikwelt“, gab LL Sabaneev zu, einer der eifrigsten Apologeten der ersten und ein ebenso hartnäckiger Gegner und Verleumder des zweiten. Ein anderer Kritiker, gemäßigter in seinen Urteilen, schrieb in einem Artikel, der einer vergleichenden Beschreibung der drei prominentesten Vertreter der Moskauer Musikschule, Tanejew, Rachmaninow und Skrjabin, gewidmet war: Der Ton des modernen, fieberhaft intensiven Lebens. Beides sind die größten Hoffnungen des modernen Russland.“

Lange Zeit dominierte das Bild von Rachmaninow als einem der engsten Erben und Nachfolger Tschaikowskys. Der Einfluss des Autors von The Queen of Spades spielte zweifellos eine bedeutende Rolle bei der Entstehung und Entwicklung seines Werks, was für einen Absolventen des Moskauer Konservatoriums, einen Schüler von AS Arensky und SI Taneyev, ganz natürlich ist. Gleichzeitig nahm er auch einige Merkmale der „Petersburger“ Komponistenschule wahr: Die aufgeregte Lyrik Tschaikowskys verbindet sich bei Rachmaninow mit der schroffen epischen Erhabenheit Borodins, Mussorgskys tiefem Eindringen in das System des altrussischen Musikdenkens und die poetische Wahrnehmung von Rimsky-Korsakovs ursprünglicher Natur. Doch alles, was von Lehrern und Vorgängern gelernt wurde, wurde vom Komponisten tiefgehend überdacht, seinem starken Gestaltungswillen gehorchend, und erhielt einen neuen, völlig eigenständigen individuellen Charakter. Der zutiefst originelle Stil von Rachmaninow ist von großer innerer Integrität und Organizität.

Wenn wir in der russischen Kunstkultur der Jahrhundertwende nach Parallelen zu ihm suchen, dann sind das in erster Linie die Tschechow-Bunin-Linie in der Literatur, die lyrischen Landschaften von Levitan, Nesterov, Ostroukhov in der Malerei. Diese Parallelen wurden von verschiedenen Autoren wiederholt festgestellt und sind fast stereotyp geworden. Es ist bekannt, mit welcher glühenden Liebe und Achtung Rachmaninow das Werk und die Persönlichkeit Tschechows behandelte. Schon in seinen späteren Lebensjahren, beim Lesen der Briefe des Schriftstellers, bedauerte er, ihm zu seiner Zeit nicht näher begegnet zu sein. Der Komponist war viele Jahre lang durch gegenseitige Sympathie und gemeinsame künstlerische Ansichten mit Bunin verbunden. Sie wurden zusammengeführt und verbunden durch eine leidenschaftliche Liebe zu ihrer gebürtigen russischen Natur, zu den Zeichen eines einfachen Lebens, das bereits in unmittelbarer Nähe eines Menschen die Welt um ihn herum hinterlässt, die poetische Haltung der Welt, die tief gefärbt ist durchdringende Lyrik, der Durst nach geistiger Befreiung und Befreiung von den Fesseln, die die Freiheit der menschlichen Person einschränken.

Inspirationsquelle für Rachmaninov waren vielfältige Impulse aus dem wirklichen Leben, der Schönheit der Natur, Bildern aus Literatur und Malerei. „… Ich finde“, sagte er, „dass musikalische Ideen in mir unter dem Einfluss bestimmter außermusikalischer Eindrücke leichter geboren werden.“ Gleichzeitig strebte Rachmaninov jedoch nicht so sehr nach einer direkten Reflexion bestimmter Realitätsphänomene durch Musik, nach einem „Malen in Klängen“, sondern nach dem Ausdruck seiner emotionalen Reaktionen, Gefühle und Erfahrungen, die unter dem Einfluss verschiedener auftreten extern empfangene Eindrücke. In diesem Sinne können wir von ihm als einem der markantesten und typischsten Vertreter des poetischen Realismus des 900. Jahrhunderts sprechen, dessen Hauptrichtung von VG Korolenko erfolgreich formuliert wurde: „Wir spiegeln Phänomene nicht nur so wider, wie sie sind und tun keine Illusion aus einer nicht existierenden Welt heraus erschaffen. Wir schaffen oder manifestieren eine neue Beziehung des menschlichen Geistes zur umgebenden Welt, die in uns geboren wird.

Eines der charakteristischsten Merkmale von Rachmaninovs Musik, das vor allem beim Kennenlernen auffällt, ist die ausdrucksstärkste Melodie. Unter seinen Zeitgenossen zeichnet er sich durch seine Fähigkeit aus, sich weit und lang entfaltende Melodien mit großem Atem zu schaffen, wobei er die Schönheit und Plastizität der Zeichnung mit einem hellen und intensiven Ausdruck verbindet. Melodismus, Melodiösität ist die Hauptqualität von Rachmaninovs Stil, die weitgehend die Natur des harmonischen Denkens des Komponisten und die Textur seiner Werke bestimmt, die in der Regel mit unabhängigen Stimmen gesättigt sind, die entweder in den Vordergrund treten oder in einer dichten Dichte verschwinden solider Stoff.

Rachmaninoff schuf seine eigene, ganz besondere Art von Melodie, basierend auf einer Kombination von Tschaikowskys charakteristischen Techniken – intensive dynamische Melodieentwicklung mit der Methode der Variantentransformationen, sanfter und ruhiger ausgeführt. Nach einem schnellen Start oder einem langen intensiven Aufstieg nach oben friert die Melodie sozusagen auf dem erreichten Niveau ein und kehrt ausnahmslos zu einem lang gesungenen Klang zurück oder kehrt langsam mit aufsteigenden Leisten zu ihrer ursprünglichen Höhe zurück. Auch die umgekehrte Beziehung ist möglich, wenn ein mehr oder weniger langer Aufenthalt in einer begrenzten Höhenzone plötzlich durch den Verlauf der Melodie für ein breites Intervall unterbrochen wird und eine Nuance scharfen lyrischen Ausdrucks einführt.

In einer solchen Durchdringung von Dynamik und Statik sieht LA ​​Mazel eines der charakteristischsten Merkmale von Rachmaninows Melodie. Ein anderer Forscher misst dem Verhältnis dieser Prinzipien in Rachmaninows Werk eine allgemeinere Bedeutung bei und weist auf den Wechsel von Momenten des „Bremsens“ und „Durchbrechens“ hin, die vielen seiner Werke zugrunde liegen. (VP Bobrovsky drückt eine ähnliche Idee aus und stellt fest, dass „das Wunder von Rachmaninows Individualität in der einzigartigen organischen Einheit zweier gegensätzlicher Tendenzen und ihrer nur ihm innewohnenden Synthese liegt“ – ein aktives Streben und eine Tendenz, „lang an dem festzuhalten, was war erreicht."). Eine Vorliebe für kontemplative Lyrik, längeres Eintauchen in einen Gemütszustand, als wollte der Komponist die flüchtige Zeit anhalten, verband er mit einer gewaltigen, nach außen strömenden Energie, einem Durst nach aktiver Selbstbestätigung. Daher die Stärke und Schärfe der Kontraste in seiner Musik. Er versuchte, jedes Gefühl, jeden Geisteszustand bis zum Äußersten zum Ausdruck zu bringen.

In den sich frei entfaltenden lyrischen Melodien Rachmaninows mit ihrem langen, ununterbrochenen Atem hört man oft so etwas wie die „unausweichliche“ Weite des russischen Nachhall-Volksliedes. Gleichzeitig war die Verbindung zwischen Rachmaninows Kreativität und dem Schreiben von Volksliedern jedoch sehr indirekter Natur. Nur in seltenen Einzelfällen griff der Komponist auf die Verwendung echter Volksweisen zurück; er strebte keine direkte Ähnlichkeit seiner eigenen Melodien mit volkstümlichen an. „Bei Rachmaninow“, bemerkt der Autor eines speziellen Werkes über seine Melodik zu Recht, „taucht selten direkt eine Verbindung zu bestimmten Gattungen der Volkskunst auf. Gerade das Genre scheint sich oft im allgemeinen „Gefühl“ des Folk aufzulösen und ist nicht, wie bei seinen Vorgängern, der zementierende Anfang des gesamten Prozesses der musikalischen Bildwerdung. Wiederholt wurde auf solche charakteristischen Merkmale von Rachmaninows Melodie hingewiesen, die sie dem russischen Volkslied näher bringen, wie z vom Komponisten werden diese Merkmale zu einem unveräußerlichen Eigentum des individuellen Autorenstils und erhalten eine besondere, nur ihm eigene Ausdrucksfärbung.

Die andere Seite dieses Stils, so unwiderstehlich beeindruckend wie der melodische Reichtum von Rachmaninovs Musik, ist ein ungewöhnlich energischer, gebieterisch erobernder und gleichzeitig flexibler, manchmal skurriler Rhythmus. Sowohl die Zeitgenossen des Komponisten als auch spätere Forscher haben viel über diesen spezifischen Rachmaninow-Rhythmus geschrieben, der unwillkürlich die Aufmerksamkeit des Zuhörers auf sich zieht. Oft ist es der Rhythmus, der den Hauptton der Musik bestimmt. AV Ossovsky bemerkte 1904 in Bezug auf den letzten Satz der Zweiten Suite für zwei Klaviere, dass Rachmaninow darin „keine Angst hatte, das rhythmische Interesse der Tarantella-Form einer rastlosen und verdunkelten Seele zu vertiefen, die Angriffen irgendeiner Art von Dämonismus nicht fremd ist mal."

Rhythmus erscheint bei Rachmaninow als Träger eines wirksamen Willensprinzips, das das musikalische Gewebe dynamisiert und eine lyrische „Gefühlsflut“ in den Mainstream eines harmonischen architektonischen Ganzen einführt. BV Asafiev, der die Rolle des rhythmischen Prinzips in den Werken von Rachmaninov und Tschaikowsky vergleicht, schrieb: „In letzterem jedoch manifestierte sich die grundlegende Natur seiner „rastlosen“ Symphonie mit besonderer Kraft in der dramatischen Kollision der Themen selbst. In Rachmaninows Musik erweist sich das sehr Leidenschaftliche in seiner schöpferischen Integrität, die Vereinigung des lyrisch-kontemplativen Gefühlsspeichers mit dem willensstarken organisatorischen Speicher des „Ich“ des Komponisten-Performers als jene „individuelle Sphäre“ der persönlichen Kontemplation, die rhythmisch gesteuert wurde im Sinne des Willensfaktors … “. Das rhythmische Muster bei Rachmaninov ist immer sehr klar umrissen, egal ob der Rhythmus einfach, gleichmäßig, wie die schweren, gemessenen Schläge einer großen Glocke, oder komplex, verschlungen blumig ist. Das vom Komponisten besonders in den Werken der 1910er Jahre beliebte rhythmische Ostinato verleiht dem Rhythmus nicht nur formative, sondern teilweise auch thematische Bedeutung.

Auf dem Gebiet der Harmonielehre ging Rachmaninoff nicht über das klassische Dur-Moll-System hinaus, wie es in den Werken europäischer Komponisten der Romantik, Tschaikowskys und Vertretern der Mächtigen Handvoll angenommen wurde. Seine Musik ist immer tonal definiert und stabil, aber mit den Mitteln der klassisch-romantischen Tonharmonie zeichnete er sich durch einige charakteristische Merkmale aus, anhand derer es nicht schwierig ist, die Urheberschaft der einen oder anderen Komposition festzustellen. Zu solchen besonderen individuellen Merkmalen von Rachmaninovs harmonischer Sprache gehören beispielsweise die bekannte Langsamkeit funktionaler Bewegungen, die Tendenz, lange in einer Tonart zu bleiben, und manchmal die Schwächung der Schwerkraft. Es wird auf die Fülle komplexer Multi-Tert-Formationen hingewiesen, Reihen von nicht- und undezimalen Akkorden, die oft mehr farbige, phonische als funktionale Bedeutung haben. Die Verbindung dieser Art von komplexen Harmonien erfolgt meist mit Hilfe der melodischen Verbindung. Die Dominanz des melodisch-sängerischen Elements in Rachmaninows Musik bestimmt den hohen Grad an polyphoner Sättigung ihres Klanggefüges: Durch die freie Bewegung mehr oder weniger unabhängiger „singender“ Stimmen entstehen immer wieder einzelne harmonische Komplexe.

Es gibt eine beliebte harmonische Wendung von Rachmaninoff, die er besonders in den Kompositionen der frühen Periode so oft verwendete, dass er sogar den Namen „Rachmaninovs Harmonie“ erhielt. Dieser Turnover basiert auf einem reduzierten einleitenden Septakkord eines harmonischen Molls, das normalerweise in Form eines Terzkvartakkords mit dem Ersatz von II Grad III und Auflösung in einen tonischen Dreiklang in der melodischen dritten Position verwendet wird.

Der Übergang zu einer reduzierten Quart, der in diesem Fall in der melodischen Stimme entsteht, ruft ein ergreifendes, trauriges Gefühl hervor.

Als eines der bemerkenswertesten Merkmale von Rachmaninovs Musik bemerkten eine Reihe von Forschern und Beobachtern ihre vorherrschende Moll-Färbung. Alle seine vier Klavierkonzerte, drei Symphonien, beide Klaviersonaten, die meisten Etüdenbilder und viele andere Kompositionen sind in Moll geschrieben. Auch Dur erhält oft eine Moll-Färbung durch abnehmende Alterationen, tonale Abweichungen und die weit verbreitete Verwendung von Moll-Seitenschritten. Aber nur wenige Komponisten haben eine solche Vielfalt an Nuancen und Ausdruckskonzentrationen in der Verwendung der Moll-Tonart erreicht. LE Gakkels Bemerkung, dass in den Etüden-Gemälden op. 39 „bei der breitesten Palette kleiner Seinsfarben, kleiner Lebensgefühle“ lässt sich auf einen wesentlichen Teil des gesamten Schaffens Rachmaninows ausdehnen. Kritiker wie Sabaneev, der eine voreingenommene Feindseligkeit gegenüber Rachmaninov hegte, nannten ihn „einen intelligenten Jammerlappen“, dessen Musik „die tragische Hilflosigkeit eines Mannes ohne Willenskraft“ widerspiegelt. Rachmaninows dichtes „dunkles“ Moll hingegen klingt oft mutig, protestierend und voller ungeheurer Willensspannung. Und wenn traurige Töne vom Ohr gefangen werden, dann ist dies die „edle Trauer“ des patriotischen Künstlers, dieses „gedämpfte Stöhnen über das Heimatland“, das M. Gorki in einigen Werken von Bunin hörte. Wie dieser Schriftsteller, der ihm im Geiste nahe stand, „dachte“ Rachmaninow mit den Worten von Gorki „an Russland als Ganzes“, bedauerte seine Verluste und empfand Angst vor dem Schicksal der Zukunft.

Das kreative Bild von Rachmaninov blieb in seinen Hauptzügen während der gesamten Reise des Komponisten von einem halben Jahrhundert integral und stabil, ohne scharfe Brüche und Veränderungen zu erfahren. Ästhetischen und stilistischen Prinzipien, in seiner Jugend erlernt, blieb er bis in die letzten Jahre seines Lebens treu. Dennoch können wir in seinem Werk eine gewisse Entwicklung beobachten, die sich nicht nur in der Steigerung des Könnens, der Bereicherung der Klangpalette manifestiert, sondern teilweise auch die figurative und expressive Struktur der Musik beeinflusst. Auf diesem Weg sind drei große, wenn auch in Dauer und Produktivitätsgrad ungleiche Perioden klar umrissen. Sie sind durch mehr oder weniger langwierige temporäre Zäsuren, Zweifelsstreifen, Reflexionen und Zögerungen voneinander abgegrenzt, wenn kein einziges vollendetes Werk aus der Feder des Komponisten hervorging. Die erste Periode, die in die 90er Jahre des XNUMX. Jahrhunderts fällt, kann als Zeit der kreativen Entwicklung und Reifung des Talents bezeichnet werden, die sich durch die frühzeitige Überwindung natürlicher Einflüsse durchsetzte. Die Werke dieser Zeit sind oft noch nicht eigenständig genug, unvollkommen in Form und Textur. (Einige von ihnen (Erstes Klavierkonzert, Elegisches Trio, Klavierstücke: Melodie, Serenade, Humoreske) wurden später vom Komponisten überarbeitet und ihre Textur wurde angereichert und entwickelt.), obwohl in einigen ihrer Seiten (die besten Momente der Jugendoper „Aleko“, das Elegiac Trio in Erinnerung an PI Tschaikowsky, das berühmte Präludium in cis-Moll, einige der musikalischen Momente und Romanzen) die Individualität des Komponisten ist bereits mit hinreichender Sicherheit aufgedeckt worden.

Eine unerwartete Pause kommt 1897 nach der erfolglosen Aufführung von Rachmaninows Erster Symphonie, einem Werk, in das der Komponist viel Arbeit und geistige Energie investierte, das von den meisten Musikern missverstanden und auf den Seiten der Presse fast einstimmig verurteilt, ja sogar verspottet wurde von einigen Kritikern. Das Scheitern der Sinfonie verursachte bei Rachmaninoff ein tiefes seelisches Trauma; nach seinem eigenen, späteren Geständnis war er „wie ein Mann, der einen Schlaganfall hatte und für lange Zeit Kopf und Hände verlor“. Die nächsten drei Jahre waren Jahre fast vollständiger kreativer Stille, aber gleichzeitig konzentrierter Reflexionen, einer kritischen Neubewertung von allem bisher Gemachten. Das Ergebnis dieser intensiven inneren Arbeit des Komponisten an sich selbst war zu Beginn des neuen Jahrhunderts ein ungewöhnlich intensiver und heller schöpferischer Aufschwung.

In den ersten drei oder vier Jahren des 23. Jahrhunderts schuf Rachmaninow eine Reihe von Werken verschiedener Genres, die sich durch tiefe Poesie, Frische und Unmittelbarkeit der Inspiration auszeichnen, in denen der Reichtum der kreativen Vorstellungskraft und die Originalität der „Handschrift“ des Autors werden mit hochwertiger Handwerkskunst kombiniert. Darunter sind das Zweite Klavierkonzert, die Zweite Suite für zwei Klaviere, die Sonate für Cello und Klavier, die Kantate „Frühling“, Zehn Präludien op. XNUMX, die Oper „Francesca da Rimini“, einige der besten Beispiele für Rachmaninows Gesangstexte („Flieder“, „Auszug aus A. Musset“). Diese Werkreihe begründete Rachmaninoffs Position als einen der größten und interessantesten russischen Komponisten unserer Zeit, was ihm eine breite Anerkennung in den Kreisen der künstlerischen Intelligenz und unter den Massen der Zuhörer einbrachte.

Ein relativ kurzer Zeitraum von 1901 bis 1917 war der fruchtbarste in seinem Schaffen: In diesen anderthalb Jahrzehnten entstanden die meisten der reifen, eigenständigen Werke Rachmaninows, die zu einem festen Bestandteil der nationalen Musikklassiker wurden. Fast jedes Jahr brachte neue Werke, deren Erscheinen zu einem bemerkenswerten Ereignis im Musikleben wurde. Mit der unaufhörlichen Schaffenstätigkeit von Rachmaninoff blieb sein Werk in dieser Zeit nicht unverändert: Um die Wende der ersten zwei Jahrzehnte machen sich darin Symptome einer Brauwende bemerkbar. Ohne seine allgemeinen „generischen“ Qualitäten zu verlieren, wird es im Ton strenger, störende Stimmungen verstärken sich, während das direkte Ergießen lyrischer Gefühle zu verlangsamen scheint, helle transparente Farben erscheinen seltener auf der Klangpalette des Komponisten, der Gesamtfarbe der Musik verdunkelt und verdickt. Diese Veränderungen machen sich in der zweiten Reihe der Klaviervorspiele bemerkbar, op. 32, zwei Zyklen von Etüden-Gemälden und vor allem solche monumentalen Großkompositionen wie „Die Glocken“ und „Die Nachtwache“, die tiefe, grundlegende Fragen der menschlichen Existenz und des Lebenszwecks eines Menschen aufwerfen.

Die von Rachmaninow erlebte Entwicklung entging der Aufmerksamkeit seiner Zeitgenossen nicht. Einer der Kritiker schrieb über The Bells: „Rachmaninov scheint begonnen zu haben, nach neuen Stimmungen zu suchen, nach einer neuen Art, seine Gedanken auszudrücken … Sie spüren hier den wiedergeborenen neuen Stil von Rachmaninov, der nichts mit dem Stil von Tschaikowsky zu tun hat. ”

Nach 1917 beginnt eine neue Pause im Werk von Rachmaninov, diesmal viel länger als die vorherige. Erst nach einem ganzen Jahrzehnt kehrte der Komponist zum Komponieren zurück, nachdem er drei russische Volkslieder für Chor und Orchester bearbeitet und das am Vorabend des Ersten Weltkriegs begonnene Vierte Klavierkonzert vollendet hatte. In den 30er Jahren schrieb er (bis auf wenige Konzerttranskriptionen für Klavier) nur vier, jedoch im Hinblick auf die Idee der Hauptwerke bedeutende Werke.

* * *

In einem Umfeld komplexer, oft widersprüchlicher Suchen, eines scharfen, intensiven Richtungskampfes, eines Zusammenbruchs der üblichen Formen des künstlerischen Bewusstseins, die die Entwicklung der Musikkunst in der ersten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts charakterisierten, blieb Rachmaninow der großen Klassik treu Traditionen der russischen Musik von Glinka bis Borodin, Mussorgsky, Tschaikowsky, Rimsky-Korsakov und ihren engsten, direkten Schülern und Anhängern von Taneyev, Glazunov. Aber er beschränkte sich nicht auf die Rolle des Hüters dieser Traditionen, sondern nahm sie aktiv und kreativ wahr und behauptete ihre lebendige, unerschöpfliche Kraft, die Fähigkeit zur Weiterentwicklung und Bereicherung. Als sensibler, beeinflussbarer Künstler blieb Rachmaninov trotz seines Festhaltens an den Regeln der Klassiker nicht taub für die Rufe der Moderne. In seiner Einstellung zu den neuen Stilrichtungen des XNUMX. Jahrhunderts gab es nicht nur einen Moment der Konfrontation, sondern auch einer gewissen Interaktion.

Über einen Zeitraum von einem halben Jahrhundert hat Rachmaninovs Werk eine bedeutende Entwicklung durchlaufen, und die Werke nicht nur der 1930er, sondern auch der 1910er Jahre unterscheiden sich sowohl in ihrer figurativen Struktur als auch in der Sprache, den musikalischen Ausdrucksmitteln von den frühen, noch nicht erheblich völlig unabhängige Opus des Endes des vorherigen. Jahrhunderte. In einigen von ihnen kommt der Komponist mit Impressionismus, Symbolismus, Neoklassizismus in Berührung, obwohl er auf zutiefst eigenartige Weise die Elemente dieser Strömungen individuell wahrnimmt. Bei all den Veränderungen und Wendungen blieb Rachmaninovs kreatives Image innerlich sehr integral und behielt jene grundlegenden, bestimmenden Merkmale bei, denen seine Musik ihre Popularität bei den unterschiedlichsten Zuhörern verdankt: leidenschaftliche, fesselnde Lyrik, Wahrhaftigkeit und Aufrichtigkeit des Ausdrucks, poetische Vision der Welt .

Ju. Komm schon

Dirigent Rachmaninow

Rachmaninow ging nicht nur als Komponist und Pianist in die Geschichte ein, sondern auch als herausragender Dirigent unserer Zeit, obwohl diese Seite seiner Tätigkeit nicht so lang und intensiv war.

Sein Debüt als Dirigent gab Rachmaninow im Herbst 1897 an der Mamontow-Privatoper in Moskau. Davor musste er kein Orchester leiten und Dirigieren studieren, aber das brillante Talent des Musikers half Rachmaninow, schnell die Geheimnisse der Meisterschaft zu erlernen. Es genügt, sich daran zu erinnern, dass er es kaum schaffte, die erste Probe zu Ende zu bringen: Er wusste nicht, dass die Sänger die Einleitungen anzeigen mussten; und ein paar Tage später hatte Rachmaninov seine Arbeit bereits perfekt gemacht und Saint-Saëns' Oper Samson and Delilah dirigiert.

„Das Jahr meines Aufenthalts an der Mamontov-Oper war für mich von großer Bedeutung“, schrieb er. „Dort habe ich mir eine echte Dirigententechnik angeeignet, die mir später sehr zugute kam.“ Während der Arbeitssaison als zweiter Dirigent des Theaters dirigierte Rachmaninov fünfundzwanzig Aufführungen von neun Opern: „Samson und Delilah“, „Meerjungfrau“, „Carmen“, „Orpheus“ von Gluck, „Rogneda“ von Serov, „ Mignon“ von Tom, „Askold's Grave“, „The Enemy Strength“, „May Night“. Die Presse bemerkte sofort die Klarheit seines Dirigentenstils, seine Natürlichkeit, das Fehlen von Posen, ein eisernes Rhythmusgefühl, das auf die Interpreten übertragen wurde, einen feinen Geschmack und ein wunderbares Gespür für Orchesterfarben. Mit dem Erwerb von Erfahrung begannen sich diese Eigenschaften von Rachmaninoff als Musiker voll auszudrücken, ergänzt durch Selbstvertrauen und Autorität in der Arbeit mit Solisten, Chor und Orchester.

In den nächsten Jahren dirigierte Rachmaninow, beschäftigt mit Komposition und pianistischer Tätigkeit, nur noch gelegentlich. Die Blütezeit seines Dirigiertalents fällt in die Jahre 1904-1915. Seit zwei Spielzeiten arbeitet er am Bolschoi-Theater, wo er mit seiner Interpretation russischer Opern besonders erfolgreich ist. Historische Ereignisse im Leben des Theaters werden von Kritikern als Jubiläumsaufführung von Ivan Susanin bezeichnet, die er zu Ehren des XNUMX. Geburtstags von Glinka dirigierte, und Tschaikowskys Woche, in der Rachmaninov The Queen of Spades, Eugene Onegin, Oprichnik dirigierte und Ballette.

Später dirigierte Rachmaninov die Aufführung von The Queen of Spades in St. Petersburg; Die Rezensenten waren sich einig, dass er es war, der als erster die gesamte tragische Bedeutung der Oper begriff und dem Publikum vermittelte. Zu Rachmaninows kreativen Erfolgen am Bolschoi-Theater gehören auch seine Inszenierung von Rimski-Korsakows Pan Voevoda und seine eigenen Opern The Miserly Knight und Francesca da Rimini.

Auf der Sinfoniebühne erwies sich Rachmaninov von den ersten Konzerten an als absoluter Meister großen Ausmaßes. Der Beiname „brillant“ begleitete sicherlich die Rezensionen seiner Leistungen als Dirigent. Am häufigsten trat Rachmaninow am Dirigentenpult in Konzerten der Moskauer Philharmonie sowie mit den Orchestern Siloti und Koussevitzky auf. In den Jahren 1907-1913 dirigierte er viel im Ausland – in den Städten Frankreichs, Hollands, USA, Englands, Deutschlands.

Rachmaninows Repertoire als Dirigent war in jenen Jahren ungewöhnlich vielfältig. Es gelang ihm, in Stil und Charakter der Werke auf die unterschiedlichsten Weisen einzudringen. Natürlich stand ihm die russische Musik am nächsten. Er ließ Borodins Bogatyr-Symphonie auf der Bühne wieder aufleben, die damals fast vergessen war, und trug zur Popularität von Ljadows Miniaturen bei, die er mit außergewöhnlicher Brillanz aufführte. Seine Interpretation von Tschaikowskys Musik (insbesondere der 4. und 5. Symphonie) war von außerordentlicher Bedeutung und Tiefe geprägt; in den Werken von Rimsky-Korsakov konnte er die bunteste Farbskala für das Publikum entfalten, und in den Sinfonien von Borodin und Glasunow fesselte er das Publikum mit epischer Breite und dramatischer Integrität der Interpretation.

Einer der Höhepunkte von Rachmaninows Dirigierkunst war die Interpretation von Mozarts g-Moll-Symphonie. Der Kritiker Wolfing schrieb: „Was bedeuten viele geschriebene und gedruckte Sinfonien vor Rachmaninows Aufführung von Mozarts G-Moll-Symphonie! … Das russische Künstlergenie verwandelte und zeigte zum zweiten Mal die künstlerische Natur des Autors dieser Symphonie. Wir können nicht nur über Puschkins Mozart sprechen, sondern auch über Rachmaninovs Mozart…“

Daneben finden wir viel romantische Musik in Rachmaninows Programmen – zum Beispiel Berlioz’ Fantastische Symphonie, die Sinfonien von Mendelssohn und Franck, Webers Oberon-Ouvertüre und Fragmente aus Wagners Opern, Liszts Gedicht und Griegs Lyrische Suite… Und daneben – eine großartige Aufführung moderner Autoren – symphonische Dichtungen von R. Strauss, Werke der Impressionisten: Debussy, Ravel, Roger-Ducasse … Und natürlich war Rachmaninov ein unübertroffener Interpret seiner eigenen symphonischen Kompositionen. Der bekannte sowjetische Musikwissenschaftler V. Jakowlew, der Rachmaninow mehr als einmal gehört hat, erinnert sich: „Nicht nur das Publikum und Kritiker, erfahrene Orchestermitglieder, Professoren, Künstler erkannten seine Führung als den höchsten Punkt in dieser Kunst an … Seine Arbeitsmethoden waren nicht so sehr auf eine Show reduziert, sondern auf einzelne Bemerkungen, gemeine Erklärungen, oft sang er oder erklärte in der einen oder anderen Form, was er vorher überlegt hatte. Jeder, der bei seinen Konzerten dabei war, erinnert sich an diese breiten, charakteristischen Bewegungen der ganzen Hand, die nicht nur aus dem Pinsel kommen; manchmal wurden diese Gesten von den Orchestermitgliedern als übertrieben empfunden, aber sie waren ihm vertraut und wurden von ihnen verstanden. Es gab keine Künstlichkeit in Bewegungen, Posen, keinen Effekt, keine Handzeichnung. Da war grenzenlose Leidenschaft, der Gedanken, Analyse, Verständnis und Einsicht in den Stil des Interpreten vorausgingen.

Fügen wir hinzu, dass der Dirigent Rachmaninoff auch ein unübertroffener Ensemblespieler war; Solisten in seinen Konzerten waren Künstler wie Tanejew, Skrjabin, Siloti, Hoffmann, Casals und in Opernaufführungen Chaliapin, Nezhdanova, Sobinov …

Nach 1913 weigerte sich Rachmaninow, Werke anderer Autoren aufzuführen, und dirigierte nur seine eigenen Kompositionen. Erst 1915 wich er von dieser Regel ab, indem er ein Konzert zum Gedenken an Skrjabin dirigierte. Aber auch später war sein Ruf als Dirigent weltweit ungewöhnlich hoch. Es genügt zu sagen, dass ihm unmittelbar nach seiner Ankunft in den Vereinigten Staaten im Jahr 1918 die Leitung der größten Orchester des Landes – in Boston und Cincinnati – angeboten wurde. Doch damals konnte er sich dem Dirigieren nicht mehr widmen, war gezwungen, als Pianist eine intensive Konzerttätigkeit zu leiten.

Erst als im Herbst 1939 in New York ein Konzertzyklus mit Werken Rachmaninows arrangiert wurde, erklärte sich der Komponist bereit, eines davon zu dirigieren. Das Philadelphia Orchestra spielte dann die Dritte Symphonie und die Glocken. Er wiederholte dasselbe Programm 1941 in Chicago und leitete ein Jahr später die Aufführung von „Isle of the Dead“ und „Symphonic Dances“ in Egan Arbor. Der Kritiker O. Daune schrieb: „Rakhmaninov hat bewiesen, dass er die gleiche Fähigkeit und Kontrolle über die Darbietung, Musikalität und kreative Kraft hat, als er das Orchester leitet, die er beim Klavierspielen zeigt. Charakter und Stil seines Spiels sowie seines Dirigierens überzeugen durch Ruhe und Zuversicht. Es ist die gleiche völlige Abwesenheit von Prahlerei, der gleiche Sinn für Würde und offensichtliche Zurückhaltung, die gleiche bewundernswerte herrische Kraft. Die damals entstandenen Aufnahmen von The Island of the Dead, Vocalise und der Dritten Sinfonie haben uns Zeugnisse der Dirigierkunst des brillanten russischen Musikers bewahrt.

L. Grigoriev, J. Platek