Sergej Michailowitsch Slonimski |
Sergej Slonimski
Nur der verdient zu erben, der ein Erbe auf das Leben anwenden kann. JW Goethe, „Faust“
Er ist in der Tat einer der wenigen zeitgenössischen Komponisten, die ausnahmslos als Nachfolger von Traditionen angesehen werden. Wessen? Normalerweise M. Mussorgsky und S. Prokofjew genannt. Nicht weniger entschieden wird in Urteilen über Slonimsky auch das Gegenteil betont: die helle Individualität der Musik, ihre Einprägsamkeit und leichte Wiedererkennung. Traditionsvertrauen und Slonimskys eigenes „Ich“ schließen sich nicht aus. Aber zur Einheit dieser beiden Gegensätze kommt noch ein dritter hinzu – die Fähigkeit, zuverlässig in den Musikstilen verschiedener Zeiten und Völker zu schaffen, sei es ein russisches Dorf aus vorrevolutionären Zeiten in der Oper Virineya (1967, basierend auf die Geschichte von L. Seifullina) oder das alte Schottland in der Oper Mary Stuart (1980), die selbst schottische Zuhörer mit ihrer Eindringlichkeit verblüffte. Die gleiche Qualität der Authentizität liegt in seinen „antiken“ Kompositionen: dem Ballett „Icarus“ (1971); Gesangsstücke „Song of Songs“ (1975), „Farewell to a Friend in the Desert“ (1966), „Monologues“ (1967); Oper Der Meister und Margarita (1972, Szenen aus dem Neuen Testament). Gleichzeitig stilisiert der Autor die Antike und kombiniert die musikalischen Prinzipien der Folklore mit den neuesten Kompositionstechniken des XNUMX. Jahrhunderts. mit eigener Persönlichkeit. „Slonimsky hat offenbar jene besondere Gabe, die einen Komponisten von vielen unterscheidet: die Fähigkeit, verschiedene musikalische Sprachen zu sprechen, und gleichzeitig den Stempel einer persönlichen Qualität, die seinen Werken aufliegt“, glaubt der amerikanische Kritiker.
Der Autor vieler Werke, Slonimsky, ist in jedem neuen unberechenbar. Nach der Kantate „Songs of the Freemen“ (1959, über Volkstexte), in der die erstaunliche Umsetzung russischer Folklore es ermöglichte, von Slonimsky als einem der Inspiratoren der „neuen Folklorewelle“ zu sprechen, erschien die Solo-Violinsonate – ein Opus von höchster Modernität und Komplexität. Nach der Kammeroper Der Meister und Margarita erschien das Konzert für drei E-Gitarren, Soloinstrumente und ein Symphonieorchester (1973) – die originellste Synthese zweier Gattungen und musikalischer Denkformen: Rock und Symphonie. Eine solche Amplitude und eine scharfe Veränderung der figurativen und Handlungsinteressen des Komponisten schockierten zunächst viele und machten nicht klar: Was ist der echte Slonimsky? „…Manchmal werden seine Fans nach dem nächsten neuen Werk zu seinen „Leugnern“, und diese wiederum zu Fans. Nur eines bleibt konstant: Seine Musik weckt immer das Interesse der Zuhörer, sie denken darüber nach und streiten darüber. Allmählich offenbarte sich die untrennbare Einheit von Slonimskys verschiedenen Stilen, zum Beispiel die Fähigkeit, sogar der Dodekaphonie die Merkmale von Folklore-Melos zu verleihen. Es stellte sich heraus, dass solche ultra-innovativen Techniken wie die Verwendung eines ungetemperierten Systems (Terz- und Viertelton-Intonationen), freie improvisatorische Rhythmen ohne Pausen charakteristisch für die Folklore sind. Und ein sorgfältiges Studium seiner Harmonik offenbarte, wie eigenartig der Autor die Prinzipien der antiken Harmonie und natürlich der Volkspolyphonie zusammen mit einem Arsenal an Mitteln der romantischen und modernen Harmonie verwendet. Deshalb schuf er in jeder seiner neun Symphonien bestimmte Musikdramen, oft durch Bilder miteinander verbunden – Träger der Hauptideen, die unterschiedliche Erscheinungsformen und Formen von Gut und Böse verkörpern. Ebenso hell, reich, symphonisch offenbaren sich die Handlungsstränge aller seiner vier musikalischen Bühnenkompositionen – ein Ballett und drei Opern – genau in der Musik. Dies ist einer der Hauptgründe für das anhaltende Interesse von Interpreten und Zuhörern an Slonimskys Musik, die in der UdSSR und im Ausland weithin gehört wird.
Der 1932 in Leningrad in der Familie des prominenten sowjetischen Schriftstellers M. Slonimsky geborene zukünftige Komponist erbte die spirituellen Traditionen der russischen demokratischen kreativen Intelligenz. Von früher Kindheit an erinnert er sich an die engen Freunde seines Vaters: E. Schwartz, M. Zoshchenko, K. Fedin, Geschichten über M. Gorki, A. Grin, die Atmosphäre eines angespannten, schwierigen, dramatischen Schriftstellerlebens. All dies erweiterte schnell die innere Welt des Kindes, das gelehrt wurde, die Welt mit den Augen eines Schriftstellers, eines Künstlers zu betrachten. Scharfe Beobachtung, Analytik, Klarheit in der Einschätzung von Phänomenen, Menschen, Handlungen – allmählich entwickelte sich in ihm dramatisches Denken.
Slonimskys musikalische Ausbildung begann in den Vorkriegsjahren in Leningrad und wurde während des Krieges in Perm und in Moskau an der Zentralen Musikschule fortgesetzt; endete in Leningrad – an einer zehnjährigen Schule, am Konservatorium an den Fakultäten für Komposition (1955) und Klavier (1958) und schließlich in der Graduiertenschule – in Musiktheorie (1958). Zu den Lehrern von Slonimsky gehören B. Arapov, I. Sherman, V. Shebalin, O. Messner, O. Evlakhov (Komposition). Die Neigung zur Improvisation, die Liebe zum Musiktheater, die Leidenschaft für S. Prokofjew, D. Schostakowitsch und M. Mussorgsky, die sich von Kindheit an manifestierten, bestimmten maßgeblich das kreative Bild des zukünftigen Komponisten. Nachdem er in den Kriegsjahren in Perm, wo das Kirov-Theater evakuiert wurde, viele klassische Opern gehört hatte, improvisierte der junge Slonimsky ganze Opernszenen, komponierte Theaterstücke und Sonaten. Und wahrscheinlich war er stolz auf seine Seele, obwohl er verärgert war, dass ein Musiker wie A. Pazovsky, der damalige Chefdirigent des Theaters, nicht glaubte, dass der zehnjährige Sergei Slonimsky selbst eine Romanze zu Lermontovs Versen geschrieben hatte .
1943 kaufte Slonimsky in einem der Moskauer Kurzwarengeschäfte das Clavier der Oper Lady Macbeth aus dem Bezirk Mzensk – das verbotene Werk von Schostakowitsch wurde verschrottet. Die Oper wurde auswendig gelernt und die Pausen in der Zentralen Musikschule wurden unter den fassungslosen und missbilligenden Blicken der Lehrer als „Spanking-Szene“ angekündigt. Slonimskys musikalische Perspektive wuchs schnell, Weltmusik wurde Genre für Genre, Stil für Stil absorbiert. Umso schlimmer war für den jungen Musiker das Jahr 1948, das die Welt der modernen Musik auf einen engen, von Mauern des „Formalismus“ begrenzten Raum verengte. Wie alle Musiker dieser Generation, die nach 1948 an den Konservatorien studierten, wurde er nur mit dem klassischen Erbe erzogen. Erst nach dem XNUMX. Kongress der KPdSU begann ein tiefes und vorurteilsloses Studium der Musikkultur des XNUMX. Jahrhunderts. Die Komponistenjugend aus Leningrad, Moskau holte die verlorene Zeit intensiv nach. Zusammen mit L. Prigogine, E. Denisov, A. Schnittke. S. Gubaidulina, sie lernten voneinander.
Gleichzeitig wurde die russische Folklore zur wichtigsten Schule für Slonimsky. Viele Folklore-Expeditionen – „ein ganzes Folklore-Konservatorium“, wie der Autor sagt – wurden abgehalten, um nicht nur das Lied, sondern auch den Volkscharakter, den Weg des russischen Dorfes zu verstehen. Die prinzipielle künstlerische Position von Slonimsky erforderte jedoch ein sensibles Hören auf moderne urbane Folklore. So gingen Intonationen von Touristen- und Bardenliedern der 60er Jahre organisch in seine Musik ein. Die Kantate „Voice from the Chorus“ (auf A. Bloks St., 1964) ist der erste Versuch, entfernte Stile zu einem einzigen künstlerischen Ganzen zu verbinden, das später von A. Schnittke als „Polystilistik“ definiert wurde.
Das moderne künstlerische Denken wurde von Slonimsky von Kindheit an geprägt. Aber die späten 50er und frühen 60er Jahre waren besonders wichtig. Slonimsky, der viel mit den Leningrader Dichtern E. Rein, G. Gerbovsky, I. Brodsky, mit den Schauspielern M. Kozakov, S. Yursky, mit dem Leninisten V. Loginov und dem Filmregisseur G. Poloka kommunizierte, wuchs in einer Konstellation heller Talente auf. Es kombiniert perfekt Reife und Unfug, Bescheidenheit, Gewissenhaftigkeit und Mut, eine aktive Lebensposition. Seine scharfen, ehrlichen Reden sind immer schlüssig, getragen von Gerechtigkeitssinn und großer Gelehrsamkeit. Der Humor von Sergei Slonimsky ist spitz, präzise, stechend wie eine gutgezielte Volksphrase.
Slonimsky ist nicht nur Komponist und Pianist. Er ist ein brillanter, äußerst künstlerischer Improvisator, ein bedeutender Musikwissenschaftler (Autor des Buches „Sinfonie von S. Prokofjew“, Artikel über R. Schumann, G. Mahler, I. Strawinsky, D. Schostakowitsch, M. Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, M. Balakirev, scharfe und polemische Reden über zeitgenössisches musikalisches Schaffen). Er ist auch Lehrer – Professor am Leningrader Konservatorium, eigentlich Gründer einer ganzen Schule. Unter seinen Schülern: V. Kobekin, A. Zatin, A. Mrevlov – insgesamt mehr als 30 Mitglieder des Komponistenverbandes, darunter Musikwissenschaftler. Als Musiker und Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, dem es am Herzen liegt, die Erinnerung aufrechtzuerhalten und zu Unrecht vergessene Werke von M. Mussorgsky, V. Shcherbachev und sogar R. Schumann aufzuführen, ist Slonimsky einer der maßgeblichsten zeitgenössischen sowjetischen Musiker.
M. Rytsareva
