Nikolai Andrejewitsch Rimski-Korsakow |

Nikolai Rimski-Korsakow

Weder sein Talent, noch seine Energie, noch sein grenzenloses Wohlwollen gegenüber seinen Schülern und Kameraden ließen jemals nach. Das glorreiche Leben und die zutiefst nationale Aktivität eines solchen Menschen sollten unser Stolz und unsere Freude sein. … wie viel kann in der gesamten Musikgeschichte auf so hohe Naturen, so große Künstler und so außergewöhnliche Menschen wie Rimsky-Korsakov hingewiesen werden? V. Stasov

Fast 10 Jahre nach der Eröffnung des ersten russischen Konservatoriums in St. Petersburg erschien im Herbst 1871 ein neuer Professor für Komposition und Orchestrierung in seinen Mauern. Trotz seiner Jugend – er war in seinem achtundzwanzigsten Lebensjahr – hatte er sich bereits als Autor von Originalkompositionen für Orchester einen Namen gemacht: Ouvertüren zu russischen Themen, Fantasien zu Themen serbischer Volkslieder, ein symphonisches Bild nach dem russischen Epos“ Sadko“ und eine Suite auf der Handlung eines orientalischen Märchens „Antar“ . Darüber hinaus wurden viele Romanzen geschrieben und die Arbeit an der historischen Oper „Die Jungfrau von Pskow“ war in vollem Gange. Niemand hätte sich vorstellen können (am wenigsten der Direktor des Konservatoriums, der N. Rimsky-Korsakov einlud), dass er ein Komponist ohne musikalische Ausbildung wurde.

Rimsky-Korsakov wurde in eine Familie hineingeboren, die weit entfernt von künstlerischen Interessen war. Die Eltern bereiteten den Jungen nach Familientradition auf den Dienst in der Marine vor (der Onkel und der ältere Bruder waren Seeleute). Obwohl sich musikalische Fähigkeiten sehr früh zeigten, gab es in einer kleinen Provinzstadt niemanden, den man ernsthaft studieren konnte. Klavierunterricht gab eine Nachbarin, dann eine vertraute Gouvernante und eine Schülerin dieser Gouvernante. Die musikalischen Eindrücke wurden durch Volkslieder ergänzt, die von einer Amateurmutter und einem Amateur-Onkel vorgetragen wurden, und durch Kultgesang im Kloster Tichwin.

In St. Petersburg, wohin Rimsky-Korsakov kam, um sich in das Marinekorps einzuschreiben, besucht er das Opernhaus und erkennt bei Konzerten Ivan Susanin und Glinkas Ruslan und Lyudmila, Beethovens Sinfonien. In St. Petersburg hat er endlich einen richtigen Lehrer – einen hervorragenden Pianisten und gebildeten Musiker F. Canille. Er riet dem begabten Studenten, selbst zu komponieren, machte ihn mit M. Balakirev bekannt, um den sich junge Komponisten gruppierten – M. Mussorgsky, C. Cui, später A. Borodin schlossen sich ihnen an (Balakirevs Kreis ging unter dem Namen „Mighty Handful “).

Keiner der „Kuchkisten“ hat keine spezielle musikalische Ausbildung absolviert. Das System, mit dem Balakirev sie auf eine unabhängige kreative Tätigkeit vorbereitete, war wie folgt: Er schlug sofort ein verantwortungsvolles Thema vor und dann unter seiner Leitung in gemeinsamen Diskussionen parallel zum Studium der Werke der großen Komponisten alle auftretenden Schwierigkeiten beim Komponieren gelöst wurden.

Dem siebzehnjährigen Rimsky-Korsakov wurde von Balakirev geraten, mit einer Symphonie zu beginnen. Unterdessen sollte der junge Komponist, Absolvent des Naval Corps, zu einer Weltumsegelung aufbrechen. Zu Musik- und Kunstfreunden kehrte er erst nach 3 Jahren zurück. Geniales Talent half Rimsky-Korsakov, schnell die musikalische Form und die helle, farbenfrohe Orchestrierung und Kompositionstechniken zu beherrschen, wobei die Schulgrundlagen umgangen wurden. Nachdem er komplexe symphonische Partituren geschaffen und an einer Oper gearbeitet hatte, kannte der Komponist die Grundlagen der Musikwissenschaft nicht und war mit der notwendigen Terminologie nicht vertraut. Und plötzlich ein Lehrangebot am Konservatorium! .. „Wenn ich auch nur ein bisschen lernen würde, wenn ich auch nur ein bisschen mehr wüsste, als ich wirklich wusste, dann wäre mir klar, dass ich den vorgeschlagenen Punkt, Professor zu werden, nicht aufgreifen kann und habe wäre meinerseits sowohl dumm als auch skrupellos “, erinnerte sich Rimsky-Korsakov. Aber nicht Unehrlichkeit, sondern höchste Verantwortung, zeigte er und fing an, die Grundlagen zu lernen, die er lehren sollte.

Die ästhetischen Ansichten und das Weltbild von Rimsky-Korsakov wurden in den 1860er Jahren geformt. unter dem Einfluss der „Mighty Handful“ und ihres Ideologen V. Stasov. Gleichzeitig wurden die nationale Basis, die demokratische Ausrichtung, die Hauptthemen und Bilder seiner Arbeit festgelegt. Im nächsten Jahrzehnt sind Rimsky-Korsakovs Aktivitäten vielfältig: Er unterrichtet am Konservatorium, verbessert seine eigene Kompositionstechnik (schreibt Kanons, Fugen), bekleidet die Position des Inspektors der Blaskapellen der Marineabteilung (1873-84) und dirigiert Symphonie Konzerte, ersetzt den Direktor der Freien Musikschule Balakirev und bereitet (zusammen mit Balakirev und Lyadov) die Partituren von Glinkas Opern vor, nimmt Volkslieder auf und harmonisiert sie (die erste Sammlung wurde 1876 veröffentlicht, die zweite – 1882).

Ein Rückgriff auf die russische Musikfolklore sowie ein eingehendes Studium von Glinkas Opernpartituren im Prozess der Vorbereitung zur Veröffentlichung halfen dem Komponisten, die Spekulation einiger seiner Kompositionen zu überwinden, die durch intensives Studium der Kompositionstechnik entstanden war. Zwei Opern, die nach The Maid of Pskov (1872) geschrieben wurden – May Night (1879) und The Snow Maiden (1881) – verkörperten Rimsky-Korsakovs Liebe zu Volksritualen und Volksliedern sowie seine pantheistische Weltanschauung.

Kreativität des Komponisten der 80er Jahre. hauptsächlich vertreten durch symphonische Werke: „The Tale“ (1880), Sinfonietta (1885) und Piano Concerto (1883), sowie das berühmte „Spanish Capriccio“ (1887) und „Scheherazade“ (1888). Gleichzeitig arbeitete Rimsky-Korsakov im Hofchor. Die meiste Zeit und Energie widmet er jedoch der Vorbereitung der Aufführung und Veröffentlichung der Opern seiner verstorbenen Freunde – Mussorgskys Chowanschtschina und Borodins Prinz Igor. Es ist anzunehmen, dass diese intensive Arbeit an Opernpartituren dazu führte, dass sich Rimsky-Korsakovs eigenes Werk in diesen Jahren im symphonischen Bereich entwickelte.

Der Komponist kehrte erst 1889 zur Oper zurück, nachdem er die bezaubernde Mlada (1889-90) geschaffen hatte. Seit Mitte der 90er. nacheinander folgen The Night Before Christmas (1895), Sadko (1896), der Prolog zu The Maid of Pskov – der Einakter Boyar Vera Sheloga und The Tsar's Bride (beide 1898). In den 1900er Jahren entstehen The Tale of Tsar Saltan (1900), Servilia (1901), Pan Governor (1903), The Tale of the Invisible City of Kitezh (1904) und The Golden Cockerel (1907).

Während seines Schaffens wandte sich der Komponist auch der Gesangslyrik zu. In 79 seiner Romanzen werden Gedichte von A. Puschkin, M. Lermontov, AK Tolstoi, L. May, A. Fet und von ausländischen Autoren J. Byron und G. Heine vorgestellt.

Der Inhalt von Rimsky-Korsakovs Werk ist vielfältig: Es enthüllte auch das volkshistorische Thema („Die Frau von Pskow“, „Die Legende der unsichtbaren Stadt Kitezh“), die Sphäre der Lyrik („Die Zarenbraut“, „ Servilia“) und Alltagsdrama („Pan Voyevoda“), die Bilder des Ostens widerspiegelten („Antar“, „Scheherazade“), die Züge anderer Musikkulturen verkörperten („Serbische Fantasie“, „Spanisches Capriccio“ etc.) . Charakteristischer für Rimsky-Korsakov sind jedoch Fantasie, Fabelhaftigkeit und vielfältige Verbindungen zur Volkskunst.

Der Komponist schuf eine ganze Galerie von in ihrem Charme einzigartigen, reinen, sanft lyrischen Frauenbildern – sowohl real als auch fantastisch (Pannochka in „May Night“, Snegurochka, Martha in „The Tsar's Bride“, Fevronia in „The Tale of the Invisible City von Kitezh“), Bilder von Volkssängern (Lel in „The Snow Maiden“, Nezhata in „Sadko“).

Gegründet in den 1860er Jahren. Sein Leben lang blieb der Komponist progressiven gesellschaftlichen Idealen treu. Am Vorabend der ersten russischen Revolution von 1905 und in der darauf folgenden Reaktionszeit schrieb Rimski-Korsakow die Opern Kaschtschei der Unsterbliche (1902) und Der goldene Hahn, die als Anklage gegen die herrschende politische Stagnation empfunden wurden Russland.

Der kreative Weg des Komponisten dauerte mehr als 40 Jahre. Als Nachfolger der Traditionen von Glinka, er und im XX Jahrhundert. repräsentiert die russische Kunst in der Weltmusikkultur angemessen. Rimsky-Korsakovs kreative und musikalisch-öffentliche Tätigkeit ist vielfältig: Komponist und Dirigent, Autor theoretischer Werke und Rezensionen, Herausgeber von Werken von Dargomyzhsky, Mussorgsky und Borodin, er hatte starken Einfluss auf die Entwicklung der russischen Musik.

Während seiner 37-jährigen Lehrtätigkeit am Konservatorium unterrichtete er mehr als 200 Komponisten: A. Glazunov, A. Lyadov, A. Arensky, M. Ippolitov-Ivanov, I. Strawinsky, N. Cherepnin, A. Grechaninov, N. Myaskovsky, S. Prokofjew und andere. Die Entwicklung orientalischer Themen durch Rimsky-Korsakov („Antar“, „Scheherazade“, „Golden Cockerel“) war von unschätzbarer Bedeutung für die Entwicklung nationaler Musikkulturen Transkaukasiens und Zentralasiens und vielfältiger Meereslandschaften („Sadko“, „Sheherazade “, „The Tale of Tsar Saltan“, der Romanzenzyklus „Am Meer“ etc.) bestimmten viel in der Pleinair-Klangmalerei des Franzosen C. Debussy und des Italieners O. Respighi.

E. Gordeeva

Das Werk von Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov ist ein einzigartiges Phänomen in der Geschichte der russischen Musikkultur. Der Punkt liegt nicht nur in der enormen künstlerischen Bedeutung, dem kolossalen Umfang, der seltenen Vielseitigkeit seines Werkes, sondern auch darin, dass das Werk des Komponisten fast vollständig eine sehr dynamische Epoche der russischen Geschichte abdeckt – von der Bauernreform bis zur Zeit zwischen den Revolutionen. Eines der ersten Werke des jungen Musikers war die Instrumentierung von Dargomyzhskys gerade fertiggestelltem Der steinerne Gast, das letzte große Werk des Meisters, Der goldene Hahn, stammt aus den Jahren 1906-1907: Die Oper wurde zeitgleich mit Skrjabins Gedicht der Ekstase komponiert, Rachmaninows Zweite Symphonie; nur vier Jahre trennen die Uraufführung von Der goldene Hahn (1909) von der Uraufführung von Strawinskys Frühlingsopfer, zwei von Prokofjews Debüt als Komponist.

Somit stellt das Werk von Rimsky-Korsakov rein chronologisch sozusagen den Kern der russischen klassischen Musik dar und verbindet die Ära von Glinka-Dargomyzhsky mit dem XNUMX. Jahrhundert. Es synthetisierte die Errungenschaften der St. Petersburger Schule von Glinka bis Ljadow und Glasunow und nahm viel aus der Erfahrung der Moskauer – Tschaikowsky, Tanejew, Komponisten, die um die Jahrhundertwende auftraten – auf und war immer offen für neue künstlerische Trends. einheimisch und ausländisch.

Jeder Richtung von Rimski-Korsakows Werk – Komponist, Lehrer, Theoretiker, Dirigent, Herausgeber – haftet ein umfassender, systematisierender Charakter an. Sein gesamtes Lebensgeschehen ist eine komplexe Welt, die ich den „Rimsky-Korsakov-Kosmos“ nennen möchte. Der Zweck dieser Aktivität besteht darin, die Hauptmerkmale des nationalen musikalischen und im weiteren Sinne des künstlerischen Bewusstseins zu sammeln, zu fokussieren und letztendlich ein ganzheitliches Bild der russischen Weltanschauung (natürlich in ihrer persönlichen, „korsakowschen“ Brechung) neu zu erstellen. Dieses Zusammenkommen ist untrennbar mit der persönlichen Entwicklung des Autors verbunden, ebenso wie der Prozess des Unterrichtens, Erziehens – nicht nur der direkten Schüler, sondern des gesamten musikalischen Umfelds – mit Selbsterziehung, Selbsterziehung.

AN Rimsky-Korsakov, der Sohn des Komponisten, sprach von der sich ständig erneuernden Vielfalt der von Rimsky-Korsakov gelösten Aufgaben und beschrieb das Leben des Künstlers erfolgreich als ein „pufferartiges Geflecht von Fäden“. Als er darüber nachdachte, was den brillanten Musiker dazu veranlasste, einen unangemessen großen Teil seiner Zeit und Energie für „Neben“-Arten der Bildungsarbeit zu verwenden, wies er auf „ein klares Bewusstsein seiner Pflicht gegenüber der russischen Musik und den russischen Musikern“ hin. „Service„- das Schlüsselwort im Leben von Rimsky-Korsakov, ebenso wie „Geständnis“ – im Leben von Mussorgsky.

Es wird angenommen, dass die russische Musik der zweiten Hälfte des 1860 kreative Bestrebungen aller Komponisten der XNUMXer Generation) und im Instrumental – eine breite Entwicklung des Prinzips der Programmierung. Allerdings zeigt sich nun immer deutlicher, dass das Weltbild der russischen Klassik keineswegs mit dem der Literatur, der Malerei oder der Architektur identisch ist. Die Merkmale des Wachstums der russischen Komponistenschule hängen sowohl mit den Besonderheiten der Musik als Kunstform als auch mit der besonderen Stellung der Musik in der nationalen Kultur des XNUMX. Jahrhunderts mit ihren besonderen Aufgaben im Verständnis des Lebens zusammen.

Die historische und kulturelle Situation in Russland prägte eine kolossale Kluft zwischen den Menschen, die, so Glinka, „Musik machen“ und denen, die sie „arrangieren“ wollten. Der Bruch war tiefgreifend, auf tragische Weise irreversibel, und seine Folgen sind bis heute zu spüren. Aber andererseits enthielt die vielschichtige kumulative Hörerfahrung des russischen Volkes unerschöpfliche Möglichkeiten für die Bewegung und das Wachstum der Kunst. Vielleicht kam die „Entdeckung Russlands“ in der Musik mit der größten Kraft zum Ausdruck, da die Grundlage ihrer Sprache – die Intonation – die organischste Manifestation des individuellen Menschen und der Ethnie ist, ein konzentrierter Ausdruck der spirituellen Erfahrung des Volkes. Die „multiple Struktur“ der nationalen Intonationsumgebung in Russland in der Mitte des vorletzten Jahrhunderts ist eine der Voraussetzungen für die Innovation der russischen professionellen Musikschule. Das Sammeln multidirektionaler Trends – relativ gesehen von heidnischen, protoslawischen Wurzeln bis zu den neuesten Ideen der westeuropäischen musikalischen Romantik, den fortschrittlichsten Techniken der Musiktechnologie – in einem einzigen Fokus ist ein charakteristisches Merkmal der russischen Musik der zweiten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts XNUMX. Jahrhundert. In dieser Zeit verlässt es endgültig die Macht angewandter Funktionen und wird zu einem Weltbild in Klängen.

Wenn wir oft über die sechziger Jahre von Mussorgsky, Balakirev, Borodin sprechen, scheinen wir zu vergessen, dass Rimsky-Korsakov zur selben Ära gehört. Inzwischen ist es schwierig, einen Künstler zu finden, der den höchsten und reinsten Idealen seiner Zeit treuer ist.

Wer Rimski-Korsakow später – in den 80er, 90er, 1900er Jahren – kannte, wurde nicht müde, sich darüber zu wundern, wie schroff er sich und seine Arbeit prosaierte. Daher die häufigen Urteile über die „Trockenheit“ seines Wesens, seinen „Akademismus“, „Rationalismus“ usw. Tatsächlich ist dies typisch für die sechziger Jahre, verbunden mit der Vermeidung von übermäßigem Pathos in Bezug auf die eigene Persönlichkeit, charakteristisch für ihn ein russischer Künstler. Einer von Rimsky-Korsakovs Schülern, MF Gnesin, drückte die Idee aus, dass der Künstler in einem ständigen Kampf mit sich selbst und mit seinen Mitmenschen, mit dem Geschmack seiner Zeit, manchmal zu verhärten schien und in einigen seiner Aussagen sogar noch niedriger wurde als er selbst. Dies muss bei der Interpretation der Aussagen des Komponisten berücksichtigt werden. Anscheinend verdient die Bemerkung eines anderen Schülers von Rimsky-Korsakov, AV Ossovsky, noch mehr Aufmerksamkeit: Die Strenge, die Zurückhaltung der Selbstbeobachtung und die Selbstbeherrschung, die den Weg des Künstlers ausnahmslos begleiteten, waren so, dass eine Person mit geringerem Talent einfach konnte Erträgt diese „Pausen“, diese Experimente, die er sich ständig selbst unterzieht: Der Autor von „Die Jungfrau von Pskow“ setzt sich wie ein Schuljunge zu Harmonieproblemen, der Autor von „Schneewittchen“ verpasst keine einzige Aufführung von Wagner-Opern , der Autor von Sadko schreibt Mozart und Salieri, Professor der Akademiker schafft Kashchei usw. Und auch das stammt von Rimsky-Korsakov nicht nur aus der Natur, sondern auch aus der Zeit.

Seine gesellschaftliche Aktivität war immer sehr hoch, und seine Tätigkeit zeichnete sich durch völlige Uneigennützigkeit und ungeteilte Hingabe an die Idee der öffentlichen Pflicht aus. Aber anders als Mussorgsky ist Rimski-Korsakow kein „Populist“ im spezifischen, historischen Sinne des Begriffs. Im Problem des Volkes sah er immer, beginnend mit der Jungfrau von Pskow und dem Gedicht Sadko, weniger das Historische und Soziale als das Unteilbare und Ewige. Im Vergleich zu den Dokumenten von Tschaikowsky oder Mussorgsky in den Briefen von Rimsky-Korsakov finden sich in seiner Chronik nur wenige Liebeserklärungen an das Volk und an Russland, aber als Künstler hatte er ein kolossales Gefühl für die nationale Würde und für den Messianismus Russischer Kunst, insbesondere Musik, war er nicht weniger selbstbewusst als Mussorgsky.

Alle Kuchkisten zeichneten sich durch ein Merkmal der sechziger Jahre aus wie eine endlose Neugier auf die Phänomene des Lebens, eine ewige Gedankenangst. Bei Rimsky-Korsakov konzentrierte sie sich am weitesten auf die Natur, verstanden als Einheit der Elemente und des Menschen, und auf die Kunst als höchste Verkörperung dieser Einheit. Wie Mussorgsky und Borodin strebte er ständig nach „positivem“, „positivem“ Wissen über die Welt. In seinem Wunsch, alle Bereiche der Musikwissenschaft gründlich zu studieren, ging er von der Position aus, an die er (wie Mussorgsky) sehr fest, manchmal bis zur Naivität glaubte, dass es in der Kunst ebenso objektive Gesetze (Normen) gibt , universell wie in der Wissenschaft. nicht nur Geschmackspräferenzen.

Dadurch umfasste die ästhetische und theoretische Tätigkeit von Rimsky-Korsakov nahezu alle Wissensgebiete über Musik und entwickelte sich zu einem Gesamtsystem. Seine Bestandteile sind: Harmonielehre, Instrumentationslehre (beide in Form großer theoretischer Werke), Ästhetik und Form (Notizen der 1890er Jahre, kritische Artikel), Folklore (Sammlungen von Arrangements von Volksliedern und Beispiele kreativen Verstehens). volkstümlicher Motive in Kompositionen), Unterricht über Tonarten (ein umfangreiches theoretisches Werk über antike Tonarten wurde vom Autor vernichtet, aber eine kurze Fassung davon ist erhalten, sowie Beispiele für die Interpretation antiker Tonarten in Arrangements von Kirchengesängen), Polyphonie (Überlegungen in Briefen, in Gesprächen mit Yastrebtsev usw. sowie kreative Beispiele), musikalische Bildung und Organisation des Musiklebens (Artikel, aber hauptsächlich erzieherische und pädagogische Aktivitäten). Auf all diesen Gebieten äußerte Rimsky-Korsakov kühne Ideen, deren Neuheit oft durch eine strenge, prägnante Form der Darstellung verdeckt wird.

„Der Schöpfer der Pskovityanka und des Goldenen Hahns war kein Rückschritt. Er war ein Erneuerer, aber einer, der nach klassischer Vollständigkeit und Verhältnismäßigkeit musikalischer Elemente strebte“ (Zuckerman VA). Laut Rimsky-Korsakov ist alles Neue auf jedem Gebiet unter den Bedingungen einer genetischen Verbindung mit der Vergangenheit, Logik, semantischer Bedingtheit und architektonischer Organisation möglich. Dies ist seine Lehre von der Funktionalität der Harmonie, in der logische Funktionen durch Konsonanzen verschiedener Strukturen dargestellt werden können; das ist seine Instrumentationslehre, die mit dem Satz beginnt: „Es gibt keine schlechten Klänge im Orchester.“ Das von ihm vorgeschlagene System der Musikausbildung ist ungewöhnlich fortschrittlich, in dem die Art des Lernens hauptsächlich mit der Art der Begabung des Schülers und der Verfügbarkeit bestimmter Methoden des Live-Musikmachens verbunden ist.

Die Inschrift zu seinem Buch über den Lehrer MF Gnesin enthielt den Satz aus Rimsky-Korsakovs Brief an seine Mutter: „Schau auf die Sterne, aber schau nicht und falle nicht.“ Dieser scheinbar zufällige Satz eines jungen Kadetten des Marinekorps charakterisiert bemerkenswert die Position von Rimsky-Korsakov als Künstler in der Zukunft. Vielleicht passt das Gleichnis des Evangeliums von zwei Boten zu seiner Persönlichkeit, von denen einer sofort sagte „Ich werde gehen“ – und nicht ging, und der andere zuerst sagte „Ich werde nicht gehen“ – und ging (Matth., XXI, 28- 31).

Tatsächlich gibt es im Laufe von Rimsky-Korsakovs Karriere viele Widersprüche zwischen „Worten“ und „Taten“. Zum Beispiel hat niemand den Kutschkismus und seine Mängel so heftig beschimpft (es genügt, sich an den Ausruf aus einem Brief an Krutikov zu erinnern: „Oh, russischer Verbundоry – betont Stasov – sie verdanken ihre mangelnde Bildung sich selbst! “, eine ganze Reihe beleidigender Äußerungen in der Chronik über Mussorgsky, über Balakirev usw.) – und niemand hat so konsequent die ästhetischen Grundprinzipien des Kutschkismus und all seine schöpferischen Leistungen aufrechterhalten und verteidigt: 1907, einige Monate zuvor Rimski-Korsakow nannte sich nach seinem Tod „den überzeugtesten Kuchkisten“. Wenige Menschen standen der „neuen Zeit“ im Allgemeinen und grundlegend neuen Phänomenen der Musikkultur um die Jahrhundertwende und zu Beginn des 80 neue Ära („Kashchey“, „Kitezh“, „The Golden Cockerel“ und andere in den späteren Werken des Komponisten). Rimsky-Korsakov in den 90er Jahren – die frühen XNUMXer Jahre sprachen manchmal sehr hart über Tschaikowsky und seine Richtung – und er lernte ständig von seinem Antipoden: Die Arbeit von Rimsky-Korsakov, seine pädagogische Tätigkeit, war zweifellos die Hauptverbindung zwischen St. Petersburg und Moskau Schulen. Noch vernichtender ist Korsakovs Kritik an Wagner und seinen Opernreformen, der inzwischen unter den russischen Musikern Wagners Ideen am tiefsten akzeptiert und kreativ auf sie reagiert hat. Schließlich betonte keiner der russischen Musiker so konsequent seinen religiösen Agnostizismus in Worten, und nur wenige schafften es, in ihrer Arbeit so tiefe Bilder des Volksglaubens zu schaffen.

Die Dominanten von Rimsky-Korsakovs künstlerischer Weltanschauung waren das „universelle Gefühl“ (sein eigener Ausdruck) und der weit gefasste Mythologismus des Denkens. In dem dem Schneewittchen gewidmeten Kapitel aus der Chronik formulierte er seinen kreativen Prozess wie folgt: „Ich hörte auf die Stimmen der Natur und der Volkskunst und der Natur und nahm, was sie sangen und vorschlugen, als Grundlage meiner Arbeit.“ Die Aufmerksamkeit des Künstlers galt vor allem den großen Phänomenen des Kosmos – dem Himmel, dem Meer, der Sonne, den Sternen und den großen Phänomenen im Leben der Menschen – Geburt, Liebe, Tod. Dies entspricht der gesamten ästhetischen Terminologie von Rimsky-Korsakov, insbesondere seinem Lieblingswort – „Kontemplation“. Seine Anmerkungen zur Ästhetik beginnen mit der Behauptung der Kunst als „Sphäre kontemplativer Tätigkeit“, wo das Objekt der Betrachtung „das Leben des menschlichen Geistes und der Natur, ausgedrückt in ihren gegenseitigen Beziehungen“. Zusammen mit der Einheit des menschlichen Geistes und der Natur bekräftigt der Künstler die inhaltliche Einheit aller Arten von Kunst (in diesem Sinne ist sein eigenes Werk sicherlich synkretistisch, wenn auch aus anderen Gründen als beispielsweise das Werk von Mussorgsky, der auch argumentierte, dass sich die Künste nur im Material unterscheiden, nicht aber in Aufgaben und Zwecken). Rimsky-Korsakovs eigene Worte könnten als Motto für das gesamte Werk von Rimsky-Korsakov gelten: „Die Darstellung des Schönen ist die Darstellung unendlicher Komplexität.“ Dabei war ihm der Lieblingsbegriff des frühen Kutschkismus – „künstlerische Wahrheit“ – nicht fremd, er protestierte nur gegen dessen verengtes, dogmatisches Verständnis.

Merkmale der Ästhetik von Rimsky-Korsakov führten zu einer Diskrepanz zwischen seiner Arbeit und dem öffentlichen Geschmack. Bei ihm ist es genauso legitim, von Unverständlichkeit zu sprechen, wie bei Mussorgsky. Mussorgsky entsprach mehr als Rimsky-Korsakov seiner Zeit in Bezug auf die Art des Talents, in der Richtung der Interessen (im Allgemeinen die Geschichte des Volkes und die Psychologie des Individuums), aber die Radikalität seiner Entscheidungen stellte sich heraus über die Fähigkeiten seiner Zeitgenossen hinausgehen. Bei Rimsky-Korsakov war das Missverständnis nicht so akut, aber nicht weniger tiefgreifend.

Sein Leben schien sehr glücklich zu sein: eine wunderbare Familie, eine hervorragende Ausbildung, eine aufregende Weltreise, der glänzende Erfolg seiner ersten Kompositionen, ein ungewöhnlich erfolgreiches Privatleben, die Möglichkeit, sich ganz der Musik zu widmen, danach universeller Respekt und Freude um das Wachstum talentierter Studenten um ihn herum zu sehen. Dennoch war Rimsky-Korsakov ab der zweiten Oper bis Ende der 90er Jahre ständig mit einem Missverständnis von „seinem“ und „ihrem“ konfrontiert. Die Kuchkisten betrachteten ihn als Nicht-Opernkomponisten, der Dramaturgie und Gesang nicht beherrschte. Lange Zeit gab es eine Meinung über das Fehlen einer originellen Melodie in ihm. Rimsky-Korsakov wurde für seine Fähigkeiten, insbesondere auf dem Gebiet des Orchesters, anerkannt, aber nicht mehr. Dieses langwierige Missverständnis war in der Tat der Hauptgrund für die schwere Krise, die der Komponist in der Zeit nach dem Tod von Borodin und dem endgültigen Zusammenbruch der Mighty Handful als kreative Richtung erlebte. Und erst ab Ende der 90er Jahre wurde die Kunst von Rimsky-Korsakov immer zeitgemäßer und stieß bei der neuen russischen Intelligenz auf Anerkennung und Verständnis.

Dieser Prozess der Beherrschung der Ideen des Künstlers durch das öffentliche Bewusstsein wurde durch nachfolgende Ereignisse in der Geschichte Russlands unterbrochen. Jahrzehntelang wurde die Kunst von Rimsky-Korsakov auf sehr einfache Weise interpretiert (und verkörpert, wenn wir über die Bühnenrealisierung seiner Opern sprechen). Das Wertvollste daran – die Philosophie der Einheit von Mensch und Kosmos, die Idee, die Schönheit und das Geheimnis der Welt anzubeten, blieb unter den falsch interpretierten Kategorien „Nationalität“ und „Realismus“ begraben. Das Schicksal von Rimsky-Korsakovs Erbe in diesem Sinne ist natürlich nicht einzigartig: Mussorgskys Opern beispielsweise wurden noch größeren Verzerrungen ausgesetzt. Auch wenn es in jüngster Zeit Streit um die Figur und das Werk Mussorgskis gegeben hat, geriet das Erbe Rimski-Korsakows in den letzten Jahrzehnten in ehrenhafte Vergessenheit. Es wurde für alle Verdienste eines akademischen Ordens anerkannt, aber es schien aus dem öffentlichen Bewusstsein zu geraten. Rimsky-Korsakovs Musik wird selten gespielt; wenn seine Opern auf die Bühne kommen, zeugen die meisten Dramatisierungen – rein dekorativ, blättrig oder volkstümlich-fabelhaft – von einem entscheidenden Missverständnis der Ideen des Komponisten.

Es ist bezeichnend, dass, obwohl es eine riesige moderne Literatur über Mussorgsky in allen wichtigen europäischen Sprachen gibt, es nur sehr wenige ernsthafte Werke über Rimsky-Korsakov gibt. Neben den alten Büchern von I. Markevich, R. Hoffmann, N. Giles van der Pals, populären Biographien sowie mehreren interessanten Artikeln amerikanischer und englischer Musikwissenschaftler zu besonderen Fragen des Schaffens des Komponisten kann man nur einige nennen von Werken des wichtigsten westlichen Spezialisten für Rimsky-Korsakov, Gerald Abraham . Das Ergebnis seiner langjährigen Studien war offenbar ein Artikel über den Komponisten für die Neuauflage von Grove's Encyclopedic Dictionary (1980). Seine Hauptbestimmungen lauten wie folgt: Als Opernkomponist litt Rimsky-Korsakov unter einem völligen Mangel an dramatischem Flair, einer Unfähigkeit, Charaktere zu schaffen; statt Musikdramen schrieb er entzückende Musik- und Bühnenmärchen; Anstelle von Charakteren spielen in ihnen bezaubernde fantastische Puppen; seine symphonischen Werke sind nichts anderes als „sehr bunte Mosaike“, während er den Gesangssatz überhaupt nicht beherrscht.

In ihrer Monographie über Glinka stellt OE Levasheva das gleiche Phänomen des Unverständnisses in Bezug auf Glinkas Musik fest, klassisch harmonisch, gesammelt und voller edler Zurückhaltung, weit entfernt von primitiven Ideen über „russischen Exotismus“ und für ausländische Kritiker „nicht national genug“. . Bis auf wenige Ausnahmen bekämpft das heimische Denken über Musik eine solche – auch in Russland durchaus übliche – Sichtweise zu Rimsky-Korsakov nicht nur nicht, sondern verschärft sie oft, indem es den imaginären Akademismus Rimsky-Korsakovs betont und eine Falschheit kultiviert Widerstand gegen Mussorgskys Neuerung.

Vielleicht steht die Zeit der weltweiten Anerkennung der Kunst von Rimsky-Korsakov noch bevor, und die Ära wird kommen, in der die Werke des Künstlers, der ein ganzheitliches, umfassendes Bild der Welt geschaffen hat, nach den Gesetzen der Rationalität, Harmonie und Schönheit angeordnet sind , finden ihr eigenes, russisches Bayreuth, von dem Rimski-Korsakows Zeitgenossen am Vorabend des Jahres 1917 träumten.

M. Rachmanova

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