Jean-Marie Leclair |

Jean-Marie Leclair

Sonaten des herausragenden französischen Geigers der ersten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts, Jean-Marie Leclerc, finden sich immer noch in den Programmen der Konzertgeiger. Besonders bekannt ist das c-Moll-Stück, das den Untertitel „Remembrance“ trägt.

Um jedoch ihre historische Rolle zu verstehen, ist es notwendig, das Umfeld zu kennen, in dem sich die Geigenkunst Frankreichs entwickelt hat. Länger als in anderen Ländern wurde die Geige hier als volkstümliches Instrument bewertet und ihr gegenüber abweisend eingestellt. Die Bratsche beherrschte das aristokratische Musikleben. Sein weicher, gedämpfter Klang entsprach voll und ganz den Bedürfnissen des musizierenden Adels. Die Geige diente zu Nationalfeiertagen, später zu Bällen und Maskeraden in Adelshäusern, ihr Spielen galt als Demütigung. Bis zum Ende des 24. Jahrhunderts gab es in Frankreich keine konzertante Solo-Violinaufführung. Zwar erlangten im XNUMX. Jahrhundert mehrere Geiger, die aus dem Volk kamen und bemerkenswerte Fähigkeiten besaßen, Berühmtheit. Dies sind Jacques Cordier, Spitznamen Bokan und Louis Constantin, aber sie traten nicht als Solisten auf. Bokan gab am Hof ​​Tanzunterricht, Constantin arbeitete im höfischen Ballsaal-Ensemble namens „XNUMX Violins of the King“.

Geiger fungierten oft als Tanzmeister. 1664 erschien das Buch The Marriage of Music and Dance des Geigers Dumanoir; Der Autor einer der Geigenschulen der ersten Hälfte des 1718. Jahrhunderts (veröffentlicht im XNUMX. Jahrhundert) Dupont nennt sich selbst einen „Lehrer für Musik und Tanz“.

Dass sie zunächst (seit Ende des 1582. Jahrhunderts) in der Hofmusik im sogenannten „Stallensemble“ verwendet wurde, zeugt von der Geringschätzung der Geige. Das Ensemble („Chor“) des Stalls wurde die Kapelle der Blasinstrumente genannt, die den königlichen Jagden, Ausflügen und Picknicks diente. 24 wurden die Geigeninstrumente vom „Stallensemble“ getrennt und daraus das „Große Ensemble der Geiger“ oder sonst „XNUMX Violinen des Königs“ gebildet, um bei Balletten, Bällen, Maskeraden zu spielen und königliche Mahlzeiten zu servieren.

Ballett war für die Entwicklung der französischen Geigenkunst von großer Bedeutung. Üppiges und buntes Hofleben kam dieser Art von Theateraufführungen besonders nahe. Charakteristisch ist, dass die spätere Tanzbarkeit fast schon zu einem nationalen Stilmerkmal der französischen Geigenmusik wurde. Eleganz, Anmut, plastische Striche, Anmut und Elastizität der Rhythmen sind die Eigenschaften, die der französischen Geigenmusik innewohnen. Im Hofballett, besonders J.-B. Lully begann die Geige die Position des Soloinstruments zu erobern.

Nicht jeder weiß, dass der größte französische Komponist des 16. Jahrhunderts, J.-B. Lully spielte hervorragend Geige. Mit seiner Arbeit trug er zur Anerkennung dieses Instruments in Frankreich bei. Ihm gelang die Gründung des „Kleinen Ensembles“ von Geigern (aus 21, damals 1866 Musikern) am Hof. Durch die Kombination beider Ensembles erhielt er ein beeindruckendes Orchester, das die zeremoniellen Ballette begleitete. Vor allem aber wurden in diesen Balletten der Violine Solonummern anvertraut; in Das Ballett der Musen (XNUMX) ging Orpheus auf die Bühne und spielte Geige. Es gibt Hinweise darauf, dass Lully diese Rolle persönlich gespielt hat.

Das Können der französischen Geiger in der Ära Lullys lässt sich daran ablesen, dass die Interpreten in seinem Orchester das Instrument nur in der ersten Position besaßen. Es ist eine Anekdote überliefert, als eine Note in Geigenstimmen vorkam zu auf der Quinte, die durch Ausstrecken des vierten Fingers „erreicht“ werden konnte, ohne die erste Lage zu verlassen, fegte es durch das Orchester: „vorsichtig – zu!“

Schon zu Beginn des 1712. Jahrhunderts (1715) argumentierte einer der französischen Musiker, der Theoretiker und Geiger Brossard, dass der Klang der Geige in hohen Lagen forciert und unangenehm sei; "in einem Wort. es ist keine Geige mehr.“ XNUMX, als Corellis Triosonaten Frankreich erreichten, konnte keiner der Geiger sie spielen, da sie keine drei Positionen besaßen. „Der Regent, der Herzog von Orleans, ein großer Musikliebhaber, der sie hören wollte, musste sie von drei Sängern singen lassen … und nur wenige Jahre später gab es drei Geiger, die sie aufführen konnten.“

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts begann sich die Geigenkunst Frankreichs rasant zu entwickeln, und bereits in den XNUMXer Jahren hatten sich Geigerschulen gebildet, die zwei Strömungen bildeten: die „Franzosen“, die nationale Traditionen erbten, die auf Lully zurückgehen, und die „ Italienisch“, die unter dem starken Einfluss von Corelli stand. Zwischen ihnen entbrannte ein erbitterter Kampf, ein Match für den zukünftigen Krieg der Possenreißer oder die Zusammenstöße der „Glukisten“ und „Pichinisten“. Die Franzosen waren in ihren musikalischen Erfahrungen schon immer expansiv; außerdem begann in dieser Zeit die Ideologie der Enzyklopädisten zu reifen, und es wurden leidenschaftliche Auseinandersetzungen über alle sozialen, künstlerischen und literarischen Phänomene geführt.

F. Rebel (1666–1747) und J. Duval (1663–1728) gehörten zu den Geigern der Lullisten, M. Maschiti (1664–1760) und J.-B. Senaye (1687-1730). Der „französische“ Trend entwickelte besondere Prinzipien. Es zeichnete sich durch Tanzen, Anmut und kurze markierte Schläge aus. Im Gegensatz dazu strebten Geiger, beeinflusst von der italienischen Geigenkunst, nach Wohlklang, einer weiten, reichen Kantilene.

Wie stark die Unterschiede zwischen den beiden Strömungen waren, lässt sich daran ablesen, dass der berühmte französische Cembalist Francois Couperin 1725 ein Werk mit dem Titel „The Apotheosis of Lully“ veröffentlichte. Es „beschreibt“ (jede Nummer ist mit erläuterndem Text versehen), wie Apollo Lully seinen Platz auf Parnassus angeboten hat, wie er dort Corelli trifft und Apollo beide davon überzeugt, dass die Perfektion der Musik nur durch die Kombination französischer und italienischer Musen erreicht werden kann.

Den Weg einer solchen Vereinigung beschritt eine Gruppe der talentiertesten Geiger, unter denen sich besonders die Brüder Francoeur Louis (1692-1745) und Francois (1693-1737) und Jean-Marie Leclerc (1697-1764) hervorhoben.

Der letzte von ihnen kann mit gutem Grund als Begründer der französischen klassischen Geigenschule bezeichnet werden. In Kreativität und Aufführung synthetisierte er organisch die unterschiedlichsten Strömungen dieser Zeit, zollte den französischen nationalen Traditionen den tiefsten Tribut und bereicherte sie mit jenen Ausdrucksmitteln, die von den italienischen Geigenschulen erobert wurden. Corelli – Vivaldi – Tartini. Leclercs Biograf, der französische Gelehrte Lionel de la Laurencie, betrachtet die Jahre 1725-1750 als die Zeit der ersten Blüte der französischen Geigenkultur, die zu dieser Zeit bereits viele brillante Geiger hatte. Unter ihnen weist er Leclerc den zentralen Platz zu.

Leclerc wurde in Lyon in der Familie eines Handwerksmeisters (von Beruf ein Gallone) geboren. Sein Vater heiratete am 8. Januar 1695 die Jungfrau Benoist-Ferrier und hatte mit ihr acht Kinder – fünf Jungen und drei Mädchen. Der älteste dieser Nachkommen war Jean-Marie. Er wurde am 10. Mai 1697 geboren.

Altertümlichen Quellen zufolge gab der junge Jean-Marie sein künstlerisches Debüt im Alter von 11 Jahren als Tänzer in Rouen. Im Allgemeinen war dies nicht überraschend, da viele Geiger in Frankreich mit Tanzen beschäftigt waren. Ohne seine Aktivitäten in diesem Bereich zu leugnen, äußert Laurency jedoch Zweifel, ob Leclerc wirklich nach Rouen gegangen ist. Vermutlich studierte er beide Künste in seiner Geburtsstadt, und offenbar schon damals stufenweise, da er vor allem damit rechnete, den väterlichen Beruf auszuüben. Laurency beweist, dass es einen anderen Tänzer aus Rouen gab, der den Namen Jean Leclerc trug.

Am 9. November 1716 heiratete er in Lyon Marie-Rose Castagna, die Tochter eines Spirituosenhändlers. Er war damals etwas über neunzehn Jahre alt. Schon damals beschäftigte er sich offensichtlich nicht nur mit dem Handwerk einer Galone, sondern beherrschte auch den Beruf eines Musikers, da er ab 1716 auf den Listen der an die Lyoner Oper Eingeladenen stand. Seine erste Geigenausbildung erhielt er vermutlich von seinem Vater, der nicht nur ihn, sondern alle seine Söhne an die Musik heranführte. Jean-Maries Brüder spielten in Lyoner Orchestern, und sein Vater war als Cellist und Tanzlehrer aufgeführt.

Jean-Maries Frau hatte Verwandte in Italien, und vielleicht durch sie wurde Leclerc 1722 als erster Tänzer des Stadtballetts nach Turin eingeladen. Doch sein Aufenthalt in der piemontesischen Hauptstadt war nur von kurzer Dauer. Ein Jahr später zog er nach Paris, wo er die erste Sonatensammlung für Violine mit digitalisiertem Bass veröffentlichte und sie Herrn Bonnier, dem Staatsschatzmeister der Provinz Languedoc, widmete. Bonnier kaufte sich für Geld den Titel Baron de Mosson, hatte ein eigenes Hotel in Paris, zwei Landsitze – „Pas d'etrois“ in Montpellier und das Schloss Mosson. Als das Theater in Turin im Zusammenhang mit dem Tod der Prinzessin von Piemont geschlossen wurde. Leclerc lebte zwei Monate lang mit diesem Mäzen.

1726 zog er erneut nach Turin. Das Royal Orchestra in der Stadt wurde von dem berühmten Corelli-Schüler und dem erstklassigen Geigenlehrer Somis geleitet. Leclerc begann, Unterricht bei ihm zu nehmen, und machte erstaunliche Fortschritte. So konnte er bereits 1728 mit glänzendem Erfolg in Paris auftreten.

Während dieser Zeit beginnt der Sohn des kürzlich verstorbenen Bonnier, ihn zu bevormunden. Er bringt Leclerc in sein Hotel auf St. Dominica. Leclerc widmet ihm die zweite Sammlung von Sonaten für Solovioline mit Bass und 6 Sonaten für 2 Violinen ohne Bass (op. 3), die 1730 veröffentlicht wurden. Leclerc spielt oft im Spirituellen Konzert, was seinen Ruhm als Solist festigt.

1733 trat er den Hofmusikanten bei, jedoch nicht für lange Zeit (bis etwa 1737). Der Grund für seine Abreise war eine lustige Geschichte, die sich zwischen ihm und seinem Rivalen, dem hervorragenden Geiger Pierre Guignon, zugetragen hatte. Jeder war so eifersüchtig auf den Ruhm des anderen, dass er sich nicht bereit erklärte, die zweite Stimme zu spielen. Schließlich einigten sie sich darauf, jeden Monat die Plätze zu tauschen. Guignon gab Leclair den Anfang, aber als der Monat um war und er zur zweiten Geige wechseln musste, entschied er sich, den Dienst zu verlassen.

1737 reiste Leclerc nach Holland, wo er den größten Geiger der ersten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts traf, einen Schüler von Corelli, Pietro Locatelli. Dieser originelle und kraftvolle Komponist hatte einen großen Einfluss auf Leclerc.

Von Holland kehrte Leclerc nach Paris zurück, wo er bis zu seinem Tod blieb.

Zahlreiche Werkausgaben und häufige Auftritte in Konzerten stärkten das Wohl des Geigers. 1758 kaufte er ein zweistöckiges Haus mit Garten in der Rue Carem-Prenant in einem Vorort von Paris. Das Haus lag in einer ruhigen Ecke von Paris. Leclerc lebte darin allein, ohne Diener und seine Frau, die am häufigsten Freunde in der Innenstadt besuchte. Leclercs Aufenthalt an einem so abgelegenen Ort beunruhigte seine Bewunderer. Der Duke de Grammont bot ihm wiederholt an, bei ihm zu wohnen, während Leclerc die Einsamkeit bevorzugte. Am 23. Oktober 1764, früh am Morgen, bemerkte ein Gärtner namens Bourgeois, der in der Nähe des Hauses vorbeiging, eine angelehnte Tür. Fast gleichzeitig näherte sich Leclercs Gärtner Jacques Peizan und beide bemerkten, dass der Hut und die Perücke des Musikers auf dem Boden lagen. Erschrocken riefen sie die Nachbarn und betraten das Haus. Leclercs Leiche lag im Vorraum. Er wurde in den Rücken gestochen. Der Mörder und die Motive des Verbrechens blieben ungeklärt.

Polizeiakten geben eine detaillierte Beschreibung der Dinge, die Leclerc hinterlassen hat. Darunter befinden sich ein goldverzierter Tisch im antiken Stil, mehrere Gartenstühle, zwei Schminktische, eine Intarsienkommode, eine weitere kleine Kommode, eine beliebte Tabakdose, ein Spinett, zwei Geigen usw. Der wichtigste Wert war der Bibliothek. Leclerc war ein gebildeter und belesener Mann. Seine Bibliothek bestand aus 250 Bänden und enthielt Ovids Metamorphosen, Miltons Paradise Lost, Werke von Telemachus, Molière, Virgil.

Das einzige erhaltene Porträt von Leclerc stammt von dem Maler Alexis Loire. Es wird im Kupferstichkabinett der Nationalbibliothek von Paris aufbewahrt. Leclerc ist mit halbem Gesicht dargestellt und hält eine Seite mit gekritzeltem Notenpapier in der Hand. Er hat ein volles Gesicht, einen runden Mund und lebhafte Augen. Zeitgenossen behaupten, dass er einen einfachen Charakter hatte, aber ein stolzer und nachdenklicher Mensch war. Einen der Nachrufe zitierend, zitiert Lorancey die folgenden Worte: „Er zeichnete sich durch die stolze Einfachheit und den strahlenden Charakter eines Genies aus. Er war ernst und nachdenklich und mochte die große Welt nicht. Melancholisch und einsam mied er seine Frau und zog es vor, von ihr und seinen Kindern getrennt zu leben.

Sein Ruhm war außergewöhnlich. Über seine Werke wurden Gedichte verfasst, begeisterte Rezensionen geschrieben. Leclerc galt als anerkannter Meister der Sonatengattung, als Schöpfer des französischen Violinkonzerts.

Seine Sonaten und Konzerte sind stilistisch hochinteressant, eine wahrhaft unersättliche Fixierung der für die französische, deutsche und italienische Violinmusik charakteristischen Intonationen. Bei Leclerc klingen einige Teile der Konzerte ziemlich „Bachianisch“, obwohl er im Großen und Ganzen weit von einem polyphonen Stil entfernt ist; viele Intonationswechsel finden sich, entlehnt von Corelli, Vivaldi, und in den pathetischen „Arien“ und in den funkelnden Schlussrondos ist er ein echter Franzose; Kein Wunder, dass Zeitgenossen sein Werk gerade wegen seines nationalen Charakters so schätzten. Aus nationaler Tradition stammt das „Porträt“, die Darstellung einzelner Teile der Sonaten, in denen sie Couperins Cembalo-Miniaturen ähneln. Er synthetisiert diese sehr unterschiedlichen Elemente des Melos und verschmilzt sie so, dass er einen außergewöhnlichen monolithischen Stil erreicht.

Leclerc schrieb nur Violinwerke (mit Ausnahme der Oper Scylla and Glaucus, 1746) – Sonaten für Violine mit Bass (48), Triosonaten, Konzerte (12), Sonaten für zwei Violinen ohne Bass usw.

Als Geiger beherrschte Leclerc die damalige Spieltechnik perfekt und war besonders berühmt für die Ausführung von Akkorden, Doppelnoten und die absolute Reinheit der Intonation. Einer von Leclercs Freunden und ein feiner Musikkenner, Rosois, nennt ihn „ein tiefgründiges Genie, das die Mechanik des Spiels in Kunst verwandelt“. Sehr oft wird das Wort „Wissenschaftler“ in Bezug auf Leclerc verwendet, was von der bekannten Intellektualität seiner Leistung und Kreativität zeugt und den Eindruck erweckt, dass ihn vieles in seiner Kunst den Enzyklopädisten näher gebracht und den Weg zum Klassizismus vorgezeichnet hat. „Sein Spiel war weise, aber es gab kein Zögern in dieser Weisheit; es war das Ergebnis eines außergewöhnlichen Geschmacks und nicht eines Mangels an Mut oder Freiheit.

Hier ist die Rezension eines anderen Zeitgenossen: „Leclerc war der Erste, der in seinen Werken das Angenehme mit dem Nützlichen verband; er ist ein sehr gelehrter Komponist und spielt Doppeltöne mit einer Perfektion, die kaum zu überbieten ist. Er hat eine glückliche Verbindung des Bogens mit den Fingern (linke Hand. – LR) und spielt mit außergewöhnlicher Reinheit: und wenn ihm vielleicht manchmal eine gewisse Kälte in seiner Übertragungsart vorgeworfen wird, dann kommt das von einem Mangel des Temperaments, der normalerweise der absolute Herr fast aller Menschen ist.“ Unter Berufung auf diese Rezensionen hebt Lorancey die folgenden Qualitäten von Leclercs Spiel hervor: „Bewusster Mut, unvergleichliche Virtuosität, kombiniert mit perfekter Korrektur; vielleicht etwas Trockenheit mit einer gewissen Klarheit und Klarheit. Dazu – Majestät, Festigkeit und zurückhaltende Zärtlichkeit.

Leclerc war ein ausgezeichneter Lehrer. Zu seinen Schülern zählen die berühmtesten Geiger Frankreichs – L'Abbe-son, Dovergne und Burton.

Leclerc machte zusammen mit Gavinier und Viotti den Ruhm der französischen Geigenkunst des XNUMX. Jahrhunderts.

L. Raben