Georg Friedrich Händel |

Georg Friedrich Händel

GF Händel ist einer der größten Namen in der Geschichte der Musikkunst. Der große Komponist der Aufklärung, er eröffnete neue Perspektiven in der Entwicklung der Gattung Oper und Oratorium, nahm viele musikalische Ideen nachfolgender Jahrhunderte vorweg – das Operndrama von KV Gluck, das bürgerliche Pathos von L. Beethoven, die psychologische Tiefe von Romantik. Er ist ein Mann von einzigartiger innerer Stärke und Überzeugung. „Sie können jeden und alles verachten“, sagte B. Shaw, „aber Sie sind machtlos, Händel zu widersprechen.“ „… Wenn seine Musik auf die Worte „Sitzen auf seinem ewigen Thron“ erklingt, ist der Atheist sprachlos.“

Händels nationale Identität wird von Deutschland und England bestritten. Händel wurde in Deutschland geboren, die kreative Persönlichkeit des Komponisten, seine künstlerischen Interessen und Fähigkeiten entwickelten sich auf deutschem Boden. Der größte Teil des Lebens und Schaffens Händels, die Herausbildung einer ästhetischen Position in der Musikkunst, im Einklang mit dem aufklärerischen Klassizismus von A. Shaftesbury und A. Paul, ein intensiver Kampf um ihre Anerkennung, Krisenniederlagen und triumphale Erfolge sind damit verbunden England.

Händel wurde in Halle als Sohn eines Hoffriseurs geboren. Die früh manifestierten musikalischen Fähigkeiten wurden vom Kurfürsten von Halle, dem Herzog von Sachsen, bemerkt, unter dessen Einfluss der Vater (der beabsichtigte, seinen Sohn zum Anwalt zu machen und der Musik als zukünftigem Beruf keine ernsthafte Bedeutung beimaß) den Jungen zum Studium gab der beste Musiker der Stadt F. Tsakhov. Als guter Komponist, ein gelehrter Musiker, der mit den besten Kompositionen seiner Zeit (deutsch, italienisch) vertraut war, offenbarte Tsakhov Händel eine Fülle verschiedener Musikstile, vermittelte einen künstlerischen Geschmack und half, die Technik des Komponisten zu entwickeln. Die Schriften von Tsakhov selbst inspirierten Händel weitgehend zur Nachahmung. Früh als Mensch und als Komponist ausgebildet, war Händel bereits im Alter von 11 Jahren in Deutschland bekannt. Während seines Jurastudiums an der Universität Halle (wo er 1702 eintrat, erfüllte er den Willen seines bereits verstorbenen Vaters Zeit) diente Händel gleichzeitig als Organist in der Kirche, komponierte und unterrichtete Gesang. Er hat immer hart und mit Begeisterung gearbeitet. Getrieben von dem Wunsch, sich zu verbessern und die Tätigkeitsbereiche zu erweitern, reist Händel 1703 nach Hamburg, einem der kulturellen Zentren Deutschlands im XNUMX. Jahrhundert, einer Stadt mit dem ersten öffentlichen Opernhaus des Landes, das mit den Theatern Frankreichs konkurriert und Italien. Es war die Oper, die Händel anzog. Der Wunsch, die Atmosphäre des Musiktheaters zu spüren, die Opernmusik praktisch kennenzulernen, lässt ihn die bescheidene Position des zweiten Geigers und Cembalisten im Orchester betreten. Das reiche künstlerische Leben der Stadt, die Zusammenarbeit mit herausragenden Musikerpersönlichkeiten dieser Zeit – R. Kaiser, Opernkomponist, damaliger Direktor des Opernhauses, I. Mattheson – Kritiker, Schriftsteller, Sänger, Komponist – hatten einen großen Einfluss auf Händel. Der Einfluss des Kaisers findet sich in vielen Opern Händels, nicht nur in den frühen.

Der Erfolg der ersten Opernproduktionen in Hamburg (Almira – 1705, Nero – 1705) inspiriert den Komponisten. Sein Aufenthalt in Hamburg ist jedoch nur von kurzer Dauer: Die Insolvenz des Kaisers führt zur Schließung des Opernhauses. Händel geht nach Italien. Bei Besuchen in Florenz, Venedig, Rom, Neapel studiert der Komponist erneut und nimmt vielfältige künstlerische Eindrücke auf, vor allem Operneindrücke. Händels Fähigkeit, multinationale Musikkunst wahrzunehmen, war außergewöhnlich. Nur wenige Monate vergehen, und er beherrscht den Stil der italienischen Oper zudem mit einer solchen Perfektion, dass er viele in Italien anerkannte Autoritäten übertrifft. 1707 inszenierte Florenz Händels erste italienische Oper, Rodrigo, und zwei Jahre später inszenierte Venedig die nächste, Agrippina. Opern erhalten begeisterte Anerkennung von Italienern, sehr anspruchsvollen und verwöhnten Zuhörern. Händel wird berühmt – er tritt in die berühmte Arkadische Akademie ein (zusammen mit A. Corelli, A. Scarlatti, B. Marcello), erhält den Auftrag, Musik für die Höfe italienischer Aristokraten zu komponieren.

Das Hauptwort in der Kunst Händels sollte jedoch in England gesprochen werden, wohin er 1710 zum ersten Mal eingeladen wurde und wo er sich 1716 endgültig niederließ (1726 nahm er die englische Staatsbürgerschaft an). Seit dieser Zeit beginnt ein neuer Abschnitt im Leben und Werk des großen Meisters. England mit seinen frühen pädagogischen Ideen, Beispielen der Hochliteratur (J. Milton, J. Dryden, J. Swift) erwies sich als fruchtbares Umfeld, in dem sich die mächtigen kreativen Kräfte des Komponisten offenbarten. Aber für England selbst war die Rolle Händels gleich einer ganzen Ära. Die englische Musik, die 1695 ihr nationales Genie G. Purcell verlor und in der Entwicklung stehen blieb, stieg nur mit dem Namen Händel wieder zu Welthöhen auf. Sein Weg in England war jedoch nicht einfach. Die Briten feierten Händel zunächst als Meister der italienischen Oper. Hier besiegte er schnell alle seine Rivalen, sowohl Engländer als auch Italiener. Bereits 1713 wurde sein Te Deum bei den Feierlichkeiten zum Abschluss des Friedens von Utrecht aufgeführt, eine Ehre, die zuvor keinem Ausländer zuteil wurde. 1720 übernimmt Händel die Leitung der Academy of Italian Opera in London und wird damit Leiter des nationalen Opernhauses. Seine Opernmeisterwerke werden geboren – „Radamist“ – 1720, „Otto“ – 1723, „Julius Caesar“ – 1724, „Tamerlane“ – 1724, „Rodelinda“ – 1725, „Admet“ – 1726. In diesen Werken geht Händel weiter Rahmen der zeitgenössischen italienischen Opera seria und schafft eine eigene Art der musikalischen Darbietung mit hell umrissenen Charakteren, psychologischer Tiefe und dramatischer Konfliktintensität. Die edle Schönheit der lyrischen Bilder von Händels Opern, die tragische Kraft der Höhepunkte hatten ihresgleichen die italienische Opernkunst ihrer Zeit. Seine Opern standen an der Schwelle der bevorstehenden Opernreform, die Händel nicht nur spürte, sondern auch weitgehend umsetzte (viel früher als Gluck und Rameau). , das Wachstum des nationalen Selbstbewusstseins, angeregt durch die Ideen der Aufklärung, die Reaktion auf die obsessive Vorherrschaft der italienischen Oper und der italienischen Sänger führen zu einer negativen Haltung gegenüber der Oper als Ganzes. Flugblätter werden darüber erstellt Alianische Opern, die eigentliche Art der Oper, werden über ihren Charakter lächerlich gemacht. und kapriziöse Darsteller. Als Parodie erschien 1728 die englische satirische Komödie The Beggar's Opera von J. Gay und J. Pepush. Und obwohl sich Händels Londoner Opern als Meisterwerke dieser Gattung in ganz Europa ausbreiten, nimmt das Ansehen der italienischen Oper insgesamt ab spiegelt sich in Händel wider. Das Theater wird boykottiert, der Erfolg einzelner Inszenierungen ändert nichts am Gesamtbild.

Im Juni 1728 hörte die Akademie auf zu existieren, aber Händels Autorität als Komponist fiel damit nicht. Der englische König Georg II. bestellt ihm anlässlich der Krönung Hymnen, die im Oktober 1727 in der Westminster Abbey aufgeführt werden. Gleichzeitig kämpft Händel mit seiner ihm eigenen Hartnäckigkeit weiter für die Oper. Er reist nach Italien, rekrutiert eine neue Truppe und eröffnet im Dezember 1729 mit der Oper Lothario die Saison der zweiten Opernakademie. Im Werk des Komponisten ist es Zeit für neue Suchen. „Poros“ („Por“) – 1731, „Orlando“ – 1732, „Partenope“ – 1730. „Ariodant“ – 1734, „Alcina“ – 1734 – in jeder dieser Opern aktualisiert der Komponist die Interpretation der Opera-seria Genre auf unterschiedliche Weise – führt das Ballett ein („Ariodant“, „Alcina“), die „magische“ Handlung sättigt mit tiefdramatischem, psychologischem Inhalt („Orlando“, „Alcina“), erreicht in der Musiksprache höchste Vollendung – Schlichtheit und Ausdruckstiefe. Es gibt auch eine Wendung von einer ernsten Oper zu einer lyrisch-komischen in „Partenope“ mit ihrer sanften Ironie, Leichtigkeit, Anmut, in „Faramondo“ (1737), „Xerxes“ (1737). Händel selbst nannte eine seiner letzten Opern, Imeneo (Hymeneus, 1738), eine Operette. Aufreibend, nicht ohne politische Untertöne, endet der Kampf Händels um das Opernhaus mit einer Niederlage. Die Zweite Opernakademie wurde 1737 geschlossen. So wie früher in der Beggar's Opera die Parodie nicht ohne Beteiligung von Händels weithin bekannter Musik blieb, so wird jetzt, 1736, eine neue Parodie der Oper (The Wantley Dragon) indirekt erwähnt Händels Name. Der Komponist nimmt den Zusammenbruch der Akademie schwer, erkrankt und arbeitet fast 8 Monate lang nicht. Die in ihm verborgene erstaunliche Vitalität fordert jedoch erneut ihren Tribut. Händel kehrt mit neuer Energie zur Aktivität zurück. Er schafft seine neuesten Opern-Meisterwerke – „Imeneo“, „Deidamia“ – und vollendet damit die Arbeit an der Operngattung, der er mehr als 30 Jahre seines Lebens gewidmet hat. Die Aufmerksamkeit des Komponisten gilt dem Oratorium. Noch in Italien begann Händel mit der Komposition von Kantaten, geistlicher Chormusik. Später, in England, schrieb Händel Chorhymnen, festliche Kantaten. Als Schlusschöre in Opern spielten Ensembles auch eine Rolle bei der Verfeinerung des Chorsatzes des Komponisten. Und Händels Oper selbst ist gegenüber seinem Oratorium das Fundament, die Quelle dramatischer Ideen, musikalischer Bilder und Stile.

1738 wurden nacheinander 2 brillante Oratorien geboren – „Saul“ (September – 1738) und „Israel in Egypt“ (Oktober – 1738) – gigantische Kompositionen voller Siegeskraft, majestätische Hymnen zu Ehren der Stärke des Menschen Geist und Leistung. 1740er – eine glänzende Zeit im Schaffen Händels. Meisterwerk folgt auf Meisterwerk. „Messiah“, „Samson“, „Belshazzar“, „Hercules“ – heute weltberühmte Oratorien – entstanden in einer beispiellosen Anstrengung kreativer Kräfte in kürzester Zeit (1741-43). Allerdings stellt sich der Erfolg nicht sofort ein. Anfeindungen seitens der englischen Aristokratie, Sabotage der Aufführung von Oratorien, finanzielle Schwierigkeiten, überarbeitete Arbeit führen erneut zur Krankheit. Von März bis Oktober 1745 befand sich Händel in einer schweren Depression. Und wieder siegt die titanische Energie des Komponisten. Auch die politische Situation im Land ändert sich dramatisch – angesichts eines drohenden Angriffs der schottischen Armee auf London wird nationaler Patriotismus mobilisiert. Die heroische Erhabenheit von Händels Oratorien entpuppt sich als im Einklang mit der Stimmung der Briten. Inspiriert von nationalen Befreiungsideen schrieb Händel zwei grandiose Oratorien – Oratorio for the Case (2), das zum Kampf gegen die Invasion aufruft, und Judas Maccabee (1746) – eine kraftvolle Hymne zu Ehren der Helden, die Feinde besiegen.

Händel wird zum Idol Englands. Biblische Handlungen und Bilder von Oratorien gewinnen in dieser Zeit eine besondere Bedeutung als verallgemeinerter Ausdruck hoher ethischer Prinzipien, Heldentums und nationaler Einheit. Die Sprache von Händels Oratorien ist einfach und majestätisch, sie zieht sich an – sie tut dem Herzen weh und heilt es, sie lässt niemanden gleichgültig. Händels letzte Oratorien – „Theodora“, „Die Wahl des Herkules“ (beide 1750) und „Jephthae“ (1751) – offenbaren solche Tiefen psychologischer Dramatik, die keiner anderen Musikgattung zu Händels Zeit zugänglich waren.

1751 erblindete der Komponist. Leidend, hoffnungslos krank, bleibt Händel an der Orgel, während er seine Oratorien aufführt. Er wurde, wie er es wünschte, in Westminster beerdigt.

Bewunderung für Händel erlebten alle Komponisten sowohl im XNUMX. als auch im XNUMX. Jahrhundert. Händel vergötterte Beethoven. In unserer Zeit erhält Händels Musik, die eine enorme künstlerische Wirkungskraft hat, eine neue Bedeutung und Bedeutung. Sein mächtiges Pathos entspricht unserer Zeit, es appelliert an die Kraft des menschlichen Geistes, an den Triumph von Vernunft und Schönheit. Jährliche Feierlichkeiten zu Ehren Händels finden in England, Deutschland, statt und ziehen Künstler und Zuhörer aus der ganzen Welt an.

Y. Evdokimova

Merkmale der Kreativität

Händels schöpferische Tätigkeit war so lange, wie sie fruchtbar war. Sie brachte eine Vielzahl von Werken verschiedener Genres mit. Hier ist Oper mit ihren Varianten (seria, pastoral), Chormusik – weltliche und geistliche, zahlreiche Oratorien, Kammermusik und schließlich Sammlungen von Instrumentalstücken: Cembalo, Orgel, Orchester.

Händel widmete über dreißig Jahre seines Lebens der Oper. Sie stand schon immer im Mittelpunkt der Interessen des Komponisten und zog ihn mehr an als alle anderen Musikrichtungen. Händel, eine Figur im großen Stil, verstand perfekt die Macht des Einflusses der Oper als dramatisches Musik- und Theatergenre; 40 Opern – das ist das kreative Ergebnis seiner Arbeit auf diesem Gebiet.

Händel war kein Reformer der Opera seria. Was er suchte, war die Suche nach einer Richtung, die später in der zweiten Hälfte des XNUMX. Jahrhunderts zu Glucks Opern führte. Dennoch gelang es Händel, in einem Genre, das modernen Ansprüchen bereits weitgehend nicht mehr genügt, hohe Ideale zu verkörpern. Bevor er die ethische Idee in den Volksepen der biblischen Oratorien enthüllte, zeigte er die Schönheit menschlicher Gefühle und Handlungen in Opern.

Um seine Kunst zugänglich und verständlich zu machen, musste der Künstler andere, demokratische Formen und Sprachen finden. Unter bestimmten historischen Bedingungen waren diese Eigenschaften dem Oratorium mehr eigen als der Opera seria.

Die Arbeit am Oratorium bedeutete für Händel einen Ausweg aus einer kreativen Sackgasse und einer ideologischen und künstlerischen Krise. Gleichzeitig bot das typologisch eng an die Oper angrenzende Oratorium die größtmöglichen Möglichkeiten, alle Formen und Techniken des Opernschreibens anzuwenden. In der Gattung der Oratorien schuf Händel Werke, die seines Genies würdig sind, wahrhaft große Werke.

Das Oratorium, dem sich Händel in den 30er und 40er Jahren zuwandte, war für ihn keine neue Gattung. Seine ersten Oratorienwerke stammen aus der Zeit seines Aufenthalts in Hamburg und Italien; Die nächsten dreißig wurden während seines gesamten Schaffenslebens komponiert. Zwar schenkte Händel dem Oratorium bis Ende der 30er Jahre relativ wenig Beachtung; erst nach der Abkehr von der Opera seria begann er, diese Gattung tiefgreifend und umfassend zu entwickeln. Somit können die Oratorienwerke der letzten Periode als künstlerischer Abschluss von Händels Schaffensweg angesehen werden. Alles, was jahrzehntelang in den Tiefen des Bewusstseins gereift und geschlüpft war, was im Prozess der Arbeit an Opern- und Instrumentalmusik teilweise verwirklicht und verbessert wurde, erhielt im Oratorium den vollständigsten und vollkommensten Ausdruck.

Die italienische Oper brachte Händel die Beherrschung des Gesangsstils und verschiedener Arten des Sologesangs: expressive Rezitativ-, Ariose- und Liedformen, brillante pathetische und virtuose Arien. Passions, englische Hymnen halfen, die Technik des Chorschreibens zu entwickeln; instrumentale und insbesondere orchestrale Kompositionen trugen dazu bei, die farbigen und ausdrucksstarken Mittel des Orchesters einzusetzen. So gingen der Entstehung von Oratorien – den besten Schöpfungen Händels – die reichsten Erfahrungen voraus.

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Einmal sagte der Komponist in einem Gespräch mit einem seiner Bewunderer: „Ich würde mich ärgern, mein Herr, wenn ich den Menschen nur Vergnügen bereiten würde. Mein Ziel ist es, sie zu den Besten zu machen.“

Die Stoffauswahl der Oratorien erfolgte in voller Übereinstimmung mit humanethischen und ästhetischen Überzeugungen, mit jenen verantwortungsvollen Aufgaben, die Händel der Kunst zuwies.

Plots für Oratorien bezog Händel aus einer Vielzahl von Quellen: historischen, antiken, biblischen. Größte Popularität zu seinen Lebzeiten und höchste Anerkennung nach Händels Tod waren seine späteren Werke zu biblischen Themen: „Saul“, „Israel in Ägypten“, „Samson“, „Messias“, „Judas Makkabäer“.

Man sollte nicht glauben, dass Händel, hingerissen von der Gattung Oratorium, ein religiöser oder Kirchenkomponist geworden ist. Abgesehen von einigen Kompositionen, die zu besonderen Anlässen geschrieben wurden, hat Händel keine Kirchenmusik. Er schrieb Oratorien in musikalischer und dramatischer Hinsicht und bestimmte sie für das Theater und die Aufführung in der Kulisse. Erst unter starkem Druck der Geistlichkeit gab Händel das ursprüngliche Projekt auf. Um den weltlichen Charakter seiner Oratorien zu betonen, begann er, sie auf der Konzertbühne aufzuführen und schuf damit eine neue Tradition des Pop und der konzertanten Aufführung biblischer Oratorien.

Auch die Berufung auf die Bibel, auf Verschwörungen aus dem Alten Testament, war keineswegs religiös motiviert. Es ist bekannt, dass im Mittelalter soziale Massenbewegungen oft in ein religiöses Gewand gekleidet waren und im Zeichen des Kampfes für kirchliche Wahrheiten marschierten. Die Klassiker des Marxismus geben diesem Phänomen eine erschöpfende Erklärung: Im Mittelalter „wurden die Gefühle der Massen ausschließlich von religiöser Nahrung genährt; Um eine stürmische Bewegung zu provozieren, war es daher notwendig, die eigenen Interessen dieser Massen in religiösem Gewand zu präsentieren “(Marx K., Engels F. Soch., 2. Aufl., Bd. 21, S. 314. ).

Seit der Reformation und dann der englischen Revolution des XNUMX. Jahrhunderts, die unter religiösen Bannern vor sich ging, ist die Bibel fast das beliebteste Buch geworden, das in jeder englischen Familie verehrt wird. Biblische Überlieferungen und Geschichten über die Helden der alten jüdischen Geschichte wurden gewöhnlich mit Ereignissen aus der Geschichte ihres eigenen Landes und Volkes in Verbindung gebracht, und „religiöse Kleidung“ verbarg nicht die sehr realen Interessen, Bedürfnisse und Wünsche der Menschen.

Die Verwendung biblischer Geschichten als Plots für weltliche Musik erweiterte nicht nur die Bandbreite dieser Plots, sondern stellte auch neue Anforderungen, unvergleichlich ernster und verantwortungsvoller, und gab dem Thema eine neue gesellschaftliche Bedeutung. Im Oratorium war es möglich, die Grenzen liebeslyrischer Intrigen, üblicher Liebeswechsel, die in der modernen Opera seria allgemein akzeptiert sind, zu überschreiten. Biblische Themen ließen keine Interpretation von Frivolität, Unterhaltung und Verzerrung zu, die in Serienopern antiken Mythen oder Episoden der antiken Geschichte unterworfen wurden; Schließlich ermöglichten die Legenden und Bilder, die seit langem allen bekannt sind und als Handlungsmaterial verwendet wurden, den Inhalt der Werke einem breiten Publikum näher zu bringen und den demokratischen Charakter des Genres selbst zu betonen.

Bezeichnend für Händels bürgerliches Selbstbewusstsein ist die Richtung, in der die Auswahl der biblischen Themen erfolgte.

Händels Aufmerksamkeit richtet sich nicht wie in der Oper auf das Einzelschicksal des Helden, nicht auf seine lyrischen Erlebnisse oder Liebesabenteuer, sondern auf das Leben der Menschen, auf ein Leben voller Kampfpathos und vaterländischer Tat. Im Wesentlichen dienten biblische Überlieferungen als konditionale Form, in der es möglich war, das wunderbare Gefühl der Freiheit, den Wunsch nach Unabhängigkeit und das selbstlose Handeln von Volkshelden in majestätischen Bildern zu verherrlichen. Diese Ideen sind es, die den eigentlichen Inhalt von Händels Oratorien ausmachen; So wurden sie von den Zeitgenossen des Komponisten wahrgenommen, sie wurden auch von den fortschrittlichsten Musikern anderer Generationen verstanden.

VV Stasov schreibt in einer seiner Kritiken: „Das Konzert endete mit Händels Chor. Wer von uns hat später nicht davon geträumt, als eine Art kolossaler, grenzenloser Triumph eines ganzen Volkes? Was für eine titanische Natur dieser Händel war! Und denken Sie daran, dass es mehrere Dutzend solcher Chöre gibt.“

Der episch-heroische Charakter der Bilder bestimmte die Formen und Mittel ihrer musikalischen Verkörperung. Händel beherrschte das Können eines Opernkomponisten in hohem Maße und machte alle Errungenschaften der Opernmusik zum Eigentum eines Oratoriums. Doch anders als bei der Opera seria mit ihrem solistischen Einsatz und der dominanten Stellung der Arie erwies sich der Chor als Kernstück des Oratoriums als Mittel zur Vermittlung der Gedanken und Gefühle des Volkes. Es sind die Chöre, die Händels Oratorien ein majestätisches, monumentales Aussehen verleihen und, wie Tschaikowsky schrieb, „die überwältigende Wirkung von Stärke und Kraft“ beitragen.

Durch die Beherrschung der virtuosen Technik des Chorsatzes erreicht Händel eine Vielzahl von Klangeffekten. Frei und flexibel setzt er Chöre in den unterschiedlichsten Situationen ein: beim Ausdruck von Trauer und Freude, heroischem Enthusiasmus, Wut und Empörung, bei der Darstellung einer hellen pastoralen, ländlichen Idylle. Jetzt bringt er den Chorklang zu grandioser Kraft, dann reduziert er ihn zu einem transparenten Pianissimo; manchmal schreibt Händel Chöre in einem reichen Akkord-Harmonik-Lagerhaus und kombiniert Stimmen zu einer kompakten, dichten Masse; die reichen Möglichkeiten der Polyphonie dienen als Mittel zur Steigerung von Bewegung und Wirkung. Abwechselnd folgen polyphone und akkordische Episoden, oder es werden beide Prinzipien – polyphon und akkordisch – kombiniert.

Laut PI Tschaikowsky „war Händel ein unnachahmlicher Meister der Fähigkeit, mit Stimmen umzugehen. Ohne die chorischen Mittel zu forcieren, ohne die natürlichen Grenzen der Stimmlagen zu überschreiten, entlockte er dem Chor solch hervorragende Massenwirkungen, die andere Komponisten nie erreicht haben … “.

Chöre in Händels Oratorien sind immer eine aktive Kraft, die die musikalische und dramatische Entwicklung steuert. Daher sind die kompositorischen und darstellerischen Aufgaben des Chores außerordentlich wichtig und vielfältig. In Oratorien, in denen das Volk die Hauptfigur ist, nimmt die Bedeutung des Chores besonders zu. Dies zeigt sich am Beispiel des Chorepos „Israel in Egypt“. Bei Samson sind die Partien einzelner Helden und Personen, also Arien, Duette und Chöre, gleichmäßig verteilt und ergänzen sich gegenseitig. Wenn der Chor im Oratorium „Samson“ nur die Gefühle oder Zustände der kriegführenden Völker vermittelt, spielt der Chor in „Judas Maccabee“ eine aktivere Rolle und nimmt direkt am dramatischen Geschehen teil.

Das Drama und seine Entwicklung im Oratorium sind nur durch musikalische Mittel bekannt. Wie Romain Rolland sagt, dient im Oratorium „die Musik als ihre eigene Dekoration“. Als Ersatz für den Mangel an dekorativer Dekoration und theatralischer Aufführung der Handlung erhält das Orchester neue Funktionen: mit Klängen zu malen, was passiert, die Umgebung, in der Ereignisse stattfinden.

Wie in der Oper ist die Form des Sologesangs im Oratorium die Arie. Die ganze Vielfalt an Arientypen und -gattungen, die sich in der Arbeit verschiedener Opernschulen entwickelt haben, überträgt Händel auf das Oratorium: große Arien heroischen Charakters, dramatische und traurige Arien, opernnah Lamentos, brillant und virtuos, in denen die Stimme konkurriert frei mit dem Soloinstrument, pastoral mit transparenter Lichtfarbe, schließlich Liedkonstruktionen wie Arietta. Es gibt auch eine neue Variante des Sologesangs, die zu Händel gehört – eine Arie mit Chor.

Die vorherrschende Da-Capo-Arie schließt viele andere Formen nicht aus: Hier gibt es eine freie Entfaltung des Materials ohne Wiederholung und eine zweiteilige Arie mit kontrastierender Gegenüberstellung zweier musikalischer Bilder.

Bei Händel ist die Arie untrennbar mit dem kompositorischen Ganzen verbunden; es ist ein wichtiger Teil der allgemeinen Linie der musikalischen und dramatischen Entwicklung.

In den Oratorien die äußeren Konturen von Opernarien und sogar die typischen Techniken des opernhaften Gesangsstils verwendend, verleiht Händel dem Inhalt jeder Arie einen individuellen Charakter; Indem er die opernhaften Formen des Sologesangs einem spezifischen künstlerischen und poetischen Design unterordnet, vermeidet er den Schematismus der Seria-Opern.

Händels Musikschrift zeichnet sich durch eine lebendige Bildfülle aus, die er durch psychologische Detaillierung erreicht. Anders als Bach strebt Händel nicht nach philosophischer Innenschau, nach der Übermittlung subtiler Gedankennuancen oder lyrischer Empfindungen. Wie die sowjetische Musikwissenschaftlerin TN Livanova schreibt, vermittelt Händels Musik „große, einfache und starke Gefühle: den Wunsch zu siegen und die Freude über den Sieg, die Verherrlichung des Helden und die strahlende Trauer über seinen glorreichen Tod, die Glückseligkeit des Friedens und der Ruhe nach einem harten Schlachten, die glückselige Poesie der Natur.“

Händels musikalische Bilder sind meist in „großen Strichen“ mit scharf betonten Kontrasten geschrieben; elementare rhythmen, die klarheit des melodischen musters und die harmonie verleihen ihnen ein skulpturales relief, die helligkeit der plakatmalerei. Die Strenge der melodischen Muster, die konvexen Umrisse von Händels musikalischen Bildern wurden später von Gluck wahrgenommen. Die Urform vieler Arien und Chöre von Glucks Opern findet sich in Händels Oratorien.

Heroische Themen, Monumentalität der Formen verbinden sich bei Händel mit größter Klarheit der Tonsprache, mit strengster Sparsamkeit der Mittel. Beethoven, der sich mit Händels Oratorien befasste, sagte begeistert: „Den muss man mit bescheidenen Mitteln lernen, um erstaunliche Wirkungen zu erzielen.“ Händels Fähigkeit, große, erhabene Gedanken mit strenger Einfachheit auszudrücken, wurde von Serov bemerkt. Nachdem er in einem der Konzerte den Chor von „Judas Maccabee“ gehört hatte, schrieb Serov: „Wie weit sind moderne Komponisten von einer solchen Einfachheit im Denken entfernt. Es ist jedoch wahr, dass diese Einfachheit, wie wir bereits anlässlich der Pastoral-Symphonie gesagt haben, nur bei Genies der ersten Größenordnung zu finden ist, was zweifellos Händel war.

V. Galatskaya

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